Mor-discos

Goa - Inmortal (La Vendición Records, 2019)

Wed, 02 Oct 2019 17:57:29 +0200

En esa camada de salvajes indómitos que alberga el colectivo La Vendición la personalidad de Goa brilla con una luz especial. En apenas un par de años ha firmado algunos de los trabajos más innovadores de la escena urbana en España. Él fue de los primeros en reivindicar en español el emo trap -las melodías con riffs guitarreros, ese abrirse en canal en las letras- y cerró el círculo este año al colaborar con el estadounidense Fish Narc en 'Segador de almas'. Junto a Yung Beef tiene cortes que ya son himnos subterráneos como 'Castlevania'. Y ahora entrega esta mixtape donde participan algunas de las más prometedoras voces -Albany, Dafresito- y productores -su cómplice habitual Pochi junto a Marvin Cruz, Locoalien o Ambeats- de su entorno. Goa habita la oscuridad pero su potente reflejo cada vez es más importante en este circuito en expansión.

Varios Artistas – Mamazonia: Odes to the Forest – Vol. 1 (Voodoohop / Shika Shika / Tropical Twista, 2019)

Wed, 02 Oct 2019 18:11:50 +0200

Si suele decirse que “un hombre solo no puede hacer nada”, más difícil sería para un álbum recopilatorio cambiar la deriva medioambiental de un mundo en pleno cambio climático y, más aún, las políticas mercadotécnicas y anti-ambientales que el gobierno de Jair Bolsonaro está empleando en el Amazonas brasileño. Pero, como mínimo, este primer volumen del recopilatorio “Mamazonia” consigue concienciar a través de quince artistas tan comprometidos con la conexión entre la música de raíz y la electrónica de vanguardia, como también con la supervivencia de un cada vez más amenazado Amazonas. Para ello, la coalición de tres sellos propone un cancionero en la línea de lo ya explorado por Shika Shika en “A Guide to the Birdsong” (del que se está preparando una segunda entrega) y cuya utilidad no solo es descubrir a grandes artistas (a seguirle la pista a Bliz Nochi, Xique Xique y BirdzZie, por favor); sino que todo lo recaudado con la venta de este recopilatorio irá destinado a Ieb y Kaninde, dos organizaciones que trabajan con comunidades indígenas, defensores de primera línea de la Amazonía.

Alex Cuba – Sublime (Caracol Records, 2019)

Wed, 02 Oct 2019 09:14:14 +0200

“¿Qué fue de los cantautores?”, (se y nos) preguntaba hace unos años Luis Pastor, uno de los iconos de la canción de autor española en un manifiesto que intentaba desgranar cuál ha sido la deriva, el impacto y la necesidad de que compositores cargados con cosas que decir consigan hacerlo a través de canciones. Mientras en España la última generación de cantautores de gran alcance se sienta en talent shows a decidir quién merece permanecer en antena una o dos semanas más; en América Latina se lleva años forjando una línea de canción de autor absolutamente transversal, con capacidad de recoger galardones y vender discos, pero también de dejar poso. Uno de esos nombres es el del cubano naturalizado canadiense Alex Cuba, que demuestra con “Sublime” no solo ser una suerte de médium entre el sonido de la canción de autor de la trova cubana (nombres como los de Omara Portuondo o Pablo Milanés aportan sus voces) y el neocantautorismo latinoamericano (Silvana Estrada, Alex Ferreira o Kelvis Ochoa también asoman); sino que también firma un cancionero en cuyo sonido se funden y confunden entre el jazz afrocubano, las conexiones con el folk de autor norteamericano, la querencia tropi-autoril de Habana Abierta o Carlos Varela y, sobre todo, la sensación de estar ante un compositores con marca propia, un Silvio o Pablo para el Siglo XXI.

Carmelo Torres y Los Toscos - Carmelo Torres y Los Toscos (San Saba Records, 2019)

Wed, 02 Oct 2019 18:05:27 +0200

La efervescencia de la música colombiana hoy día no se puede comprender sin encuentros como el que aquí nos ocupa. Sucedió en 2014 en Bogotá, en el icónico club Matik Matik. La colaboración entre Carmelo Torres -músico del Caribe colombiano que ha seguido la escuela del maestro Andrés Landero, pionero en sustituir las gaitas por el acordeón dentro de la cumbia- y el colectivo Los Toscos -a quien más tarde se unieron los embajadores de la escena alternativa bogotana Pedro Ojeda y Mario Galeano, además del inventor de la rasqa Edson Velandia- cristalizó en un disco a finales de 2015. El sello indie estadounidense San Saba Records recupera ahora aquella grabación ya legendaria que cruza dos universos aparentemente ajenos, como son la tradición campesina y la modernidad capitalina. Esta música no se hace en ninguna otra parte del mundo más que en Colombia.

Chúpame el Dedo – No te metas con Satán (Souk Records, 2019)

Wed, 02 Oct 2019 09:05:48 +0200

De todas las cosas que carga el diablo, la cumbia deathmetalera es la más disfrutona de todas. La alianza entre Eblis Álvarez (capo de Meridian Brothers, y flamante productor del “Colombiana” de Niño de Elche) y Pedro Ojeda (capo de Romperayo) lleva más de un lustro jugando a la colosal idea de fundir ritmos tropicales (de la salsa al currulao, la cumbia o el reggaetón) con sonidos propios del metal digital más psicodélico. Y, tres años después de aquel homónimo debut que desconcertó y generó pasiones a partes iguales, Chúpame el dedo cantan a los pedos y a la familia, a los dolores y a los demonios, en un ejercicio de cinismo endemoniado, tan cerca del metal hecho con doo-rags de proyectos como Grosgoroth o Los Caballos de Düsseldorf como del único reggaetón posible que puede existir en el Resurrection Fest o de la cumbia que sí bailarían en el camerino Cannibal Corpse, Napalm Death, Dimmu Borgir o Venom.

Varios Artistas - Voces del bullerengue: anónimas y resilientes (Chaco World Music, 2019)

Wed, 02 Oct 2019 08:58:41 +0200

Totó la Momposina o Petrona Martínez son hoy iconos globales de la música, pero detrás de estas legendarias cantaoras del Caribe colombiano hay tantas otras que se perdieron en el olvido. No había plata para grabar sus canciones, nadie desde la industria se preocupó por conservar esas tradiciones. Este disco se ocupa de ese vacío, reuniendo a siete voces hasta ahora anónimas del bullerengue con la ayuda de Manuel García-Orozco (aka Chaco), productor detrás de otros trabajos recientes de arqueología musical en Colombia como 'El orisha de la rosa' (2017) de Magín Díaz. No es sólo un álbum sino un objeto de coleccionista y hasta un manual de investigación etnográfica. Por encima de todo propone un festín de himnos construidos con percusiones y poderosas voces que retratan la vida en comunidad en esas aldeas remotas del realismo mágico de García Márquez.

WOS - Caravana (Autoeditado, 2019)

Fri, 11 Oct 2019 14:14:16 +0200

Pedirle a un freestyler que escriba unos versos que van a durar para siempre, que no serán ni líquidos ni mutantes; es como pedirle a tu tabernero de toda la vida que te dibuje un corazón sobre la espuma del café soluble que te acaba de servir. WOS, fue el pasado año campeón argentino y, luego, campeón mundial de freestyle. En tan solo unos meses, Valentín Oliva ha conseguido amansar su verborrea libre, y atarse a sí mismo en corto; pero también ha pillado la delantera en el circuito urbano argentino: sus cifras han hecho sorpasso al grueso de traperos, y su estilo bebe tanto de la herencia del rap callejero old school como de la cultura del rock argentino. De ahí que se anime tanto con un manifiesto político anti-macrista (“Canguro”) como acercarse a ritmos más cerca del r&b o el 808 (“Melón vino”) o del reggaetón (“Okupa”), al rap 90s de zona bruta (“Pantano”) como también hace guiños a la herencia ricotera de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (el sampleo en “Luz Delito” a “Luzbelito y las sirenas” en ese rap-rock) o al disco-funk de Illya Kuryaki & the Valderramas (en la ligerísima e inmediata “Fresco”).

Kombilesa Mi – Esa Palenkera (Autoeditado, 2019)

Fri, 11 Oct 2019 15:21:45 +0200

Más allá del indudable alcance de la música y ritmos de su país que colombianos universales como J Balvin, Maluma, Shakira o Juanes han conseguido en los últimos años; existe una riqueza cultural en Colombia que aún no ha encontrado un altavoz masivo. Por ejemplo, el de San Basilio de Palenque, un pequeño pueblo del departamento de Bolívar, a 50 kilómetros de Cartagena de Indias, considerado “el primer pueblo libre de la América colonial” y, por tanto, uno de los sitios con mayor riqueza cultural de todo el continente americano. Y es que, aún habitado por descendientes de los cimarrones que se liberaron de la esclavitud, los palenqueros tienen su propia lengua criolla (un vocabulario con orígenes kikongo, kimbundu y portugués); y en el que la música es uno de los puntos más importantes de esta cultura, reproduciendo ritmos como el bullarengue, la chalusonga o el bullarengue. Toda esta tradición la condensan Kombilesa Mi; pero, además, han conseguido añadir elementos propios de la música urbana, en un artefacto sonoro que suena como una vuelta de tuerca mucho más racial, tribal y ritual que lo ya hecho por bandas como Orishas, Calle 13 o ChocQuibTown. En este segundo álbum, el combo colombiano hace aún más visible sus implicaciones sociopolíticas (hay una fuerte reivindicación racial en varias canciones, especialmente en “No más discriminación”), pero, sobre todo, sirve como un arma de divulgación de la cultura palenquera tan cerca de las raíces ortodoxas de su cultura como de la modernización vanguardista de esos mismos postulados; y ejercen de médiums entre las conexiones aún por desarrollar entre los folclores de África y América.

Rojuu - Children of God (Autoeditado, 2019)

Fri, 18 Oct 2019 14:25:10 +0200

A finales de septiembre de 2019 se congregó una multitud de chavales entre 14 y 18 años en el centro de Madrid. Iban a ver a Rojuu en el Festival Puwerty de La Casa Encendida. Para alguien ajeno a la música urbana hecha por y para gente que nació en el nuevo milenio -a la que los más viejos han bautizado unilateralmente como la Generación Z-, aquello podría parecer un acontecimiento irrelevante. Todo lo contrario. No era más que la confirmación de una nueva escena, con sus propios códigos y referentes.
Este rapero catalán que aún no ha alcanzado la mayoría de edad se mira en el legado emo trap de Lil Peep y hace viejo a alguien como Goa, que apenas lleva unos años en esto. Canciones como 'Adictos a la lujuria' y 'Memorias de plástico' funcionan como una versión 2019 de la peli de culto adolescente 'Kids' que Larry Clark estrenó en 1995. En las letras de este chico está encapsulada su realidad : los flirteos de pupitre en el colegio, los batidos de chocolate en el recreo y los ansiolíticos para dejar de pensar, el anime y la adicción a los juegos del móvil. Bienvenidxs a Neo Barcelona.

Dúo La Loba - Verbena (Raso., 2019)

Fri, 18 Oct 2019 15:17:00 +0200

Existen dos acepciones para la etiqueta neofolk. La primera se adscribe a esas bandas que nacieron desde lo industrial y el post-punk en la línea de Death In June. La más actual habla de una amplísima escena, que conecta el interés creciente desde finales del siglo pasado por actualizar tradiciones, recuperar el folclore y mezclarlo sin prejuicios con sonidos modernos, ya sea la electrónica, el rock o el hip hop. Dúo La Loba es uno de los proyectos más interesantes que habitan este último universo.

Guadalupe Álvarez Luchía y Javier Zarember Calequi son dos argentinos afincados en Madrid que trituran boleros, milongas y vals con una óptica visionaria que se adelanta al futuro. Ellos crean sus propios géneros, o mejor, destrozan los ya existentes para inventarse música que todavía no existía. Es el caso de 'Pueblo chico, infierno grande', entre otros temas recogidos en su segundo álbum donde capturan al que escucha con su poderoso lirismo y un sentido del ritmo innato. Allá donde se cruzan Violeta Parra y Beck camina con decisión Dúo La Loba.

José Fajardo

La BOA - Máquina (Autoeditado, 2019)

Fri, 25 Oct 2019 15:01:45 +0200

Existe una paradoja con La BOA. Es uno de los grupos más atípicos de Bogotá y precisamente por eso refleja como ningún otro la exuberancia sonora de la capital de Colombia, donde convergen tradiciones de todos los rincones de uno de los países más diversos del mundo. No es la única extrañeza de este combo formado por una decena de artistas. La Bogotá Orquesta Afrobeat, pese a contar con mayoría de bogotanos, está dirigida por el trotamundos mexicano Daniel Michel. Su nuevo disco potencia todas sus riquezas: la falta de prejuicios al mezclar funk, disco, neo salsa y hip hop; ese ritmo contagioso que estalla en directo; la pasión de Diana Sanmiguel -cantante de la nueva sensación de la escena alternativa local, La Perla-, y una poderosa llamada a la acción, como la que dejan en 'Por eso': "Cuando nada pasa, cuando todo duele, sin techo y sin plata, si estás agobiado, pa'lante camina. Por eso debes salir a buscar, venga levántate y camina"...

José Fajardo

Daniel, me estás matando – Suspiros (Autoeditado, 2019)

Fri, 25 Oct 2019 15:18:34 +0200

Mucho se reivindica a iconos de la canción folclórica latinoamericana; pero poco, muy poco, a dúos o tríos que han conseguido llevar la canción popular, la canción melódica y la canción ligera a un lugar inimaginable. Afortunadamente, la dupla mexicana que componen Daniel Zepeda e Iván de la Rioja reivindica el espíritu de cancionistas como Los Panchos, Los Tres Reyes, Los Tres Diamantes, Los Tecolines o Los Jaibos, entre otros.

Y es que, a través de Daniel, me estás matando, el bolero o la canción melodramática, casi de radionovela romántica, cobra una dimensión contemporánea. “Suspiros”, un debut que llega tras publicar varios singles el pasado año, los erige como una dupla de cancionistas que recontextualiza el cancionismo que practicaban Agustín Lara, Lucho Gatica o Armando Manzanero, pero con una mirada contemporánea, coqueteando con el folk americano (en “Fúgate”), la cumbia telenovelera (“Adiós adiós”) o el registro de Rodrigo Amarante (“Hay cosas”); compartida también por compañeros generacionales (como Silvana Estrada, El David Aguilar, Alex Ferreira o Marco Mares) que colaboran en algunas de las trece canciones que forman parte de este precioso, sentido y profundo debut. La conspiración de estos suspiros no irán en contra de vuestras ganas.

Alan Queipo

Gianluca - Yin Yang (Quemasucabeza, 2019)

Thu, 31 Oct 2019 17:33:37 +0100

Es simplificar mucho decir que Gianluca es uno de los nuevos valores de la efervescente escena del trap chileno. Él cita entre sus referentes a su colega Pedro Ladroga junto a otros como Cecilio G, Yung Beef y al primer C.Tangana, el de antes de dar el salto más allá de Agorazein, circa 'LOVE'S (2012). Explica que el estallido de la escena urbana en España fue un espejo donde mirarse. Pero resulta que en apenas un par de años está logrando superar a sus maestros. Su habilidad para articular letras con una profundidad envidiable -además de trapero también le han llamado sad boy, como a Goa- y especialmente su amplitud de miras -en este debut en largo colaboran sus compatriotas Javiera Mena y Gepe- le convierten en un artista que trasciende géneros. No hay más que escuchar himnos pop con la sensibilidad de 'Serenata'. Sin querer ser icono de nada, Gianluca es la voz de una nueva generación en su país, la misma que lleva semanas saliendo a la calle con la fuerza del que se sabe con la razón.

José Fajardo

El Jincho - La gente fuerte (Autoeditado, 2019)

Thu, 31 Oct 2019 17:56:23 +0100

Con sus historias sobre adolescentes que se prostituyen, gitanas obligadas a llegar vírgenes al matrimonio, borrachos rebuscando en la basura, ladrones atracando gente en las calles oscuras, batallas con catanas entre trinitarios y DDP, yonkis de crack en cuchara, violaciones de menores, delincuencia normalizada... El Jincho es el cronista de la realidad de un barrio calentón de Madrid, el de Orcasitas. Y no sólo eso, es también el nuevo poeta del costumbrismo sucio, el inventor de un lenguaje donde el quinquillero neto, las sicopatadas y las sicarionas cobran sentido. Su figura se suma a una escena callejera que mezcla el hip hop con flamenco y actitud punk, que en los últimos años ha ido enriqueciéndose en la capital española gracias a Jarfaiter, El Coleta y el clan de los Chavea. Al Jincho se le echa en falta mayor variedad musical pero ahora mismo está un pasito por delante del resto, básicamente porque su forma de narrar es una locura, no falla una sola palabra, y suena tan fresco como podía sonar Mucho Muchacho en 1997.

José Fajardo

Jhay Cortez – Famouz (Universal Music Latino, 2019)

Thu, 07 Nov 2019 17:29:27 +0100

El impacto y omnipresencia de artistas de la talla de J Balvin, Bad Bunny, Daddy Yankee, Ozuna, Nicky Jam o Anuel AA, parece que no dejan ver que hay otros nombres empujando fuerte, disputando espacios y firmando algunos de los mejores repertorios del género urbano latino. Uno de ellos es el puertorriqueño Jhay Cortez, cuyo nombre apareció en colaboraciones con Daddy Yankee, Natti Natasha, Ozuna o Bryant Meyers y que debutó el pasado año con un irregular álbum que servía para colocarlo en el mapa.

Con “Famouz” consigue, ahora sí, ir mucho más allá. Sobre todo, porque consigue alcanzar una identidad especialmente singular a la hora de acercarse a ritmos del trap de base (los ritmos 808 no descansan en prácticamente todo el disco) desde la inevitable influencia del reggaetón más melódico. De ahí se desprenden hitazos bestiales como “No me conoce” (a la que se suman J Balvin y Bad Bunny: no suelen elegir cualquier canción para hacerlo), “Subiendo de nivel” o la justinbiebera “Cuando bebe”, entre otras; y firmar colabos con C. Tangana, Tainy o Zion & Lennox, entre otros.

Alan Queipo

Duki – Súper Sangre Joven (SSJ Records / DALE PLAY Records)

Thu, 07 Nov 2019 17:24:29 +0100

Líder de una de las generaciones de artistas urbanos más expansiva de los últimos años; la argentina, en la que podemos encontrar a otros sospechosos habituales de la playlist y el aforo a reventar como Khea, Neo Pistea, Ysy A, Cazzu, Ca7riel, WOS o Paco Amoroso; el álbum debut de Duki llega tarde porque no era necesario que llegase antes.

"Súper Sangre Joven” lleva varias decenas y más de dos años de éxitos después de que el artista se certificara como el más grande del género en su país y alrededores.Y llega porque tiene cosas que contar: representa el culmen de una suerte de crew (ahí podemos escuchar a Ysy A o Khea), pero también como la confirmación de un artista que tira de relaciones internacionales (C. Tangana, Alemán o Eladio Carrión) y, sobre todo, hace guiños al reggaetón más comercial (“It’s a Vibe”); al demobow (“La Jefatura”); al tango, el tumbao o el bolero desde 808 (“Me gusta lo simple”, “A punta de espada”, “Señorita” o “Perdón”); o al cyber-trap, entre Daft Punk, Kavinsky y Travis Scott (“Te traje flores”, “Señorita” o “Hitboy”). No es un álbum inolvidable, pero sí una demostración de fuerza. Duki es bastante más de lo que imaginábamos todos. Posiblemente, incluso de lo que imaginaba él.

Alan Queipo

Fuego - You're Welcome (Universal Music Latin, 2019)

Fri, 29 Nov 2019 12:02:44 +0100

Mientras el madrileño C. Tangana publicaba '10/15', una mixtape con versiones de la figura del RnB contemporáneo Drake, ese mismo año de 2015 un dominicano residente en Miami que llevaba un tiempo visibilizando la música latina en Estados Unidos grababa una versión del tema 'Hotline Bling' del canadiense, a ritmo de bachata y en español a la que llamó 'Cuando suena el bling'.

Igual que sucedió con el madrileño, ese movimiento supuso un ascenso a la fama global de Fuego. Este año ha logrado con su disco 'You're Welcome' capturar en todos sus matices el excelente estado de forma de los artistas latinos. Por este recorrido donde hay trap y hip hop, pero también reggaetón, salsa y varias sonoridades tropicales, se pasean el propio Tangana o el argentino Duki junto a sus compatriotas Nicky Jam, Amenazzy y De La Ghetto. Un all stars no sólo de la música en español, sino de las tendencias que guían la industria ahora mismo.

José Fajardo

Prado Negro - Las Mimbres (Bumbac Music, 2019)

Fri, 29 Nov 2019 12:19:08 +0100

“Suelo pensar en qué es lo que querría mi padre que hiciera”, decía Soleá Morente en 2012 cuando formó junto a los referentes del rock granadino -Los Planetas y Lagartija Nick- el combo Los Evangelistas para rendir homenaje a la leyenda que se inventó 'Omega', pionero en cruzar flamenco con ruido eléctrico. Si Enrique Morente hoy viviera seguro que estaría orgulloso de la evolución de su hija mediana, quien ahora sorprende con este nuevo proyecto donde se atreve a cantar las ideas de intelectuales como José Ángel Valente y María Zambrano con la ayuda de músicos de bandas indies de su ciudad, entre ellas Napoleón Solo y Pájaro Jack.

La voz de Soleá muestra toda su flexibilidad, esa que ya exhibió en 'Ole lorelei' -uno de los discos más importantes de 2018- al mezclar rumba a lo Camela con psicodelia y pop moderno. Este es un trabajo diferente, más introspectivo, que alcanza su cima en los versos de Luis García Montero en 'Europa': “Y decretemos la expulsión del odio, del miedo a la otra piel, de la serpiente, del veneno que mancha las palabras, del lobo puritano que nos muerde”.

José Fajardo

Julieta Venegas – La Enamorada (Lolein Music, 2019)

Wed, 04 Dec 2019 17:57:31 +0100

“Hay cosas que precisas tiempo para florecer”, cantaba Julieta Venegas en una de las canciones de “Algo sucede”, el que hasta hace tan solo unas semanas era su último álbum de estudio, y con el que hace un par de años decidió parar ininterrumpidamente. Un parón que generó muchas especulaciones: la mexicana se trasladó definitivamente a Buenos Aires e inició una búsqueda que, alejada prácticamente de los escenarios (apenas hacía alguna que otra presentación en acústico) y de los focos, abandonando incluso Meteoros (supergrupo paralelo que compartía con Ale Sergi, Didi Gutman y Cachorro López), generaba muchas incógnitas.

Parece que la nueva Julieta Venegas comienza a florecer en otras direcciones opuestas al del mercantilismo pop en el que el imaginario colectivo sitúa su registro. Buena cuenta de ello es “La Enamorada”, un álbum que es, a su vez, la banda sonora de la obra de teatro unipersonal que protagoniza en Argentina. Un cancionero mínimo y leve, que ayuda a poner palabras y música a un monólogo interior dirigido y escrito por Santiago Loza, y que a través de estas canciones; que en el disco se mueven entre las nanas folk, las confesiones musicadas, las microsinfonías y los arreglos de cuerda, pero que en directo nos presentan a una Venegas acompañada solo por su voz y un ukelele; abren un nuevo campo de entendimiento para una artista que ha decidido revolucionarse a sí misma para revolucionar a los demás.

Alan Queipo

Tayhana – Tierra del fuego (NAAFI, 2019)

Wed, 04 Dec 2019 12:46:28 +0100

Alguien tenía que darle una descarga eléctrica a la música urbana-latina de baile. Ese ‘alguien’ no podía ser otra que Tayhana, una de esas activistas de la noche que puso en marcha hace ya seis años HiedraH Club de Baile, un colectivo-club en Buenos Aires que cambió el modelo de consumo de las fiestas nocturnas: HiedraH se convirtió en un espacio de resistencia en donde el ser político y el hedonista se fundían y se confundían, del mismo modo que lo hacía la música que suena. Un espacio que se habilitaba como un oasis para entender la política de baile, pero también la política artística.

Ahora, la argentina residente en México y uno de los rostros detrás del sello-plataforma NAAFII, un catalizador de nuevas propuestas que identifican una música de baile con tanto continente como contenido, publica “Tierra del fuego”, un juego de palabras que nos lleva al sur-del-sur argentino (Tierra del fuego es el nombre de la provincia más al sur de Argentina), pero también a un conglomerado sonoro que consigue nuclear y fundir desde reggaetón old school a electrónica de vanguardia, desde cumbia villera a música experimental, desde chicha peruana a global bass, desde dembow a clubbing industrial.

Sus texturas resuenan tan oscuras como resplandecientes, como un híbrido entre M.I.A., Ivy Queen, Actress, Kelman Durán, K-narias y Shygirl. Su propuesta revienta no solo fronteras sonoras y artísticas: te obliga a que en las próximas elecciones, sea la política de baile la que gane.

Alan Queipo

Parquesvr - Talego Quini (Raso., 2019)

Fri, 13 Dec 2019 15:52:45 +0100

El último sorpasso de 2019 lo ha protagonizado Parquesvr. En lo más alto del top viral de Spotify en España se ha colado esta banda de post-punk del extrarradio madrileño por encima del reggaetón, el trap y el pop de radiofórmula. Su receta no inventa nada nuevo y, sin embargo, suena radicalmente original. El gancho está en su discurso, cargado de ironía y locuras varias. Ahí está su incontestable single 'Lance Armstrong', un feliz disparate que tiene más de surrealismo que de nostalgia en torno a la época dorada del ciclismo en los 90.

Parquesvr nació como un encuentro entre amigos, músicos de otras bandas de la escena alternativa del rock madrileño como Persons, El Páramo, Sou Edipo y Escombros que apostaron por un frontman sin experiencia pero tremendo carisma, el promotor y mánager Javi Ferrara. El proyecto ha sido comparado con la aventura musical en clave de garaje del humorista Ignatius con Petróleo por sus imprevisibles conciertos pero Parquesvr aspira con este debut a cielos más altos. Para ese vuelo van equipados con generosas dosis de ruido, oscuridad y unas letras al nivel de los mejores Punsetes.

José Fajardo

Vacación – Tiempo compartido (Universal Music México, 2019)

Fri, 13 Dec 2019 15:59:33 +0100

Que dos músicos se reúnan con dos guitarras para componer canciones no debería considerarse ‘vacaciones’. Pero cuando esa situación se da entre dos amigos sin mayores pretensiones que dejar que todo fluya, en un ambiente de paz y calidez, y el resultado es un cancionero que resuena como un abrigo apto tanto para escuchar al calor de la chimenea en tu casa del pueblo en pleno invierno, o en chanclas y bañador en el muro de algún paseo marítimo mirando el horizonte; todo encaja.

Eso es lo que han hecho Caloncho y El David Aguilar, dos iconos de la nueva canción de autor alternativa mexicana, con solventes carreras en solitario con proyección internacional; pero que han decidido fundirse en Vacación: una fuga que los lleva a abrazarse a través de melodías sencillas pero universales, tan cerca de Julio Iglesias como de Devendra Banhart.

El resultado se cristaliza a través de “Tiempo compartido”, once canciones que los presentan como dos cantantes melódicos del siglo XXI con una visión panorámica del pop de autor (“Nieve de arrayán”, “Ola adiós” o “Té de tila” son algunos de esos ejemplos); pero que también nos llevan desde vacaciones por la tropicalia de Caetano Veloso y Gilberto Gil (“Bailo mientras cocino” o “Lauro el albañil”), a zamba-arrancherada (“Capullo Capulín”), el beat&roll sesentero (“Bichi”, con colabo del uruguayo Juan Wauters), la serenata espiritual (“Santo Canto”), el reggae que huele a madera (“Caminando”) o al indie de autor (“Amor de verano”, con colabo del chileno-francés Adán Jodorowsky).

Alan Queipo

Sen Senra - Sensaciones (Sonido Muchacho, 2019)

Fri, 20 Dec 2019 18:44:32 +0100

La cosecha de final de año está dejando algunos de los mejores discos que han salido en España durante los últimos 12 meses. A los recomendables trabajos de Califato ¾, Rodrigo Cuevas y Tanxugueiras se suma este de Sens Senra. El gallego ha ido evolucionando con cada paso, desde sus inicios en el garage hasta su reinterpretación del rock de la Costa Oeste estadounidense a lo Mac DeMarco. Con su tercer disco se destapa como un Frank Ocean con letras en español que bebe del r'n'b intimista y, en general, de la música negra, desde el neo soul al funk.

Sus letras, como las del ex Odd Future, van cargadas con mogollón de sentimientos, muestran la sensibilidad de un autor que ahora mismo es un bicho raro en la nueva música urbana en España. Él reniega de las etiquetas, en las entrevistas explica la diversidad de sus referentes -desde el bolero hasta Tame Impala- e insiste en que lo más importante en una canción es la presencia de la voz. Todo lo demás son atmósferas crepitantes, suaves e intensas que sirven de acompañamiento. Ahí está 'Ya no te hago falta', uno de los grandes temas de 2019.

José Fajardo

Juan Mango – Ochocientos envolventes al sol (Autoeditado, 2019)

Fri, 20 Dec 2019 18:54:28 +0100

Mientras la NASA sigue buscando vías para iniciar viajes espaciales en un futuro cercano, Juan Mango ha encontrado una vía más directa para alcanzar tierra en galaxias inexploradas: su música.

El mendocino lleva combinando sus labores como frontman y vocalista de los reveladores Usted Señálemelo, a la vez que va publicando de manera independiente y casi como una manera de fugar un material más abstracto, psicodélico y experimental que el que maneja su banda. La última muestra de ello es este “Ochocientos envolventes al sol”, segundo álbum largo bajo el álter ego de Juan Mango, y un ejercicio en el que combina el campo de entendimiento y los imanes que conectan psicodelia, poesía abstracta, space rap, electrónica luminosa y cosmogonías pop se encuentran.

Inevitable es mencionar al que hubiera sido su suegro, Luis Alberto Spinetta (Mango parece un médium contemporáneo a través de la que ‘El Flaco’ sigue componiendo), como una figura central y de una influencia inevitable en el terreno lírico (una suerte de poesía astral líquida, que con cada escucha cambia la significación y al significante); pero el mendocino consigue llevarnos por un viaje sensorial y psicodélico a través de sintetizadores: como si los espíritus de Syd Barrett, Frank Zappa y David Bowie unidos encontrasen un aliado que se debate entre lo virtual y lo planetario.

Alan Queipo

Alexis Play - Llegó la lírica (2019, autoeditado)

Fri, 10 Jan 2020 15:36:53 +0100

Quizá la gran desconocida de Colombia -incluso dentro del propio país- sea la música del Pacífico. Es un error, una injusticia histórica que artistas jóvenes como Alexis Play se están encargando de solucionar. Tras formar parte de ChocQuibTown, el grupo más popular de esta región, el del Chocó -un lugar hermoso atravesado por selvas y ríos, amenazado por el narcotráfico por su posición fronteriza con Panamá- se destapa con su segundo disco en solitario como uno de los grandes talentos de la nueva Colombia.

Su habilidad para adaptarse a distintos géneros, unida a su ausencia total de prejuicios, le permiten navegar entre aguas a priori separadas, mezclando tradiciones ancestrales de la cultura afro -como el currulao y la chirimía- junto a sonidos modernos que escuchan los jóvenes en la calle, desde el trap hasta el dancehall, la electrónica y el hip hop.

El resultado son himnos para esta comunidad que con todo el merecimiento ya comienzan a resonar en el mundo, desde el grito de rabia de ‘Prietitud’ junto a Esteban Copete y Nidia Góngora donde rinde homenaje a un activista de Cali recién fallecido que se convirtió en el emblema de la cultura afro, hasta ‘El pueblo’, grabada al calor del paro de 2017, cuando las comunidades negras del Pacífico se levantaron contra el olvido del Estado colombiano al grito de “¡el pueblo se respeta, carajo!”.

Bajofondo – Aura (Sony Music, 2019)

Fri, 10 Jan 2020 15:52:50 +0100

A Bajofondo hace ya tiempo que el tango se le ha quedado pequeño. En su momento, hace casi dos décadas, se anticiparon a todos los renovadores folclóricos, llevando un género tan fundamentalista como henchido de sus propias marcas de agua como el tango, al universo de la música electrónica; un género que, por entonces, aún no estaba ni tan autorizado ni tan integrado en la cultura pop.

Aquel ejercicio de hibridar estilos, proyectar una alianza entre una música culta y tradicional, y a la vez lunfarda y urbana, con las cavilaciones de los ritmos del futuro, supusieron un terremoto tanto en las músicas actuales como en la percepción de cómo un género tan aparentemente conservador podía ser líquido. Se percibía que los por entonces Bajofondo Tango Club querían llevar esa liquidez al propio concepto del grupo. El proyecto perdió el doble apellido (Tango Club) y se quedó con el nombre de pila (Bajofondo); pero ganó transversalidad, espontaneidad y perdió previsibilidad.

De ahí que “Aura”, su nuevo álbum, mantenga ciertas marcas de agua de ese neo-tango que comenzaron en 2001 (en canciones como “Clueca la Clueca”, “Espiral” o “Trapecista”, por ejemplo); pero, sobre todo, haya sabido ocupar nuevos espacios: desde la psicodelia-rock de “A tiempo” (con los generacionales Usted Señálemelo, los Spinetta de la Generación Z) a los ritmos folclóricos latinoamericanos (en “A las siete” o “Virgen del sol”), el groove del funk y el r&b (“Hop Club”), el trip-hop (“Absente”) o esa sensación de BSO con un pie en el arrabal y el otro en donde el dedo en el mapa decida.

Alan Queipo

Paula Arenas - Visceral (Sony Music, 2019)

Fri, 17 Jan 2020 11:09:54 +0100

Paula Arenas llamó la atención en Colombia en 2012 con un EP homónimo donde coqueteaba con diversos estilos y se postulaba como una de las grandes voces de la nueva música que estaba por venir en su país. Tres años después se trasladó a Miami para encontrar su camino. Ahí se dio cuenta de que no pertenecía al universo indie del que se había rodeado.

“A mí en este momento de la vida me importa un culo lo que la gente piense. Soy romántica y punto. Mi público no es el alternativo o el hipster sino el que cree en el amor, las letras románticas y la cursilería”, decía a mediados de 2019 en la revista ‘Shock’.

Su apuesta no podía haber ido mejor. Con este álbum recibió tres nominaciones en los últimos Grammy Latinos y, más importante, se ha convertido en una de las referentes del nuevo bolero en América.

Su música es atemporal, tiene pasión y poderosas melodías. Destaca su himno ‘Ahora soy libre’, donde mezcla la música francesa y las rancheras, y el tema ‘Bandida’, que ella misma define “como si fuera una canción de James Bond con bachata”.

José Fajardo

Daniela Andrade - Tamale (Crooked Lid Records, 2019)

Fri, 17 Jan 2020 16:17:26 +0100

A medio camino entre la atmósfera de un fumadero de opio y la de una bacanal de sexo tántrico lento, muy lento; se desplaza a una curiosamente veloz lentitud tan sexual como psicodélica el repertorio del “Tamale” de Daniela Andrade. Y es que lo nuevo de la mexicana juega con las cavilaciones del r&b contemporáneo, coqueteando con texturas que van desde el trip-hop o la indietrónica a la canción de estándar melódica, el jazz, la spoken word de vocación rapera o el susurro en medio del acto sexual.

Hay algo muy íntimo que es, a la vez, muy universalmente doméstico, en la propuesta de esta hondureño-canadiense. Del mismo modo que canciones como “$$$” pueden recordar a una jam de sensual hilo musical jazz-soul; se acerca al registro de contemporáneos como Daniel Caesar o Frank Ocean en canciones que adivinan cómo será el nuevo blues como “Lost in Translation”; o decide jugar tanto con los idiomas como con los sonidos más íntimos en “Gallo Pinto”, coquetea con el r&b de Aaliyah en “Ayayai” y hasta acaba definiendo su registro en canciones como “Wet Dreams”. Poco más de veinte minutos de excitante r&b tántrico.

Alan Queipo

Taifa Yallah – Ep.01 - Causa (Santa Catalina, 2020)

Fri, 24 Jan 2020 14:58:51 +0100

Cuando anunció la retirada de Extremoduro para 2020, Robe Iniesta no sospechaba que tendría un sustituto tan pronto. Dellafuente está destinado a ocupar el lugar de la mítica banda entre la juventud rebelde española. Aunque parezcan tan lejanas, en realidad ambas propuestas representan lo mismo: una voz propia (con un punto macarra pero cargada de poesía), la capacidad para conectar con los chavales (antes era a través del punk-rock, ahora con auto-tune y bases electrónicas) y un inmenso respeto por la tradición.

Mientras sus compañeros de generación se escoran hacia posturas irreconciliables, con su nuevo proyecto (bautizado Taifa Yallah como una referencia a sus ancestros árabes y a la mezcla de culturas que habitaron su ciudad) el granadino demuestra que va a su bola. No está en la onda comercial de C. Tangana pero tampoco se conforma con la etiqueta underground de Yung Beef. En los vídeos que ha preparado para presentar este disco (el primero de varios episodios, se supone) habla de “la desaparición de los complejos”, de huir del “qué dirán”.

En efecto, poco tiene que ver con la música que produjo bajo el alias Dellafuente (no ha dejado claro si piensa retomar algún día su proyecto seminal, aunque parece obvio que sí). Aquí le interesa más hurgar en la herencia de su tierra, con un ojo puesto en Medina Azahara (las guitarras rock, el quejío flamenco) y otro en el futuro. Así avanzan unas canciones donde no faltan los pasajes guitarreros y las explosiones de ruido que recuerdan a algunos clásicos de Extremoduro circa finales de los 90.

José Fajardo

Luis Alberto Spinetta – Ya no mires atrás (Sucesores de Spinetta / Sony Music, 2020)

Fri, 24 Jan 2020 15:32:43 +0100

En mis cajoneras, en los pendrives de hace más de diez años solo encontraréis virus, canciones a muy baja calidad o fotos de las que arrepentirme. En las cajoneras que dejó Luis Alberto Spinetta tras su muerte en 2012, los pendrives que se encuentren pueden guardar algo más: obras maestras, por ejemplo.

Eso es lo que ha sucedido con “Ya no mires atrás”, siete canciones que uno de los próceres del rock argentino grabó entre 2008 y 2009, posiblemente en un momento difícil de definir que sucedió entre la publicación de “Un mañana” y el épico concierto-homenaje bajo la lluvia en el Estadio José Amalfitani denominado como “Las bandas eternas”; y que, más de una década después, se convierte en la última obra maestra de un artista tan líquido como perpetuo, tan indescifrable como reivindicable, tan impredecible como clásico.

Lo que legó en una carpeta de un disco duro es un disco que puede que en su momento no haya sido concebido del todo así; pero que ha acabado sirviendo como un ejercicio póstumo que, más allá de que pueda recibir críticas por tener cierto aire de oportunismo, sirve casi como un manifiesto desde el más allá del carácter universal e imperecedero de uno de los mejores y más indefinibles artistas que haya dado el globo terráqueo en el Siglo XX.

La media hora de duración de “Ya no mires atrás” pone de manifiesto esa arquitectura viva e impredecible que siempre definió al Flaco: líneas abiertas, una poética enrevesadamente abstracta y, sin embargo, increíblemente sensible, onírica y universal; estructuras jazz-rock tan cerca del groove de D’Angelo o Aaliyah o A Tribe Called Quest (con colaboración inesperada y sin acreditar formalmente en plataformas de su hijo Dante, referente de la música urbana argentina y latinoamericana); psicodelias abossanovadas a lo Seu Jorge o Novos Baianos; la recuperación de una canción de la época de Spinetta Jade (“Nueva Luna, Mundo Arjo”); y esa sensación que ha dado siempre la obra de Spinetta: de no encajar nunca en ningún género ni generación, porque, mires donde y cuando mires, su espíritu siempre estará.

Alan Queipo

María José Llergo – Sanación (Sony Music, 2020)

Fri, 31 Jan 2020 09:59:37 +0100

¿Cómo puede conseguir distanciarse una cantaora de la Generación Z que publica su álbum debut poco más de un año después de “El Mal Querer” y con una producción que conecta raíz flamenca con una producción de corte urbano-electrónico? Con una voz propia. Afortunadamente, María José Llergo la tiene: llevamos escuchándola como promesa emergente desde hace dos años, cuando su “Niña de las dunas” comenzó a circular en mentideros y foros. Finalmente, tras varios singles y actuaciones en algunos de los escenarios más icónicos, la cantaora cordobesa presenta su esperado debut formal.

El principal reto de “Sanación” era demostrar que, más allá de la asociación instantánea con otras artistas españolas de estos últimos años (de Rosalía a Rocío Márquez, Sílvia Pérez Cruz, Nita o Soleá Morente, entre otras), María José Llergo tiene un discurso sonoro y artístico detrás que la ubica en un nuevo sitio, aún no explorado. Para este debut se alía con Lost Twin, productor más ligado a la electrónica de corte urban, y nos lo presenta casi como una cura para los males.

Sus referencias van desde el r&b más negro hasta el cante más profundo de la Andalucía de los suburbios o su propio entorno (se escucha a su abuelo, se escucha el crujir de su casa en Pozoblanco, hay loas a su abuela…), y su voz, fina y dulcificada, parece que se va a quebrar en cualquier momento; pero sus canciones suenan como un bálsamo sanador repleto de fortalezas y de marcas propias. Ella misma nos lo dice al oído al inicio de la imponente “Soy como el oro”: “¿pa’ qué llora y llora el corazón mío, si llorando no gana lo que he perdío?”. Con María José, ganamos todos.

Alan Queipo

FAIA – Ao Cabo Leirín (Autoeditado,2019)

Fri, 31 Jan 2020 10:05:50 +0100

En la imagen aparece una joven arrodillada en el monasterio de Santa María de Oia en Pontevedra. Su voz retumba contra las bóvedas de piedra. Una música sutil arranca mientras el pública observa fascinado, como si estuviera asistiendo a una ceremonia religiosa. Quizá no sea el vídeo más popular de YouTube, pero es uno de los documentos musicales grabados en directo en España más sobrecogedores de estos últimos años.

La protagonista es Faia Díaz, una artista gallega que forma parte del grupo De Vacas y que se ha lanzado a un proyecto en solitario que conecta con esa corriente de la música contemporánea que cruza con respeto y talento las tradiciones folclóricas con una visión moderna. El sello Raso Estudio (Baiuca, Blanco Palamera, Parquesvr) recupera ahora en formato digital una de las caras del vinilo que FAIA publicó en 2019.

Son canciones registradas en espacios inesperados -una taberna, un armario, una chimenea- donde la voz (sin artificios) adquiere un protagonismo total. En la producción está Hevi, uno de los agitadores de la efervescente nueva escena gallega por su trabajo junto a Malandrómeda y Fluzo. Más allá del indudable valor artístico de la obra, existe aquí un valioso trabajo de antropología. La otra cara del disco (que por el momento sólo se puede escuchar en vinilo) recupera grabaciones de mujeres que con sus cánticos han ido registrando las costumbres de su tierra, Galicia.

Faraón Bantú & Champetaman – Pantera Picotera en La Ciudad de Las Pirámides (Palenque Records, 2020)

Mon, 10 Feb 2020 16:06:28 +0100

Tras la Super Bowl que se celebró hace unos días en Miami no se hablaba de otra cosa. La memorable actuación de Shakira durante el intermedio (junto a Jennifer Lopez, J Balvin y Bad Bunny en toda una demostración de power latino) puso el foco sobre un ritmo del Caribe colombiano: la champeta. Todo el planeta se ha preguntado: ¿qué demonios es ese sonido tan contagioso? La champeta es el grito de los primeros esclavos negros libres que huyeron a San Basilio de Palenque, creado a partir de otras músicas que surgieron en África como el soukous y en el Caribe como el calypso.

El sello Palenque Records comandado por Lucas Silva (que aquí se cobija bajo el alias de Champetaman) lleva desde finales del siglo pasado escarbando en los orígenes de la música afrocolombiana a través de recopilatorios icónicos como sus volúmenes de ‘Champeta Criolla’, sin dejar de mirar hacia el futuro de un género que en pleno 2020 sigue vigente y reinventándose.

Aunque hoy sea reivindicada en todo el mundo, no siempre fue así: la champeta ha cargado con cierto estigma. Así, las elites de Cartagena de Indias pretendieron en 2015 prohibir a los menores bailar champeta en la calle porque, decían, este ritmo tan sudoroso aumentaba el embarazo entre menores. Era sólo una censura encubierta para callar la voz de la comunidad negra, desplazada a las afueras de esta hermosa y turística ciudad portuaria.

En este nuevo lanzamiento desde Palenque Records conectan la champeta con la cultura picotera, la tradición de escuchar música en la calle en altavoces gigantes que agitadores culturales como Monosóniko Champetúo (Ghetto Kumbé) y Don Alirio se han encargado de reivindicar durante los últimos años. La selección es un festín para oídos abiertos que quieran sumergirse en la diversidad de sonidos negros del Caribe: bajo la batuta de Faraón Bantú (el sound system del sello) van pasando artistas como el británico The Busy Twist y, desde Colombia, Alguacil Dub Killa y DJ Rata Piano.

José Fajardo

Eladio Carrión – Sauce Boyz (Rimas Entertainment LLC., 2020)

Mon, 10 Feb 2020 16:30:41 +0100

¿Os imagináis que, de repente, El Rubius o Jorge Cremades se convirtiesen en iconos de la nueva música urbana global? Eso le sucedió al estadounidense-puertorriqueño Eladio Carrión: pasó de ser un influencer o ‘cómico social’ a través de plataformas como Vine o Instagram; a ser uno de los referentes de la música urbana latina.

Y tras más de dos años fogueándose en el circuito, colaborando con algunos de los nombres más importantes de la escena urbana (de Wisin & Yandel a KHEA, Bryant Myers, Cazzu, Bhavi, Ñejo o Maikel de la Calle, entre muchos otros) y firmando y colaborando en singles con cifras faraónicas (sobre todo, “Sigue bailándome”, “Mi cubana” o “Me enamoré de una Yal”, su primer gran éxito); el puertorriqueño apuesta fuerte y gana en “Sauce Boyz”, el primer gran álbum de reggaetón de lo que va de 2020.

Rodeándose de superseries como J Balvin, Bad Bunny, Jhay Cortez, Arcángel, o Zion & Lennox, entre otros; y aunque peque un poco de excesivo en cuanto a repertorio (dieciséis canciones y casi una hora), Carrión ha conseguido firmar un álbum que, aunque deje ramalazos de reggaetón (sobre todo en “Mi error”, “Actriz” o “3 AM”), el álbum está más cerca de abrir una nueva vía para el trap de corte r&b. Los ritmos 808, los fraseos callejeros y las cadencias lentas se funden en temazos como “Kemba Walker” (acompañado del ‘conejo malo’), “Hielo” o la callejera “Huh?”, a la vez que abre una nueva vía para el tumbao alternativo como “Rápido”. En ocasiones, los influencers pueden sacarse de la manga algo que más que un buen tonel de likes.

Landikhan – Earth Chronicles (LNDKHN, 2020)v

Fri, 14 Feb 2020 16:08:18 +0100

Lleva unos cuantos años formando parte de algunas de las fiestas de folktrónica o electrónica espiritual más importantes de circuitos como el de Ibiza o Tulum; formando parte de residencias de fiestas como Woomoon o Trueno; y sacando a la luz a través de su sello LNDKHN a artistas de la talla de Kermesse o Roderic. Pero todo este tiempo detrás de los platos tenía un objetivo: sacar a la luz un álbum que catalice todas estas experiencias pero que, a la vez, defina un registro artístico especialmente versátil.

“Earth Chronicles”, trabajado en Fashion Beat (el estudio de Ed is Dead) junto al propio Ed y a Vlackmotor; es el catalizador perfecto y una suerte de fotofinish realista de los campos por los que se mueven las sesiones de Landikhan: a medio camino entre el downtempo o su conexión con la folktrónica tanto de artistas como Rodrigo Gallardo o Nicola Cruz como la de Baiuca o SidiRum, pero sin perder una base clubbing house abierta de miras, el debut en largo del productor sorprende y se posiciona como uno de los primeros grandes trabajos de electrónica de lo que llevamos de año.

Con un temazo entre el downtempo, el hip-hop y la ópera como “por tu amor… o no” abre un repertorio que se deja querer por tribalismos de corte tech-house (“Earth Chronicles” o “Eridu”), hace ojitos a la Semana Santa más clubbing (“Babilonia” parece una saeta posmoderna) o al free jazz (“Anunnaki”); pero, sobre todo, supone un alegato naturalista desde la música de club de injerencia más selvática (“Quimera cósmica” y “Nibiru” son las más cercanas a esta idea). Greta Thunberg bailaría este disco.

Alan Queipo

Soto Asa – La Cruz (La Vendición Records, 2019)

Fri, 14 Feb 2020 16:38:23 +0100

Soto Asa es la respuesta a todos los que ya daban por muerta la escena urbana que ha sacudido la música española durante los últimos años. En realidad este artista de Ceuta lleva sacando música desde 2013, imaginando nuevos caminos donde el trap y el reggaetón se encuentran para llegar a un destino inhabitado. Donde otros recaen en los tópicos del género y se chocan una y otra vez contra una cima que en realidad no es tan alta, él prefiere volar a su aire.

En su universo convergen planetas inesperados: la cultura tibetana, los videojuegos, las drogas, la vida en la calle. Todo ello decorado con una estética retro-futurista, alumbrada con luces de neón, con moduladores que deforman su voz y ritmos que invitan a un baile marciano. ‘La Cruz’ es su reivindicación como uno de los grandes talentos del circuito.

Pudiera parecer que Soto Asa es un afortunado por rodearse de nombres más conocidos como Yung Beef o La Zowi. Todo lo contrario: son ellos los que deberían estar agradecidos por iluminarse con su talento. Representa un soplo de aire fresco para su escudería, que empezaba a mostrar signos de agotamiento creativo. Junto a Goa y Ghouljaboy (que acaba de publicar ‘El Rascal’) en sus manos está ahora mismo el futuro del sello La Vendición.

José Fajardo

Arandel – InBach (InFiné, 2020)

Fri, 21 Feb 2020 12:16:53 +0100

Mientras asistimos de manera cíclica al cambio de consumos y tendencias en la música; una que no cambia: llevamos más de tres siglos conociendo y reconociéndonos en la obra de Johann Sebastian Bach, más allá de modas y géneros. Y su obra, tan líquida, transversal y transgeneracional, también ha sido reinterpretada por artistas que la han conectado con géneros como el jazz, el pop, la bossa nova, el flamenco o, sí, también la electrónica.

Arandel no es el primero que lleva la obra del mítico compositor alemán al territorio de la música electrónica, pero sí ha sido el último y uno de los más solventes. Lo ha hecho con el flamante “InBach” (InFiné, 2020), un ejercicio que nació de una colaboración entre el productor francés y el Musée de la Musique, en el que se le dio acceso a instrumentos antiguos de principios del siglo XX.

Con esos artefactos y con su dogmático manifiesto por el cual Arandel hace música electrónica sin samplers ni secuenciadores; ha conseguido redimensionar y llevar al territorio del clubbing más minimal: por momentos, se acerca al sonido midi del Tetris; en otros, recuerda a Matthew Herberts; en otros, incluso, se acerca a cierta arquitectura folktrónica; en algunos, consigue llevar el universo neoclásico de Nils Frahm o Hauschka al de unos Kraftwerk del Siglo XXI; en otros, redimensiona el mítico “Preludio Número 2 en do menor” en una suerte de reversión perversa de La Casa de la Pradera; pero, siempre, Arandel pone de manifiesto que hay músicas que, por mucho que pasen los siglos, siguen siendo líquidas y transformadoras, se usen los materiales que se usen.

Alan Queipo

Cruz Cafuné – Moonlight922 (MÉCÈN Ent., 2020)

Fri, 21 Feb 2020 12:34:24 +0100

Mucho se ha hablado de la efervescente escena urbana de las Islas Canarias. Sin embargo, apenas se ha explicado por qué esos artistas supieron anticiparse a las nuevas tendencias que más tarde arrasaron entre la juventud de la Península. Y es que el archipiélago siempre ha sido una tierra fértil para el cruce de culturas entre Europa, África y América Latina.

Cruz Cafuné encarna esa diversidad: tinerfeño de origen venezolano, desde chiquito ha estado conectado con el reggaetón, la salsa, la cumbia y otros ritmos sudorosos. A eso suma su pasión por el hip hop de corte clásico y una curiosidad que ya apuntaba con su colectivo Broke Niños Make Pesos, donde coincidió con otros incipientes talentos como Choclock, hoy uno de los productores más brillantes del neo r&b.

En su debut en solitario, el muy recomendable ‘Maracucho bueno muere chiquito’ (2018), el artista ya apuntalaba las bases de su propuesta: temáticas en torno a sus creencias espirituales, cierta denuncia social, la ambición en su carrera y la realidad de los barrios en su tierra. Después llegó el bombazo junto a Don Patricio en el single ‘Contando lunares’, que puso su nombre en la órbita de la industria.

En ‘Moonlight922’ (en el título juega con el concepto de la luna llena y el prefijo de Santa Cruz de Tenerife) demuestra su versatilidad: tan pronto se acerca a su vertiente más melódica y romántica (‘Balaperdida’) como le tira a genios del rap yanqui como Kendrick Lamar (‘Mina El Hammani’). Además se rodea con acierto de voces femeninas (la ex triunfita Alba Reche y otras de las grandes promesas canarias, Sofi de la Torre) y de productores que están dibujando las nuevas tendencias urbanas (r&b y soul futuristas) como Flavio Rodríguez.

José Fajardo

Fuel Fandango – Origen (Warner Music, 2020)

Fri, 28 Feb 2020 11:42:30 +0100

Igual que le sucedió a Camela durante décadas, Fuel Fandango ha sido maltratado por cierta parte de la crítica musical en España. Pero resulta que ahora, cuando triunfan las propuestas que le apuestan a la fusión, quienes les habían despreciado deciden reivindicarles. Ya era hora. Aunque son bandas bien distintas, el éxito actual de ambas (Camela y Fuel Fandango) simbolizan estos nuevos tiempos donde, por suerte, los prejuicios ya huelen a rancio.

Mucho antes de que Rosalía se saltara por bulerías el flamenco ortodoxo, el productor canario Alejandro Acosta y la cantante cordobesa Nita ya se atrevían a imaginar un cante jondo para el siglo XXI, donde la electrónica (house, disco) y la música negra (funk) se cruzaba sin complejos con la tradición española. Dos visionarios que supieron adelantarse a la tendencia de la nueva música moderna que hoy triunfa en todo el mundo: el cruce entre el folclore y las tendencias globales.

Este cuarto disco es la obra más ambiciosa de una carrera que nunca avanzó por el camino fácil. Inspirado en su última gira por medio mundo, el dúo reivindica las percusiones africanas, las voces de Oumou Sangaré y Fatoumata Diawara y ciertas sonoridades de América Latina sin perder su sabor original: el quejío flamenco y la música de baile. Destaca la colaboración con el guitarrista Vicente Amigo (‘Estamos solos’) y el muy moderno single ‘Despertaré’.

José Fajardo

Sotomayor - Orígenes (Wonderwheel Recordings, 2020)

Fri, 28 Feb 2020 12:04:48 +0100

“Nunca es tarde para recordar lo que nos une” es el primer estribillo que suelta por la boca Paulina Sotomayor. Pero no suena solo a estribillo: suena a manifiesto. Y es que la atmósfera que se respira en “Orígenes” es la de estar en ningún lugar y en todos, a la vez: un álbum que hace líquida la etiqueta de world music, y del mismo modo que consigue un quórum de ritmos y melodías que profundizan en la música afrocaribeña, también suena electrónico (la marca de agua en común con sus dos álbumes anteriores), inevitablemente pop y, a su vez, con una sensibilidad a la hora de abordar cadencias de un folclore latino absolutamente transversal, sin más patria ni bandera que la del sentir.

Lo nuevo de los hermanos Raúl y Paulina Sotomayor oposita para convertirse en un álbum fundamental para entender la deriva de la nueva electrónica de corte folclórico latinoamericano. A la vez que se sitúa cerca (por momentos quizá demasiado cerca: es el mayor pecado que se le puede señalar) de propuestas como la de Bomba Estéreo; también impone un arco de ritmos, sonidos y texturas que nos llevan indistintamente por la cumbia, la chicha peruana, el dancehall, el afrobeat, el downtempo o el espíritu boricua que le consigue imponer Eduardo Cabra (aquel Visitante de Calle 13, reconvertido en uno de los productores más importantes de música contemporánea latinoamericana de estos últimos años) a los mandos de la producción.

Un álbum que nos permite relajarnos ante el hedonismo del baile, pero que también impone una lectura casi política: desde lo transfronterizo y de lo que, como dicen en la canción de apertura, recordar lo que nos une.

Alan Queipo

Bad Bunny - YHLQMDLG (Rimas Entertainment LLC, 2020)

Fri, 06 Mar 2020 09:09:27 +0100

Aparentemente, vivimos en una época en donde un artista puede hacer lo que le da la gana: no pasar por determinados aros, cambiar las reglas de la industria, gestionarse a su manera. Pero, más allá de querer, ¿cuántos artistas de gran alcance hacen REALMENTE lo que les da la gana porque también pueden? Ahora mismo, y no porque lo diga el acrónimo de su flamante e inesperado segundo álbum, Bad Bunny es uno de los claros ganadores de una batalla en la que, parece, pelea contra sí mismo para ser cada vez mejor y cada vez más necesario.

Tras despedir el 2018 con un álbum en la víspera de nochevieja; protagonizar los principales festivales de música alternativa de todo el mundo; de publicar un histórico álbum a pachas con J Balvin; o erigirse en un icono político para la Generación Z; el puertorriqueño anunció nuevo álbum un viernes por la noche, antes de presentarse en el late night de Jimmy Fallon cantando con Sech y ataviado con una camiseta-pancarta contra un ataque transfóbico en Puerto Rico; publicó el álbum ya en sábado (es decir, un día después del día de lanzamientos oficial); y se desquitó con un compendio de veinte canciones que nos presentan a un Bad Bunny cada vez más infalible.

Un repertorio que se mueve a gusto tanto cuando parece que plagia el “Get Ur Freak On” de Missy Elliot (en la rompepistas e hipersexual “Safaera”); cuando se acerca a la baladita romanticona para la Generación Z (“<3”); cuando suelta un alegato feminista (“Soliá” o “Yo Perreo Sola”, a la que pondremos una pega: ¿por qué no se acredita en plataformas a Nesi, la vocalista que lo acompaña); cuando sacude con algunos de los temas que más sonarán en 2020 (“La Santa”, “La Difícil”, “A tu merced” o “Ignorantes”); cuando hace ojitos al bolero (“P FKN R”); arriesgando vocalmente en falsetes imposibles y bases de cyber-trap (“Pero ya no” o “Si veo a tu mamá”); acogiendo bajo su seno a sus herederos sudamericanos (suma a Duki y Pablo Chill-E en la introspectiva “Hablamos mañana”); poniéndose guerrero y reivindicativo (“25/8” o una “Puesto pa’ guerrial” en la que parece 2Pac); o inventándose un nuevo superego junto a Anuel AA (“Esta cabrón ser yo”: la suma del “brr” y el “ye ye ye ye” del otro).

Bad Bunny hace lo que le da la gana no solo porque quiere: sino también porque puede.

Alan Queipo

Caetano Veloso & Ivan Sacerdote (Universal Music / Uns Produções, 2020)

Fri, 06 Mar 2020 09:37:41 +0100

Jair Bolsonaro y su concepción dictatorial y militarista del gobierno, en permanente disputa con los derechos humanos, ha despertado multitud de críticas en Brasil. Las comunidades indígenas, los activistas a favor de la diversidad sexual, el mundo de la cultura. Entre estos últimos destaca la voz de un señor de 77 años que fue encarcelado durante su juventud por luchar por la libertad. “El fascismo está mostrando sus garras”, dice Caetano Veloso.

Es en ese contexto de agitación social y oposición frontal al gobierno de su país cuando el icono del movimiento del tropicalismo que revolucionó la música brasileña a finales de los 60 sorprende con un nuevo disco. Esta mirada a canciones antiguas de su repertorio junto al joven y brillante clarinetista Ivan Sacerdote tiene mucho de (auto)reivindicación pero también de una cualidad que nunca le ha abandonado: el ansia de seguir aprendiendo.

El álbum está dividido en dos sesiones de grabación, entre Salvador de Bahia y Nueva York. Reúne temas que van desde ‘Trilhos urbanos’ (1979) hasta ‘Você não gosta de mim’ (1998). Ivan Sacerdote hace gala de su formación clásica y unos profundos conocimientos de la tradición popular de su país y su interés por el universo del jazz. Combina a la perfección con un Caetano que, lejos de perder el poder su voz, con el tiempo va puliendo sus cualidades: esa belleza sutil repleta de matices.

José Fajardo

Los Gaiteros de San Jacinto ‘Toño García: El último cacique’ (Llorona Records, 2019)

Fri, 13 Mar 2020 12:14:00 +0100

“En los Montes de María, esto sucedió señores: estaba cantando un niño, lamentado sus dolores / ¡Ven acá! ¡Ven acá mijo, ven, acá! ¿Qué lloras bebé? Dime qué te duele / Porque se murió mi madre, no tengo quien me consuele”. Así arranca una de las canciones más populares de Petrona Martínez, leyenda del folclore del Caribe afro colombiano.

Y de ese mismo lugar del departamento de Bolívar, los Montes de María, un paraíso verde donde la violencia se ha enquistado (desde finales del siglo XX ha sufrido masacres y desplazamientos forzosos de población), proceden Los Gaiteros de San Jacinto. Formado hacia 1950 hoy simboliza la resistencia cultural de un pueblo orgulloso de su cultura, la de la cumbia y la música de gaitas.

Tras varios trabajos fundamentales para comprender cómo la tradición afrocolombiana dialoga con los sonidos contemporáneos (es el caso del proyecto ‘Dub de gaita’ de 2017 junto a Los Hnos Gómez), la formación vuelve a aliarse con el productor bogotano Diego Gómez (quien con su alias Cerrero acaba de publicar un remix de la canción ‘Las Mellas’ con Carmelo Torres) y el sello Llorona Records, la casa de talentos como Elkin Robinson y Boom Full Meke.

El disco está dedicado a la memoria de Toño García, uno de los grandes maestros de los gaiteros, un campesino humilde que llevó a medio planeta la tradición de los Montes de María. Hoy la formación (compuesta por una docena de músicos) está liderada por Gabriel Torregrosa (director musical, tambor llamador, guacharaca y coros) y recorre en esta ocasión 15 canciones inéditas de la última década.

En sus manos la cumbia es un viaje por el sonido de su tierra, un recorrido por una tradición que va de Petrona Martínez a Andrés Landero, cuyo nieto Yeison colabora en la canción ‘Campesino cimarrón’ consagrando esa herencia de la sabiduría de la comunidad entre generaciones de la misma familia.

Cami - Monstruo (Universal Music Chile, 2020)

Fri, 13 Mar 2020 14:40:34 +0100

Los prejuicios matan más gente que el coronavirus. Y con la gran mayoría de artistas que se dan a conocer de jóvenes en talent shows, la prejuiciosa mesa de la crítica especializada suele afilar los cuchillos para merendarse a estos supuestos ‘productos prefabricados de la industria’. Con Camila Gallardo también pasó: a la artista chilena, que se dio a conocer hace cuatro años cuando quedó como segunda finalista de The Voice Chile, se le colocó ese sambenito nada más salir del cascarón de la televisión.

Tras “Rosa”, un primer álbum que fue todo un fenómeno en su país, da la sensación de que Cami consigue alcanzar una mayor personalidad, quitándose algunos tics estereotipados de una diva pop de veintipocos amparada por una multinacional y apadrinada por artistas como Luis Fonsi; en “Monstruo” (que se publicó como una suma de dos EPs-capítulos) consigue imprimir un repertorio en donde, además de abrazar el feminismo y la lucha social (ha sido una de las figuras más activas de las movilizaciones en Chile de hace unos meses), también modela un registro en donde, sin perder la instantaneidad melódica del pop y el punch de las producciones contemporáneas, hace evidente su interés por conectar con sonidos procedentes de las músicas de raíz latinoamericanas.

Tanto cuando reivindica, guerrera, su propio espacio con una cumbia eléctrica (“Aquí estoy”) como cuando hace ojitos al sonido de Natalia Lafourcade (“La Entrevista”); cuando juega con texturas urbanas entremezcladas con ritmos folclóricos (“Pena negra”, “Mala leche” o “Monstruo”); cuando suena como una baladera de corte soul absolutamente desgarrada y folclórica (“La Despedida” o “Espero que seas feliz”); cuando le da un empaque cuasi orquestal a una canción que suena a madera (“Tú siempre”); o cuando se arrebata escorada en una cumbia-rap junto al rapero argentino WOS (“Funeral”); Cami demuestra una personalidad arrolladora.

Yo lo canta ella misma en “Aquí estoy”: “Que vengan, que vengan de a uno. Con esta canción yo les doy por el… y aquí estoy, y aquí estaré: no me iré”. Como mínimo, este disco lo demuestra.

Alan Queipo

Erik Urano - Neovalladolor (Sonido Muchacho, 2020)

Fri, 20 Mar 2020 10:38:24 +0100

Es una putada absoluta publicar un disco en mitad de la cuarentena: la mayoría de los medios tienen las luces apagadas; la atención del público se debate entre el bloqueo y el desasosiego; y todas las miradas están puestas en cómo y cuándo se va a resolver esta crisis sanitaria mundial. Pero, en el caso del nuevo disco del vallisoletano Erik Urano, parece que alguien hubiera programado aposta el lanzamiento: suena como la BSO del apocalipsis. “Neovalladolor” es la foto de la estantería vaciada de papel higiénico en el supermercado.

La narrativa distópica, aislacionista, apocalíptica, críptica, tétrica, computarizada y confinada en sí misma es, a la vez, el hilo musical perfecto para la actual crisis global del mundo tal cual lo teníamos entendido; pero, a la vez, es un manual crítico y críptico de las derivas de la vida de la sociedad contemporánea: un manifiesto que se corta como un cuchillo afiladísimo y repleto de óxido, que desnuda los vicios sin virtudes del ser humano; y también es una suerte de centralita industrial donde convergen ecos de ritmos que, como el coronavirus, se extiende sin necesidad de pillar vuelo en primera clase por herencias musicales de ciudades como Detroit, Kingston, Berlín, Medellín, Londres o, sí, Valladolid.

La corte de productores que desfila por este precipicio aterrador (Lost Twin, $kyhook, BSN Posse, Zar 1, Merca Bae, Manul, Energy Man, Margari’s Kid y Hidden Jayeem) nos llevan al secuestro de ritmos que van desde el drum’n’bass (en “DE47H”) al cyber-dub (“2984”), el trap futurista (“47 GHOST”), el reggaetón de vanguardia a lo Sega Bodega o Kelman Durán (“Molecular”), el bakalao de museo (“Logout”) y un minimalismo tech-rap (“Penfield”, “Vantablack” o “Drones” y “Labyrinth”, con colabos del Niño de Elche y Suzzee, únicas voces invitadas a este ensayo para una despedida) tan cerca de Oscar Mulero como de A Tribe Called Quest.

No busques a Erik Urano haciendo un concierto en acústico en Instagram: ahora mismo estará componiendo la BSO de cuando todo acabe (si acaba), y tú sin saberlo.

Alan Queipo

Xose Lois Romero & Aliboria - Latexo (2020, Raso.)

Fri, 20 Mar 2020 11:24:28 +0100

Antes de que la emergencia por el coronavirus dejara en suspenso todos los conciertos, sucedió en Madrid un acontecimiento extraordinario. Fue en el Teatro Lara, el 12 de diciembre de 2019. El músico gallego Baiuca demostró que se puede llevar al directo una propuesta que se sostiene en la electrónica. Lo hizo gracias a sus invitados, entre ellos las cantareiras-pandereteiras Andrea y Alejandra Montero, del grupo Aliboria. Destacó también un señor que cargaba con un charrasco, un instrumento enorme de percusión con el que bajó junto al público para desatar un ritual frenético de ritmo y danzas. Su nombre es Xose Lois Romero.

Tras su debut homónimo de 2017, donde ya había chispazos fulgurantes como el tema ‘Mangüeiro (olvídame)’, Xose Lois Romero y Aliboria vuelven ahora a juntarse para seguir adivinando cómo suena la Galicia del futuro. Lo hacen recuperando la tradición de su tierra, a la que insuflan un espíritu transgresor y abierto de miras, que en ocasiones suena a puro punk. Son canciones que invitan al trance, a desafiar a la cordura en estos tiempos de desconfianza y miedo y salir a la calle a echar unos bailes con los vecinos.

Decíamos punk pero también suena a gospel, a neo folk pastoral, a metal y hasta a techno. Lo que hacen no es tan lejano de la épica de Arcade Fire en directo. Ellos han encontrado el cruce feliz entre dos caminos que jamás discurrieron juntos: lo instrumental y el spoken word, el ansia renovadora y el respeto por la tradición, el pasado y el futuro. Una canción como ‘Ponta de areia/Maria Maria’, con tantísimos matices, es una muestra de la cantidad de cosas que este grupo es capaz de generar en unos tiempos en los que el bien más preciado es ese precisamente: encontrar estímulos que nos recuerden que estamos vivos.

José Fajardo

J Balvin - Colores (2020, Universal Music Latino)

Mon, 23 Mar 2020 11:12:56 +0100

En el estallido latino en la industria global, Bad Bunny es para J Balvin lo que Miguel Induráin fue para Marco Pantani en el ciclismo dorado de los 90, Rafa Nadal para Novak Djokovic en el tenis de la década pasada y el Real Madrid para el Atlético en la final de la Champions: el que siempre va un pasito por delante. El puertorriqueño se ha ido adelantando en todas las jugadas magistrales al colombiano, siendo la última el lanzamiento de sus respectivos nuevos discos (‘YHLQMDLG’ salió por sorpresa hace unas semanas).

No sólo eso: en su álbum conjunto ‘Oasis’ (2019) llama la atención que el mejor tema (quizá el único que realmente saca buena nota) sea ‘La canción’, el más Bad Bunny y el menos J Balvin de todos: es nostálgico, intimista y sensible. En realidad, el camino de ambos se va bifurcando cada vez con más claridad. Mientras el conejo malo sigue aprovechando su altavoz para denunciar causas sociales (la diversidad sexual, las drogas, la corrupción en su país), el reggaetonero cada vez está más enfocado en una visión mainstream y comercial de su música, aspirando a convertirse en un artista-empresario como lo pueda ser Kanye West.

Así es como debemos entender este disco, como un producto. Digno, por supuesto, pero producto al fin y al cabo donde lo más importante, por desgracia, parece el envoltorio: los espectaculares videoclips perfectamente calculados que fueron precediendo al lanzamiento (‘Rojo’, ‘Morado’, ‘Blanco’ y ‘Amarillo’), la alianza con el artista Takashi Murakami para sumar cierto impacto visual y, de paso, el anuncio de forma paralela de su propia línea de ropa.

A nivel sonoro este es un buen disco de reggaetón: variado, divertido y bailongo, avanza con flow. El problema es la simpleza (por no decir el vacío) en las letras, valga como ejemplo el estribillo de los cuatro singles: “Como te explico no me complico, a mí me gusta pasarla rico” (‘Amarillo’), “Me dan ganas de ti, te dan ganas de mí, a la misma hora” (‘Rojo’), “Yo pedí un trago y ella la botella, abusa siempre que estoy con ella” (‘Morado’), “For real made in Medellín, te lo doy sin que tengas que pedir” (‘Blanco’). Un vacío clamoroso cuando lo comparamos con ‘Vibras’ (2018), un trabajo que hoy todavía se siente visionario.

J Balvin emprendió estos dos últimos años un camino junto a Bad Bunny (y otros muchos artistas) para reivindicar con orgullo la bandera latina, especialmente frente a los ataques diarios del presidente Trump en Estados Unidos. Han marcado una época en la industria de la música pero ahora es el momento en que cada uno muestre su verdadera grandeza. ‘Colores’ no es, desde luego, el disco ambicioso y arriesgado que sus fans más exigentes esperaban del colombiano.

José Fajardo

Kanaku y el tigre - ¿Si le doy zoom, puedo ver África? (Autoeditado, 2020)

Mon, 23 Mar 2020 11:29:43 +0100

Si bien los dos primeros álbumes merodeaban un registro que intentaba evitar una etiqueta concreta, cuando alguien preguntaba qué estilo era el de Kanaku y el tigre, lo normal era situarlos en una órbita cercana al indie-folk. Cinco años después de “Quema Quema Quema” y a cuatro de su directo para PLAYLIZT, es el ahora trío peruano el que hace las preguntas.

“Un rompecabezas en medio de un déjà vu” es como han querido definir este retórico y experimental “¿Si le doy zoom, puedo ver África?” con el que regresan casi un lustro después de sus últimas canciones. Sin lugar a dudas, estamos ante el álbum más juguetón, indefinible y ‘de(s)generado’ de Kanaku y el tigre: tan cerca de propuestas como la de Meridian Brothers y Los Pirañas como de acercamientos conceptuales al universo proyectado por el “Graceland” de Paul Simon o al sarcasmo psico-freak de Frank Zappa, el combo peruano abre tantos melones como redelimita fronteras sonoras.

La pregunta que hacen en el título del disco parece el leitmotiv que aplican a la hora de componer sus nuevas canciones: como si giraran un mapamundi sin mirar y fuesen generando alianzas entre los puntos que decide marcar el dedo. De ahí que el afrobeat se fundan con el funk, las voces enfundadas en vocoder con armonías vocales, las guitarras que huelen a chicha, el folk de autor, las guitarras embarradas de distorsión, las cadencias reggae o los sintetizadores modulares; todo entre sí.

La ristra de invitados de renombre (de Kevin Johansen y su hija Miranda a Jorge Drexler, Miki González, Chaska Paúcar o Camilla Jackson) pone esa guinda babélica, transgénero y transoceánica a un álbum que abre un nuevo campo de entendimiento para un grupo que ha decidido dejar de estar en un sitio concreto para estar un poquito en todos.

Alan Queipo

Pabllo Vittar – 111 (Sony Music, 2020)

Fri, 27 Mar 2020 16:20:23 +0100

Resulta curioso que, en un Brasil gobernado por un político retrógrado, ultraconservador, misógino y, por supuesto, homófobo; uno de los movimientos tanto sociales como culturales que más está pujando por seguir manteniendo al país sudamericano como uno de los referentes en la música de vanguardia sea el de lxs drag queens, travestis y transexuales.

No es una escena que haya surgido ni por ciencia infusa ni tampoco a la estela de la resistencia anti-bolsonarista. Más bien es un movimiento que lleva años conectando tanto la cultura del voguing neoyorquino de finales de los años ’80 con la del funk de las favelas y géneros de un folclore festivo como el forró, la arrocha, las pagodas bahianas o el axe.

Entre lxs principales referentes de esta escena (más allá de Liniker e os Caramelows, que maneja un estilo más cerca de estructuras rock-pop) aparecen nombres como los de Gloria Groove, Linn da Quebrada, Lia Clark o Kaya Conky, por mencionar solo a algunxs. Pero, sin lugar a dudas, el nombre de este movimiento que está opositando en convertirse junto con Anitta en la gran referencia del nuevo mainstream brasileño es el de Pabllo Vittar.

Tras dos álbumes (“Vai Passar Mal” y “Não Para Não”, en 2017 y 2018, respectivamente); da la sensación de que será el flamante “111”, nacido en plena cuarentena global, el que va a relanzar la carrera de Vittar. Si bien el repertorio es mejorable en su conjunto, y se intuye un alejamiento errado del funk carioca que debería exportar, en detrimento de coqueteos al Eurodance, el reggaetón más melódico o incluso a cierta caspa del pop latino de finales de los años ’90 (la colabo de Thalía en la estereotipada aunque efectiva “Tímida”); Pabllo Vittar consigue firmar un repertorio que, tanto cuando se acerca al funk maquinero más arreguetonado (“Rajadão” o “Ponte Perra”) como al dub más sensual (“Lovezinho”), al reggaetón de acento carioca (“Salvaje” y “Clima Quente”) o a la performance eurovisiva (“Flash Dance”), está lista para convertirse en un icono del aterrizaje formal del trans-power brasileño en todo el globo terráqueo, más allá de las autárquicas fronteras de su propio circuito.

Alan Queipo

Espíritu Balanta & Estrellas de Timbiquí (2019, Juga Music)

Fri, 27 Mar 2020 16:41:41 +0100

El árbol genealógico de los Balanta se extiende a través de generaciones de cazadores, pescadores y agricultores que siempre estuvieron ligados a la música, ya fuera como fabricantes de instrumentos o como artistas. “Si Gabriel García Márquez no hubiera nacido en Aracataca sino en Timbiquí, los Buendía habrían sido los Balanta”, dice el historiador local Mauro Tomás García. Este lugar rodeado de agua y manglares, de selvas e historias ancestrales se encuentra en el Cauca, en el Pacífico Colombiano.

La importancia de esta grabación es fundamental para que la sabiduría de esta familia no se pierda y llegue a los jóvenes. El germen del disco fue un encuentro hace años entre el productor Julián Gallo y la cantaora Inés Granja en el Festival Petronio Álvarez, la gran fiesta de la cultura afro del Pacífico colombiano que se celebra cada año en Cali. Allá fue donde el productor conoció a los Balanta.

A través de marimba, bombo, cununo, guasá o guitarra -junto a la poderosa voz de estas mujeres y hombres de distintas generaciones- estas canciones hablan de resistencia cultural frente al olvido y recuperan la herencia de África (los Balanta son originarios de Guinea-Bissau y de Senegal). Las noches en familia escuchando relatos asombrosos y tomando a sorbitos viche (un licor artesanal dulzón y poderoso del Pacífico, al que se le atribuyen todo tipo de propiedades), el ruido de la lluvia en los tejados de zinc, los pasos de los chiquillos descalzos al corretear por el suelo construido con tablones de madera…

Canciones como ‘Las siete luchas’, que suena como un rap rabioso con percusiones y ritmos ceremoniales y habla de una enfermedad misteriosa e invisible que la comunidad no sabe si llegó por barco o por avión (nada que ver con el coronavirus: era una especie de sarampión), demuestran la vigencia de esta música. Más allá del costumbrismo, hay denuncia social al criticar injusticias a las que están sometidos a diario como la desigualdad y la escasez de agua potable en un lugar rodeado de ríos y mar (‘Un poquito de agua’).

Rescatamos ahora esta joya que se publicó el año pasado porque apenas acabamos de descubrirla y desde entonces no hemos podido parar de escuchar sus canciones.

Triángulo de Amor Bizarro - Triángulo de Amor Bizarro (Mushroom Pillow, 2020)

Mon, 30 Mar 2020 14:51:47 +0200

Para cuando salió ‘Triángulo de Amor Bizarro’ en 2007, el debut homónimo del grupo gallego que hoy podemos calificar como uno de los más influyentes del pop contemporáneo en español, la escena independiente estaba en ebullición. Si desde Nueva York bandas como The Strokes e Interpol habían renovado los códigos estéticos de la juventud con su adaptación del rock anglosajón (Velvet Underground, Suicide, The Cure), en España una nueva camada de bandas con nombres imposibles había puesto patas arriba la herencia de la explosión indie noventera.

No había demasiadas cosas que unieran a Nudozurdo, Manos de Topo, Los Punsetes, El Columpio Asesino, Fasenuova, Pony Bravo, Klaus & Kinski y Guadalupe Plata más allá de su inquebrantable voluntad a la hora de renovar el discurso y el sonido de la generación que les precedía. Entre todas ellas Triángulo de Amor Bizarro destacó por la profundidad surreal de las letras, cargadas de rabia y emoción, por unos directos tan apabullantes como una guerra nuclear violenta, divertida y sudorosa, y al fin por esa originalidad en las melodías amplificada por la voz de Isa y la tremenda batería-apisonadora.

Fui el primero que se olvidó de ellos a partir del excelente ‘Victoria mística’ (2013). De una forma inconsciente me fui alejando de todos esos grupos que marcaron mi paso de la adolescencia a la época de la universidad y los primeros trabajos. Vinculaba toda esa escena con una parte de mi pasado llena de hallazgos vitales, noches locas e interminables y experiencias nuevas: un tiempo que ya pasó. Hasta que he escuchado ‘Ruptura’ y he vuelto a sentir ese chute de energía que 13 años antes me aportaran temas suyos como ‘El fantasma de la Transición’.

No parece casual que el grupo vuelva ahora a reivindicar su nombre en el título del disco. Este trabajo es un puñetazo encima de la mesa para reclamar su vigencia. Y vaya si lo consigue: en ‘Ruptura’ y ‘Fukushima’ muestra su capacidad para sonar actual, prescindir de las guitarras y apostar por la electrónica. En ‘No eres tú’ vuelve a explotar las armas que le hicieron único (la voz, las melodías) y en ‘Vigilantes del espejo’, el tema más pegadizo del conjunto, recupera su gusto por el rock guitarrero en español. Larga vida a Triángulo de Amor Bizarro.

José Fajardo

Javier Malosetti – Malosetti & La Colonia (Autoeditado, 2020)

Mon, 30 Mar 2020 15:05:01 +0200

A pesar de (o gracias a) ser hijo de una leyenda del jazz argentino (el guitarrista Walter Malosetti), a Javier Malosetti nunca le pesó el apellido. No puede pesarle a un músico que ha mamado jazz desde la cuna; que se formó como batería para reconvertirse en uno de los mejores bajistas de jazz del mundo; que ha formado parte durante casi una década de la banda del icono del rock argentino Luis Alberto Spinetta; que ha colaborado con artistas de la talla de Jaime Roos, Lito Vitale, Rubén Rada, Illya Kuryaki & the Valderramas o Dino Saluzzi, entre muchos otros; que ha firmado algunos de los mejores álbumes del jazz moderno latinoamericano estas últimas décadas, como “Villa”, “Onyx” o “Spaghetti Boogie”.

Por si fuera poco, en su enésima reinvención, lleva un año girando con una nueva banda: un power trío llamado La Colonia, liderado por el propio Javier Malosetti y secundado por los multiinstruentistas Milton Amadeo y Tomás Sainz, quienes, desde el jazz, coquetean con cadencias afroamericanas (jazz y soul, sobre todo) y rioplatenses (se cuelan cadencias de candombe libre a lo Hugo Fattoruso) en búsqueda de un groove artesanal y universalmente sudamericano, a la vez.

Lo alcanzan prácticamente todo el rato. Sobre todo, en canciones que experimentan espacios de una libertad arrolladora: desde una “KDS” que samplea voces, se acerca al jazz-rock progresivo y recuerda tanto a Pat Metheny como a Serú Girán; una “Rusty” que se inventa un Nueva Orleans de olor porteño; o una “Big Ale” que juega con el groove desde atrás, entre la psicodelia y la música para follar. Pero incluso cuando se permite licencias experimentales: en “Mapa” juega a ser Spinetta; en “Puerta y regazo” hace una jam session minimalista; y “Hallelujah I Love Her So” es un soul-jazz para batería y bajo.

Alan Queipo

Jessie Reyez – Before Love Came to Kill Us (FMLY / Island Records, 2020)

Fri, 03 Apr 2020 09:07:58 +0200

No responde al estereotipo ni de artista intensa con la ambición de convertirse en un modelo inspiracional; ni de icono empoderado y empoderador; ni de bomba sexual prefabricada por la industria. Jessie Reyez es algo bastante más que todo eso: una artista hecha a sí misma, con una identidad tan marcada que suena a la vez contemporánea y retro, combativa y romántica, nostálgica y en emulsión constante.

Tras dos EPs que la situaron en el mapa del r&b global, la canadiense de ascendencia colombiana debuta en largo en un momento de parálisis general no solo de su proyecto (justo se encontraba girando como telonera de Billie Eilish en todo el mundo), sino también de una industria que no sabe cómo asumir esta incertidumbre. Y lo hace con un álbum de título peligroso en los tiempos que corren (“Antes de que el amor viniera a matarnos”), pero con una coherencia que engloba 14 canciones repletas de fortalezas, y en las que Reyez se desnuda en unas letras absolutamente explícitas, ásperas, tan cerca del r&b más desgarrador como de la vocación pop, y con una pose tan desenfadada y dispuesta que la acerca tanto a la actitud de una rapera como de una cantautora dueña de sus propias palabras.

Y es que Jessie, que ya había compuesto temazos para Calvin Harris, Eminem, Karol G o Lewis Capaldi, entre otros; se desquita ahora en un repertorio prácticamente sin aliados (excepto cuando en las canciones hay un ‘segundo’ en discordia, donde se acompaña de Eminem y 6lack) pero que transita desde las baladas r&b más desgarradoras (“Love in the Dark”, “Same Side” o la ya conocida “Figures”) hasta el urban más sucio y a lo Missy Elliott (“Dope” o “Deaf (who are you)”), la conexión con una facción retro a lo estándar de los años ’50, cerca de la Rihanna de “Love On the Brain” (“Kill Us” o “Coffin”) y hasta se anima a cantar tanto sobre la problemática de la inmigración en Norteamérica (“I Do”) como, tras denunciar hace tres años al productor Noel “Detail” Fisher en “Gatekeeper”, lo hace ahora en el idioma de sus padres señalando a una ex pareja que la maltrataba (“La Memoria”).

En tiempo de dolor e incertidumbre general, las canciones de Jessie Reyez se antojan como antídotos: porque lo que canta ella desde su experiencia personal es lo que podemos cantar cada uno de nosotros. Porque no hay nadie quien pueda prefabricar a una artista que, a diferencia de otros, sí que ha vivido.

Alan Queipo

Rodrigo Gallardo - FuerzAndina (Autoeditado, 2020)

Fri, 03 Apr 2020 09:39:50 +0200

De todos los referentes de la folktrónica latinoamericana (Nicola Cruz, Chancha via circuito, Uji, Barrio Lindo, Montoya, etc.), posiblemente Rodrigo Gallardo es el artista que más se acerca a una especie de ‘folktrónica canción’, utilizando estructuras algo más formales, introduciendo más voces, melodías e instrumentos orgánicos.

Así, al menos, lo ha ido demostrando en los diferentes EPs y singles que publicó en solitario; y así lo demuestra más que nunca en el autoeditado “FuerzAndina”, un álbum que lo presenta más como una suerte de cantautor de influencia folclórica latina que se sirve de texturas electrónicas y de un innegable manejo por conectar la música que nace de la tierra con la que nace de los cables; que como un productor de música de club que se sirve de los folclores latinos.

De ahí que el repertorio que nos presenta Gallardo nos lleve a un marco de referencias que, sin perder el cable a tierra con las producciones contemporáneas, que nos invite a pensar en trovadores folclóricos del cono sur americano como Víctor Jara, José Larralde, Horacio Guarany, Atahualpa Yupanqui, Patricio Manns o Rolando Alarcón.

Y es que tanto esa estructura ‘canción’ de producción folktrónica que maneja el chileno como las temáticas reivindicativas que aborda en este cancionero (al pueblo andino, a la naturaleza virgen, a las derivas de la sociedad capitalista) nos presentan a un trovador folclórico del siglo XXI: con reclamos humanistas y naturalistas que conectan con reclamos sociopolíticos, como sucedía con los iconos de aquella Nueva Canción Chilena que basculaba la canción protesta de los años ’70; pero también demostrando una querencia inquebrantable por conseguir trazar un camino de ida y vuelta entre aquella generación de trovadores contestatarios y la que hoy lo tiene a él más cerca artística y éticamente de ellos que del hedonismo de la música de club y el circuito Ibiza.

Alan Queipo

Alien Tango – Blink Pop, Vol. 1 (Ground Control, 2020)

Mon, 06 Apr 2020 14:33:47 +0200

Del mismo modo que la prensa, la radio y la televisión primero; e internet décadas más tarde; cada uno de los cambios que atañen a la sociedad no solo afectan a nuestro día a día: también como inspiración (o expiración, según se mire) para los creadores. Si cada una de las redes sociales han cambiado nuestra forma de comunicarnos, también lo han hecho para los artistas: a la hora de compartir su música, de adaptarse al medio, de comprender las derivas de la vida moderna.

En ese curioso juego de adaptación al medio, Alien Tango sacaría matrícula de honor este curso. Y es que, en plena vorágine y ascenso de la red social TikTok para los usuarios más jóvenes (una especie de red social basada en stories con audio y sonido: una mezcla de Snapchat y Vine para la Generación Z), el artista murciano residente en Londres ha decidido asumir un curioso reto, impuesto por él mismo: crear una canción al día que durase máximo 15 segundos, y que fuese acompañado de un vídeo en vertical que se pusiese en circulación en esta nueva y tendenciosa red social.

El resultado no solo ha sido notable en visitas (supera de largo los dos millones de visualizaciones y más de 700.000 likes a día de hoy); sino también artísticamente. Este primer volumen de “Blink Pop”, que se ha convertido sin-querer-queriendo en su primer álbum largo (¡qué ironía!) tras cinco años publicando singles y EPs, reúne quince microcanciones que, a su vez, plasman a la perfección el universo tan psicotrópico como polifónico de Alberto García.

Tan cerca del sarcasmo psicodélico y freak de Frank Zappa como de la performance sonora; en los poco más de tres minutos y medio que dura el disco nos encontraremos desde acercamientos al trash metal (“Crack in the Wall”) al antifolk naturalista (“Photosynthesis”), reivindicaciones del kitsch digital en tiempos de Instagram (“Comis Sans Forever”), piezas que rehacen en versión ultraligera el “Thriller” de Michael Jackson (“Sugar Power”) y un marco de referencias que nos llevan desde The Sleepy Jackson (“Around the Moon”) a la no wave (“Three-Fingered Hand”), el acid-house (“Send Money Pls”) o la ópera-rock (“She Ghosted Me”); y conseguir siempre sonar a Alien Tango.

Alan Queipo

La Doña – Algo Nuevo (Human Re Sources, 2020)

Mon, 06 Apr 2020 14:40:00 +0200

No lo voy a negar: los primeros segundos de escucha del flamante debut de La Doña me conectaron automáticamente con el personaje que Nathy Peluso creó en “La Sandunguera” a imagen y semejanza (en el límite de lo legal, incluso) de la rapera boricua-estadounidense Hurricane G. Pero hay una diferencia entre la suerte de teatro orquestado (y excelentemente ejecutado: es de las artistas más mayúsculas de su generación) de Nathy Peluso y la propuesta de La Doña: en el caso de esta última, todo es cierto.

Y lo es porque Cecilia Cassandra Peña-Govea nació en San Francisco, hija de padres mexicanos; creció en un entorno especialmente musical y mestizo: desde los siete años que toca la trompeta en el grupo de sus padres. Padres que siempre se han rodeado de músicos de Puerto Rico, Nicaragua o México; y que han hecho que Cassandra respire y se forme artísticamente en un entorno en donde la comunidad latina de San Francisco sonase como la música que se hacía en su casa; y que ella trasladaría tanto a los proyectos en los que ha participado, como también a sus clases de mariachi que da en institutos.

El resultado se cristaliza en “Algo nuevo”, el debut de Cassandra como La Doña: un álbum en donde la salsa, la rumba, los corridos, la cumbia norteña y el sonido mariachi se funden con la sonoridad del hip-hop callejero de la comunidad latinoamericana del San Francisco de finales de los años ’90 y principios de los 2000. Una propuesta en la que el mensaje empoderado feminista (lo que ella llama “femmetón”) se funde y confunde en un spanglish en la que habla de fronteras, sexo y nuevos modelos femeninos.

En el disco hay momentos que nos recuerda, sí, a Hurricane G (“Ago nuevo”); en otros momentos, a que comparte circuito con otras divas urbanas neolatinas como Mariah o Lao Ra (“Cuando se van”); en otros, a un cruce inesperado entre el sonido salsero de la Fania All-stars y las trap queens contemporáneas (“Le Lo Lai”); en otros, poco tiene que envidiar a los hits de Ms Nina o Tomasa del Real (“Dembow y sexo”); en otros, firma el pacto definitivo entre el corrido y el reggaetón (“Nada me pertenece”); en otros, inicia un puente entre las guitarras tex-mex, la cumbia norteña y una Gloria Estefan del Siglo XXI (“Quién me la paga”); y hasta culmina con un reggaetón orgánico que recuerda al registro de Glory o Ivy Queen.

Alan Queipo

La Muchacha - Canciones crudas (Sello In-Correcto, 2020)

Thu, 09 Apr 2020 10:16:50 +0200

Maria del Mar Bonet y Raimon le cantaban en los años 70 a la libertad en las postrimerías de la dictadura franquista en España. Antes de ser asesinado en 1973 el chileno Víctor Jara se convertía en un símbolo de la canción protesta. Hoy Isabel Ramírez Ocampo recoge el legado de estos cantautores en una Colombia que atraviesa un periodo de cambios históricos.

En las canciones de esta artista de Manizales se puede adivinar un trasfondo contemporáneo (los nuevos aires de esperanza en su país tras el proceso de paz en 2016, las marchas de los estudiantes, las revueltas indígenas, la lucha feminista, la legalización de la marihuana) pero hay en su música una fuerza que atraviesa épocas y fronteras. Como la poesía que perdura para siempre sus letras juegan con conceptos en apariencia sencillos pero cargados de significado.

Su referente más cercano es la folclorista chilena Violeta Parra, no sólo por las melodías de canciones como la conmovedora ‘La cara’ sino también por su lucha por la dignidad y los derechos de la gente del campo (hay ecos en ‘Que me devuelvan la tierra’ del expolio y los desplazamientos forzados), así como por su reivindicación de los recursos naturales frente a la explotación abusiva (‘Los ríos’).

Al mismo tiempo su música suena actual y fortalece las redes invisibles de una escena todavía sin nombre en Colombia a la que también pertenecen Briela Ojeda, Cachicamo, Gato e’Monte, Bella Alvárez y Oso Pardo: propuestas todas ellas que reivindican las tradiciones y la diversidad con un marcado trasfondo social. El Festival de la Tigra, organizado por Edson Velandia (un referente para todos ellos) en la localidad colombiana de Piedecuesta, es uno de los puntos calientes donde este circuito se está cocinando.

Jose Fajardo

Tainy - Neon16 Tape: The Kids That Grew Up on Reggaeton (Neon16, 2020)

Thu, 09 Apr 2020 10:03:10 +0200

Hay un debate ahora mismo en todo el planeta sobre si está bien disfrutar de la vida mientras hay gente muriendo, pretende imponerse una moral que quiere prohibir el hedonismo en tiempos de crisis. Mientras J Balvin sacó hace unos días ‘Colores’ para alegrar a sus fans con unos bailecitos el confinamiento, Rosalía lanzó por sorpresa ‘Dolerme’, un tema intimista pensado para sufrir el encierro y confesó que había cancelado la salida de una canción disfrutona que ya tenía grabada porque pensaba que este no era el momento.
En esta casa nunca renunciaremos al gozo pues entendemos la música como un bálsamo, una ventana por la que asomarnos a otros mundos (y más durante estos días en los que el universo que habitamos es tan limitado físicamente). Por eso recibimos con los brazos abiertos (y la cadera engrasada) este debut de Tainy donde el productor de reggaetón puertorriqueño muestra todas las posibilidades de su proyecto Neon16, una incubadora de talentos que creó en Miami junto a Lex Borrero (quien antes ocupaba un puesto destacado en el sello de Jay-Z Roc Nation).

‘Los chicos que crecieron con el reggaetón’ (el título de la grabación, en su traducción al español) pone en evidencia el papel central que ahora mismo juega este género en la industria global. El listado de invitados ofrece un picoteo por los distintos sabores con los que se puede condimentar este sonido bailable y sudoroso: desde la colombo-estadounidense Kali Uchis y su soul-pop retrofuturista hasta el español C. Tangana y su nuevo pop (mezcla de sonidos latinos, hip hop y electrónica), además de otros talentos jóvenes como Cazzu, Khea, Lauren Jauregui y Las Villa.

Es ahí precisamente donde este trabajo se ensancha: en su acierto a la hora de seleccionar a los colaboradores. Más que un disco de Tainy, es una fiesta donde el productor hubiera invitado a la gente que le gusta y en la que confía para todos juntos hacer algo grande. Mención aparte merece la alineación de puertorriqueños: Dalex, Alvaro Diaz o Justin Quiles son nombres con los que asomarse a una efervescente nueva escena musical en su país. Tainy demuestra que es mucho más que el hombre a la sombra de súper éxitos –‘Callaíta’ de Bad Bunny, ‘I Like It’ de Cardi B o ‘Adicto’ junto a Ozuna- y que ya se ha ganado un hueco con su nombre en lo alto de la industria.

José Fajardo

Lia de Itamaracá - Ciranda sem fim (Somax, 2019)

Mon, 13 Apr 2020 13:02:10 +0200

El tópico de que Brasil es un universo aparte en América Latina se cumple en el caso de su música. Tras trazar en un reportaje reciente para Gladys Palmera una panorámica de algunos de los artistas que están resistiendo a la persecución de la cultura que ha emprendido su presidente Jair Bolsonaro (entonces citábamos a Pablo Vittar, Ava Rocha y Karol Conká,

entre otros), ahora descubrimos la legendaria figura de Lia de Itamaracá gracias a las recomendaciones de la RED PEM (una alianza de periodistas musicales iberoamericanos).

En esta época en que las tradiciones se han convertido en la nueva tendencia global es necesario reconocer el valor de propuestas como la suya. Sin Lia de Itamaracá (y otros artistas de su región) se habría perdido una herencia riquísima, la de la ciranda brasileira típica del nordeste del país, en concreto de la isla de Itamaracá en Pernambuco. La historia cuenta

que las mujeres de los pescadores celebran desde hace tiempo estas danzas y cánticos, pausados pero con un ritmo que invita al trance, en espera de que los hombres volvieran del mar.

‘Ciranda sem fim’ es su cuarto disco en una carrera marcada por las intermitencias, que arrancó en 1977 con su debut ‘A rainha da ciranda’. Poco a poco fue dándose a conocer en Brasil y, más adelante, se convirtió en un nombre de culto entre algunos coleccionistas de otros países.

En este trabajo colabora con talentos jóvenes como el guitarrista Benke Teixeira (miembro de Boogarins, una de las bandas de rock psicodélico más interesantes de la nueva hornada brasileña) para recuperar canciones de diversas épocas y géneros, desde ‘O relógio’ (‘El reloj’) que popularizó el mexicano Roberto Cantoral en los años 50 hasta ‘Peixe mulher’ de Ava Rocha y Iara Renó.

Los tres temas con los que arranca el disco –‘Falta de silencio’, ‘Meu São Jorge’ y ‘Desde menina’- son una muestra del exuberante talento y registros de esta mujer que a sus 76 años sigue emocionando con sus cánticos.

José Fajardo

Dany F - Maratón (Autoeditado, 2020)

Mon, 13 Apr 2020 13:22:31 +0200

La escena electrónica en América Latina está ardiendo. Si hace unas semanas hablábamos en el programa de esta casa ¿Qué Onda? sobre un circuito efervescente, el de los latin bakalas con nombres como Fernanda Arrau, Bufi, Tayhana y Sofia Kourtesis, ahora nos detenemos en el productor Dany F, nacido en 1993 en Medellín y que ya cuenta con un

respetable historial: desde actuaciones memorables en las ediciones colombianas del Sónar y el Boiler Room hasta colaboraciones con sellos de prestigio como el del chileno Matias Aguayo, Cómeme.

Ya en la adolescencia empezó a cruzar house con ritmos tropicales, desde champeta hasta cumbia. Sin formar parte de ninguna escena, se adelantó a las tendencias que iban a marcar el futuro de la música de baile. Hoy, pese a su juventud, es un adelantado a su tiempo. ‘Maratón’ es una obra descomunal que no debe pasar desapercibida, entre la profundidad laberíntica de productores anglosajones como Oneoxhtrix Point Never y la psicodelia con ecos selváticos de Nicola Cruz.

Repleta de matices, su propuesta ofrece un sutil recorrido por la enorme diversidad sonora de su país: los títulos de las canciones ofrecen pistas de a dónde apunta su radar: los tambores afro, la tradición de las gaitas y hasta ecos de la muy potente escena del hip hop experimental que hay en su ciudad, Medellín. Pero Dany F trasciende las fronteras geográficas, su música tiene alcance global como demuestra en el cierre del álbum con esa versión del ‘Ritmo de la noche’ que nos va a poner a todos a bailar.

José Fajardo

Ghouljaboy - El Rascal (La Vendición, 2020)

Fri, 17 Apr 2020 09:22:58 +0200

Entre las cenizas que ha dejado la hoguera del trap comienzan a brotar algunas especies nuevas en el ecosistema de la música española. Hace apenas unos años no había ni rastro por estas tierras del emo trap, un sonido que desde hace ya un tiempo es considerado de culto entre los adolescentes incomprendidos de Estados Unidos. Este género mezcla el espíritu de Nirvana (esa angustia juvenil, el coqueteo con el suicidio, los riffs guitarreros con poderío pop, la estética malsana tirando al feísmo) con los códigos sonoros del trap (los ritmos de hip hop cortantes y oscuros, casi claustrofóbicos).

Mientras en Estados Unidos ya tienen una escena consolidada con nombres propios y hasta su mártir (Lil Peep, que murió por sobredosis en 2017 a los 21 años), en España poco a poco van surgiendo nombres con el talento y la visión como para que podamos empezar a hablar de un circuito. A la cabeza está Goa, que desde la escudería La Vendición Records ha lanzado temas tan importantes como ‘Yeyo en mi iPhone’ (junto a su productor de cabecera Pochi), ‘Castlevania’ con Yung Beef o el álbum ‘Segador de Almas’ en colaboración con el productor yanqui Fish Narc.

Ahora coinciden dos lanzamientos que van a marcar el futuro del género en este país. Por un lado Rojuu (de quien ya hablábamos el año pasado en esta misma sección) acaba de sacar el muy recomendable ‘OOO’ junto a talentos de la escena como Clutchill, Wido y Carzé. Por otro Ghouljaboy lanzó hace un tiempo ‘El Rascal’, un trabajo fascinante que ahora

recuperamos. Más allá de la poderosa lista de invitados (el propio Rojuu, Yung Beef, Pedro Ladroga, Antifan, Ambeats) esta obra destaca porque logra mostrar la diversidad y profundidad que alberga este estilo.

Desde el nuevo himno para los ‘sad boys’ ‘Los chicos están llorando’ - cargado de la melancolía y los ritmos heridos marca de la casa- hasta las infecciosas melodías de ‘La muerte de Fausto’ que se graban en la cabeza como si llevaran Super Glue. Una obra llena de recovecos (incluidos dos interludios donde reivindica con humor su anterior disco ‘Corpse Party’, de

2019) que gustará no sólo a la camada de jóvenes que han crecido con la explosión (y posterior hundimiento) de la escena trap en España, sino a cualquiera que tenga interés por la nueva música que se está haciendo ahora mismo y que bebe de influencias tan dispares como Joy Division, Blink-182 o el city pop japonés.

José Fajardo

PEDRO – Da Linha (Enchufada, 2020)

Fri, 17 Apr 2020 09:46:53 +0200

Recuerdo la irrupción de Buraka Som Sistema hace algo más de diez años: su colaboración con M.I.A.; su hit “Wegue Wegue Wegue”; la incorporación de un ritmo como el kuduro en los clubes a nivel global, en una época de horas bajas para el reggaetón; y la confirmación de que los ritmos africanos (o afro-diaspóricos) estaban más en boga que nunca, tanto en territorio clubbing como de música alternativa, como confirmaban artistas como Damon Albarn, Animal Collective o Vampire Weekend, entre otros.

Aquel grupo no solo fue importante para expandir un ritmo africano desde los clubes portugueses. Aquello también fue importante porque, gracias a ellos, nacía una escena, un circuito que conseguía canalizar las conexiones africanas que existen en territorio occidental y, a la vez, plantar una semilla de la que, con los años, surgirían auténticos alquimistas del ritmo como PEDRO, un joven de los suburbios de Lisboa que confirma con su primer álbum largo que un nuevo clubbing es posible en tiempos de reggaetón. Y muchos de ellos, como PEDRO, lo harían desde Enchufada, la escudería creada por Branko, parte fundamental y productor de los extintos Buraka Som Sistema.

Recogiendo el espíritu de aquella banda y con un hilo conductor que es el de la línea de tren (de ahí el título del disco) que conecta Lisboa con Amadora y el vecindario de Damaia de donde es oriundo y que dio título a su primer EP, tres años atrás; PEDRO nos invita a un viaje por los confines de su barrio, donde hay un altísimo porcentaje de población angoleña, caboverdiana y brasileña, y en donde ritmos como el kuduro y la kizomba están absolutamente adheridos a la BSO de las calles donde creció.

Ese ruido de fondo es el que se imprime en “Da Linha”, tanto cuando se inventa una suerte de clubbing africano (“Too Much”, con el nigeriano Magugu) como cuando hace una aproximación al reggaetón de vanguardia (“Pusha”, con el dominicano Kelman Durán), al trip-hop de Morcheeba (“Terra Treme”, con el luso Pedro Mafama), a un house negroide (“Madrugada”, “Para ti” o "Takré", con su 'padrino' Branko, dando la alternativa a su pupilo), a una orfebrería de kuduro y folktrónica salvaje (“Rapazes” y “Calores”), a una suerte de Bob Sinclair de las favelas (“Stuck On You” o “Toques”).

Alan Queipo

Riccie Oriach - Mi derriengue (Círculo Cuadrado, 2020)

Mon, 20 Apr 2020 11:38:39 +0200

Desde hace unos años asistimos a un renacer en la escena alternativa de la República Dominicana, hoy uno de los focos más excitantes de la nueva música latina. Una generación de artistas ha renovado el circuito mezclando ritmos del folclore local (gagá, palos, salves, merengue, sarandunga) con tendencias sonoras contemporáneas. En esa explosión Riccie Oriach juega un papel esencial y con este segundo disco debería despertar en el extranjero la atención que se merece.

Su música juega con la herencia de la tradición del rock en el Caribe, a lo que añade unas sonoridades suaves y bailables, que miran a la salsa, al hip hop y al jazz, y una voz tremendamente original, con letras repletas de recovecos poéticos y sabrosura caribeña. Con su debut ‘Viaje al infinito’ (2017) se convirtió en la gran promesa de una nueva camada de artistas dominicanos, después participó como productor en el debut homónimo de Trending Tropics en 2018 y colaboró junto al baterista cubano de jazz Michael Olivera en el tema ‘No me digas que no’.

Entre estas seis canciones nuevas destaca ‘Pa’ que suba’, un contagioso alegato que invita a la gente a tomar el poder entre coros, tambores y generosas dosis de energía positiva. Ahí queda su mensaje: “Justo cuando se creía que había muerto, el pueblo ha ganado conciencia / Y nos hemos dado cuenta de que nos quieren dormidos / Pero ha llegado el momento de cortar la raíz de todo lo que nos ata a su sistema nefasto / Y aunque no suba vamos pa' arriba / Fuego pa' que suba”.

Lido Pimienta – Miss Colombia (ANTI, 2020)

Mon, 20 Apr 2020 10:49:18 +0200

En un momento en el que la industria musical global mira a Colombia como una de las centralitas a través de la que definir y delimitar el registro sonoro del nuevo pop latino, gracias a la popularidad y expansión mundial de figuras como J Balvin, Maluma, Manuel Turizo o Karol G, embajadores que han relevado a los Juanes, Shakira o Carlos Vives de años atrás; alguien tenía que reflexionar sobre una identidad nacional, la colombiana, que está siendo absorbida por un neoliberalismo cultural que busca industrializar y definir culturas y tradiciones, como si no hubiera nada detrás de ellas. Ese ‘alguien’ es Lido Pimienta.

“Miss Colombia” (ANTI, 2020) se puede entender como una mirada interior a las Colombias que componen el alma de Lido Pimienta; como una mirada cínica y constructiva, distante y emocionada, cargada de amor y odio, que Pimienta tiene de su país desde su casa en Toronto; como un manual de supervivencia y resistencia de las raíces musicales y culturales de un país de una riqueza imponente, allanados desde una mirada tan respetuosa con la tradición del palenque, la champeta, el porro y la cumbia como absolutamente vanguardista; como un alegato feminista en voz de una mujer queer afrocolombiana con herencia indígena wayuu, madre soltera e hispanohablante en Canadá; como un diálogo entre la Colombia que tenemos que conocer y la que tendremos que imaginar en la proyección evolutiva que alumbra la música de Lido Pimienta.

El segundo álbum largo de la colombiana-canadiense es todo lo antes mencionado y algo más: un álbum importante, llamado a ser una radiografía crítica y reivindicativa, pero también folclórica y futurista, convirtiendo la desilusión diaspórica que genera la distancia en un arma cargada de poder colombianista. “Amo a mi país, pero lo odio. Lo echo de menos, pero no quiero ir allí. Por eso el álbum suena en conflicto constante”, dijo Pimienta en una reciente entrevista a Remezcla . Y tal cual.

Todo ello se traduce en un “Miss Colombia” que toma como punto de partida la condecoración fallida de Miss Colombia como Miss Universo en 2015: ahora, Lido Pimienta reclama una corona como diva avant-pop y como colombiana desde la diáspora canadiense; y deconstruye el legado cultural de un país que es mucho más que los hits de J Balvin y la “Tusa” de Karol G. Acercándose al palenque a través del Sexteto Tabala en “Quiero que me salves”; deconstruyendo la cumbia, la champeta o el porro colombiano en hits de un poderío sangrante en “Eso que tú haces”, “Te quería” o “Nada” (un himno feminista desgarrador junto a Li Saumet, de Bomba Estéreo); situándose como un cruce andrógino entre Holly Herndon y Camila Moreno (“No pude”); y resumiendo en una frase un espíritu tan conciliador y transversal como reconstructivo: “Ya llegó la oportunidad para arreglar nuestro pasado”. Que se oiga.

Alan Queipo

Cheo - Sorpresa (Nacional Records, 2020)

Fri, 24 Apr 2020 10:54:42 +0200

Hace unos meses hablábamos en el programa ¿Qué Onda? sobre una efervescente escena, la de Venezuela , que se ha visto espoleada por la crisis política interna. El exilio forzado de muchos músicos ha generado micro circuitos venezolanos en diversas partes del mundo, desde Bogotá hasta Madrid, y ha servido para dar a conocer el talento nacional en el extranjero. Es una suerte que hoy podamos disfrutar de propuestas tan originales como las de Insólito Universo o Laura Guevara. Muchas de ellas comparten un referente: Los Amigos Invisibles.

José Luis ‘Cheo’ Pardo (también conocido con el alias DJ Afro) fue fundador y guitarrista de este mítico grupo todavía en activo hasta 2014, cuando decidió apostar por su carrera en solitario. Desde entonces, además de espolearse como productor con bandas más jóvenes (Rawayana, Okills, Marrón) y emprender otros proyectos paralelos (muy recomendable su disco ‘Música moderna’ de 2014 bajo el nombre Orquesta Discotheque), ha ido puliendo un estilo propio que bebe tanto de la bossa nova como de la psicodelia, el funk, el mambo o el latin soul.

Con ‘Sorpresa’, que acaba de editar Nacional Records (la casa por donde han pasado Tomasa del Real, Systema Solar, Frikstailers, Niña Dioz, La Dame Blanche y un largo etcétera) se postula como uno de los artistas con más proyección de la nueva música latinoamericana. Pese a su veteranía estas canciones sorprenden porque suenan a puro 2020, como un sorbete refrescante con cientos de sabores novedosos. Las colaboraciones -Catalina García de Monsieur Periné, Beto Montenegro de Rawayana y Ulises Hadjis- refuerzan el poderío del disco, pero es el innato talento de Cheo para las melodías lo que hace que suene tan especial.

Sheila Blanco – Cantando a las poetas del 27 (Autoeditado, 2020)

Fri, 24 Apr 2020 11:06:48 +0200

Como pasa en absolutamente todos los terrenos de la vida cotidiana, hay una omisión permanente de las voces femeninas, como si no hubieran formado parte, o como si su peso e influencia fuese menor que el de los hombres. Es normal que al pensar en la Generación del ’27, posiblemente la generación de poetas y artistas más influyentes que se recuerde, nos vengan a la cabeza nombres como los de Federico García-Lorca, Pedro Salinas, Rafael Alberti, Miguel Hernández, Max Aub o Dámaso Alonso, por mencionar solo a algunos. Pero, por lo general, ni rastro de mujeres.

Con los años, las mujeres que formaban parte del Lyceum Club Femenino y Las Sinsombrero comenzaron a tener cierto reconocimiento; pero, muchas veces, más como iconos simbólicos de ser mujeres empoderadas y creadoras en aquella época, que como realmente haber forjado algunas de las obras más valientes de la época. La pianista, compositora y cantante Sheila Blanco ha decidido acabar con esa omisión y silencio. Literalmente: tras tres años de investigación ha seleccionado algunas de las obras que más la emocionan de poetisas de aquella generación, y las ha transformado en canciones.

Con un tono entre la copla lírica y la canción de piano-bar bien entendido (el disco es como una suerte de recital poético cantado); la madrileña por momentos recuerda en este poemario cantado, o cancionero generacional, al registro de artistas como Sílvia Pérez Cruz, Amaia Romero o Single, por otros a Ana Belén, Sole Giménez o Pastora Vega. Pero, sobre todo, consigue poner voz a las palabras de una generación de poetas borradas por el machismo imperante. Desde la primera mujer en formar parte de la RAE (Carmen Conde) a la fundadora de la icónica imprenta Verónica, o algunas de las pocas poetas que fueron nominadas o ganadoras de premios literarios en aquellas épocas.

Alan Queipo

Cookin Soul – 4 Dilla Vol. 1-5 (Cookin Soul Records, 2020)

Mon, 27 Apr 2020 14:45:39 +0200

¿Puede un artista convertirse en un género? Ser reconocible dentro de una maraña de géneros, de voces y sonidos es difícil, pero los artistas con personalidad lo consiguen. Pero ser un género supone trascender lo tímbrico, los estilos conocidos, las escenas: se runa referencia a nivel matices, texturas, producción. Probablemente los podamos contar con los dedos de las manos; y aunque la trascendencia de J Dilla ha quedado escorada al territorio del hip-hop más underground, lejos del alcance mainstream de productores de la época como Pharrell Williams o Puff Duffy; el fallecido productor californiano es un género en sí mismo.

Así se ha ido demostrando no solo en los pocos años en activo que hemos podido disfrutar de él (murió en 2006, con solo 32 años, a causa de una enfermedad microangiopática poco frecuente), con producciones para D’Angelo, Jay-Z, Busta Rhymes, Erykah Badu, De La Soul o Common, entre muchos otros; sino también en un legado que, en estos últimos lustros, ha ido acercándose a ese registro a tientas entre el r&b de grano sucio, a esas producciones en el límite del sampleo, esos bajos musculosos, esa psicodelia vaporosa, esa sensación de sexo sonoro, ese humo denso que se cuela en los surcos del vinilo, ese boombap de baja fidelidad que va fumigando todo lo que se le acerca, esa sensualidad adherida en ritmos de cadencia urbana, esa Motown interceptada por A Tribe Called Quest, esa imaginería pop negroide que exhalaba cada una de sus producciones.

Como muestra, Cookin Soul, uno de los mejores productores surgidos en España prácticamente a la vez que Dilla nos dejaba. El espíritu del productor californiano se ha ido haciendo evidente en la obra del valenciano desde el principio, y lo han impregnado tanto cuando funcionaban como colectivo como desde que produce en solitario: en trabajos para referentes internacionales como The Game, Nicki Minaj, De la Ghetto o Dipset, entre otros, o estatales como Mucho Muchacho, Agorazein, Nach, Tote King o Yung Beef, entre otros.

Pero en los últimos años, a razón de un EP por año, Cookin Soul hacía explícita la evidencia en unos homenajes que ahora se convierten en su último material: un devocionario sonoro, un acercamiento al registro y al grano de J Dilla, una proyección de su espíritu: en total, 20 canciones (en plataformas solo hay 16, las cuatro restantes son solo para los que compren el álbum) que no llegan ni a los 40 minutos, y que sirven como paisajes en los que, además de aprovechar para dedicarle algunos temas al recientemente fallecido jugador de baloncesto Kobe Bryant, sirven no solo para recordar al icónico productor de culto estadounidense; sino para garantizar que el dillaísmo es un género que, en manos de Cookin Soul, está más vivo que nunca.

Alan Queipo

Kali Uchis - To Feel Alive (Universal Music, 2020)

Mon, 27 Apr 2020 15:11:17 +0200

Con la cuarentena algunos artistas han tenido que posponer sus próximos lanzamientos. Otros muchos han aprovechado para grabar desde sus casas nuevas canciones. Kali Uchis ha hecho una cosa y la otra. Tras convertirse en la gran diva del r&b retro con sabor latino en 2018 con ‘Isolation’, para este año ya había anunciado su continuación, además de una ambiciosa gira internacional para presentarlo. Con todo en barbecho mientras regresa la normalidad, la colombiana-estadounidense acaba de lanzar por sorpresa estas cuatro canciones.

Las ha grabado en su casa ella sola, volviendo a sus orígenes, cuando era una adolescente que vivía en Estados Unidos tras dejar su Colombia natal y la única cosa que sabía sobre música es que quería dedicarse a ella, ser una gran estrella. En realidad Kali Uchis nunca ha abandonado esa actitud primigenia DIY: aunque ya es parte de la industria ha logrado mantener una voz independiente.

No es descabellado cuando la comparan con Amy Winehouse o Lana del Rey, como ellas, no sigue la tiranía de las tendencias que marca el mercado. Este EP en apariencia humilde nos hace soñar con lo grandísimo que puede ser su nuevo disco. El bubblegum pop se cruza con ritmos sensuales con aroma vintage, bajo su mirada los clásicos de los 60 suenan a futuro y lo tropical se convierte en global. Uno podría pasarse la vida (al menos, lo que queda de cuarentena) atrapado en estos 10 minutos de música.

José Fajardo

Chisme - Todo es ficción (Raso Estudio, 2020)

Thu, 30 Apr 2020 11:02:07 +0200

Chisme es una de las propuestas más outsiders de la nueva música en España. Es imposible resumir con una etiqueta a un artista que bebe del cyber pop con ecos a Aviador Dro, las melodías con bagaje intelectual de Single o Astrud, el humor descreído con poderío ravero de Los Ganglios y hasta del rock electrónico y macarra de El Columpio Asesino. Eso, por citar algunas bandas españolas que vienen a la mente al escuchar estas canciones, porque el referente más cercano quizá sea Battles por su pericia a la hora de deconstruir el pop a través de ritmos sintéticos.

Decíamos que Chisme -alias del dramaturgo y creador total gallego Fernando Epelde- es alguien que navega al margen de las escenas, afianzando a cada paso un camino guiado por la libertad, la experimentación y la falta de prejuicios. Hay mucho en juego en estas canciones, historias en apariencia crípticas en las que el autor desnuda su forma de entender la realidad, todas ellas con un poso apocalíptico que por desgracia hoy suena tan actual.

Lo más importante es la fuerza de temas como ‘Los chicos’ o ‘Pablo’, auténticos hits que atrapan. Ahí juega con ventaja Chisme: acostumbrado a la no-canción, cuando se ha impuesto la tarea de hacer un álbum ‘convencional’ logra enganchar a través de inesperadas melodías y esos estribillos tan coreables. El músico forma parte de la escudería de Raso, agitadores de una novísima escena en España que mira al otro lado del océano abrazando la nova experimentación gallega, la reinvención del folclore, la fusión de ritmos tropicales y la electrónica de vanguardia.

José Fajardo

Mastretta – Birlibirloque (Autoeditado, 2020)

Thu, 30 Apr 2020 12:46:15 +0200

Magia sin efectos especiales. Eso es lo que lleva haciendo Nacho Mastretta desde hace más de treinta años, cuando comenzó a dar sus primeros pasos como músico. A día de hoy, pocos nombres propios generan tal alquimia en la música contemporánea española: casi como un equilibrista que sortea las fronteras entre el jazz, el swing, la música sideral y la BSO de constantes películas imaginarias; el barcelonés es un auténtico relator de sonidos, y uno de los generadores de imágenes más nítidas sin necesidad de abrir la boca.

Pero lo mejor de Mastretta es que, quizás, es uno de esos músicos que se toman los ‘encargos’ como proyectos propios. Son tan importantes álbumes suyos como “Melodías de Raos X” o “¡Vivan los músicos!” como bandas sonoras para películas como “El Gran Vázquez”, “Muchos hijos, un mono y un castillo” o “Torremolinos 73”, entre muchas otras, que han ayudado al músico a forjar una identidad sonora y un universo narrativo y expresivo que hacen que su obra no solo no entienda de fronteras cuando ‘se le encarga’ una BSO o ‘publica un álbum bajo su nombre’: en Mastretta, todo es parte de un todo.

Como también lo ha sido uno de los proyectos más estimulantes en los que participó en la última década (y no son pocos): “Birlibirloque”, espectáculo de magia protagonizado por el prestigioso mago Jorge Blass, y para el que Nacho Mastretta no solo compuso la música de dicho show, sino que dirigía en directo una orquesta con algunos de sus aliados habituales, y también de los mejores músicos de este país: Miguel Malla, Marina Sorín, Diego Galaz, Luca Frasca, Coke Santos, Pablo Navarro y David Herrington.

El resultado, más allá de en los dos meses en los que se pudo disfrutar en directo a finales de 2012, llega ahora en formato álbum: diez piezas que, en menos de media hora, son un viaje por los confines del ilusionismo, los trampantojos visuales y los universos mágicos de Blass, pero también por un nuevo relato que hace del realismo mágico, música (a medio camino entre el burlesque, el jazz, el swing, la tarantella mental, la música balcánica desbalcanizada, el blues para clarinete, el be-bop incidental, el pop circense) en manos y partitura de uno de los grandes ilusionistas sonoros de nuestro país, Nacho Mastretta.

Alan Queipo

La Movida Villorriana - Vol. 1 (Amhin Castherr, 2020)

Mon, 04 May 2020 10:15:57 +0200

La Movida Villorriana es una de las grabaciones más fascinantes que han salido este año de Colombia. A través de 14 canciones de 9 proyectos musicales radiografía la escena alternativa de Villavicencio, la capital de los Llanos Orientales, las interminables praderas que conectan con Venezuela. Un circuito desconocido dentro de su propio país, donde la música llanera se suela asociar a tradiciones apegadas a la vida en el campo y en las rancherías como el joropo y a nombres como el Cholo Valderrama.

Pero resulta que en Villavicencio hay una nueva generación que bebe del punk cafre y de la psicodelia, de la electrónica de vanguardia y del rock indie, del pop sintético y hasta del country-folk. El mérito de esta obra es de Amhin Casterr, su productor e ideólogo, responsable de seleccionar las canciones y de editar el disco, al que ha bautizado ‘Volumen 1’ con la pretensión de seguir mostrando de aquí en adelante la diversidad de una escena que hasta ahora permanecía escondida.

Más allá de la curiosidad inicial, el álbum descubre varios nombres a los que vale la pena seguir la pista. Entes Controladores le dan a un rock poético desenchufado que recuerda a Él Mató A Un Policía Motorizado por sus voces melódicas, las referencias al pop underground y la ironía costumbrista en las letras. Matorral es la propuesta más experimental, que juega con el minimalismo y el spoken word, construyendo paisajes sonoros alucinados.

Myriam Venegas es una auténtica rara avis de la escena local, una cantante de country folk con letras en inglés que rinde homenaje a Joni Mitchell o a cantantes indies contemporáneas como Alela Diane. The Flynns se decantan por el pop electrónico y espacial, con generosas dosis de psicodelia. También llaman la atención Koi, que podrían ser parientes lejanos de Los Planetas por su rock drogado, así como la rabiosa energía punk de The Klap¡, el pop siniestro de LCDZ o el rollo súper original de Locomotora 45, mezcla entre Devo, Bunbury y la sección de sucesos del periódico.

Es este un título fascinante para quien se quiera asomar a esa nueva Colombia que huye de los tópicos y de los reduccionismos, un país exuberante deseoso ya no sólo de abrirse al exterior, sino de conectar dentro de sus propias fronteras el talento de sus creadores y romper de una vez por todas las fronteras invisibles que durante demasiado tiempo han asilado al Caribe, el Pacífico, los Llanos, los desiertos de La Guajira, las selvas del Putumayo, las montañas del Catatumbo, el Amazonas, los Andes, la Sierra Nevada...

José Fajardo

RomeroMartín – Manifiesto (Ground Control, 2020)

Mon, 04 May 2020 10:28:04 +0200

“Vivir la periferia, / la antípoda alumbrada / del planeta, y zambullirse / de aquello que palpite” es una de las primeras cosas que suelta Álvaro Romero por la boca. Lo suelta porque es un extracto de la “Saeta del pirómano”, un poema de Braulio Ortiz que el director Rafael Villalobos le pidió como encargo al cantaor portuense y al productor Toni Martín. Aquello no solo sirvió de chivo expiatorio para que Romero y Martín fundiesen sus apellidos en una contracción que deviniese en una coalición permanente de flamenco y electrónica; si no que esa misma frase que antes cité parece un presagio del devenir del proyecto.

Da la sensación de que tanto Romero como Martín viven la periferia del planeta y se zambullen en aquello que palpite. Lo que les palpita en “Manifiesto” son tres elementos que se van entrecruzando en diversas direcciones: el cante flamenco, la producción electrónica de corte rave berlinesa y la poesía queer que reivindica la identidad de género desde una mirada tan amplia y líquida como performativa.

El resultado nos presenta a una dupla que parece un cruce de(s)generado (en el mejor sentido de la palabra) entre Sleaford Mods, Antonio Mairena y Orbital: como si un cantaor de palos tradicionales acercase su cante a un parkineo en las puertas del Bacarrá o el Scorpia, y de esos polvos, estos lodos. En el álbum, breve e intenso, conceptual y popular, desafiante y vanguardista, juega a resignificar odas a Carmen Sevilla, himnos populares conocidos en voz de Remedios Amaya o poemas que reivindican el culo, la bohemia de la cocaína en los albores de las primeras décadas del Siglo XX o el nacimiento de las marianas.

Quizá el mayor problema o estigma que tendrán que sortear RomeroMartín es la comparación con contemporáneos suyos como el Niño de Elche (especialmente con el proyecto “RaverDial” que capitaneó el ilicitano junto a Los Voluble), Le Parody, Ruiseñora, esa mirada de género que arroja en su proyecto Rodrigo Cuevas o incluso el abordaje post-folclórico que en estos últimos años se ha impreso en proyectos tan variopintos como los de Baiuca, Rosalía, Mercedes Peón o Idoipe, entre otros. En cualquier caso, “Manifiesto” es un álbum no solo mayúsculo, sino necesario en los tiempos que corren.

Alan Queipo

CELLI - Reset (Sony Music Argentina, 2020)

Fri, 08 May 2020 12:29:10 +0200

Apenas llegaron a publicar un álbum (breve, muy breve: solo siete temas) y un puñado de singles, pero eso le bastó al dúo argentino Salvapantallas para convertirse en un pequeño gran fenómeno en el circuito alternativo de su país. El final se precipitó hace unos meses, cuando Zoe Gotusso y Santiago Celli decidieron poner fin al proyecto para volar cada uno en solitario. Vistas las tres canciones que puso en circulación ella y el álbum que acaba de publicar él, permitidme decir que “no hay mal que por bien no venga”: antes teníamos un proyectazo, ahora tenemos dos.

“Me fui para quebrarme, quería resetearme. Y casi sin buscar apareció la canción que puede rescatarme”, narra casi explicando su nueva situación en la explícita “Reset” que da título al disco. Este ‘reseteo’ lo es no solo porque estamos ante la primera generación de canciones de CELLI tras la ruptura de Salvapantallas, sino que el cordobés también parece romper con ciertos tics de registro que mantenía en su proyecto anterior.

Salvapantallas se mantenía al abrigo de una guitarra, de una idea más cerca a la canción de corte folk o al pop de autor hecho con materiales orgánicos. En “Reset”, CELLI no es que rompa y reniegue de aquello, sino que abre un campo en donde esa misma canción pop clásica (estrofa, puente y estribillo, y melodías redondas) se trata más desde el sintetizador, las secuencias y la programación.

Da la sensación de que su giro, más que compartir cosas en común con el marco de referencias de corte folk que tenía con Gotusso; comparte mucho más con contemporáneos como Valdes, Telescopios, GULI y Juan Ingaramo, e incluso con quienes lo acompañan en la producción (nombres conocidos en el circuito como Diego Mema de Indios, Franco Saglietti de Francisca y los Exploradores, Feli Colina, Nicolás Btesh o su ex compañero Manuel Figuerero).

Las siete canciones que componen este debut son siete gemas de pop absolutamente redondas. Por momentos, recuerda a los Árbol más melódicos y melancólicos (“Pasaporte”); en otros, parece mediar entre los registros compositivos de Gustavo Cerati, Coti y Adrián Dárgelos (“Quilombo”); en otros, juega con las cavilaciones funk-pop de un Emmanuel Horvilleur con extra de cancherismo (“Sincero”); en otros, coquetea con un country-pop del futuro repleto de groove (“El Sur”); y en otros, se inventa un bolero tan doméstico y en pijama como universal que parece hecho a propósito para la cuarentena (“Por amor al arte”). Salven esta pantalla, que la de CELLI llegó para quedarse.

Alan Queipo

Mariela Condo- Al viento, Vol. 1 (Independiente, 2020)

Fri, 08 May 2020 12:52:38 +0200

Mariela Condo es una de las voces que hoy mantienen viva la llama de la tradición oral indígena en América Latina. Oriunda de Cacha-Puruhá, en la sierra sur de Ecuador, heredó los cánticos ancestrales de su comunidad y los ha dado a conocer fuera de sus fronteras. Estudió música en Quito gracias a un programa del prestigioso Berklee College of Music y, desde entonces, vivió un tiempo en México y ha recorrido gran parte del continente, además de publicar en sellos europeos.

Su debut ‘Shuk Shimi, Waranka Shimi (Una voz, mil voces)’ (2007) es una obra de culto donde reúne composiciones inéditas en kichwa, una lengua indígena de la región andina. Su acercamiento a la canción moderna traza conexiones invisibles con lo que hacen otras artistas en distintas partes del globo. El nombre de Sílvia Pérez Cruz, y en especial su grabación ‘Granada’ (2014) junto a Raül ‘Refree’, viene a la mente con este disco en el que desnuda su voz para encontrar la belleza de lo sencillo.

Con la ayuda del productor Willan Farinango (también a la guitarra) y el contrabajista Rodrigo Becerra (además del invitado Antonio Cilio al bombo) compone canciones tan hermosas como ‘Coplas al Carnaval de Licto’. Junto a otras voces como la de Renata Flores está llamada a revivir las lenguas indígenas en la música contemporánea.
“Cuando la infancia era mi espejo yo cantaba, no sabía hacer más. Cantar… Mi abuela marcó mi frente con su sagrada palabra: ‘Esta será cantante, no sabe hacer más’. Ahora que sigo siendo una niña en un cuerpo de mujer, canto para amar… o para ser amada”, dice la artista arropada por toda la carga poética, la sensibilidad y la fuerza de una cultura milenaria.

José Fajardo

Salt Cathedral - Carisma (Ultra Records, 2020)

Mon, 11 May 2020 11:05:02 +0200

A unas pocas horas en coche desde Bogotá está la Catedral de Sal de Zipaquirá, uno de los grandes atractivos turísticos en las proximidades de la capital colombiana. Inspirado en este lugar marciano, donde el fervor religioso se mezcla con lo kitsch, nació hace una década Salt Cathedral, un dúo de pop electrónico formado en Estados Unidos por los bogotanos Juliana Ronderos (voz) y Nicolás Losada (multiinstrumentista).

Aunque se les ha comparado con The XX y Bat for Lashes por esa mirada contemporánea al pop de baile con sintetizadores y la estética indie, su herencia geográfica les hace inconfundibles. El sabor tropical salpica todas sus canciones, que pasan del dancehall al reggaetón sin grandes estridencias. Esa habilidad para navegar entre dos mundos, el de su Colombia natal y la industria anglosajona, hace grandes a cortes como ‘Te quiero olvidar’ y ‘CAVIAR’, donde saltan con soltura del inglés al español.

Salt Cathedral forma parte de esa generación de artistas colombianos que, por diversas razones (algunos para estudiar y ampliar sus conocimientos, otros para huir de la violencia) salieron de su país durante los últimos años. Juntos forman una escena invisible y diversa -que suena a electrónica de vanguardia, a reggaetón futurista, a pop deconstruido y a punk tropical- que comparte en común su mirada desprejuiciada y un talento innato para el ritmo.

Jose Fajardo

Bad Bunny – LAS QUE NO IBAN A SALIR (Rimas Entertainment, 2020)

Mon, 11 May 2020 11:12:09 +0200

Tengo la sensación de que, si Bad Bunny decidiese sacar un disco de sus propias flatulencias, grabadas como notas de WhatsApp y subidas a las plataformas, también serían hits. Hace poco más de dos meses, cuando publicó “YHLQMDLG” -uno de los mejores discos de lo que va de año y banda sonora absoluta del confinamiento global-, hablábamos de los peligros de ser un artista infalible, con un nivel de producción y de altura creativa avasallador. No nos ha dado tiempo de interiorizar aquella horda de hits (eran veinte canciones de una altura bestial), y Benito se saca otro as de la manga sin quitarse el pijama.

Hace unos días, en un directo que hizo a través de su perfil de Instagram, decidió poner trozos de canciones que, según él, “no iban a salir nunca”: canciones que, escuchando apenas unos segundos, se postulaban como éxitos globales, con grandes colaboraciones; pero que Bad Bunny decidía encajonar para siempre en una carpeta de su ordenador, y nos las refregaba por la cara como quien se enciende los puros con billetes de 100 dólares.

¿La estrategia de Bad Bunny es no tener estrategia o todo está medidamente meditado? ¿Es este un álbum de descartes o estaba planificado de esta manera? ¿Hay que entender estas canciones como menores, como descartes, lados b y canciones hijas de la cuarentena? ¿O estamos ante un nuevo álbum, a menos de diez semanas de su anterior álbum?

Es probable que todas las posibles respuestas sean posibles; del mismo modo que, queriéndolo o no, Bad Bunny da una nueva clase magistral de marketing-anrtimarketing: pasándose por el forro las estrategias y la formalidad de la industria musical clásica, vuelve a demostrar en este acto de nihilismo anárquico que, haciendo lo que supuestamente no debe (ya lo hizo en sus dos discos anteriores: su primer disco se publicó en la Nochevieja de 2018; y el anterior, de hace poco más de dos meses, lo tituló “Yo hago lo que me da la gana” y reunió veinte temas), sigue ganando por KO al resto de artistas del nuevo pop, e incluso haciéndole un Mortadelo a la industria clásica: tratando su disco más como una carpeta perdida en “Mis documentos” que como un ejercicio conceptual meditado.

Este “LAS QUE NO IBAN A SALIR” resuena como un ejercicio de aparente impulsividad y autoconfianza: Bad Bunny podría haberse guardado balas poderosísimas como “Pa’ romperla” (con colaboración de Don Omar, uno de los reyes del reggaetón), “Si ella sale” (un nuevo himno de empoderamiento feminista) o “Más de una cita” (otro hit de aspiraciones globales, con colabo de Zion & Lennox).

Sin pensar demasiado, sin titular ni el disco ni algunas canciones (“Canción con Yandel” y “Bad con Nicky” se titulan sus colaboraciones con Yandel y Nicky Jam), con explícitas referencias a cosas que han sucedido estas semanas (“Bendiciones”, “En casita” y “Ronca Freestyle” son canciones hijas del confinamiento; y en “Pa’ romperla” hasta menciona la serie de Michael Jordan en Netflix, estrenada el 19 de abril); Bad Bunny vuelve a mirar nuevamente al resto de compañeros generacionales desde su atalaya y a hacerse caso a sí mismo cuando, una vez más, demuestra que hace lo que le da la gana.

Alan Queipo

Chucky73 & Fetti031 - Sie7etr3 (Sie7etr3 The Label, 2020)

Fri, 15 May 2020 08:47:42 +0200

Odd Future marcó el inicio de una nueva era en el hip hop alternativo de Estados Unidos con su irrupción en Los Ángeles en 2007. Sus vídeos caseros mezcla entre la MTV y una peli gore y su sonido claustrofóbico cercano al horror core no dejaron a nadie indiferente. Hoy sus cabecillas (Tyler The Creator, Frank Ocean, Earl Sweatshirt) han dado el salto a lo masivo y marcan el paso de la escena, disputando el trono a Kanye West y compañía.

Desde entonces no había vuelto a salir una camada con tanto impacto en la música urbana. El colectivo Sie7etr3 reivindica ese espíritu gamberro y terrorista pero lo hace desde su propia óptica: la de los dominicanos que viven en el Bronx. Su propuesta bebe del trap oscuro de Atlanta y de la corriente más agresiva que siempre se asoció con Chicago. Su sangre latina está presente en el espíritu de su propuesta, con ese pedazo de flow salpicado de slang (cantan en un spanglish casi indescifrable) y mogollón de vacile (en sus videoclips usan pistolas, pero de agua).

Chucky73 es el líder del grupo, el que está llamado a hacer cosas más grandes. Este debut con su lugarteniente Fetti031 es importante porque abre un camino para ellos en la industria más allá de los vídeos, singles y chorradas varias que llevan dos años colgando en YouTube e Instagram. Por el momento destaca su despampanante habilidad para tejer hits casi sin despeinarse, como si fueran los nuevos Bad Bunny (aunque su propuesta sea más cercana al español Yung Beef). Toca seguirles la pista.

José Fajardo

Natalia Lafourcade – Un Canto por México, Vol. 1 (Sony Music México, 2020)

Fri, 15 May 2020 09:21:13 +0200

En la omnipresente nombrada “nueva normalidad” habrá que adaptar muchas cosas de nuestro día a día. Entre ellas, los viajes (o la ausencia de ellos). Afortunadamente, y aunque no parece que el Ministro de Cultura se dé por aludido, la música no solo genera miles de millones de euros al año gracias al gran flujo de turismo que los eventos musicales dejan en las arcas públicas de cualquier nación; sino que también, en tiempos de confinamiento y distanciamiento social, la música también nos permite viajar.

Es el caso del primer volumen de “Un canto por México”, el nuevo álbum de Natalia Lafourcade; y un álbum que no solo reivindica la tierra en la que nació y la que vive, sino que es un viaje por las profundidades de un país que, aunque en los últimos años ha sido más señalado por el narcotráfico y la corrupción política y sufrido terribles catástrofes naturales, sigue siendo una de las colonias artísticas y culturales más importantes del mundo.

El germen del disco nació con un fin solidario: recaudar fondos para reconstruir los daños ocasionados al Centro de Documentación del Son Jarocho de Jáltipan, en Veracruz, a causa del terremoto que arrasó con todo en 2017. Tras una serie de conciertos y acciones solidarias lideradas por Natalia Lafourcade, hace unos meses la mexicana, a pesar de que había anunciado que estaría unos años sin hacer música, decidió convertir en disco aquella experiencia.

Lo que comenzó con la idea de ser un concierto con ilustres colaboradores, se traduce ahora en un canto colectivo, un ejercicio de culto y pleitesía a la canción y las músicas mexicanas. En este primer volumen, icónicos himnos del son jarocho, la cumbia o las rancheras compuestos por José Alfredo Jiménez, María Teresa Lara Aguirre, Tomás Méndez Sosa o Juan Gabriel se funden con composiciones originales de Lafourcade, que comparte micrófono y créditos con artistas de la talla de Jorge Drexler, Panteón Rococó, Leonel García, Los Auténticos Decadentes, Carlos Rivera, Meme de Café Tacvba y Los Cojolites, el grupo detrás del Centro de Documentación del Son Jarocho.

El disco, más allá de su fin solidario, como demuestran canciones como “Sembrando flores”, “Veracruz”, “Nunca es suficiente” o “Cucurrucucú Paloma”, es un viaje por los olores, los sentidos y la memoria cultural e histórica de México; firmado por una artista que, como ya demostró en los dos volúmenes de “Musas” y en “Mujer divina”, sigue siendo la mejor relatora para resignificar el repertorio más imperecedero de México y América Latina.

Alan Queipo

Empress Of - I’m Your Empress Of (Terrible Rercords, 2020)

Mon, 18 May 2020 15:53:13 +0200

Empress Of nació en Los Ángeles después de que su familia tuviera que salir de Honduras. Cuando decidió dedicarse a la música su mamá se llevó una desilusión tan grande que Lorely Rodríguez (su verdadero nombre) decidió dar sus primeros pasos como artista a escondidas. Su tercer disco, tras más de cinco años de carrera, es no sólo el de la aceptación de sí misma sino con el que finalmente cierra ese círculo familiar.

“No fue fácil no hablar inglés, fue difícil aprenderlo, pero lo logré. Solo he tenido una niña, pero esa niña es como tener miles de ellas, porque mírala, cuántas veces se representa desde tantos puntos de vista diferentes”, dice su madre Reina en el arranque del álbum, un corte con reminiscencias al mensaje de Giorgio Moroder en el ‘Random Access Memories’ de Daft Punk (2013) por esa mezcla de autobiografía confesional, spoken word y música de baile.

Tras dos discos –‘Me’ y ‘Us’, grabados entre 2015 y 2018- en los que la artista buscó su voz como artista y su lugar en su entorno, ahora regresa con toda la confianza del que se siente a gusto. Su hueco está entre dos mundos (más allá de ser latina en los Estados Unidos de la era Trump): uno, el de la experimentación que le acerca a FKA Twigs o Kelela, y otro, el del pop, el de las melodías contagiosas y las letras sobre amores y desamores, cuando recuerda a Robyn y Lykke Li.

Entre esas dos líneas se mueven canciones como ‘Love is a drug’ y ‘Give me another chance’, cargadas de matices sonoros (desde guiños disco-funk hasta ritmos eurodance, balearic e incluso baladas) y que construyen un hilo temático en torno al dolor que genera toda ruptura sentimental, la superación personal, el amor por una misma y, al fin, el gozo en la soledad. No es un disco redondo pero sí el más importante de una carrera prometedora.

José Fajardo

Sílvia Pérez Cruz & Marco Mezquida – MA. Live in Tokyo (Universal Music, 2020)

Mon, 18 May 2020 16:16:22 +0200

En la música, como en la vida, la magia real se produce entre las intersecciones que existen entre las cosas, los sentimientos, los pensamientos, los silencios: esos puntos ciegos en donde se acaba construyendo el relato, en donde se sabe si sí o si no. En un momento en el que lo impredecible ha copado absolutamente todos los campos de nuestro día a día hasta no se sabe cuándo; aparece “MA. Live in Tokyo”, un álbum en directo que, de alguna manera, es un ejercicio conceptual acerca de hallar y allanar esos espacios de impredecibilidad atómica.

Sílvia Pérez Cruz y Marco Mezquida lo hicieron en una gira que los llevó a recorrer el mundo durante dos años; pasando hace poco menos de un año por espacios como el Teatro de la Zarzuela de Madrid o el Palau de la Música de Barcelona; pero también por el Blue Note de la capital nipona, donde ambos músicos han demostrado que una canción en portugués puede emocionar a un japonés y un catalán.

La receta de Pérez Cruz y Mezquida tiene tanto de ilusionismo como de performance física. No por nada han decidido titular este álbum aludiendo a un concepto oriental que hace referencia a “dos mundos opuestos, a la transitoriedad entre un estado mental y el otro”. No tan opuestos se demuestra que son las tradiciones de un pianista como el menorquín, asociado más a circuitos de jazz; y una voz como la de la catalana, casi siempre identificada con la rehabilitación de la canción de corte de raíz.

En este disco, que es una experiencia sonora y sensorial y que en directo se acercaba más a la performance de museo que al concierto en sí; imponen un happening sonoro en el que dialogan no solo sus maneras de mirarse, de rellenarse los espacios, de abrir silencios e imponer ruidos, sino también un repertorio que viaja desde la música tradicional latinoamericana (“La llorona” o “Siga el baile”) al choro brasileño (“Asa branca”), el fado (“Barco negro”), la cançó catalana, el pop alternativo de Radiohead (“No surprises”) o el folk universal de Simon & Garfunkel (“The Sound of Silence”).Sílvia Pérez Cruz y Marco Mezquida se erigen no solo como relatores entre tradiciones musicales pasadas por su filtro; sino también como unos médiums capaces de convertir lo impredecible en puro realismo mágico sonoro.

Alan Queipo

KHEA - Trapicheo (Young Flex / Interscope Records, 2020)

Fri, 22 May 2020 10:37:37 +0200

Si hay un nombre cuyo fenómeno es digno de analizar es el de KHEA. El proyecto estalló en 2017, el año en el que el trap argentino dio un golpe sobre la mesa y nos presentó a la generación más mayúscula de las peleas de gallos de El Quinto Escalón presentándonos no a unos raperos, sino a los que iban a ocupar el trono de los reyes y reinas del pop y el rock: Duki, Neo Pistea, Ysy A, Cazzu y Khea.

Sin embargo, parece que Khea decidió ir a otro ritmo diferente al de sus compañeros de generación. No necesitaba portadas cuando tenía números: su tema “Loca”, que primero presentó junto a Duki y Cazzu y que luego presentó una nueva versión junto con Bad Bunny, superó de largo los mil millones de reproducciones. Sus números mensuales en plataformas lo posicionan como uno de los artistas más escuchados del mundo. Incluso fenómenos globales como el norteamericano Blackbear se acercaron a él. Y la guinda que da para analizar este fenómeno: se convirtió en el primer artista latino de Interscope, compartiendo escudería con artistas como Madonna, U2, Sting, Eminem, Kendrick Lamar o Billie Eilish. ¿Os suenan?

Puede que todos esos artistas sí, pero KHEA parece ser un desconocido que aglutina millones de escuchas y que es cazado como el artista que va a llevar la música urbana latina a los altares occidentales. Como mínimo, en “Trapicheo”, un debut que es, en realidad, una mixtape (la diferencia entre disco y mixtape da para un estudio aparte); es una suerte de alegato de sus orígenes: el trap.

Y si bien el marplatense cuenta con una buena tunda de hits de reggaetón (el último publicado hace solo unas semanas: “Donde estás”), en “Trapicheo” parece que cuenta con una intención clara: definir su suelo, su entorno y su contexto (de ahí las colaboraciones con Duki, Pablo Chill-E o Seven Kayne, entre otros) y no publicar un álbum de hits, sino que, mientras el grueso de traperos hacen un giro cada vez más cerca del reggaetón y el pop de radiofórmula latina; él decide que su primer registro para Interscope sea un álbum de raza trap.

Repleto de barras callejeras, de autotune y de bases de socios habituales, Khea hace una bajada de línea que, además, deja temazos como “Creo que”, “Nuevo”, “Mamacita” o “Algo aparte”, Khea plantea un nuevo pop para su nuevo pop mientras, a buen seguro, guarda cartas bajo la manga para demostrar el carácter impredecible de un artista que pasa de guetos para formar parte, de algún modo, de todos.

Alan Queipo

Pinpilinpussies - Fuerza 3 (Aloud Music, 2020)

Fri, 22 May 2020 10:44:35 +0200

Pinpilinpussies suena como toda esa música que por desgracia hace tiempo que no escuchabas. El dúo formado en Barcelona no parece de esta época: el garage noventero, la estética con gomina, la carátula con estética de cómic underground… Sin embargo, ya es uno de los discos más importantes que han salido de España en lo que va de año.

“Rollo Lo-Fi. Algo de Sleater-Kinney, algo de Bikini Kill, pero más chill. Añádele un poco de Courtney Barnett. Garage-pop con actitud post-punk. Canciones para hacer pogos con alguna balada. Sonido crudo y tal”, se definen ellas. Quizá sea Savages el grupo contemporáneo al que más se parezcan, y no porque también esté formado por chicas, sino por esa mezcla entre experimentación post-punk y melodías power pop. Más referencias: la rabia de Iceage, el desfase de Black Lips y los himnos pegadizos de Vivan Girls.

Tras su prometedor EP ‘80/B’ (2019), con el que consiguieron llamar la atención en un momento en el que la escena alternativa en España estaba copada por la música urbana, ahora demuestran su potencial con este primer largo. Lo mejor de todo es que se pasa volando y sirve para soltar adrenalina (como los buenos discos de punk) y las melodías de cortes como ‘Noventas’ y ‘Gregory Peck’ se quedan durante el resto del día en la cabeza (como los buenos discos de pop). Qué ganas de ver a Pinpilinpussies pronto en directo.

José Fajardo

Carlos Vives - Cumbiana (Sony Music Latin, 2020)

Mon, 25 May 2020 11:04:04 +0200

Da la sensación de que los artistas desprovistos de contexto y de sambenitos impuestos por la opinión pública son más libres: no se espera nada en concreto de ellos. Sin embargo, los que son iconos de la música popular desde hace décadas tienen que “fichar”: dejar algo de esa marca de agua que los ha convertido en tótems universales de la música mainstream.

Sin embargo, no creo que sea el caso de Carlos Vives. Y es que el colombiano, a diferencia del grueso de iconos pop, desde sus inicios ha conseguido teñir su cancionero, de corte inevitablemente pop, con ritmos como la cumbia o el vallenato: álbumes que han despachado millones de copias como “Clásicos de la Provincia” o “El amor de mi tierra”, ambos de hace más de veinte años, son auténticos manuales de canción de corte pop latino, pero absolutamente conectadas con ritmos tradicionales latinoamericanos y, más concretamente, colombianos.

De ahí que, aunque los prejuicios y sambenitos impuestos hacia Vives intenten deslegitimar su obra por ser un “artista comercial”, la realidad es más bien diferente: hay que considerar al de Santa Marta como uno de esos ‘relatores’ necesarios entre la música de raíz y la de las radiofórmulas; mucho antes de la existencia de otros géneros alternativos que comenzaron a profundizar en la música de corte tradicional. Como muestra, no solo su trayectoria lo avala, sino también “Cumbiana”, su flamante nuevo álbum de estudio; posiblemente el más experimental y el menos dependiente de los hits-radioformuleros que se le exige a un icono pop.

Lo nuevo de Vives imagina una suerte de Nuevo Macondo particular, de territorio ancestral. Una tierra marcada por la cultura indígena y sus ancestros africanos, pero conectada por una ristra de ritmos afrolatinos que él plasma a través de un cancionero que, además de contar con una corte de nombres ilustres (Alejandro Sanz, Rubén Blades, Ziggy Marley, Jessie Reyez y Elkin Robinson) y con hits marcados por una mezcla entre el patrón de reggaetón-pop y guiños al vallenato y sonidos caribeños (como “No te vayas”, “For Sale” o “Vitamina en rama”); también se permite excursiones al calipso-reggae (“El hilo”), a la salsa (“Canción para Rubén”), a la folktrónica (“Zhigonezhi” tiene poco que enviar a Nicola Cruz o Chancha vía circuito), al groove del latin-jazz (“Rapsodia en La Mayor (para Elena)”), al r&btón occidental (“Hechicera”) y hasta compone el himno (“Cumbiana”) para su singular país imaginado.

Ojalá todos los artistas de su estatus se permitiesen el lujo de hacer álbumes que, además de tener un alcance universal y una inevitable pegada pop y comercial, también sean necesarios y ayuden a construir escena y divulgar la música que crece y yace bajo sus pies.

Zule Guerra - El viaje (EGREM, 2020)

Mon, 25 May 2020 11:15:21 +0200

Hay en Cuba una generación de mujeres que con su voz están ensanchando las fronteras del jazz latino. Nombres como Yissy García, Haydée Milanés, Danay Suárez, Daymé Arocena, Arem Arega y Melvis Santa dibujan, cada una desde un universo propio, nuevas sonoridades que hasta hace unos años no se habían escuchado en la isla (ni en ningún otro lugar del planeta).

Gracias a los colegas del magazine AM/PM descubrimos hace unos días a Zule Guerra, una de las cantantes más talentosas de esta nueva camada. Formada en el prestigioso Berklee College of Music, cuenta en esta ocasión con Ernán López-Nussa en la producción y el pianista y arreglista Jesús Pupo, además de una larga lista de talentosos músicos al bajo, batería, guitarra, percusión, saxofón y fliscorno (un instrumento de viento similar a la trompeta).

Sobresale desde la primera escucha su portentosa destreza vocal, que se estira como un chicle de esos cargados de sabor, con matices dulces y ácidos, llevando la experiencia sonora mucho más allá del jazz: hay en lo que ella hace bossa nova, bolero, hip hop, blues y, por supuesto, un recorrido por la tradición de su país.

“La felicidad es mirar la vida pasar corriendo”, dice ella en ‘El viaje’, el tema que pide prestado el título al disco para apuntalar la esencia de su mensaje: ese dejarse llevar por la existencia disfrutando del camino sin obsesionarse con la meta. Si en ‘Blues de Habana’ (2015) ya se percibía su enorme talento con vocal con este disco demuestra que es una compositora solvente y poseedora de un aura especial.

José Fajardo

Mala Rodríguez – MALA (Universal Music, 2020)

Fri, 29 May 2020 10:21:38 +0200

La Mala de 2020 tiene un significado diferente al de La Mala de hace quince años. Con los años, la categoría que ha tomado la andaluza es la de un icono de la música urbana iberoamericana a nivel global; una revolucionaria empoderada en un panal repleto de abejorros en la que ser mujer en la música urbana no es que fuese algo “exótico”: era un desafío.

De ahí que La Mala Rodríguez de hoy, esa que se ha tomado siete años para presentar un nuevo disco, es algo así como la Madonna de principios de siglo: cuando todo el avispero del pop global se agitaba con la presencia de nuevas divas como Beyoncé, Britney Spears o Christina Aguilera, la “matriarca” del pop publicó álbumes como “Music” o “Confessions on a Dance Floor”, revolucionarios para el pop pero también manuales en donde ella misma parecía decir: “esta sigo siendo yo tres décadas después”.

El juego de María Rodríguez en “MALA” se antoja con unas intenciones similares a las de aquella Madonna: La Mala parece mear en las paredes de la música urbana actual para marcar un territorio que lleva siendo suyo desde hace veinte años. En tiempos de Rosalía, Bad Gyal, Nita o Nathy Peluso, la sevillana intenta reclamar un sitio que es a la vez el de un icono precursor (eso no va a haber nadie que se lo quite) que es capaz de estar a la altura de las grandes producciones contemporáneas y comerles la tostada a las nuevas lideresas del género.

Sin embargo, el álbum acaba sonando como un recopilatorio de algunos de sus hits de baja intensidad del último año (lo mejorcito son las ya bailadas “Contigo”, junto al rey del dancehall británico Stylo G; y el reggaetón frenético de “Dame bien”, junto al fenómeno puertorriqueño Guaynaa); una suerte de amadrinamiento de elegidos de la nueva escena urbana española (Lola Indigo y Cecilio G, en dos temas algo descafeinados); y un intento por demostrar la racialidad de su propuesta (en “Superbalada” saca un quejío algo descompensado). Y en esos tres intentos, se queda a medias.

Sin embargo, lo mejor de “MALA” reside, una vez más, cuando suena como una narradora empoderada, capaz de jugar con tradiciones diferentes (“Nuevas drogas” es de los mejores temas suyos de siempre), capaz de presentar una de las posibles canciones del verano (“Like”) o de jugar con las cadencias del bolero para firmar una balada urban (“Antes de todo aquello”). Si hubiera tirado por estos lares, sin mirar tanto a su alrededor, hubiera vuelto a hacer pleno. Y se ha quedado en un álbum que aspira a notable pero se queda en un bien. Que no es poco, vaya.

Alan Queipo

Fabianni - Gato (Autoeditado, 2020)

Fri, 29 May 2020 11:00:51 +0200

Corrían los primeros 2000. Mientras en España la cultura del hip hop saltaba al mainstream, en las calles de Madrid nacía una escena subterránea. Hermanos Herméticos, Perros Callejeros, Chirie Vegas y Elio Toffana, entre otros, hicieron saltar por los aires los cánones que habían implantado los intocables popes del rap en español y escribieron sus propias reglas.

Su música bebía de los sonidos negros (desde Funkadelic hasta Mahalia Jackson) y rendía tributo a la costa este estadounidense al más puro estilo Mobb Deep: rimas secas e inteligentes que relatan con frialdad el lado menos agradable de las grandes ciudades: la falta de oportunidades, la depresión, las drogas, la delincuencia y la mala vida.

“Algunos de los protagonistas siguen por ahí. Otros por una cosa u otra se han salido. Y otros nada”, dice Jerva (Autofan) en el comunicado que acompaña al lanzamiento de esta mixtape compilada por Fabianni, miembro de Agorazein y uno de los productores más talentosos de la escena, siempre preocupado por ensanchar la cultura underground.

Es cierto: muchos de estos nombres desaparecieron sin más de un día para otro, es probable que los rappers más jóvenes ni siquiera hayan oído hablar de nombres de culto como Chinatown, Tone, Mitsuruggy y Dolcce Rotta, pero sin ellos hoy no existiría Natos y Waor, Suite Soprano ni Ayax y Prok, de sus cenizas surgieron artistas que hoy lideran la escena como C. Tangana, Sticky MA y Kaydy Cain.

José Fajardo

LOUTA – 2030 (Sony Music Argentina, 2020)

Mon, 01 Jun 2020 09:17:35 +0200

Voy a contaros un secreto: da igual lo que suceda de aquí a finales de año, pero 2020 será recordado como uno de los peores años de la Edad Contemporánea. Un punto de eterno retorno a un año al que se le echará la culpa de todo o prácticamente todos los males de los próximos años e incluso décadas.

Sin embargo, y ya sea como ejercicio de futurología pop, o de performance sonora que sirva como huida hacia adelante hacia un terreno aún desconocido pero igual de estrellado; LOUTA ha decidido presentar en plena cuarentena “2030”, un tercer álbum que cuenta con la producción general del puertorriqueño Eduardo Cabra (el Visitante de Calle 13), y producciones puntuales asociadas de Alizzz (aliado habitual de C. Tangana) y Nico Cotton, Mauro De Tommasso y OroDembow (los grandes alquimistas de las producciones del nuevo pop argentino: de Duki a Nicki Nicole, Juan Ingaramo, j mena o WOS, entre otros).

De ahí que este álbum suene como una suerte de espacio imaginado. Un espacio que se mueve entre el apocalipsis y el sarcasmo, entre el teatro del absurdo y el pop de museo, entre el hit de radiofórmula posmoderna y la música alternativa que resignifica códigos mainstream. Ese es el juego que impone el argentino Jaime Martín James en diez nueves canciones escritas literal y metafóricamente en mayúsculas: un viaje a los confines de un nuevo pop tan freak y ciclotímico como popular y accesible.

Viaja por la melancolía de las posibilidades baladistas del pop urbano (“NO ME ESTÁS HACIENDO UN FAVOR” o “POCO”), explora cadencias indietrónicas en el reggaetón (“AMAME”), juega con las fábulas más freak y enfermitas de las texturas agrietadas del rap-pop (“WAISI”, “EN LOOP” y “MARZO ACÁ”), se acerca al reggae de dormitorio (“MEDIA HORA”), utiliza soniquetes del soul-rock para acercarse al hip-hop 90s (“PONGO LO QUE FALTA”), busca un camino similar al de su luminoso hit “AYER TE VI” (“ALTO VISTO”) y hasta compone un himno para su país que busca romper las venas abiertas de la grieta sociopolítica (“ARGENTINA”).

Como él mismo decide acabar el disco: “baila, baila, baila, llegó la revolución: llegó tu revolución”. A ver si es cierto.

Alan Queipo

X Alfonso - Inside (FACMusic, 2020)

Mon, 01 Jun 2020 15:23:29 +0200

Hace ya tiempo que X Alfonso marca el paso de la vanguardia del arte cubano. Más allá de una exuberante carrera musical que se alarga más de dos décadas, en los últimos años ha jugado un papel fundamental en la modernización de la cultura de su país con la Fábrica de Arte Cubano, una galería que es bar, sala de conciertos y mucho más en el barrio del Vedado en La Habana.

Desde ese centro de operaciones, un laboratorio de ideas que renueva cada cierto tiempo para no apolillarse, ha ido tejiendo este disco que se ha hecho esperar casi una década. ‘Inside’ no defrauda: está tan lleno de ideas como la mente de su creador, vuela libre más allá de los géneros (spoken word, electrónica, funk, hip hop, ritmos afrocubanos) y está impregnado de un halo espiritual realmente poderoso.

No hay más que escuchar ‘Cambio’, el corte con el que arranca el álbum, para comprobar que no exageramos. Suena moderno y excitante, lo que se escucha no se ha oído en ningún otro lugar jamás, la música y la voz avanzan de forma imprevisible y contagiosa. Es sólo el comienzo de un conjunto de canciones poderosas, cargadas de flow y mensaje.

Esta grabación es el inicio de una secuencia de lanzamientos, de un “proyecto que se expande” en palabras del artista, que culminará en septiembre dando forma a un álbum doble (cada mes irá soltando nuevos temas) con su posterior gira internacional. X Alfonso, a sus 47 años, ha grabado el artefacto que despertará las conciencias adormecidas de estos tiempos turbulentos.

José Fajardo

Zairah - Daddy dura (Autoeditado, 2020)

Fri, 05 Jun 2020 10:20:49 +0200

Hay un halo de misterio en torno a la figura de Zairah. Para empezar, es difícil ubicar su estilo, un despiporre de flow que bebe del gangsta rap, el reggaetón duro, el trap más oscuro y los ritmos afro latinos. Ubicada en algún lugar de Estados Unidos y de ascendencia latina, es una de las artistas que se han sumado estos últimos días con más fuerza a las protestas contra el racismo que todavía impera en Norteamérica.

“Estados Unidos vive una revolución y yo estoy del lado de mis hermanos y hermanas negros y su lucha. Sería muy desconsiderado con la gente que quiero si continuara con la promo del disco y no peleara por un mundo más justo. Espero que todos mis amigxs latinxs hagan lo mismo. Esto no es un movimiento de la población negra, debe ser de todos. Tenemos que estar unidos”, dice la artista.

Pese a la ausencia de promoción, este debut aspira a llegar alto en la nueva escena de la música urbana con sabor latino. Tiene hits incontestables, como ‘Tiraera’ o ‘Ratchetón’, donde reflexiona sobre la estética ‘ratchet’, esa moda que surgió hace unos años en el contexto de la explosión del nuevo trap y que reivindica la estética choni de barrio a base de silicona en las uñas, chándal y deportivas gigantescas (Bad Gyal o La Zowi fueron dos de sus emblemas en España).

Sus letras son poderosas, mezclan la chulería y la guasa, suenan agresivas pero llevan incorporadas una desprejuiciada invitación al baile. A su favor juega, además, el acierto al rodearse de colaboradores con proyección como el combo madrileño de afro trap Afrojuice 195, el productor argentino Dabow, el DJ mexicano Nurrydog especializado en neo perreo y global bass y otros adelantados que ya hacen música del futuro como Wildkatz.

José Fajardo

El Alfa – El Androide (El Jefe Records, 2020)

Fri, 05 Jun 2020 11:06:05 +0200

Si la vida te da limones, no los exprimas; tíralos a la basura: ni con todo el azúcar del mundo vas a conseguir quitarte la cara de hiena que se te queda tras beberte ese zumito que sortea tropezones pálidos en el vaso. Sin embargo, hay remedios (que no vacunas) para curar los males de quienes se quieren apropiar del sabor de las cosas: bailar hasta abajo no con la cantinela de siempre, sino con los bailes que llegaron antes que el perreo, el trap y el reggaetón.

Con El Alfa, y por ende con el dembow, pasa algo parecido. Mientras los iconos del pop urbano latino, el reggaetón y el trap miran por encima del hombro a un género que se considera menor en los charts del mainstream latino y global, estamos ante uno de los bastiones de la música de baile contemporánea del continente americano; e incluso un género pionero en el género urbano latinoamericano.

Siempre pasa: del mismo modo que en España (os lo juro por Snoopy: artistas, agentes, promotoras de conciertos en horas bajas) hay gente que se cree que ha inventado Latinoamérica; en el circuito musical hay reggaetoneros que se creen que el dembow es un efecto de la expansión del reggaetón cuando, en realidad, el reggaetón es el efecto de la ¿evolución? del dancehall de los años ’70 y el dembow de los años ’80. Curioso es que, aunque hay figuras de culto como Shabba Ranks, MC Pay o Manuelito; es con la irrupción de El Alfa con la que el dembow, parece, puede llegar a trascender la frontera del perreo agresivo y el baile extremo de los guetos dominicanos.

En buena parte la culpa la tiene “El Androide”, tercer álbum del también denominado como El Jefe, y quien tras colaborar con los capos máximos del urban latino actual (J Balvin, Bad Bunny, Anuel AA, Cardi B, Nicky Jam, etc.); con este nuevo ejercicio discográfico oposita no solo a convertir el limón en naranjas de la China, sino también a comerle la tostada a todos los iconos que secundó en algunos de sus hits.

Tirando de colaboraciones de renombre global (Diplo, Lil Pump, Farruko, Myke Towers o Yandel, entre otros) y sin perder la incorrección política de sus letras, El Alfa publica un devocionario de las venas abiertas del dembow. Más de una hora y dos decenas de canciones que basculan los diferentes climas del dembow: permitiéndose licencias que lo acercan a la salsa (“A correr los Lakers”), a la balada trapera (“Me enamoré”), al cubatón (“Singapur”), al reggae (“Un día sí” o “King Kong”), al clubbing (“Tecnobow”) o al freestyle callejero (“El dueño del bizcocho” o “El lobo de Wal Street”); El Alfa sigue sacando matrícula como jefe supremo del dembow más sudoroso en himnos del género como “Mera Woo”, “Hablamos nunca”, “Coronao Now”, “Mueve la cadera” o “Jalapeño”.Como el propio Alfa canta en una de sus canciones: “antes de ayudar o decir que van a pegar a otro artista; primero péguense ustedes”. No te preocupes: el zumo de Alfa no te agria la cara.

Alan Queipo

Dellafuente - Descanso en poder (Sony Music, 2020)

Mon, 08 Jun 2020 10:07:29 +0200

Una cosa es querer, y otra poder. Son demasiados los artistas jóvenes que se han apuntado a la moda de mezclar quejíos y Autotune y reivindicar en sus rimas la estética del barrio. Son pocos los que han logrado con ello algo provechoso. Dellafuente nunca ha necesitado apuntarse a nada porque él es quien marca la tendencia. Tras guiar a esta nueva camada en los últimos años, ahora proclama que la nueva música urbana que ha revolucionado la escena en España ha muerto; de ahí ese DEP del título: “Descanso En Poder”.

Pero no nos apresuremos, ¿es realmente este disco la muerte de Dellafuente tal y como lo conocemos? Es cierto que los antecedentes apuntan a un cambio de dirección en su carrera, especialmente con el proyecto paralelo que sacó a principios de este año con el alias de Taifa Yallah y donde hacía más guiños a Extremoduro o Medina Azahara que a Lil Peep o Travis Scott.

Sin embargo, más que un entierro lo que el granadino propone ahora es una reinvención para no morir por causas naturales atrapado entre los barrotes del circuito moderno. Igual que otros artistas felinos como C Tangana, a los que pese a su juventud ya se adivina al menos siete vidas, Dellafuente sabe que tiene que ir expandiendo su propuesta, acumulando nuevas influencias sin abandonar su espíritu.

En ese sentido, este álbum muestra con sinceridad las distintas facetas que forman al Dellafuente de 2020: desde la intro con ese rollo conceptual y filosófico tan marca de la casa (‘destruye el sistema desde dentro’, parece querer decir) hasta su coqueteo con el reggaetón junto al puertorriqueño Ñejo (‘Palante y patrás’), el flamenco de la calle con Pepe: Vizio (‘Flores pa tu pelo’), el nuevo pop con Rels B (‘Pa que no te duermas’) y el regreso a los orígenes junto a su colega Maka (‘Toco el cielo’). Quizá el tema que más llama la atención es ‘Saturación’, donde se acerca a las nuevas tendencias del r&b en la onda de Sen Senra sin instrumentos y con la voz distorsionada hasta el límite.

Dellafuente siempre está colocando mensajes con su música, es el nuevo Dalí del arte español, detrás del envoltorio esconde un concepto al que ha dado más de una vuelta. Ahí también se parece al madrileño C Tangana, entre los dos siguen abriendo camino para una nueva generación de músicos, cada uno desde su propia visión: mientras Puchito apunta a los flashes y a la industria comercial de Estados Unidos, el granadino sigue apegado al barrio y la calle, sin que eso signifique necesariamente que no es un tío ambicioso, porque lo es.

José Fajardo

Astillero & Chino Laborde – Arcadia (De Puerto, 2020)

Mon, 08 Jun 2020 10:37:48 +0200

Cuando Astor Piazzolla irrumpió, el imaginario del tango cambió: su música gustaba más en Europa que en Argentina; su manera de tocar se acercaba más al jazz o a las vanguardias musicales que a la milonga o al sonido de la orquesta típica. Algo similar pasó cuando su espíritu caló en una nueva generación de tangueros: la que, con el inicio del nuevo siglo, comenzó a arrojar otras miradas a un género considerado “de abuelos” o “caduco” por las nuevas generaciones.

En esa vorágine de agrupaciones de tango electrónico y/o moderno como Bajofondo, Otros Aires o Yira; se coló un nombre que fue revolucionario y fundamental para la aceptación del tango en el contexto del siglo XXI: la Orquesta Típica Fernández Fierro. Con un espíritu de cooperativismo y neo-conventillo; con un club (una sala-galpón que se convirtió en la meca de la nueva milonga) como sede central; con un sonido que reproducía los vaivenes de una Buenos Aires en la que el que afloja pierde; y una generación de nuevos músicos amantes del tango, la Fernández Fierro es una agrupación fundamental y mutante, y un semillero de proyectos que han seguido caminos de forma independiente.

Uno de ellos Astillero: un combo de tango instrumental comandado por Julián Peralta, que fue pianista y director de la OTFF hasta que en 2005 decidió emprender camino capitaneando Astillero, un proyecto que coqueteó con la murga, con la música de cuerdas y hasta con las bandas sonoras. Otro de ellos es Wálter Laborde, el “Chino” para todo el mundo: vocalista de Fernández Fierro hasta 2013, donde se independizó de la agrupación, ya convertido en el último gran cantor de tango reconocido.

Quince años después, el reencuentro entre Laborde y Peralta parece una reunión en la cumbre, pero también la solidificación de unos lazos que se vuelven a estrechar con una misión: expresar las mejores tradiciones del tango nuevo, el del siglo XXI. Seis canciones grabadas en una jornada en directo de hace casi un año (el 1 de julio de 2019 en los Estudios Fort Music), compuestas por Peralta y Juan Seren (uno de los letristas más prestigiosos de los últimos años) a excepción de una compuesta en letra y música por Mariano González Calo, primer bandoneón de Astillero, y presentadas en el último tramo del año pasado en el Torquato Tasso y que ahora, por fin, ven la luz en forma de “Arcadia”: un álbum corto, un EP largo, un proyecto que merece continuidad.

En estas seis canciones, el tango resuena como un género actual, con ese sonido tan típico de agrupaciones como Astillero: con la violencia de la ciudad a cuestas, con la influencia de Piazzolla por bandera, pero también con el contexto de una generación de músicos que han crecido a tientas entre la formación musical y la cultura rock de su nación. La voz de Laborde, una suerte de Gardel para casi-millennials, convierte estas seis piezas en nuevas gemas para que un género ya centenario no solo no se amedrente, sino que tenga nuevas excusas para seguir cantando las cosas por su nombre.

Alan Queipo

Hinds - The Prettiest Curse (Lucky Number Music, 2020)

Fri, 12 Jun 2020 09:59:35 +0200

Hubo una época no tan lejana en que era deporte habitual entre la modernidad madrileña criticar a las Hinds (entonces conocidas como Deers). La simpleza de los argumentos se caía por su propio peso: que si son conocidas porque son guapas, que si no saben tocar, que si que si… La realidad es que hoy Hinds han llegado más lejos de lo que cualquiera de los ídolos de aquellos indies madrileños podrían soñar jamás.

Y es que no hay muchas bandas españolas que hayan logrado competir en la industria de Estados Unidos, además en un género, el rock alternativo de guitarras, donde hay tantísimo nivel. Estas cuatro chicas que ahora tienen en torno a 30 años surgieron en la escena de bares del underground de la capital española, cuando se empezó a hablar de un revival del garage en torno a bandas como la suya, Los Nastys y Los Parrots, quienes actuaban a menudo en garitos icónicos como el Wurlitzer y se dejaban caer por el barrio de Malasaña.

Con el paso de los años esa escena dejó de estar de moda (mientras los puretas sabelotodo que se metían con ellas dirigieron su resquemor hacia otros nuevos fenómenos juveniles, como el reggaetón y el trap), pero las Hinds siguieron currando en el local de ensayo, ampliando su base de contactos internacionales, girando por Europa, Estados Unidos, Japón y Australia, desembarcando en el Coachella californiano y causando sensación en la influyente feria de Austin South By Southwest.

Este nuevo disco muestra al grupo tras alcanzar su cima, sin complejos y con el mismo sonido refrescante y espontáneo, pegadizo y divertido con el que llamaron la atención hace más de cinco años. Ya no sueñan con parecerse a The Libertines o Vivian Girls, canciones como ‘Just Like Kids (Miau)’ y ‘Good Bad Times’ están a la altura de los trabajos más inspirados de Pete Doherty o los Black Lips. No sabemos si Hinds ya han tocado techo, pero desde luego que ahora mismo miran desde arriba a gran parte de la escena rockera de su generación.

José Fajardo

Chicano Batman – Invisible People (ATO Records, 2020)

Fri, 12 Jun 2020 10:24:58 +0200

Cuando “Invisible People” vio la luz hace tan solo unas semanas, el 1 de mayo pasado; ni por asomo los californianos de ascendencia latina Chicano Batman podían imaginar que su nuevo disco, que más que buscar proyectar las diferencias entre personas de clases sociales, género o raza, pretendía convertirse en un alegato esperanzador de la unión de las personas y la igualdad por la vía de la invisibilidad; iba a cobrar un significado mucho más poderoso.

El cuarteto que componen Bardo Martínez, Carlos Arévalo, Eduardo Arenas y Gabriel Villa se había convertido estos últimos años en una suerte de banda-manifiesto de la comunidad latina en Estados Unidos. Su álbum “Freedom is Free”, publicado en los primeros meses del gobierno de Donald Trump, mutó en una suerte de paladín sonoro, de himno de resistencia en tiempos convulsos. Y precisamente su flamante “Invisible People” pretendía comenzar a quitarle ese sambenito de ‘grupo político’, para ganar universalidad y transversalidad en su propuesta artística y en su discurso como banda y colectivo. Pero no va a ser posible.

La muerte de George Floyd y las revueltas que aún no cesan en USA convierten este cancionero, más cerca de cadencias soul-rockeras y de trip hacia el pop psicodélico de los años ’60, en una suerte de ejercicio pacífico pero empoderado, que refleja la invisibilidad de las minorías (la latina, la afroamericana, etc.) a la vez que resuena como un material en el que conviven desde la voz del nigeriano William Onyeabor a la tripcodelia de los peruanos Pasteles Verdes, el empoderado mensaje de gueto surcaliforniano de Dr. Dre o Daz Dillinger, el espíritu del pop negroide contemporáneo de Alabama Shakes o el desgarro crooner-soul de Charles Bradley o Lee Fields.

“Invisible People” es, lo quieran o no, un nuevo grito de resistencia: una manifestación pacífica y repleta de groove que, aunque rebaje la intensidad del discurso latinx-empoderadx de su anterior álbum, resuena como un manifiesto absolutamente necesario, además de imponente artísticamente, de cómo se señala a las minorías cuando se les pregunta “¿de dónde eres?”. Chicano Batman son norteamericanos: y a mucha honra.

Alan Queipo

Chancha Via Circuito & El Búho - Pleamar (Wonderwheel Recordings, 2020)

Fri, 19 Jun 2020 08:04:42 +0200

Hace 15 años el agitador argentino Pedro Canale se anticipó a la explosión global de la cumbia digital. A medida que su propuesta se hacía más popular (e iba sumando imitadores), poco a poco fue deconstruyendo su sonido inicial, volviéndose más introspectivo y profundizando en las raíces de América Latina. Más que un referente, se convirtió en un chamán hacia lo desconocido.

Su carrera como Chancha Via Circuito ha estado marcada por encuentros creativos con otros artistas que están en su onda, desde Nicola Cruz hasta Baiuca, Mateo Kingman y Lido Pimienta. Entre ellos, hay un nombre que ha ido ganando importancia en los últimos años, el del productor británico Robin Perkins (El Búho), autor de uno de los discos más fascinantes en lo que va de año: ‘Ramas’, donde colaboran desde DJ Raff hasta Klik & Frik o Rodrigo Gallardo.

Este EP de cuatro canciones es una muestra de lo que son capaces los dos artistas cuando conectan: canciones río que suben a las montañas andinas y se precipitan por un entramado de selvas tropicales tan inhóspitas como fascinantes. Es música para el que quiera ver más allá de la realidad. A esa atmósfera de ceremonia trascendental contribuye el sonido, electrónica instrumental menos el último corte, con voces de Gus Goncalves.

Para quien se quede con ganas de más, El Búho lanza este viernes 26 de junio ‘A Guide To The Birdsong Of Mexico, Central America And The Caribbean’, su segundo volumen consagrado a los sonidos de las aves en América, editado por Shika Shika.

Roberto Pettinato – Pettinato Plays García (Club del Disco, 2020)

Fri, 19 Jun 2020 08:49:43 +0200

En el imaginario del rock argentino, Luis Alberto Spinetta era el músico de estructuras libres, más asociado a las conexiones del jazz y el rock; y Charly García era aquel niño prodigio de formación clásica y oído absoluto que conectó su don con las fronteras abiertas que impusieron The Beatles en la música pop. Ese imaginario, aunque certero, es injusto y, sobre todo, reduccionista: la influencia de Spinetta y García es tan inabarcable como el imaginario creativo de dos músicos incomparables en el ecosistema de cualquier circuito musical que se precie.

Como prueba, este ejercicio de adaptación y acercamiento que Roberto Pettinato, controvertido saxofonista (lo fue de Sumo, una de las bandas más icónicas e indescifrables del rock argentino de los años ‘80; pero también capitaneó en sus años en España proyectos como Pachuco Cadáver, entre otros), periodista (fue una de las figuras más populares y controvertidas de la televisión argentina de los años ’90 y principios de los 2000) y agitador cultural (dirigió durante años revistas de una importancia contracultural absoluta como el Expreso Imaginario y La Mano), hace hacia el jazz de parte de la obra más experimental y desconocida de Charly García.

Pettinato ya había hecho este ejercicio hace un par de años con parte del cancionero de Sumo, grupo del que formó parte y del que conocía perfectamente las canciones más propensas hacia las derivas jazz-rock. En el caso del repertorio de Charly García, el saxofonista hacia un trabajo de arqueología de parte de esa cara b o, incluso, cara c del repertorio del García más libre, fuera de estructuras formales, más cerca de la suite de música clásica o de la ópera rock progresiva, esquivando los clásicos del enfant terrible e icono infinito del rock argentino.

Aliado con Hernán Cassiba al contrabajo, Omar Menéndez a la batería, Andrés Marino a las teclas y, sorpresivamente y a pesar del delicado estado de salud de los últimos años, con el propio Charly García a la voz, la guitarra y las teclas en más de la mitad del disco; este álbum reivindica la vis más free jazz de García: canciones casi desconocidas de la época de Sui Géneris (como “Tango en segunda”) o Serú Girán (como “Veinte trajes verdes”), del primer Charly de los años ’80 (“Transatlántico Art Decó”, “Total Interferencia” o “Vos también estabas verde”), del que se alió con Pedro Aznar para cazar su espíritu jazzy (“Happy and Real”) o del García más químico y experimental de los ’90 en adelante (“Say No More” y “Película sordomuda”).

El álbum no solo no pretende resolver la vis más anárquica, free jazz y desconocida del repertorio de Charly García; sino que, con Roberto Pettinato como aliado, extrema las facultades más libres de un Charly que, siempre rockero y neoclásico, se permite improvisaciones que dan a lugar una canción que podría haber formado parte de álbumes suyos como “La hija de la lágrima” (como la única inédita, sitar incluido: “iPad Church Number 9”) y reivindica al controvertido Pettinato como un arreglista mayúsculo a la hora de mirar desde el jazz moderno más psicodélico y trippy, repertorios clásicos. Hacer un disco tributo a un artista icónico es fácil. Hacer este tipo de discos tributo a artistas icónicos no es nada fácil. Ojalá Pettinato siga jugando a ese juego.

Alan Queipo

BeGun - Okeanídes (Synesthesia Media, 2020)

Mon, 22 Jun 2020 09:25:34 +0200

“¿Por qué sólo las películas llevan bandas sonoras? Quizá un libro podría tener una también”. Con ese pensamiento, el periodista estadounidense Ian Urbina decidió convertir su premiada obra literaria ‘The outlaw ocean’ (2019) en un ambicioso proyecto sonoro paralelo al que se han ido apuntando músicos de todo el planeta y desde todas las ópticas. Detrás hay una investigación de cinco años que fue publicando en ‘The New York Times’ sobre la última frontera sin colonizar: los océanos.

Sus crónicas periodísticas hablan de mercenarios, piratas y esclavos pero también de héroes anónimos que luchan en ese ambiente hostil y sin vigilancia contra los abusos humanitarios y en defensa del medio ambiente. Un tema muy goloso para una personalidad inquieta como la del productor barcelonés beGun, un ingeniero de formación que en su música recoge los ecos de los lugares a donde viaja y que ya se había preocupado por fenómenos como la migración y el cambio climático.

‘Okeanídes’ propone una mirada sobre siete historias del libro a través de paisajes profundos construidos con electrónica expansiva, que tan pronto se acerca a los gemidos abisales de los islandeses Sigur Rós como se adentra en el laberinto de mentes complejas de la escena experimental contemporánea como The Range. Es este un proyecto de una belleza cautivadora que captura los contrastes de los relatos de Ian Urbina, poblados de luces y sombras; como si Werner Herzog se hubiera encontrado en sus años dorados con Kraftwerk.

José Fajardo

Nihiloxica – Kaloli (Crammed Discs, 2020)

Mon, 22 Jun 2020 09:43:50 +0200

Del mismo modo que los kaloli, aves carroñeras que frecuentan habitualmente las zonas de desperdicios de la zona más contaminada de la ciudad ugandesa de Kampala, son capaces de sobrevolar con una soberbia elegancia los cielos presentando una belleza inusual en cualquier ave; Nihiloxica juega a un juego similar: relegitimar y resignificar la música tribal con una violencia atronadora, pero con una elegancia y una mirada vanguardista sin igual en esa música que nació de los rituales en tribus y que, con ellos como relatores, ha conseguido llegar al Olimpo de la música contemporánea más avanzada.

La genética del proyecto se las trae. El germen está en el combo de percusiones ugandesas Nilotika Cultura Ensemble: cuatro músicos que proyectaban la música más raizal y tribal de Uganda, y que tras una residencia junto a dos músicos-productores británicos (Spooky J y Peter Jones) que los unió a modo de experimento, nació Nihiloxica, uno de los proyectos más transversales que vamos a poder escuchar. Y es que en Nihiloxica habita el origen de la música (ese tribalismo ritual ancestral, que nos lleva a pensar en los primeros sonidos del primer proyecto de hombre) y la mirada más futurista de la electrónica contemporánea.

Tras un par de EPs iniciáticos y tres giras que los llevaron a recorrer todo el mundo, tras sus teloneos a Aphex Twin el pasado año, Nihiloxica se encerraron a dar forma a “Kaloli”, su debut en formato largo y un auténtico manual que conecta la sonoridad ritual más tribal del África profunda con una mirada que supera la etiqueta de folktrónica: tan cerca de la música industrial como incluso del black metal nórdico, el repertorio del combo ugandés-británico impone un diálogo trans-ancestral entre tradiciones y formas de entender el ritmo, la música de baile, el trascendentalismo sónico y las fronteras de género.

Armados con sus engalabis, namunjolobas, emuunyis y ensaasis (tambores y percusiones tradicionales ugandesas) en diálogo con baterías electrónicas, pads y sintetizadores, Nihiloxica suenan como un cruce animal y absolutamente desencadenado entre Einstürzende Neubauten, Barbatuques, Dimmu Borgir, Nistra, Burial, Mulatu Astatke, Xosé Lois Romero & Aliboria, Tony Allen y Nídia. Un manual polifónico y polirrítmico para entender no solo de dónde venimos y adónde vamos; sino que las tradiciones de los tambores y las máquinas, de oriente y occidente, de negros y blancos, son las mismas: pero apretando botones diferentes.

Alan Queipo

Sticky M.A - Konbanwa (Agorazein, 2020)

Fri, 26 Jun 2020 08:08:14 +0200

La sombra de Agorazein es alargada (para bien). Tras la cumbre que alcanzó este colectivo madrileño de hip hop en 2016 con su obra ‘Siempre’, sus cinco miembros han ido desarrollando carreras en paralelo guiados por C. Tangana, el más visionario de ellos y el que ha sabido abrir nuevos caminos para la música urbana en España.

Mientras Jerva e I-Ace formaron la banda con guiños al post-punk Antifan, el productor Fabianni lanzaba hace unas semanas la mixtape ‘Gato’ (donde recordaba la escena del underground en Madrid de principios de siglo) y el propio C. Tangana sigue ampliando su alcance en América, Sticky M.A. demuestra con este álbum, el más importante de su carrera hasta el momento, que su estilo mira más hacia las nuevas tendencias del trap latino que a lo que está pasando en España.

En efecto, el arranque del disco con ‘Meliodas’ suena a puro Duki, quizá el rapero más importante de la nueva generación que está arrasando en Latinoamérica. Es el mismo sonido pop, un flow similar con rapeados a toda velocidad, el tratamiento de la voz hacia lo sintético y una estética colorida que reivindica la influencia del cómic y los videojuegos.

Detrás está la maestría de Steve Lean a la producción (además de otros talentos a los botoncitos como cclusi, Jambo, Royce Rolo e IAMTOMMY) y una lista de MC de lo más acertada que va desde el chileno Polimá Westcoast hasta talentos españoles como Juciy Bae, Leïti Sene y, para cerrar el círculo, C. Tangana.

José Fajardo

Diego El Cigala – Cigala canta a México (Sony Music, 2020)

Fri, 26 Jun 2020 08:55:16 +0200

Desde que Diego El Cigala descubriese que su cante tenía mucho más peso y era mucho más jondo cuando entraba en diálogo con otra tradición musical, sobre todo latinoamericana; el cantaor madrileño se convertiría en lo que años atrás había sido Julio Iglesias para España: una suerte de Willy Fog del cante flamenco, sino también en uno de esos relatores absolutamente necesarios para entender los cantes de ida y vuelta, la conexión entre la cultura española y la latinoamericana y en un médium mayúsculo para que las fronteras, cuando se trata de música no existen.

Lo demostró con aquel histórico “Lágrimas negras” que se convertiría en un álbum fundamental de la música popular en todo el mundo: aquel diálogo junto a Bebo Valdés en la que el latin jazz y las cadencias afrocubanas se fundían con uno de los cantes más salvajes del flamenco contemporáneo. Luego haría excursiones a Argentina, tanto para rondarle al tango (en “Cigala & Tango”) como a la música folclórica de dicho país (“Romance de la Luna Tucumana”, donde incluso hace un dueto junto a Mercedes Sosa); y su último viaje sería al Caribe, donde el flechazo con la salsa se materializó en “Indestructible”.

Ahora, el viaje del Cigala es hacia México, uno de los semilleros de canciones melódicas más transgeneracionales y universales de la historia de la música popular. El propio cantaor confiesa que recuerda escuchar en su casa canciones como “Perfidia” o “Soy lo prohibido” en las voces de cantaoras como Dolores de Córdoba o Adela La Chaqueta. Un viaje en el que se hace acompañar por algunos de los grupos que mejor representan el sonido de la música melódica mexicana, de la ranchera y el bolero al son jarocho o el sonido mariachi: el Trío de Chucho Navarro Jr., La Sonora Santanera, Los Macorinos, el Mariachi Vargas y el Mariachi Gamma 1000.

Navarro Jr., La Sonora Santanera, Los Macorinos, el Mariachi Vargas y el Mariachi Gamma 1000. El Cigala no se complica en el repertorio: escoge clásicos universales paridos del puño y la letra de Armando Manzanero, José Alfredo Jiménez, Agustín Lara, Javier Solís o Chavela Vargas. Saca matrícula cuando se acerca al tumbao jondo (“Bésame mucho”), cuando suena rumbero y herido (“De qué manera te olvido”), cuando suena a cantante melódico de rango profundo (“Cenizas”), cuando recuerda a la producción de Javier Limón en “El Cantante” de Andrés Calamaro (“Si tú me dices ven”), cuando se pone salsero y bailón (“Perfidia” o “Verdad amarga”); y, aunque nunca llega a desentonar, no consigue hacer suyos retos especialmente difíciles y muy reconocibles (“Se me olvidó otra vez”, “Somos novios” o “La media vuelta”).

Solo queda preguntar: Cigala, ¿cuál será el próximo destino?

Alan Queipo

Natanael Cano - Corridos tumbados Vol. 2 (Rancho Humilde, 2020)

Mon, 29 Jun 2020 09:38:31 +0200

Natanael Cano es la cabeza más visible de un nuevo género que ha enganchado a la juventud en México: “los corridos tumbados”, un híbrido entre las canciones que se popularizaron durante los años de la revolución especialmente en los territorios de frontera con Estados Unidos y las nuevas tendencias del hip hop con trap y electrónica. Para estos artistas es natural mezclar ambos universos: es lo que se escucha en las calles.

Nacido en Hermosillo (Sonora) hace poco más de 20 años, este cantante aprendió a tocar la guitarra en tutoriales de YouTube durante la adolescencia siguiendo la estela de Ariel Camacho, fundador del grupo de neo corridos Los Plebes del Rancho que murió en un accidente de tráfico en 2015 con sólo 22 años.

Su colaboración con el rey actual del trap latino, el puertorriqueño Bad Bunny, en el remix de su tema ‘Soy el diablo’ le convirtió el año pasado en una de las personalidades con más proyección de la nueva música mexicana, un potencial confirmado con su fichaje por el sello de referencia en el género, Rancho Humilde (con sede en Los Ángeles).

Sus volúmenes de ‘Corridos tumbados’ son una muestra de las características de este universo que toma el sonido pausado de los corridos y la estética callejera (en las letras no faltan las referencias a las drogas y las juergas) y la cadencia de las rimas del rap. En esta segunda entrega aparecen algunas de las voces más talentosas del circuito, como las de Juanillo Díaz y Junior H.

Quizá lo más fascinante de Natanael Cano sea su habilidad para caminar entre dos universos a priori tan alejados, el del trap y las rancherías. Su figura representa como ninguna otra la falta de prejuicios de una generación que está cambiando la forma en que nos acercamos a la música. Como ejemplo, su más reciente lanzamiento, el disco ‘Trap tumbado’, donde cambia de registro y lleva su sonido hacia lo contemporáneo. Desde ambas ópticas su propuesta funciona.

Jose Fajardo

Julia de Castro – La Historiadora (El Volcán, 2020)

Mon, 29 Jun 2020 10:19:22 +0200

Cuando tres años atrás De la Puríssima llegó al Teatro de la Zarzuela, arrasó con todo. No me refiero solamente a lo revolucionario que era que el proyecto de Julia de Castro y Miguel Rodrigáñez, cargado de cupletismo 2.0, de letras provocadoras y de reseteo de ciertos códigos del discurso de la música tradicional española suponían; sino que también parecía que esa pose líquida de una Julia de Castro infinita e inabarcable también podía llegar a arrasar con su propio proyecto.

En aquel concierto, De la Puríssima ponían el colofón con la participación de la Orkesta Mendoza, combo que proyecta los sonidos de la frontera entre México y Estados Unidos, y con los que De la Puríssima estaban trabajando junto a Camilo Lara (el todopoderoso todo-en-uno de Instituto Mexicano del Sonido) en nuevas canciones. Entre ellas, una cumbia norteña como “Caminadora”, que presentaron aquella noche y que, todo indicaba, iba a revolucionar el sonido de De la Puríssima.

Tanto lo revolucionó que aquel disco se dilató cuatro años, y superó viajes (la propia artista abulense pasó un año en Roma con una beca de investigación), funerales (todo el 2019 De la Puríssima despidieron el proyecto, con un funeral en los Teatros del Canal más cerca del happening o de la performance ritual que del concierto al uso) y pandemias globales.

Ahora, “La Historiadora” parece hacer caso a aquella frase que se desprendía de “Solo se trata de vivir”, canción compuesta por un jovencísimo Fito Páez y que popularizó Juan Carlos Baglietto y que rezaba: “solo se trata de vivir: esa es la historia”. La historia de “La Historiadora” es tan inabarcable como difícil es estacionar a Julia de Castro en un compartimento estanco. En ella se perciben maneras de folclórica clásica, de diva revolucionaria, de icono del nuevo pop, de empoderadora natural.

Todo ello lo arroja en un repertorio que, trabajado mano a mano con Lara, y con colaboradores ilustres como Calexico, la mentada Orkesta Mendoza o el guitarrista flamenco Paco Soto, se anima a acercarse al techno-funk rutero para defender la prostitución (“Ríndete”), a resignificar un clásico de la zarzuela (“Marínela”), a explorar las fronteras de la cumbia fronteriza (“Caminadora”), a relatar una historia de lascivia lésbica (“La Alemana”), a sonar como una mariachi del siglo XXI (“Mis amigas”) o como diva neo-española (“Arde Madrid”), a rehacer un clásico de Juan Gabriel (“Hasta que te conocí”) o renaturalizar el sonido y el mensaje de la canción melódica y el bolero (“San Miguel”). Las historias de un amor como no hay otro igual: las de vivir.

Alan Queipo

Lisandro Aristimuño – Criptograma (Viento Azul, 2020)

Fri, 03 Jul 2020 13:55:23 +0200

Superados todos los sambenitos y etiquetas impuestas (“cantautor patagónico”, “el Thom Yorke argentino”, etc.) tras el aterrizaje de aquellos tres primeros álbumes icónicos que forjaron la identidad no solo del propio Lisandro Aristimuño, sino más bien de una canción de autor que dialogaba directamente con las herramientas de producción que la música del Siglo XXI ponía a nuestra disposición; da la sensación de que el rionegrino lleva ya unos cuantos años a su aire, cada vez más cómodo en la calidez de lo doméstico, y a la vez en la reafirmación ante su público de que es un compositor prácticamente infalible y poseedor de una identidad sin igual.

Y si bien quizás aquel “Las crónicas del viento” de hace más de una década fueron su punto más irregular creativamente hablando, su etapa más liberada y autárquica parece haber encontrado la horma de su zapato en su flamante nuevo álbum. “Criptograma” no solo es el cuarto ejercicio de estudio que publica a través de su propio sello (Viento Azul), sino que es el primero que graba en su propio estudio, recuperando ciertos tics y maneras de aquel Aristimuño de sus primeros álbumes: equilibrando la balanza entre el trabajo doméstico, las programaciones electrónicas y la dinámica que le da su banda, los Azules Turquesas, que llevaban sin grabar en estudio con él desde “Mundo Anfibio”, publicado hace ocho años.

De ahí que este nuevo cancionero, de corte más oscuro que luminoso (excelente para profundizar en las sombras del encierro confinado) deje trazas de todos esos mini-Lisandros que coexisten en él: el de la montaña de loops (“Levitar”), el que suena a los Radiohead de “Hail to the Thief” (“Loop”), el que se acerca al León Gieco más combativo y folk-rockero (esa suerte de canción protesta que firma junto al rapero WOS: “Comen”), el que suena al Spinetta más buceador (“Sombra 1”), el que suena sinfónicamente cantautoril (“Hoy no fue ayer”, junto al icono de la música incidental e instrumental Lito Vitale), el que busca mirar la música tradicional desde la mirada de Bon Iver (“Baguala 1”), el que resuena a un cruce entre The Postal Service y Fito Páez (“Nido”)… pero, el que siempre, pero siempre, suena a Lisandro Aristimuño.

Alan Queipo

Agrupación Changó – Berejú (Discos Pacífico, 2020)

Fri, 03 Jul 2020 14:22:12 +0200

Cuentan los afortunados asistentes que la Agrupación Changó causó una mayúscula sorpresa cuando se presentó en vivo en 2014 en el Festival Petronio Álvarez de Cali, el más importante de la música afro del Pacífico colombiano. Su particular estilo rítmico, pocas veces escuchado antes, les valió el reconocimiento como ganadores en la categoría de Marimba.

Unos años después llega este trabajo que reúne el saber ancestral de una tierra olvidada, al sur del Pacífico junto a la frontera con Ecuador, en las selvas y manglares que recorre el río Telembí por Nariño. ‘Berejú’ es la primera producción de Discos Pacífico, un proyecto del sello colombiano Llorona Records (Los Gaiteros de San Jacinto, Elkin Robinson) con fondos del programa de cooperación Territorios de Oportunidad.

Producido por Iván Benavides -quien ha colaborado con los grandes de la música nacional, desde Carlos Vives hasta Aterciopelados- y con la dirección del maestro Wisman Tenorio, Changó rinde homenaje a los negros que llegaron a la fuerza desde África a este territorio sagrado habitado por las comunidades indígenas Awá, Callapa y Tumac.

En cada golpe de marimba y en cada cántico está la historia de un pueblo que ha sido escondido, de una comunidad orgullosa y espiritual que a través de estas canciones recupera las historias que vivieron sus antepasados y que han ido heredando de generación en generación. Un trabajo que invita al baile tanto como a la reflexión y que deja una valiosa lección: el respeto por lo que nos hace diferentes.

José Fajardo

Arca - KiCk i (XL Recordings, 2020)

Mon, 06 Jul 2020 09:20:22 +0200

Si hay un artista que simbolice el caos cambiante de estos tiempos convulsos es Arca. Su carrera es parte de un proceso de mutación a lo bestia, donde todo evoluciona al mismo tiempo: su cuerpo, su obra, su mensaje. Entre un sueño erótico de David Cronenberg y el activismo radical de la recién fallecida Genesis P-Orridge (Psychic TV, Throbbing Gristle) se mueve con soltura la venezolana residente en Barcelona Alejandra Ghersi.

Su música siempre ha jugado con la provocación y el impacto visual, con la mezcla imposible entre el terrorismo sonoro (a través de ruido electrónico) y la utopía pop. Con su cuarto disco, el primero de una serie donde irá mostrando diversas facetas del arte contemporáneo (en este caso se centra en el hedonismo desde su óptica particular), logra al fin sublimar todas estas pretensiones.

El problema (o el acierto, según se mire) es que la música de Arca cada vez parece más apta para un museo de arte moderno que para un uso convencional, ya sea escuchándola en casa, en una sala de conciertos o de fiesta en la discoteca. Se ha dicho que este era su disco pop pero no hay nada de eso en canciones donde deconstruye el reggaetón hasta hacerlo añicos (‘Mequetrefe’) o en el corte con Rosalía, quien queda reducida a un holograma casi imperceptible (‘KLK’).

La barcelonesa no es la única colaboración, también aparecen Björk recitando entre tinieblas un poema de Antonio Machado (‘Afterwards’), la cantante y DJ británica Shygirl (‘Watch’) y la artista escocesa SOPHIE (‘La Chíqui’). En todos los casos Arca desfigura a los invitados, con mayor o menor acierto, llevándoselos a su terreno: esa indefinición que es propia de la música que aún no existe, ritmos de un futuro que quizá nunca llegue.

Jose Fajardo

Leo Maslíah – En Trío con Tato Bolognini y Marco Messina (Club del Disco, 2020)

Mon, 06 Jul 2020 10:02:40 +0200

Cuando en el último tramo de los años ’90 un artista tan inclasificable e inabarcable como aparentemente inaccesible para las masas firmó aquella “Zanguango” que se convirtió en un fenómeno viral-pre-internet, parecía que había un fallo en la mátrix: ¿cómo un músico-escritor más cerca de la canción experimental, del piano clásico tocado como si fuese un artista punk o del jazz más espástico podía firmar un hit?

Pues porque Leo Maslíah es tan impredecible que lo mismo te firma un álbum tributo a Bach de corte barroco que la banda sonora de una película imaginaria que un recorrido en plan orquesta por sus 40 años de canciones. De hecho, esos tres ejercicios fueron los que publicó estos últimos tres años, antes de llevar a formato disco algo que llevaba un tiempo entrenando en directo: el formato trío de jazz instrumental, con él a las teclas, Tato Bolognini a la batería y percusiones y Marco Messina al bajo.

El álbum acaba siendo un ejercicio de falso jazz: trece canciones que utilizan formación de jazz pero que rehacen clásicos impopulares de la música clásica (concretamente de Jan Pieterszoon Sweelinck y Arhur Honegger) y un buen tonel de canciones propias del inclasificable artista uruguayo.

Por momentos, merodea el free jazz (“Calma chicha” o “Menos Líoh” probablemente son los momentos más jazzeros del disco); en otros, se acerca al sonido de Pat Metheny (“Olas del Aire”), coquetea con la cumbia-jazz (“Bailongo”), la rumba (“Horizonte vertical”), la samba brasileña (“Choripanzinho”), el Pedro Aznar más jazz-rock (“Remanente 2”) y hasta, a veces, utiliza una suerte de sarcasmo mudo (“Colesterol sentimental” o “Modus operandi”) para que su discurso se aparque de manera equidistante entre Frank Zappa, Bach, Richard Cheese y Richard Clayderman. Un auténtico escapista sonoro, que se va corrigiendo a sí mismo sobre la marcha para construir yoes superiores dentro del otro: un arquitecto de las matrioskas musicales, del conglomerado de géneros desgenerados, un loco en un carrusel infinito que nunca se detiene.

Alan Queipo

El Caribefunk – Energía para regalar (Autoeditado, 2020)

Thu, 09 Jul 2020 17:24:13 +0200

A diferencia de gran parte de los grupos y artistas, El Caribefunk han nacido autodefinidos. Su propio nombre realza las marcas de agua más reconocibles de un proyecto que busca captar el espíritu de los ritmos del Gran Caribe con una sonoridad de corte funk y una consciencia absoluta de la afrodescendia de la cultura caribeña.

Así lo llevan demostrando los colombianos Funk-cho Salas y Andrés Mordecai desde hace ocho años, cuando en Buenos Aires comenzaron a aplicar lo que los gallegos llaman morriña: la nostalgia por la música no solo de su Cartagena de Indias natal, sino en todo el Gran Caribe. De ahí que El Caribefunk suene a una suerte de viaje por las islas caribeñas de Cuba, Puerto Rico, Martinica, San Andrés y Guadalupe cuando se ponen a tocar: sonidos de puertos caribeños unidos por la afrodescencia y la influencia tanto de la música de autor como del funk y las músicas negras de la diáspora afroamericana.

Tras cuatro álbumes con los que han recorrido más de veinte países, es curiosamente en plena pandemia global donde ve la luz su álbum, quizá, más maduro y con el que consiguen aterrizar del todo la identidad de su proyecto. Y es que en “Energía para regalar” no solo firman su mejor cancionero, sino que parece un devocionario sonoro que nos lleva de ida y vuelta por matices que nos pueden recordar desde Habana Abierta a Augusto Bracho, de Rubén Blades a George Clinton and the Funkadelics, de Vicente García y Alex Cuba a La Mambanegra o Colectro.

Pero, sobre todo, y más allá de matices que nos lleven más a la salsa, a la champeta, el porro o la guacherna, El Caribefunk ha conseguido presentar diez canciones redondas, que sobreviven desde la concepción de la música de autor hasta la mirada más world music. Tanto cuando se ponen más melódicos y abrazables (“No Millonario”, “Canales de un despertar”, “Cuatro elementos”) como cuando suenan a la mejor versión de Carlos Vives (“Telón”) o cuando, literalmente, regalan energía frenética y funky (“La vida no es na’”, “La musa del Caribefunk”, “En Silencio”); El Caribefunk parecen haber encontrado la identidad de la música caribeña, que no pertenece a un solo lugar: sino a quienes saben escuchar en donde pisan.

Alan Queipo

Siti Muharam - Siti of Unguja (Romance Revolution of Zanzibar)’ (On The Corner, 2020)

Thu, 09 Jul 2020 17:38:42 +0200

Siti binti Saad nació en 1890 en Fumba, un pequeño pueblo de pescadores del archipiélago de Zanzíbar. En los años 30 del siglo pasado se convirtió en la gran leyenda del taarab, una música fascinante que mezcla referencias del este de África y la India, entre otras regiones. Más allá de su enorme talento, su figura fue importante porque dio voz a las mujeres en un género que siempre había estado dominado por los hombres.

Hoy su bisnieta, Siti Muharam, recupera esta historia y aquellas canciones no sólo como un homenaje a su familiar, sino como una forma de mantener viva la llama de la tradición. El disco es un canto a las mujeres poderosas y a la música libre, esa que es capaz de unir una herencia ancestral con ritmos contemporáneos. “El pasado nos ayudó a encontrar un sonido del futuro, para que una nueva generación pueda imprimir su ritmo mientras mantiene el método”, dice en la nota de prensa.

En ‘Kijiti’, por ejemplo, cuenta la historia tremenda de la violación y asesinato de una mujer joven a través de ritmos que invitan al trance y que recuerdan al blues del desierto de los tuaregs, a los bailes coreografiados de las películas del Bollywood clásico y hasta al raï algeriano.

Siti Muharam se convierte con este trabajo en una de esas transmisoras de la sabiduría popular a través de la palabra y la música, recuperando las desgarradoras y emotivas historias que su bisabuela cantó 100 años antes en swahili. Uno de los grandes discos de este año para los que aún quieran sorprenderse con la música.

José Fajardo

Los Cotopla Boyz - Mamarron, Vol. 1 (Autoeditado, 2020)

Mon, 13 Jul 2020 09:12:07 +0200

Es un rumor que ha corrido como la pólvora durante las últimas semanas por la escena underground en Colombia: el debut de Los Cotopla Boyz ya es uno de los discos más excitantes de 2020. Dicen de ellos que hacen “cumbia millenial”, tienen formación jazzera y en su imagen de promoción se presentan disfrazados de Power Rangers rumberos con Converse a juego. Su obra tritura la chicha peruana junto a bandas tradicionales de música tropical colombianas como Los Corraleros del Majagual y a todo ello le suman bromas alocadas y guiños modernos. Son realmente irresistibles.

“Somos el futuro de la música colombiana. Con cumbia, champeta y ritmos de seis por ocho contamos historias y problemáticas del día a día de un millenial”, dicen ellos. Este original combo surgió en la excitante noche bogotana al calor del escenario del Matik Matik, un local icónico en el barrio de Chapinero donde cada semana actúan bandas del país interesantes y de todos los estilos, desde el punk hasta la canción de autor. Es uno de los puntos de encuentro del hiperactivo circuito en torno a Meridian Brothers y Frente Cumbiero.

Su primer volumen de canciones se aproxima a la música instrumental pero añade ingredientes propios que convierten a su propuesta en algo excitante y nunca antes visto. Cada canción esconde una sorpresa y no hay mejor ejemplo que ese pedazo de himno que es ‘Me malviajé con las galletas’, una champeta lisérgica ideal para bailar a altas horas del amanecer con un vasito de aguardiente en la mano y con guiño incluido a la campaña electoral de Colombia en 2018. “Es un viaje alucinógeno y desilusionado con la democracia”, explican sus autores. Y, como dicen ellos: ¡que nunca muera la fiesta!

Jose Fajardo

1915 – Los Años Futuros (Autoeditado, 2020)

Mon, 13 Jul 2020 17:07:53 +0200

Sabemos que 2020 no va a ser un buen año; pero tampoco fue gran cosa 1915, en su momento: un año en el que la Primera Guerra Mundial hacía estragos; Italia sufría un terremoto en los primeros días del año; el sufragio femenino es rechazado en Estados Unidos; el genocidio armenio por parte de Turquía era imparable… Es normal que, en una situación como la actual o la que se vivió en aquel año de principios del siglo pasado, se pensase en una manera de proyectar en los años venideros, con el conocimiento y la consciencia plena del momento en el que se vive.

Eso es precisamente lo que parecen buscar los argentinos 1915 en su tercer disco: aterrizar una propuesta que siempre tuvo la intención de recuperar ciertos matices del pop-rock argentino de los años ’80 con la consciencia de que son una banda de 2020. Sus dos primeros discos hacían una bajada de línea conceptual por querer apelar a lo dual, “a lo vintage y lo cual, lo analógico y lo digital”, como hacían en una suerte de manifiesto. Lo conseguían, sí; pero faltaba la determinación de las canciones y la sensación de que habían encontrado realmente su identidad. En su tercer disco, lo consiguen.

Tanto cuando parecen encontrar quórum entre Charly García y los Klaxons (“Extranjero”) como cuando recuperan el espíritu del Gustavo Cerati de “Amor Amarillo” (“Los años futuros”), cuando se ponen guerreros en una suerte de puente entre Pescado Rabioso y Usted señálemelo (“No les creo”), cuando se acercan a las melodías de Ale Sergi con una sonoridad a lo Morcheeba (“Éxtasis”), cuando suenan como una new wave argentina de los ’80 aplicada al siglo XXI, de Miguel Mateos a Suéter (“Llamando”) o cuando basculan alrededor del falsete de Spinetta para jugar al indie-dance posmoderno (“Omm”), da la sensación de que 1915 han encontrado su año ideal: el de los recuerdos del futuro.

Alan Queipo

El David Aguilar – Reciente (Universal Music México, 2020)

Thu, 16 Jul 2020 17:07:49 +0200

No todas son canciones recientes, aunque su título clame lo contrario. No hay un concepto que agrupe las canciones. Un tercio del álbum lo conocimos el año pasado, publicadas las canciones como singles independientes sin saber si aterrizarían agrupadas en un disco. No es un álbum breve: son quince canciones y más de una hora, algo que ningún sello que quiera apelar a lo comercial le va a recomendar a un artista de pop. No hay un productor que haya trabajado unitariamente para dar equilibrio sonoro. No es un álbum al uso: es, en palabras del propio artista mexicano, “un anti-álbum”. Pero el repertorio de “Reciente” es imperecedero, universal, luminoso, necesario, incandescente: el cancionismo de las cosas.

El David Aguilar es uno de los bastiones de la nueva canción latinoamericana desde hace casi dos décadas. Varios de los artistas iberoamericanos más importantes de los últimos años se lo rifan para colaborar con él (desde Mon Laferte a Jorge Drexler, Natalia Lafourcade, Pala, Benjamín Walker…) y, como demuestra este cancionero, el sinaloense pone de manifiesto su transversalidad a la hora no solo de tratar la canción desde diferentes prismas estilísticos, sino también a la hora de buscar aliados en la producción que llevan a estadios diferentes sus canciones.

En este disco, nombres como los de Campi Campón, Ulises Hadjis, Lucio Mantel, Andrés Landón o Pere George, entre otros, ayudan a convertir este cancionero en algo absolutamente transversal, fuera de géneros y temporalidades. De ahí que haya canciones que sean de 2001 y otras que han nacido en plena pandemia, en la primavera pasada. El David Aguilar las trata con la misma frontalidad y simpleza universal.

Por eso nos encontramos con piezas que se acercan al abrigo sinfónico (“Postal”), canciones con vocación de hit (“Causa perdida” o “Fuego en las alturas”), acercamientos al registro de la MPB (“En el café”, “Cosmomanía” o “Mariposa monarca”), conexión con el pop tropical (“De largo vi pasar tus dedos”), sale a la caza del groove del soul-jazz (“Click de los instantes”), abraza la trova indietrónica (“Sucio cristal” o “Me vas a ver Tijuana”), el sonido del primer Jarabe de Palo (“Agradecer”) o a la canción popular mexicana (“Luces de bengala”). El David Aguilar es todo eso porque siempre es él.

Alan Queipo

Nídia - Não Fales Nela Que A Mentes (Príncipe Discos, 2020)

Thu, 16 Jul 2020 17:24:13 +0200

En la música de Nídia están impresas las inquietudes de una artista consciente de quién es y dónde se encuentra: esta portuguesa creció en Vale da Amoreira (cerca de la costa, al sur de Lisboa), con sangre de Cabo Verde y Guinea-Bisáu, con 14 años se mudó a Burdeos (Francia) y hace un tiempo regresó a la capital portuguesa.

Las percusiones africanas, la escena underground de baile y géneros como el kuduro angoleño, la batida (el sonido de la diáspora africana en Portugal) y el baile sensual de la tarraxinha se mezclan sin prejuicios en sus canciones. Nídia forma parte del sello lisboeta Príncipe Discos, un escaparate ideal para acercarse al circuito subterráneo de productores de la capital portuguesa con nombres como DJ Nigga Fox, Niagara y DJ Firmeza.

Este disco es su trabajo más maduro y contemplativo, en el que la artista deja atrás su alter ego como Nídia Minaj (en honor a la rapera trinitense Nicki Minaj) y experimenta con el hip hop alternativo (en los tres cortes que llevan la palabra “rap” en el título), la escena grime y el techno más inhóspito vía Oneohtrix Point Never. El resultado es una deliciosa masacre sonora, una invitación a bailar en una galaxia habitada por seres superiores.

José Fajardo

Wampi - Mama Eh (Caliéntalo Media, 2020)

Fri, 17 Jul 2020 15:22:23 +0200

“Wampi ah Wampi eh”. En los corrillos que se forman en el malecón de La Habana los jóvenes con sus rudimentarios parlantes corean el grito de guerra de Wampi, la gran esperanza de los sonidos urbanos en Cuba. Fue nuestro colega Rafa G. Escalona del Magazine AM/PM (el medio que mejor está radiografiando la música moderna de la isla) quien primero nos habló de este singular artista, cuya juventud no le impide haber cursado estudios en la academia y haber grabado ya un par de álbumes.

El ragga morffa (también llamado repa) presume de ser “el último género de Cuba”, una aproximación local al reggaetón y el trap con sonidos propios de la isla (timba, rumba) que carga con cierto estigma porque es música que sale de las calles del barrio. Ese es el valor de esta nueva generación de reparteros (como se conoce a los artistas del género): sus canciones capturan la cultura popular, mezclan la jerga adolescente con la estética de la Generación Z y todo ello con una pretensión de sonar para un mundo global.

Son muchos los nombres que ya empiezan a despuntar, desde El Chulo hasta El Kímiko, Wildey o Chocolate MC, pero es Wampi el que más oportunidades tiene de despuntar en el pujante mercado internacional de la música urbana. Su flow es tan pegajoso como una tarde paseando por las bulliciosas calles habaneras, su habilidad para combinar ritmos autóctonos del Caribe con tendencias juveniles y, al fin, su tremebunda carisma le convierten en el nuevo héroe de los chavales cubanos.

José Fajardo

Melero & Tuñón – La Ruta del Opio (Leader Music / Bultaco Discos, 2020)

Fri, 17 Jul 2020 15:04:54 +0200

¿Cuál es el límite de una canción? Quiero decir, ¿cuándo se considera que una canción está terminada, que su cometido es la escucha formal y no que forme parte de una suerte de banda sonora de un momento, de una performance? Ninguna escucha será siempre la misma, del mismo modo que hay canciones y discos con la obligación de mutar, de ser siempre distintas, de evadirse de sí mismas.

A ese juego llevan jugando juntos Daniel Melero y Diego Tuñón; una suerte de Sr. Miyagi y Daniel San, de maestro y pupilo del pop electrónico argentino. Melero es uno de los pioneros en hacer música electrónica (lideró el grupo Los Encargados en los años ’80) y también en el aterrizaje de sonoridades electrónicas en álbumes de corte pop o rock, además de productor y aliado de Soda Stereo, Victoria Mil o Babasonicos. Tuñón es parte de Babasonicos desde hace casi treinta años, uno de los grupos fundamentales para entender el devenir del sonido del pop latinoamericano.

Se conocen desde que Melero tenía 19 y Tuñón 9. Los caminos los han cruzado en varias ocasiones; se produjeron mutuamente, hicieron escena y, desde hace unos años, han comenzado a construir un edificio fantasmal, mutante, líquido, que cuando te das la vuelta cambia de color o de forma: “La ruta del opio”, un álbum que bascula entre el ambient, el minimal, la electrónica neoclásica o el downtempo oscuro, y cuya primera puesta en escena fue el año pasado, en el marco del MUTEK de Buenos Aires.

Ahora, justo en tiempos de oscurantismo y encierro, en una Argentina confinada y que aún no doblega la curva de contagios, aparece este camino por derroteros abstractos, prácticamente mudos, inquietantes, místicos, cambiantes e impredecibles. El álbum a veces se acerca a las variaciones de la música clásica; por momentos juega con la libertad del free jazz; en otros coquetea con la idea de acción sobre el instrumento; en otros incluso se permite licencias líricas (en las canciones de apertura y cierre) para construir una aproximación apocalíptica y narcótica al pop.

“La ruta del opio” resuena como la banda sonora de lo incompleto, de lo que no se puede resolver pero que, sin embargo, ayuda a dar claves. Las de Melero & Tuñón nunca son definitivas, pero otorgan al escuchante (que no oyente) las herramientas y materiales necesarias para que construyan su propia audición.

Alan Queipo

Circo - Adiós, hola (La Buena Fortuna / Sony, 2020)

Tue, 21 Jul 2020 16:33:43 +0200

En la revolución que se está produciendo desde el subsuelo de la nueva música en Puerto Rico, donde una pujante escena alternativa se esfuerza por sobrevivir a pesar de las circunstancias (la pandemia, la crisis económica, los desastres naturales, la corrupción política) y en contra de las modas (el éxito global del trap latino que abandera Bad Bunny les ha desplazado a un segundo plano), la figura de ‘Fofé’ Abreu juega un papel esencial como referente y guía para las nuevas generaciones.

Icono del rock boricua en su papel de cantante y líder de bandas como Fofé y Los Fetiches y El Manjar de Los Dioses, este inclasificable artista ha resucitado su proyecto de culto CIRCO tras 13 años en silencio. Esta formación funciona más allá de las etiquetas, tan pronto se decanta por las guitarras psicodélicas en la onda de los mexicanos Zoé (y antes Caifanes, con los que comparten el gusto por las letras misteriosas y las melodías enrevesadas) que recuperan la Movida madrileña vía Mecano o el pop barroco a lo Queen.

‘Fofé’ es el centro de este proyecto, personaje genial y excesivo, un artista que tiene algo del Bunbury circa Héroes del Silencio pero también del Javier Gurruchaga guasón y libertino de la Orquesta Mondragón. Sus gustos musicales van desde el pop sentimental de los 80 hasta la new wave y la experimentación sonora. Este disco es sólo una muestra del fulgor que ahora mismo irradia la escena alternativa en Puerto Rico.

José Fajardo

Silvana Estrada & Charlie Hunter – Lo Sagrado (Autoeditado, 2017-2020)

Fri, 24 Jul 2020 07:54:04 +0200

En 2016, Silvana Estrada todavía no era la artista globalmente contrastada que es hoy en día; pero ya se veía la magia en su voz, en su mirada, en su manera de articular un cancionero llamado a convertirse en clásico desde la primera nota. Eso es lo que vio Charlie Hunter cuando la conoció en un seminario de jazz en Guadalajara: magia sin efectos especiales.

La vio tocando con sus compañeros de ‘ensamble’ Álex y Octavio, casi tan jóvenes como ella, sin ser del todo conscientes de que uno de los músicos de jazz más prestigiosos de las últimas décadas (no solo como líder de su propio proyecto, sino también junto a John Mayer, Frank Ocean, D’Angelo o Snarky Puppy, entre otros) los vio actuar en las calles de Guadalajara y tuvo un flechazo. Ese flechazo se tradujo en una llamada de Hunter a Estrada proponiendo grabar un disco juntos, con algunas de las primeras composiciones de una Silvana Estrada que comenzaba a identificar su propia voz.

Eso es lo que se proyecta en “Lo sagrado”, un álbum grabado en aquel mismo 2016, en la casa donde viven los padres de la mexicana, prestigiosos luthieres, en las profundidades de Veracruz. Ese entorno doméstico se convirtió en un estudio de grabación en donde se cuelan sonidos de campo y en donde las segundas o terceras tomas de las canciones quedarían grabadas para la posteridad de un disco que, aunque se publicó entonces, luego se retiró de las plataformas.

Tras encontrar los recovecos legales para recuperar esta grabación, ahora “Lo sagrado” vuelve a estar disponible, ya reconvertido en un álbum de culto, repleto de magia y misterio; y en donde se percibe la identidad de una Silvana Estrada que, con solo 19 años, proyectaba en su cancionero una clara devoción por la canción popular latinoamericana (la de Chabuca Granda, Chavela Vargas, Violeta Parra o Mercedes Sosa), a la vez que descubría su voz en el sonido del cuatro venezolano; pero también su inevitable conexión con esa suerte de ensamble jazz doméstico y posfolclórico, que tanto Charlie Hunter como Álex y Octavio consiguen proyectar.

Lo mejor de “Lo sagrado” no es solo esa sensación de estar ante un repertorio magistral en voz de un prodigio de la nueva canción como Silvana Estrada (que también); sino que es un ÁLBUM, así, con mayúsculas: no hay hits que sobresalgan, ni tratamientos especialmente diferentes entre las canciones. Todas transmiten un conglomerado de folk-jazz, repleto de una personalidad absolutamente inédita. Sí es cierto que canciones como “Lo sagrado”, “El agua y la miel”, “Los días” o “La despedida” se erigen como aproximaciones a la idea de single; pero este disco, recuperado de las catacumbas de la bitácora virtual, está llamado a ser un puntal para descubrir los puntos ciegos entre la canción folclórica y el jazz moderno.

Alan Queipo

Pantrö Puto y Los Sueños Raros - Pantrö Puto y Los Sueños Raros (El Castillo Discos, 2020)

Fri, 24 Jul 2020 09:35:21 +0200

Sucede a veces que uno debe alejarse de su entorno para poder expresarse con autenticidad. Es lo que le ha sucedido a Manuel Sánchez Viamonte, guitarrista de la banda de rock psicodélico argentina Él Mató A Un Policía Motorizado, quien acaba de lanzar su proyecto en solitario. En Pantrö Puto y Los Sueños Raros explora una faceta nueva, la del crooner, más cercano al sonido de Bonnie ‘Prince’ Billy que al de su propio grupo.

En realidad podría decirse que estas canciones son una versión lenta de la música de Él Mató, pues persiste el gusto por las melodías y ciertas incursiones en lo lisérgico. Pero no hay duda de que el guitarrista (que debuta como cantante y letrista) tiene la mirada puesta en el folk de los Apalaches, en la canción de autor de culto vía Leonard Cohen, en las historias introspectivas cantadas con voz grave y arreglos delicados.

Si al grupo liderado por Santiago Motorizado siempre se les ha comparado con los indies españoles Los Planetas, Pantrö Puto menciona a Timber Timbre como una influencia importante, pero también resuenan aquí ecos de Bill Callahan. El single ‘Ow ow’ es una buena muestra de hasta dónde puede llegar este proyecto (y también, de sus limitaciones): tiene buen ojo para las melodías pausadas y los estribillos pegadizos, pero quizá se eche de menos algo que sorprenda, un giro de guion que no llega.

José Fajardo

dani – veinte (El Volcán, 2020)

Fri, 24 Jul 2020 08:13:55 +0200

Si nos lo dicen hace diez o quince años, nos hubiésemos partido la cara delante de quien nos lo dijese: artistas que han formado parte de talent shows musicales, llamadas a ser succionadas por la maquinaria del show business musical para luego, cuando comenzasen a flaquear sus cifras, quedar para siempre relegadas a la categoría de ‘triunfitos’ o similares; han conseguido conquistar otros territorios, como el del respeto y la inclusión en el ecosistema de la música alternativa.

Casos ha habido muchos; quizá los más sonados, los de las ex Operación Triunfo: Amaia Romero (que se quitó a Refree de encima y decidió hacer su disco junto al líder de la banda indie argentina Él mató a un policía motorizado y presentarlo en festivales de corte indie) y Natalia Lacunza (que ha colaborado con Sen Senra, mori, Guitarricadelafuente o mori, y acaba de fichar por Sonido Muchacho). A esta nómina hay que sumar a Daniela Costas, que formó parte de Factor X hace un par de años.

Fue curioso cuando, a finales del 2019, la viguesa (que viene de familia de músicos: es hija de Silvino y Rosa de Aerolíneas Federales; y sobrina de Miguel Costas, ex vocalista de Siniestro Total) comenzó a presentar sus primeros temas bajo la escudería de El Volcán, uno de los sellos más prestigiosos y transversales artísticamente de la música alternativa estatal. Automáticamente, dani (en minúsculas, así tal cual: con mecanografía propia de la Generación Z a la que pertenece) comenzó a encontrar rotación en emisoras como Radio 3 y el circuito indie la acogió bajo sus brazos.

La gallega ha conseguido algo especialmente complicado y transversal en el circuito: estar cerca generacional y estéticamente de una nueva generación de artistas de corte bedroom pop como Mori, Rusowky, Marc Seguí, Rebe, Daniel Daniel, Marcelo Criminal o Sebastián Cortés, entre otrxs; pero, a la vez, también proyectar una herencia que recuerda a Christina Rosenvinge, Kikí d’Akí, La Bien Querida o Single.

Tras varios singles de presentación, todo culmina en “veinte”, un ejercicio de soft pop de aire lánguido con ecos que nos llevan desde Christina Rosenvinge (“Mira” o “Dónde estás”) a una Jeanette post-millennial (“Fui yo”), una Bien Querida cerca de Natasha Bedingfield (“Hoguera existencial”), una reggaetonera indietrónica que presenta su singular candidata a canción del verano (“Si te vas”), una baladista naif (“Cómo solía creer”) o una diva digital tan cerca de la canción melódica como de la lolita neo-indie (“Lágrimas” u “Ojalá”).

Alan Queipo

Tall Juan - Atlántico (Out of The Closet, 2020)

Fri, 24 Jul 2020 09:04:24 +0200

Existe una escena en Nueva York que a través de la diáspora latina está reinventando el movimiento artístico que encumbró a Velvet Underground (entre otras bandas míticas) y Tall Juan es una pieza clave de ese circuito. Amigo del uruguayo Juan Wauters y del estadounidense Mac Demarco (quien le ayudó a producir su anterior disco), este argentino es una de las personalidades más libres de la música contemporánea.

En ‘Olden goldies’ (2017) rindió homenaje a su pasión por el punk-pop primigenio en la onda de Ramones (las canciones cortas e incisivas como un martillazo, las melodías pegadizas, esa forma de cantar que se estira como un chicle de fresa ácida), el año pasado rindió homenaje a sus orígenes dedicando un par de temas a la cumbia villera que suena en los barrios populares de Argentina y ahora entrega unas canciones que conectan Estados Unidos con América Latina y África a través del Atlántico.

La ambición del proyecto, lejos de arrastrarle al naufragio, encumbra a un artista imprevisible, siempre pensando en la reinvención, que se mueve en los mismos códigos que su colega Juan Wauters o Helado Negro (esas canciones íntimas y aparentemente tan sencillas que funcionan como postales de la migración), pero también recuerda a personajes del psych garage anglosajón como Ariel Pink y Ty Segall. Una genial rareza.

José Fajardo

Las Áñez - Reflexión (Autoeditado, 2020)

Fri, 24 Jul 2020 09:20:39 +0200

Juanita y Valentina son Los Áñez, dos hermanas gemelas de Bogotá que encabezan una escena invisible en medio de la explosión de la música colombiana en los últimos años. Ajeno a la tendencia dominante del reggaetón y los sonidos urbanos y a otros ritmos con proyección internacional como la electro cumbia, este dúo hunde sus raíces en la tradición de la canción de autor pero supera cualquier etiqueta por su ansia experimental.

No hay palabras para definir todos los recursos vocales de Las Áñez, quienes usan sus voces como un instrumento más. En directo van armadas con pedales de loop con los que crean ecos sonoros junto a pequeños instrumentos (teclados, percusiones). Este disco es un buen ejemplo de su habilidad para acercarse (y llevarse a su terreno) a distintos géneros: ahí está su poderosa versión de la canción protesta en ‘En la lucha’.

Lo que convierte su propuesta en algo tan especial es que no sólo brilla su apartado sonoro sino que sus letras están cargadas de detalles ocultos, de guiños poéticos y juegos de palabras enrevesados, como demuestran en sus colaboraciones con el argentino Kevin Johansen o El Tuyero Ilustrado, un grupo venezolano de joropo (el género tradicional de los llanos, que ellos tocan con un cuatro y maracas).

José Fajardo

Lola Membrillo – Parda (Autoeditado, 2020)

Fri, 24 Jul 2020 08:22:36 +0200

Hace seis meses, el mundo en el que vivíamos era muy diferente al actual. En aquel, Dolores Aguirre, más conocida por ser una de las mitades de las argentinas Perotá Chingó, viajó en pleno verano argento a Agua de Oro, una localidad turística que forma parte del municipio del departamento de Colón, en la provincia de Córdoba, en las faldas orientales de la Sierra Chica. Allí no solo se encontró con su amigo, músico y productor Ezequiel Borra en un espacio diáfano en el que cohabitan instrumentos, colchones, un ordenador, una silla y un par de micrófonos.

Allí es donde Dolores Aguirre decidió que lo de Lola Membrillo no sería solo un buen nombre de usuario para sus redes sociales o un apelativo que utilizar para algunas colaboraciones puntuales en paralelo a su trabajo en Perotá Chingó; sino que allí, sentada en la silla de Borra, con un micrófono apuntándole a la boca y otro a su guitarra criolla, iniciaría un parto en crudo, sin epidurales.

Ese parto se llama ahora “Parda”, un debut mínimo de seis canciones y quince minutos, que curiosamente no sabe a poco. Lola Membrillo consigue traspasar la coraza de las superproducciones contemporáneas (incluido “Muta”, el ambicioso y bellísimo último disco de Perotá Chingó, publicado hace menos de un año), en favor de volver a las bases: discos que parecen conciertos domésticos, susurros al oído, que nos trasladan a referencias como aquel concierto de Vinícius de Moraes, Maria Creuza y Toquinho en La Fusa marplatense cincuenta años atrás.

Ese universo, pero en soledad, es el que se proyecta en estas seis canciones. Se bascula a través de la bossa nova de corte folk (“Alturas confusas”), se acerca al neosoul que suena a madera, a medio camino entre Lianne La Havas y Corinne Bailey Rae (“Pasajeros” o “Sur marino”), juega con las energías de la guitarra instrumental más incidental (“Sampa”), proyecta canciones de una frontalidad repleta de sensualidad y verdad (“Tu casa”) y hasta se lanza al experimento lo-fi y antifolk a lo Moldy Peaches (“Dónde estás Tai”). Buenas noticias para los amantes de las canciones que son abrigos: Lola Membrillo ya está aquí.

Alan Queipo

Jup do Bairro – CORPO SEM JUÍZO (Autoeditado, 2020)

Fri, 24 Jul 2020 08:38:19 +0200

Hay álbumes y canciones llamadas a ocupar la agenda social. No son mejores ni peores, pero lo que sí que son es necesarios. En ese catálogo de álbumes-manifiesto nos encontramos con “CORPO SEM JUÍZO”, el flamante debut de la artista y activista trans brasileña Jup do Bairro, una suerte de mujer del neo-renacimiento: educadora, estilista, performer, dj, productora de eventos, corista, presentadora de televisión y, por supuesto, uno de los altavoces más necesarios a la hora de romper con binarismos y pautar narrativas que trasciendan los cuerpos.

Precisamente esto último es lo que articula el discurso de su álbum debut. Y es que Jup do Bairro, como ella misma afirma, utiliza su cuerpo, “el de una travesti gorda, negra y periférica”, que se coloca en el centro de una batalla social acerca de los estándares de cómo tienen que ser los cuerpos, las estéticas y los géneros en un país como el suyo, Brasil, en el que las minorías, y concretamente el colectivo LGTBIQ+, ha tenido que volver a alzar la voz para romper con el discurso de odio y caciquismo de Jair Bolsonaro.

No es que haya explícitamente un mensaje político en “CORPO SEM JUÍZO”, pero Jup do Bairro nos presenta una suerte de tesis-manifiesto sonoro en el que todo gira en torno a la liberación de los cuerpos. Lo hace junto con otras figuras del activismo LGTBIQ+, como referentes del trans-pop brasileño como Deize Tigrona o su compañerx Linn da Quebrada (con quien presenta un programa de televisión, pero a quien también acompaña habitualmente en directo como corista), con iconos del queer rap como Rico Dalasam; con referentes de la cultura brasileña con mayor conciencia social, como la escritora Conceição Evaristo; e incluso utilizando un audio de Theusa Pasarelli, una joven estudiante de Río de Janeiro que se dedicaba a “problematizar cuerpos extraños”, y que fue asesinada en 2018.

Lo que la artista paulista consigue en este debut es crear una narrativa repleta de conciencia y liberación, articulada a través de estas voces que la secundan, de su propia experiencia desde un cuerpo constantemente juzgado, y en un momento sociopolítico especialmente delicado y problemático. Y lo hace con un sonido que nos remite a referentes que van desde M.I.A. y Santigold a Peaches o Tune-Yards. Especialmente recomendables su acercamiento al sonido rock de Elza Soares en “PELO AMOR DE DEIZE”, su manifiesto after-rap “LUTA POR MIM” y su resignificación del “ALL YOU NEED IS LOVE” en esa suerte de favela-funk hipersexual, ultrabailonga y manifiestamente necesaria.

Alan Queipo

LADAMA – Oye Mujer (Six Degrees Records, 2020)

Mon, 10 Aug 2020 13:16:31 +0200

Más cerca de la idea de colectivo que de banda al uso, LADAMA es un curioso experimento polifónico y babélico: una venezolana (Mafer Bandola), una brasileña (Lara Klaus), una colombiana (Daniela Serna) y una estadounidense de origen latino (Sara Lucas).

Todas ellas consiguen articular un sonido que nos lleva parcialmente a cada una de las tradiciones musicales de sus países de origen, pero filtradas por un conocimiento instrumental casi de conservatorio y de formación clásica, cierto; pero en LADAMA hay un trasfondo muy presente que llama al empoderamiento femenino y feminista y a conquistar los espacios comunes que existe entre las músicas cultas y el despendole del folclore latino.

Los aliados de LADAMA (por un lado, el neoyorquino Pat Swoboda, miembro del trío de piano neoclásico Bearthoven; por otro lado, el brasileño Kassin, productor de Caetano Veloso, Bebel Gilberto o Jorge Ben, entre otros) ponen de manifiesto esa singular doble-cara que posee el cuarteto. Y es que, si bien se cae en cierta frialdad técnica, propia de músicos especialmente bien formados y perfeccionistas, es ahí donde LADAMA adquiere mayor personalidad: sin caer en el despendole habitual de conjuntos de músicas latinas.

De ahí que en “Oye Mujer”, una suerte de álbum con aire de manifiesto feminista y empoderador, se animen a acercarse al sonido del rock progresivo (“Mar Rojo”), a la vez que coquetean con la reggaetrónica (“Misterio”) o la bossa nova en inglés (“Solar Wind”). Sin embargo, es en las canciones en donde se identifica claramente esa mezcla de razas, la de la música tradicional latinoamericana allanada por artistas de formación clásica (en “Underground”, “Nobreza”, “Cada uno” o “Inmigrante”, por ejemplo); o cuando se insinúan a géneros como la canción melódica (“Haverá de ser”, “María” o “Tierra Tiembla”).

Tei Shi - Die 4 Ur Love (Diktator Records, 2020)

Mon, 10 Aug 2020 13:48:52 +0200

Tei Shi ocupa un lugar extraño en la diáspora de mujeres colombianas que se dedican a la música. Su ascendencia canadiense pesa más que sus orígenes latinos, de los que apenas hay referencias en sus canciones: en toda su discografía desde que empezó a publicar en 2013 no hay más de un puñado de temas en los que use el español, pese a que su anterior álbum se llamaba ‘La Linda’ (2019).

Sus años en Nueva York y su actual residencia en Los Ángeles han ido moldeando su sonido, que bebe de influencias modernas del r&b (ha trabajado con Blood Orange, junto a quien tenía previsto hacer una gira este año) y del pop clásico con aspiraciones mainstream y orientación hacia la pista de baile. Ella cita a iconos del siglo pasado como Madonna y Gwen Stefani pero en su obra hay una pretensión de capturar el ritmo del presente.

Lo consigue, al menos desde un punto de vista conceptual, con este EP que escribió en enero y ha grabado estos últimos meses en su casa encerrada por la cuarentena, usando herramientas como Zoom para comunicarse con algunos colaboradores. Las cinco canciones hablan de desesperación y rabia, las que Valerie Teicher (su verdadero nombre) sentía a principios de este año tras una mala experiencia con su anterior sello.

La autora ha confesado que su idea inicial era llamar al EP ‘Apocalipsis’ pero lo cambió cuando estalló la crisis sanitaria global. Como respuesta a esas letras cargadas de frustración se abre paso un sonido luminoso que invita a olvidar las penas en la discoteca. Llorar bailando parece ser el concepto de este trabajo que no alcanza su cima creativa pero sirve para reivindicar a una de las artistas más prometedoras del nuevo pop, poseedora de una voz virtuosa, ritmos sofisticados y un encomiable espíritu DIY.

José Fajardo

Los Cogelones - Hijos del Sol (Piccolo Records, 2020)

Mon, 17 Aug 2020 13:49:08 +0200

La historia de Los Cogelones es la de Nezahualcóyotl (conocida como Ciudad Neza), una de los metrópolis con menos recursos e índices más altos de inseguridad en México, situada a las faldas de la capital. Estos cuatro hermanos, originarios de la colonia de El Sol (de ahí el título de este disco), comenzaron a hacer música hace más de una década con la única pretensión de tocar versiones de clásicos del rock y beber cerveza inspirados en ídolos locales como el recientemente fallecido Charlie Monttana.

Hasta que un buen día decidieron dar un giro a su proyecto: motivados por la herencia de sus antepasados indígenas, consagraron su arte como una forma de conectar con esa espiritualidad milenaria. En sus directos practican rituales y danzas, mezclan guitarras eléctricas y la furia del punk con instrumentos tradicionales como el huéhuetl, una especie de tambor con forma de tubo que empleaban los mayas.

“Nosotros no somos mexicas (no nacimos en una comunidad indígena), pero crecimos en un pueblo donde se vive igual: hay carencias, hay sed, hay hambre”, explican. Aunque este es su debut en formato disco, hace tiempo que sus canciones son los himnos de la juventud rebelde mexicana. Temas como ‘Hijos de puta’ desprenden la rabia de los invisibles. En directo, donde colaboran con la artista Dalia Xiuhcoat, ofrecen una experiencia alucinante.

José Fajardo

Branko Presents - Enchufada Na Zona Vol. 2 (Enchufada, 2020)

Mon, 17 Aug 2020 13:56:17 +0200

Si quisiera, hace tiempo que Branko podría ser el nuevo Diplo, el gurú de las tendencias, siempre atento al próximo sonido de moda. Pero la realidad es que Branko no quiere parecerse a nadie. Tras marcar una época (y adelantarse a estos nuevos tiempos de fusión global y recuperación de las tradiciones) con el combo luso-angoleño Buraka Som Sistema, desde hace años viene adelantándose al futuro desde su programa de radio en la NTS londinense ‘Enchufada Na Zona’.

Desde su base en el underground de Lisboa en 2017 sacó el primer recopilatorio con la música que fue descubriendo, sonidos contagiosos y siempre sorprendentes desde Portugal, Brasil, Ghana, Sudáfrica, Ghana y el Reino Unido, entre otros rincones. Este segundo volumen, grabado desde estudios caseros durante la pandemia por artistas afines de todo el mundo, dibuja cómo serán los clubes de baile que están por venir.

Desde el dúo de electro cumbias peruano Dengue Dengue Dengue hasta el joven productor lisboeta Vanyfox, especializado en kuduro, afro-house, tarraxo y kizomba, pasando por PEDRO y Dino d’Santiago (dos de los grandes talentos de la efervescente nueva escena de la capital portuguesa), el combo Lua Preta, con sangre de Polonia y Angola, o los visionarios ritmos de Gaffaci desde Ghana. El álbum es un canto a la conexión y a la diversidad frente al aislamiento impuesto en las sociedades contemporáneas.

José Fajardo

El Shirota – Tiempos Raros (Devil in the Woods, 2020)

Mon, 24 Aug 2020 08:42:22 +0200

El desencanto se siente especialmente a gusto cuando lo que se ve por la ventana es una suerte de apocalipsis. Eso es lo que parece que veían desde su local de ensayo El Shirota estos últimos años; y eso es lo que vemos toda la humanidad desde nuestros sofás este año. Es curioso que el largo camino (siete años y tres EPs mediante) del cuarteto mexicano hasta la publicación de su debut coincida en un 2020 plagado de incertidumbres, de desasosiego, de ansiedad y de pesadumbre.

Coincidencia o no, con toda la carga melancólica y nostálgica que nos remite a un contexto sonoro más en conexión con los años ’90 de Sonic Youth, Lush o Slowdive que con los 2020 del imperio del reggaetón y los ritmos urbanos; la isla en la que habita El Shirota es también un espacio en donde los sonidos de la urbe de Ciudad de México parece encontrar representación.

Y es que en este cóctel de noise, psicodelia pesada, rock negro, post-punk anárquico, jazz-rock de líneas absolutamente abiertas, zapadas viscosas y medios tiempos grunge-core, los mexicanos parecen traducir el lenguaje de los tamales a pie de calle, el humo de los autobuses, la violenta tensión del día a día en la capital mexicana.

De ahí que tanto cuando deciden estar en silencio (“El Chirota”) como cuando firman hits de casi siete minutos tan cerca de Mudhoney como de Attaque 77 (“No sé todo”); cuando son especialmente urgentes y crípticos (“AtorihS LE”) como cuando deciden buscar sin el objetivo de encontrar (los más de doce minutos de “RTL”); cuando ponen BSO al adictivo desencanto de la vida urbana (“La Ciudad”) como cuando se saben embajadores mexicanos de la querencia de Él mató a un policía motorizado (“Más de una vez”); cuando firman un medio tiempo viscoso (“A donde voy”) como un punk costra (“El Bob Rosendo”); siempre, pero siempre, consiguen proyectar una personalidad tan arrolladora como los matices de su sonido: ese humo negro que no respiras, pero que te empuja como si se tratase de un pogo, un mosh o un slam en tu tugurio favorito.

Alan Queipo

Meridian Brothers – Cumbia siglo XXI (Bongo Joe, 2020)

Mon, 24 Aug 2020 09:02:57 +0200

Puede que muchos solo lo perciban como un renovador de ritmos tropicales tradicionales; pero, en realidad, Eblis Álvarez es el líder de una cruzada absolutamente necesaria: romper con la estandarización de la música que ha impuesto el sistema capitalista en los últimos cincuenta años, con la instauración de las bases de la música pop y, por extensión, al resto de ritmos y músicas, incluidas las más raizales.

Esta cruzada la ha proyectado en sus múltiples proyectos y producciones, pero, especialmente, en su banda máter: Meridian Brothers, absoluto icono de la mal llamada cumbia de vanguardia, colindando la peor llamada etiqueta de ‘world music’. Sobre la ruptura con los estándares que imponen los imaginarios de estos (y el resto de) géneros, la “Cumbia siglo XXI” que nos presenta ahora es, posiblemente, no solo uno de los mejores álbumes del combo colombiano, sino de los más importantes: es un manifiesto sonoro (con imperativos teóricos casi de tesina) que intenta arrojar luz sobre las posibilidades que la cumbia, en plena post-posmodernidad, consigan emanciparse de todo tipo de estándares y estereotipos de género.

Rompiendo con los binarismos rítmicos, con las afinaciones y volúmenes formales, con la tolerancia contemporánea a la idea de álbum y de canción por encima de los estándares de tiempo a los que nos hemos acostumbrado; Álvarez ha querido jugar a un juego al que jugaron en los años ’80 proyectos como Cumbia Siglo XX, Grupo Folclórico o 2000 Voltios: el de convertir la cumbia más en una idea líquida que en un género formal.

En aquel entonces, ritmos como el funk, el rock o las primeras cadencias urbanas dialogaban con la cumbia de hace cuatro décadas. En esta “Cumbia siglo XXI”, Meridian Brothers hacen un experimento similar, pero con tics de esta época: guitarras, sintetizadores, software algorítmico, música urbana, fallos de sistema palabrotas, jergas transversales y hasta homenajes-parodia (como el de “Cumbia del Pichamán”, una versión libre de la mítica “Son of a Preacher Man”).

El resultado es el de un álbum inclasificable, llamado a ser un álbum anti-dogmático con la idea de género, convirtiendo las etiquetas y géneros en ideas que moldear en múltiples direcciones: un álbum que es, a la vez, libre y esclavo de la idea de libertad; pero que suena tan cerca de la vanguardia artística como de los populares picós; tan cerca del sarcasmo encendido como de la canción protesta camuflada; tan cerca de la discoteca latina de extrarradio como del museo; tan cerca de la colectividad como del hiperindividualismo.

Cazzu – Una niña inútil (Universal Music Latino, 2020)

Mon, 31 Aug 2020 09:08:36 +0200

A Cazzu se le ha quedado pequeño el trap, y gran parte de su universo. Un universo con unas dependencias a nivel registro que la considerada “Jefa del Trap” ya había conseguido con ejercicios anteriores; pero también a nivel mensajes, donde lamentablemente, hay ciertos tics que es difícil de despegar a nivel discurso: ego, sexo, drogas, hedonismo, nocturnidad y alevosía.

Afortunadamente, una de las figuras más relevantes del género en castellano ha decidido que, aprovechando estas semanas de encierro, también era un buen momento para aprovechar y mirar hacia adentro. Hacia adentro de su casa y de su habitación, pero también de su propio registro, de su alma artística y de la genética de su proyecto.

Y desde ahí, conectada en la distancia con una corte de productores españoles ilustres (Lex Luthorz -mano derecha habitual de artistas como Rels B-, Choclock -uno de los referentes del r&b canario junto a Cruz Cafuné- y Dano -desde hace más de una década, cuando militaba en Acqua Toffana, uno de los iconos de las conexiones entre el rap madrileño underground y las músicas negras-), pero también encontrando un punto de apoyo conceptual y feminista en la obra literaria de la icónica poetisa suiza-argentina Alfonsina Storni.

Sin pretender trazar conexiones veladas entre la música urbana y la literatura de finales del siglo XIX y principios del XX, sí que Cazzu abre un canal que invite a la juventud del siglo XXI a interesarse por la literatura y por las bases del movimiento feminista. Lo hace resignificando títulos de poemas de Storni en, ahora, títulos de canciones de r&b contemporáneo. Hasta el título del álbum está inspirado en unos diarios de Alfonsina. Ahora, esos diarios son los de la intimidad y la sensualidad de una mujer de 26 en plena pandemia mundial.

Reiniciando la imagen de emo-trapera que impuso su exitoso “Error 93” y la bola extra de tres canciones más cerca de ritmos latinos “Bonus Trap” de hace tan solo unos meses; Cazzu firma su repertorio más sensual, meloso, melódico y cadencioso en esta “Una niña inútil”. Un álbum más cerca del registro de artistas del perfil de Kali Uchis, Nicki Nicole, Sabrina Claudio o Ama Lou que de sus otrora compañeros de circuito, como Duki, Khea o Neo Pistea. Basculando entre el r&b, los ritmos 808, el neosoul o el pop negro más sexy y sinuoso.

Así lo demuestran colaboraciones con su compatriota Chita (una de las referentes del r&b argentino actual) o con el mentado artista canario Choclock. Pero no es en las colaboraciones, sino en “Miedo” o “Canción de la mujer astuta” donde Cazzu demuestra que, se acerque al registro que se acerque, es capaz de ser la mejor en el ámbito que decida.

Alan Queipo

Cerrero & El León Pardo - Canción para un amigo (Llorona Records, 2020)

Mon, 31 Aug 2020 09:19:56 +0200

Hace ya tiempo que una nueva cumbia resuena en Colombia. Tras la explosión de una contagiosa corriente electrónica (bautizada como electro cumbia) hace más de una década (circa la irrupción de Bomba Estéreo con ‘Fuego’ en 2008) y su posterior salto al mainstream indie global, ahora han comenzado a aparecer propuestas que trasladan esa escena a otros universos, en especial, el de la psicodelia. Dentro de este nuevo circuito, que podríamos bautizar como de cumbias ácidas, el productor bogotano Cerrero ejerce como agitador, cabeza pensante y nexo entre las distintas regiones de un país tan diverso como fascinante.

Diego Gómez (el hombre detrás de Cerrero) es, al mismo tiempo, capo del sello Llorona Records (donde integra con finísimo olfato a formaciones legendarias del Caribe como Los Gaiteros de San Jacinto con las nuevas estrellas periféricas de un país al que le cuesta mirar más allá de la capital, como el isleño Elkin Robinson) y del laboratorio creativo recién estrenado Discos Pacífico (una herramienta con fondos de la cooperación internacional para redescubrir la riqueza musical de la costa pacífica colombiana). En su faceta como productor mezcla con virguería esos dos universos -la tradición y la modernidad- a través de alianzas junto a Mitú, Nicola Cruz o Los Gaiteros de Ovejas.

En el caso que nos ocupa, este EP de cuatro temas recién salido del siempre apetecible horno de Llorona Records, propone un diálogo junto a El León Pardo, quien precisamente debutó en 2018 con el álbum ‘Cumbia ácida’. Son canciones río que llevan al que escucha por un torrente de sonidos, de percusiones que invitan al baile y atmósferas ideales para abandonarse a un estado de trance. Esta es la música que representa ahora mismo a Colombia, un país que quiere mirar al futuro y abrirse al exterior pero que reconoce la herencia de leyendas autóctonas como Abelardo Carbonó, Etelvina Maldonado y Son Palenque.

José Fajardo

EJ Marais – Cuts (La Castanya, 2020)

Fri, 04 Sep 2020 08:27:27 +0200

De todos los viajes por los confines de la realidad virtual y aumentada, el que mejor maneja el joystick de las canciones de una nueva generación de artistas tan cerca de las cavilaciones de las músicas negras como de los árboles de enlaces con otros géneros es EJ Marais. El británico radicado en Barcelona se ha convertido en una suerte de relator entre el bedroom pop, el lounge más sexy, el r&b de acceso neo-indie y la sensualidad de las cosas.

Así llevaba demostrándolo con unos singles previos que servían no solo para que Rosalía agregue alguno de ellos a sus playlist domésticas, sino también para ir inflando un globo que ahora pilla vuelo en “Cuts”, un debut que publica el sello catalán La Castanya y que condensa varias de las tendencias que marcaron la sonoridad del pop estatal de la última década (el pop baleárico, la indietrónica, el bedroom r&b) y de tendencias por venir (responder a esta pregunta: “después del trap, ¿qué?”).

En su debut, producido a pachas junto a Ekhi Lopetegi (otrora ex líder de Delorean) y con colaboraciones de ilustres del circuito como Brian Hernández (socio de El Guincho) o Elsa de Alfonso (lideresa de su propio proyecto y figura de culto en el pop barcelonés), EJ Marais nos lleva de viaje por texturas que recuerdan a los mejores Radiohead (“Discotheque”), la BSO de una peli porno imaginaria (“Glamour Professional”), el primer Daniel Caesar (“Better”), un pop follador que lo hermana con Blanco Palamera (“Smthng About That Style”), un viaje cósmico a tientas entre Ariel Pink y el sonido de los mellow beats de Los Ángeles (“Love.mp3”), un autoenredo en una maraña de autotunes boniverianos (“Cardholder”), una balada para hacer petting que lo hermana con Sen Senra (“Sailor’s Song”) o un after-jazz para mentes de la Generación Z (“Bedroom RnB”).

Ya solo le falta cantar en castellano para encontrar una identidad que lo distancia de los omnipresentes referentes anglos. Poco a poco.

Alan Queipo

Guasá, cununo y marimba: Afro-colombian music from the Pacific Coast (Vampisoul & Palenque Records, 2020)

Fri, 04 Sep 2020 08:51:06 +0200

La riqueza de la música del Pacífico colombiano sólo es comparable al ostracismo que ha sufrido durante décadas. Los gerifaltes de la cultura nacional han preferido centrarse en Bogotá y en las tradiciones dominantes en torno a la cumbia caribeña. Ese error histórico comienza a enmendarse gracias a la labor de sellos independientes (hace poco hablamos aquí de Discos Pacífico), festivales como Petronio Álvarez en Cali y Detonante en Quibdó, una talentosa generación de artistas locales y algunos melómanos enamorados de ritmos como la chirimía, el currulao, el tamborito, el abozao, el bambuco y los alabaos, entre un sinfín de sonidos que se extienden desde el sur en la frontera con Ecuador y el norte, junto a Panamá.

Este recopilatorio surge gracias al empeño de dos personas por reivindicar estas tradiciones y evitar que desaparezcan (algunas composiciones se han transmitido de generación en generación sin jamás ser grabadas): el bogotano Lucas Silva, el capo de Palenque Records (un sello especializado en ritmos periféricos como la champeta, que muchas veces cargan con un estigma desde la visión de las élites), y el canadiense Philippe Nöel, un apasionado de la música tropical con su proyecto Canicule Tropicale. Ambos llevan tiempo explorando la riqueza sonora de esta comunidad negra del Pacífico colombiano, que sufre el olvido del Estado, y que bebe de las influencias de las comunidades indígenas y de las músicas procedentes de Cuba y otras regiones del Caribe.

En esta labor de arqueología recuperan bandas y cantantes desde finales de los 70 hasta casi la actualidad: La Contundencia, Los Trovadores del Pacífico, Buscajá, Gertrudis Bonilla, Peregoyo y Su Combo Vacaná, Julián y Su Combo o Chencho Trompeta y Los Brujos del Folklore, por citar algunos. El álbum ofrece una panorámica diversa y desacomplejada sobre este fascinante universo al son de instrumentos autóctonos como la marimba (un objeto sagrado, construido con madera de chonta, cuyos sonidos recuerdan a los del agua al caer), el guasá (un sonajero muy popular en el litoral del Pacífico sur) y el cununo (un instrumento de percusión al que comparan, por su potencia, con el sonido del trueno).

José Fajardo

Juan Galeano – Acabadabra (Autoeditado, 2020)

Mon, 07 Sep 2020 10:32:17 +0200

Aunque el sonido de Diamante Eléctrico, uno de los referentes de ese rock colombiano con tanta vocación por formar parte del ecosistema alternativo como del mainstream, siempre ha conectado con ritmos como los del funk o el soul, su principal compositor y frontman, Juan Galeano, decidió justo unos días antes del confinamiento global, que era buen momento para retomar una faceta en solitario que había dejado aparcada desde que centrase todos los tiros en Diamante Eléctrico.

¿Qué busca Galeano en solitario que no pueda plasmar en un grupo que ha conseguido ya tres Grammy Latinos, telonear a grupos como The Rolling Stones o Foo Fighters y que goza de una popularidad y una expansión evidente? Probablemente, retomar algunos tics que el colombiano proyectaba en sus primeros trabajos, mucho más cerca de un sonido ‘de autor’, sin buscar la descarga groove-rockera de Diamante Eléctrico.

Creedme que lo consigue en “Acabadabra”, un álbum que se autoeditó el propio bogotano, y en donde, más que acercarse a ese sonido de rock negro que abarca desde Prince a The 1975 en Diamante Eléctrico; proyecta unas marcas que lo acercan mucho más a la generación de centennials que iluminan un pop de autor que bebe de cadencias como el r&b, los mellow beats del sur de los Estados Unidos, el groove de un neo-soul tratado desde el prisma del trip-hop, y un imaginario en el que retoma su pasión por Jeff Buckley pero sin perder pista el sonido de nuevos popes nacidos a finales del siglo XX como Omar Apollo, Choker o Daniel Caesar.

En menos de 40 minutos y once canciones, Juan Galeano pasea por aires que nos lleva hacia una suerte de Motown doméstica (“Kintsukoroi”), bascula el funk cósmico de Prince (“Ando en la fiesta”), dibuja un medio tiempo para hacer petting con las guitarras de Illya Kuryaki & the Valderramas (“El Diccionario” o “Lento, lento”); tira de falsete para proyectar una new wave posmoderna (“Hotel Desamor”); juega con el ritmo tirando hacia atrás para firmar un pop de autor tan sinfónico como doméstico (“Madre”); y hasta se acerca a un bolero funky (“Por kilos”).

Los fans de Diamante Eléctrico deberían estar especialmente contentos: no solo la banda no se disuelve (así lo demuestran los tres singles que publicaron este año), sino que encuentran en la faceta solista de su líder una vía para disfrutar de un repertorio más íntimo, sexy y moderno.

Alan Queipo

Maluma - Papi Juancho (Sony Music Latin, 2020)

Mon, 07 Sep 2020 09:42:16 +0200

Decía hace unos días el intelectual Jorge Carrión que la crítica cultural aspira a trascender los gustos propios y analizar los objetos de interés general. Reflexión que podría ser obvia, pero no siempre lo es (aún en 2020). Las redacciones de los medios influyentes siguen controladas por generaciones nacidas en los 70 o antes. Muchos de ellos han dado la espalda, ya no sólo a la explosión global de la música latina, sino a fenómenos millonarios (en cuanto a ingresos, pero también en número de fans) como el de Maluma.

No hablar hoy de Maluma sería como no hablar hace 10 años de Kanye West, hace 20 de The Strokes, hace 30 de Sonic Youth, hace 40 de Michael Jackson, hace 50 de The Sex Pistols, y así sucesivamente. ¿Está realmente el colombiano a la altura de esos nombres hoy ya icónicos? La respuesta no es rotunda: no, pero sí. Maluma como fenómeno sociológico sí puede ser comparable al hip hop que destronó al pop en Estados Unidos, al revival garagero de principios de siglo, a la explosión indie, al pop negro de los 80 y a la sacudida del punk.

Negar el impacto de la música latina (impulsado por el reggaetón, pero amplificado por el dembow o la cumbia) es estar ciego ante la realidad. Maluma no importa sólo como creador, su figura trasciende a sus propias canciones para convertirse en símbolo de los nuevos tiempos: la reggaetonización de la industria, el auge global de la música en español, la masificación de la estética urbana, el regreso a las pistas de baile de una juventud que ha logrado despojarse de los prejuicios sexuales de los mayores.

En una época en la que el presidente del que todavía se supone es el país más poderoso del mundo insulta constantemente a los latinos, que los héroes de la nueva música en español se hayan colado en los sueños y aspiraciones de los adolescentes estadounidenses (y de ahí, al resto del planeta) debería ser una noticia que todos podamos celebrar. Otra cosa muy diferente es valorar el riesgo y originalidad de este ‘Papi Juancho’: más allá de un abultado listín de colaboradores de relumbrón (Nejo, Dálmata, Darrell, Yandel, Myke Towers, Justin Quiles…) hay pocas ideas realmente genuinas en este disco que vascula entre el sopor y el bailecito automatizado.

Esto último (y ojalá sobrara decirlo) no es una crítica al reggaetón en su conjunto sino a Maluma y más concretamente a su último trabajo. Porque, pese a lo que algunos críticos sesudos creen, no es posible reducir todo un género con dos brochazos reduccionistas como si fuera una masa uniforme. El reggaetón en 2020 es mucho más de lo que se ve en la superficie, que suele ser la parte más comercial y repetitiva, justo ahí donde juega Maluma.

José Fajardo

Los Ángeles Azules – Desde Buenos Aires para el mundo (Promotodo México, 2020)

Fri, 11 Sep 2020 07:57:41 +0200

De un modo bastante similar (aunque diferente) a lo que ha ido sucediendo con el reggaetón desde la expansión en países como Puerto Rico por todo el continente americano; en el siglo XX era la cumbia ese mosquito que partió desde países como Colombia y fue inyectando el delicioso y movilizante picor del baile tropical por todo el continente.

En algunos países, como México, la cumbia comenzó a picar con fuerza hacia mediados del siglo, cuando se comenzaron a articular distintas corrientes de cumbia mexicana (cumbia norteña, cumbia sonidera, cumbia banda…); mientras que en Argentina tardó algo más en calar, recién en la década de los años ’80 y, sobre todo, en los ’90 cuando comenzó a trascender el circuito tropical para forjar iconos de la música popular de un país que parecía rechazar las músicas tropicales y que acabó forjando géneros como la cumbia villera.

De ahí que este ejercicio que ahora presentan Los Ángeles Azules, posiblemente una de las agrupaciones fundamentales para entender el sonido de la cumbia mexicana de las últimas cuatro décadas; suene como una suerte de reivindicación de la expansión de la cumbia en ambos países, fuera de la dependencia y los códigos férreos de la cumbia colombiana o la chicha peruana.

Casi como si la presentación de una postal se tratase, Los Ángeles Azules siguen tirando del hilo de colaboraciones con artistas populares del continente que iniciaron hace siete años con el recopilatorio “Cómo te voy a olvidar”, que contaba con colaboraciones de ilustres artistas contemporáneos como Lila Downs, Carla Morrison o Ximena Sariñana, entre otros. Tras varios ejercicios por donde desfilaron nombres como los de Celso Piña, Toy Selectah, Fito Páez, Miguel Bosé, Gloria Trevi, Natalia Lafourcade o Ana Torroja, entre otros; ahora parece que han decidido convertir ese ejercicio en un acercamiento itinerante al registro de artistas de distintos territorios, empezando por Argentina.

De esta manera, llevan su repertorio más icónico (no faltan clásicos como “Cómo te voy a olvidar”, “Mis sentimientos”, “20 Rosas” o “El listón de tu pelo”) al registro de artistas de distintos perfiles, pero muy conocidos en Argentina y fuera de sus fronteras. Así, el combo mexicano impone un crossover necesario entre la tradición tropical mexicana y la argentina, tratando de adivinar cuáles son los puntos comunes entre ambos movimientos y en referentes que, en sus propuestas individuales, tienen y no que ver con la música de baile latinoamericana.

Tanto cuando imponen alianzas con referentes de la movida tropical argentina de los últimos veinte años (el rey de la cumbia villera Pablo Lescano, el nuevo icono del cuarteto Ulises Buenos o los populares El Polaco o Ángela Leiva) como cuando se acerca a referentes del folclore-pop (Soledad o Abel Pintos), del mainstream más transversal (Lali o Marcela Morelo), de la cultura rock (Vicentico), de la nueva canción alternativa (Juan Ingaramo) o con iconos de la canción melódica de mediados del siglo XX (Palito Ortega), el combo mexicano articula un repertorio de pop para todos los públicos conectado desde el ritmo y los tics de la cumbia, y consiguen imponer un curioso y necesario diálogo para entender que las venas abiertas de América Latina deberían estar cada vez más unidas.

Alan Queipo

Ghetto Kumbé - Ghetto Kumbé (ZZK Records, 2020)

Mon, 14 Sep 2020 09:51:31 +0200

Colombia ha sido la historia bonita de un mundo en crisis. Mientras la polarización y el virus del odio al diferente se expandían por el planeta, en Colombia se hablaba de paz y esperanza. Hoy, sin embargo, ese relato cambió (tozuda es la historia): la violencia vuelve a ser símbolo nacional por culpa de las masacres que quedan impunes y el asesinato de jóvenes a manos de la policía mientras el poder mira (una vez más) para otro lado.

Es imposible explicar el porqué de la desgracia enquistada en un país tan complejo. Ghetto Kumbé hace una aproximación certera de lo que es ser colombiano en 2020, de su eterna contradicción, ese claroscuro atravesado por luces y sombras. Sus herramientas son ideales para describir una realidad tan diversa: el discurso fragmentado y caótico, un guion alucinado, el sonido de rumbas inagotables que se confunden con las sirenas de las fuerzas de la ley.

Tras soltar desde hace cinco años varios EP y singles (y protagonizar algunos conciertos memorables), en este poderoso debut en largo editado por el prestigioso sello de origen argentino ZZK (pionero en apostar por la cumbia digital antes de que fuera tendencia global) este colectivo colombiano agitador de caderas y conciencias llama al pueblo a unirse y luchar por el cambio.

Su música es puro afro-futurismo Caribe perfilado por el bullicio creativo de la capital de Colombia, Bogotá, ese monstruo hostil y adictivo donde coinciden en noches inspiradoras los desplazados por la miseria y las elites que se atreven a escapar de su burbuja, artistas y creadores de todos los rincones de un país donde cabe un universo.

Con tambores africanos y los beats del tropical bass, integrando con coherencia tradición y vanguardia, inspirados en la cultura picotera tan popular en ciudades costeñas como Barranquilla pero también en las últimas tendencias de la escena electrónica británica, el cantante El Guajiro (La 33, Sidestepper), el percusionista Chongo (Ondatrópica, Totó La Momposina) y el gurú rítmico Doctor Keyta (gran conocedor de la música y los bailes afrocolombianos) entregan una obra que captura como ninguna otra el atribulado signo de los tiempos en su país.

José Fajardo

Dorian Wood - ARDOR (Autoeditado, 2020)

Mon, 14 Sep 2020 10:05:09 +0200

Hay una gran diferencia entre algo que se quema y algo que arde. Lo que se quema, generalmente, se proyecta fuera, se manifiesta como un acto descontrolado pero visible. Lo que arde, va por dentro: ni se huele ni se apaga con agua. Puede ser un dolor, puede ser una manera de recomponerse. En cualquier caso, es una manera de manifestarse, elegante y sinuosamente, pero trasciende nuestro control.

En esa atmósfera, entre la necesidad de manifestar los mil dolores pequeños que hemos vivido en este 2020 y la sinuosidad de quien quiere mantener cierto control sobre algo descontrolado, bascula el sonido, el repertorio y el alma de “ARDOR”, uno de los dos álbumes que Dorian Wood ha imaginado durante el confinamiento, y el primero que conocemos: un repertorio minimalista, tan cerca de la mirada cantautoril como de la performance cinética, tan profundamente neoclásico como post-tradicionalista.

Los ardores que el norteamericano de origen costarricense proyecta en este repertorio mantienen una sonoridad bastante homogénea: la guitarra eléctrica embadurnada en eco de su aliado a las cuerdas Michael Corwin y un Wood aferrado al micrófono, al que podemos imaginar con los ojos cerrados, casi como una invocación que nos puede recordar en momentos a Jeff Buckley, en momentos a Antony Hegarty, en momentos a Patti Smith, y en otros al imaginario proyectado de algunos de los versionados en las canciones.

Desde Prince a Juan Gabriel, de Violeta Parra a una Chavela Vargas a la que a había rendido homenaje en uno de sus últimos espectáculos pre-pandemia, “XAVELA LUX AETERNA”; y que conviven con composiciones propias de Dorian Wood. Todas ellas nos llevan a un clima de cierta paz, pero absolutamente envueltas de la severidad en las que fueron concebidas y registradas en su residencia en el espacio Human Resources de Los Ángeles: en un contexto de confinamiento, miradas interiores y estallidos sociales tras las revueltas del Black Lives Matter. Un álbum que es una manifestación pacífica, una sentada sonora y una bandera encendida por dentro.

Alan Queipo

Rosa Pistola - Tributo a La Mulata (Primavera Labels, 2020)

Fri, 18 Sep 2020 09:00:33 +0200

Figura radical dentro de la explosión global del reggaetón, Rosa Pistola llegó al género a través del punk, el witch house y el ruido. Esta colombiana afincada en México lleva años reivindicando una escena subterránea habitada por voces agresivas que agitan conciencias, un reggaetón feminista, anárquico y anti sistema. Ella juega en la liga del malianteo, la faceta más oscura y callejera dentro de este sonido híper explotado comercialmente en los últimos años.

Su aproximación a la obra de La Mulata es una de las cumbres de un circuito al que todavía le queda mucho recorrido desde abajo.

La Mulata es una reggaetonera del Bronx de origen dominicano inspirada en la obra de la puertorriqueña Ivy Queen, referente absoluto desde mediados de los 90 con su voz de mujer poderosa que reivindica su lugar no sólo en la pista de baile sino en la cabina del DJ y como protagonista desde el escenario. Su voz melódica, con su grito de guerra “es la mulata, la que arrebata”, funciona a la perfección con los ritmos caóticos y terroristas (y aun así, bailables) de Rosa Pistola.

El mejor ejemplo de esta acertada unión es ‘Soy una dama’ (con ecos al himno de Ivy Queen ‘Quiero bailar’), auténtico hit oculto de este verano que no pudimos celebrar por la pandemia, una canción que exige respeto para las mujeres con calculadas dosis de hedonismo y rabia, desde un punto de vista cotidiano y sencillo: el de una mujer que acude sola a la discoteca para pasárselo bien, que puede bailar con quien le dé la gana y ser tratada con educación sin necesidad de tener que aguantar a babosos.

Este trabajo, más allá de una necesaria reivindicación de La Mulata, no es más que la punta del iceberg de un ecosistema que está literalmente ardiendo por debajo de la superficie que se ve a simple vista (ese reggaetón blanco y comercial que sale de las factorías de Medellín y Miami) y que tiene en otros nombres de mujeres como la DJ Clara!, el colectivo Chica Gang y la reina del neoperreo Tomasa del Real mucho futuro por delante.

José Fajardo

ATR - Mundi (Autoeditado, 2020)

Fri, 18 Sep 2020 09:15:40 +0200

Todavía habrá quien quiera cuestionar las inevitables conexiones que existen entre los distintos géneros musicales. Aún recuerdo quien ponía en cuestión las relaciones entre el rock (y la cultura rock en general) y la música electrónica, desde su expansión en los años ’80 y ’90. Afortunadamente, proyectos como ATR demuestran la absoluta sinergia que existe entre el rock y la electrónica más pistera.

El trío brasileño, cuyas siglas han acabado por comerse el nombre original (Aeromoças e Tenistas Russas) con el que comenzaron hace casi una década a proyectar una absoluta comunión entre una electrónica que bascula entre la synthwave europea de Kavinsky, M83 o Chromatics, el acid house de Madchester, el after-disco de Daft Punk y aquella mágica generación electroclashera a la estela del sello Ed Banger y grupos como Simian Mobile Disco o Justice; y, a la vez, todo el bagaje heredado de una cultura rock que va desde el kraut más mecánico al glam-rock más esteticista o el rock progresivo más recto.

Tras tres EPs y dos álbumes largos, la banda brasileña presenta su repertorio más lúcido, brillante y coral: nueve canciones con colaboraciones de artistas de distintos puntos del globo terráqueo, que los ayudan a alimentar un universo que, sin perder de vista esos dos puntales que confluyen en una suerte de rocktrónica empapada de groove, abre caminos que los llevan a explorar nuevos territorios sonoros.

Tanto cuando lo hacen cerca de texturas hip-hop (“Like a Bamboo”, junto a Billy Pilgrim), como de una electrónica africanista y jazzera (“No Diskriminasyon”, junto al haitiano Vox Sambou), del dub más lisérgico (“Batom”, junto a la bahiense Luedji Luna), del electroclash casi latin-punk (“Qué Tá Mirando?”, junto a la dominicana Carolina Camacho), del after-house más pistero (“In My Stereo” o la casi reggaetonera “Corazón”, junto a la argentina Michu; o la instrumental “Mundi”) o el del groove del disco-funk más daftpunkero, ATR demuestran tener capacidad para relanzar una electrónica panorámica, horizontal y dispuesta a unir bajo su seno tradiciones, voces y ritmos con un único objetivo: que todo el globo terráqueo menee el cucu.

Alan Queipo

Yomil y El Dany ‘Los Champions’ (Jungl Yomil y El Dany, 2020)

Fri, 18 Sep 2020 10:19:54 +0200

El Dany murió el pasado 18 de julio a los 31 años de un infarto. Esos días salieron a la calle desde todos los barrios de La Habana para llorar su recuerdo jóvenes para quien este cantante había sido, más que su ídolo, un espejo donde mirarse en la reconfortante fama del que al nacer no tenía nada. Junto a Yomil formó durante los últimos cinco años un dúo que se convirtió en el emblema del reggaetón moderno en Cuba con un sonido pegajoso que ellos bautizaron como “traptón”.

Marginado por la cultura oficial del régimen (que todavía hoy considera a los artistas urbanos “subversivos”) pero admirado por las nuevas generaciones (cualquier chaval menor de 30 años en la isla ha escuchado sus canciones, ya sea a través del Paquete Semanal o en las redes sociales), El Dany (junto a Yomil) logró conectar a la población cubana con el exilio de Miami. Allá ofrecieron una actuación exclusiva en 2017 con todos los tics de las grandes estrellas de la industria.

Este disco tiene un sabor extraño: concebido como un all stars de la escena contemporánea del reggaetón en Cuba (influida por los sonidos comerciales de fuera pero con su propia idiosincrasia gracias a la recuperación de los ritmos autóctonos y una forma de cantar diferente, muy apegada al lenguaje de los barrios) tras la muerte de El Dany se ha convertido en un poderoso homenaje póstumo.

Faltan algunos nombres imprescindibles (los iconos Gente de Zona o el muy popular Chocolate MC) pero el disco sirve como un viaje de iniciación (para el oyente foráneo) por la diversidad y talento que guían al género en Cuba: desde la escuela old school que se acerca a los clásicos de Puerto Rico hasta la versión más rapper, los románticos con pretensión comercial y las nuevas voces del ragga morffa.

Jose Fajardo

Delfina Cheb – Doce milongas de amor y un tango desesperado (Casa Limón, 2020)

Fri, 18 Sep 2020 09:45:59 +0200

“Vengo de tierra argentina; de mar, pueblo y arena: unos me llaman Delfina y otros ‘La Milonguera’”, canta Delfina Cheb en la canción que da título a su apodo y que, de alguna manera, también define su registro.

Aunque decir que la argentina solo es milonguera es quedarse corto: su debut no solo es una carta de presentación que reivindica la profundidad de la milonga y el carácter líquido que este género rioplatense tiene cuando se lo acerca al flamenco, al jazz o a la música de autor; sino que sirve para resaltar la identidad de una cantora tan cerca de la sensibilidad folclórica como de la formación académica, tan limpia y pura como repleta de honestidad.

Delfina Cheb es el nuevo descubrimiento de un Javier Limón que se ha convertido en uno de los grandes cazatalentos de esa música de raíz que se sienta en los pupitres del Berklee College of Music. En los últimos años, nombres como los de Nella, Tonina o Tali Rubinstein, estudiantes del colegio, se convirtieron en algunas de las artistas señaladas por el productor, y destinadas a encontrar en su registro lo que años atrás hicieron artistas de la talla de Diego El Cigala, Concha Buika, Andrés Calamaro, Niño Josele o Potito, entre otros: todos ellos, artistas muy diferentes antes y después de trabajar con Javier Limón.

En el caso de la debutante Delfina Cheb, en su alianza con Limón resuena ese eco característico de las producciones del madrileño: esa manera casi artesanal de tratar la música de raíz, con un poso tradicional que él desarrolla no tanto desde el salvajismo, sino más desde una limpieza que aterriza repertorios que parecen de cristal: en el límite de la delicadeza, con la fortaleza de las cosas que parecen a punto de romperse pero que resuenan irrompibles. A su vez, consigue cruzar la milonga con el flamenco (en “La Milonguera” junto a Kiki Morente), a la habanera (“Milonga Grande”), a la canción más aérea e indietrónica (“Milonga del moro judío”, junto a Nella) o al candombe fusión (“Milonga del Río de la Plata”), entre otras zonas mixtas donde habita este repertorio.

De este modo, Cheb hace un paseíllo por un repertorio que alterna piezas de clásicos como Astor Piazzolla, Alfredo Zitarrosa, Aníbal Troilo y Homero Manzi, Dulce Chacón o Jorge Drexler; con otras composiciones propias, tanto de la propia Delfina como de su productor. En todas ellas existe una proyección de todas las milongas que habitan en la milonga: un repertorio de una profundidad y una sensibilidad apabullante, sentida, universal.

Alan Queipo

Lucrecia Dalt - No era sólida (RVNG Intl., 2020)

Fri, 25 Sep 2020 09:55:51 +0200

Esta semana hice un experimento: escuchar (en alto, con el volumen del teléfono móvil a tope) el nuevo disco de Lucrecia Dalt en distintos ambientes, en mi casa, paseando por la calle o por un parque y sentado en una terraza. Las reacciones de la gente a mi alrededor fueron de lo más dispares: muchas miradas de odio, en plan “no seas maleducado y apaga ese RUIDO”, pero también indiferencia e incluso hubo quien se acercó con evidente fascinación, cual abeja que flirtea con su panal de miel.

En mis propias carnes he digerido este ‘No era sólida’ con una amalgama de sensaciones, dependiendo de mi estado de ánimo y del contexto de las escuchas: un día que estaba muy cansado sentí cómo me agujereaba la cabeza, un auténtico taladro hurgando en mi cráneo; otro día que tenía mucho trabajo por delante lo escuché por la mañana y me pegó un chute de energía creativa, y en la mayoría de los casos, cuando conseguía abstraerme, me llevaba a un estado de inspiración raro, dejándome llevar por sus capas de sonidos.

Escuchar a la colombiana Lucrecia Dalt es una experiencia parecida a la de acercarse al cine de vanguardia o la pintura abstracta: habrá quien lo desprecie porque “eso no es arte”, habrá a quien directamente le aburra o no le interese, y habrá siempre quien quede atrapado por una obra que sale de los intestinos en su parte más física (los ritmos que invitan al trance, las voces marcianas) y de las ondas cerebrales del subconsciente en el espíritu mismo de la obra.

La pretensión de la artista colombiana (ahora residente en Berlín tras vivir un tiempo en Barcelona, con formación como ingeniera civil) es contar la historia de su alter ego extraterrestre: Lia, un ser que, según avanza el disco, va siendo consciente de su estructura corpórea (de ahí los títulos de las canciones: disuelta, seca, ser boca, espesa, revuelta) y termina con un manifiesto de casi 10 minutos (‘No era sólida’) realmente evocador con resonancias al cine de Andréi Tarkovski o las novelas de Philip K. Dick.

Una obra que invita a viajar por los agujeros más inhóspitos del universo en esta época de confinamientos físicos y mentales. Un paso más en el camino por la vanguardia del arte contemporáneo que recorre desde hace años Lucrecia Dalt, una figura radical cuya obra no busca agradar a una audiencia masiva sino despertar reacciones. Su trabajo es todavía más arisco (y fascinante, para quien logre engancharse) que el de otros transgresores de la nueva escena electrónica como Holly Herndon, Oneohtrix Point Never y Laurel Halo. Su mirada es la de quien se asomó al abismo y logró ver más allá.

José Fajardo

Vera - Terso (Autoeditado, 2020)

Fri, 25 Sep 2020 09:47:52 +0200

“La pronunciación del amor está intacta”, canta Vera, como una sentencia que sirve para manifestar la solidez de las cosas realmente importantes; pero casi también como una suerte de médium de un idioma que en la música argentina solo pueden descifrar quienes lo llevan por dentro: los Spinetta.

Vera es la menor de las hijas de Luis Alberto Spinetta, uno de los mayores iconos de la historia del rock argentino; y aunque en la última década su acercamiento a las artes fue más delante de las cámaras (es actriz: participó en películas como “Voley” o “Las viudas de los jueves” y en series como “En terapia” o “La celebración”, entre otras) o delante del folio en blanco (el año pasado publicó el poemario “Eclosión”) que delante de un micrófono, en “Terso” traduce un lenguaje íntimo, contemporáneo y orgánico a la vez, en el que se identifica el lenguaje cósmico-poético que su padre le legó en la sangre, pero en el que, sobre todo, se adivina un nuevo lenguaje musical: fuera de estructuras obvias, en el que el maridaje de las programaciones electrónicas y el aterrizaje orgánico van absolutamente de la mano.

Rodeaba cierta mística por dónde irían los tiros del debut de Vera. En los últimos dos años, había colaborado junto a Juan Mango (su pareja y, además, líder de los también spinetteanos Usted Señálemelo) y con los indietrónicos Programa; pero poco se sabía del registro sonoro propio de la argentina.

En “Terso”, que ha trabajado en alianza con los productores Pablo Bursztyn y Guido Moretti, se bascula entre una suerte de pop mecánico, de cierta raíz indietrónica, con ecos que van desde el “Amnesiac” de Radiohead o el “Siempre es hoy” de Gustavo Cerati a matices que se mueven en un arco que va desde Brian Eno a Efterklang, de Björk a Hanne Hukkelberg, de The Postal Service a Juana Molina. Tanto cuando le dedica una canción a su segundo hijo (“Blu”) como cuando encuentra melodías redondas en canciones levitantes (“Incesante” e “Infautación” son dos buenos ejemplos) como cuando decide desenchufar las máquinas y cantar al piano (“Terso”), Vera parece haber dado con algo diferente al sonido del ecosistema del pop alternativo en español.

Un álbum que suena a poema sonoro, a acuarela infinita, a relato en el que el espíritu de su padre se encuentra en un laberinto de cables y programaciones: un fundido en mil colores que manifiesta en Vera una nueva receptora de la calidez poética y los dialectos infinitos que habla ese pop que aprende a volar.

Alan Queipo

Duki - 24 (SSJ Records / Dale Play, 2020)

Mon, 28 Sep 2020 16:20:58 +0200

Es evidente que Duki tenía otros planes para 2020. Tras consolidarse con su debut ‘Súper sangre joven’ (2019) como el icono de la pujante nueva escena del trap en Argentina, este año debía ser el de su explosión internacional. Este EP publicado en medio de la pandemia el 24 de junio, el mismo día que cumplió los 24 años, es su forma de darle la vuelta a las malas noticias. Si no se puede viajar para tocar, uno siempre puede encerrarse en casa para grabar música.

Es el signo de los tiempos de una nueva generación que se adelantó a los tics de la cuarentena: habituados a trabajar encerrados en sus trap house, no se han visto obligados a parar su producción durante estos últimos meses. Evidentemente es un trabajo menor en la prometedora carrera de Duki, apenas ocho temas (que suman 24 minutos) donde regresa a un sonido más crudo mientras perfila su auto retrato en torno a la fama, las fiestas, la juventud, el lujo y la ambición.

Su flow es irreprochable pero quizá el único tema memorable del conjunto sea (cómo no) el que se titula ‘24’ donde firma las paces con el trapero español Kidd Keo (posiblemente uno de los artistas del género en español con más impacto global ahora mismo) tras protagonizar ambos una serie de beefs en el pasado. A los botoncitos está el estadounidense Juicy J, productor de Three 6 Mafia, grupo de culto en la escena del trap.

Benjamín Walker, Yorka, Natisú & Hakanna - MAL (Autoeditado, 2020)

Mon, 28 Sep 2020 16:28:04 +0200

Mucho se ha hablado de las rupturas y afianzamientos sentimentales tras el confinamiento obligado que impuso la pandemia global. Parejas que han certificado su ruptura o su alianza definitiva; compañeros de piso que han descubierto que no se soportan y otros que han encontrado aliados emocionales absolutos en tiempos en donde todo está mal. Pero, ¿y los músicos que conviven?

Es el caso de Benjamín Walker, Yorka y Natisú: artistas chilenos que conviven en la misma casa, y que decidieron junto a Hakanna canalizar el confinamiento desde un punto de vista creativo común. Un álbum absolutamente hijo del confinamiento, que no solo materializa la montaña rusa emocional que han vivido en este encierro, poniendo en letra y melodía una ansiedad compartida con prácticamente cualquier habitante no solo de esa casa, sino del globo terráqueo; pero que, además, sirve para encontrar los puntos comunes artístico-musicales de cuatro de los nombres fundamentales del nuevo pop trasandino, más allá de los puntos comunes o fricciones que tengan a la hora de repartirse los quehaceres domésticos del hogar que comparten.

“Ya no me quiero acostar para amanecer de nuevo en el juego de evitar el miedo” cantan casi un mantra que representa el sentir de todo el planeta estos últimos seis meses. Prácticamente todas las canciones de “MAL” respiran encierro y confinamiento. Desde cuando cantan “no recuerdo cuánto tiempo ha pasado para volverte a ver” o “no puedo salir, algo anda cochino ahí: bajo la escalera, silencio en la acera; nadie pasa por aquí: me transformo lentamente en un mueblo de mi casa” o “y aunque pareciera que esto no va a terminar, volverán los abrazos, los engaños, se juntarán los cuerpos bajo el sol”; o incluso cuando graban de manera absolutamente casera un interludio en el que parecen compartir canciones en el salón, el álbum se convierte en una suerte de manual conceptual sobre el contexto actual.

Pero lo mejor de “MAL”, más allá del gancho conceptual absolutamente contemporáneo, es la manera en la que la convivencia de cuatro artistas que conviven bajo el mismo techo acaba traduciéndose en un álbum que se debate entre el pop de autor de vocación universal de Walker, la capacidad innata para crear melodías y armonías redondas de Yorka y la visión de producción contemporánea de Natisú y HAKANNA. Un repertorio llamado a convertirse en un puntal no solo para recordar esta época aciaga, sino también los caminos de ida y vuelta de la confluencia artística entre artistas y productores.

Feid – BAHÍA DUCATI (Universal Music Latino, 2020)

Fri, 02 Oct 2020 08:42:53 +0200

Mucho se habla de las cifras astronómicas, la omnipresencia y el carácter prolífico (productivamente hablando) de Bad Bunny; pero más bien poco se habla de Feid, alter ego de Salomón Villada Hoyos. Por mucho que el alcance de artistas como Benito sea importantísimo y revolucionario para el sector, lo cierto es que hay una generación compartida con nuevos artistas que vienen destinados a disputarles el trono a Bad Bunny, J Balvin, Nicky Jam o Daddy Yankee.

El artista colombiano tiene casi 15 millones de oyentes mensuales fijos en Spotify, canciones que están bordeando los 200 millones de reproducciones solo en esa plataforma, colaboraciones con los artistas más grandes de la música urbana latina de corte pop y, tras dos álbumes publicados estos últimos años, este año, igual que el conejo malo, él también publicó dos discos.

Tras presentar en las primeras semanas de la pandemia “FERXXO (VOL. 1: M.O.R.)”, hace tan solo unos días el de Medellín presentó “BAHÍA DUCATI”, un ejercicio más breve que el anterior (diez canciones frente a las dieciséis del que publicó en abril) pero, si acaso, con mucha más pegada. Diez hits como diez soles, en las que desfilan junto a él artistas de la talla de Zion & Lennox, Sech, De La Ghetto, Ñejo, J Balvin, Maluma, Nicky Jam o Justin Quiles, entre otros.

El álbum nos presenta a un Feid mucho más cerca de la canción de radiofórmula (especialmente en “FOTOGRAFÍAS” o en “FERXXO X ÑEJO”), pero también a un artista lo suficientemente inquieto como para permitirse licencias que lo acercan a una suerte de reggae de pegada urban (“JAMAICA” o el remix de “XX” junto a Dalmata), texturas en las que exige a su falsete para coquetear con el neosoul (“BREAK UP”), el 808 (“otra vez”) o el r&b contemporáneo (“que putas”) o reggaetones urgentes con olor a medio tiempo (“NEA”).

Quizá va llegando la hora de empezar a hablar tanto de artistas como Jhay Cortez, Rauw Alejandro, Dalex o el propio Feid que de los mismos de siempre. Va tocando.

Alan Queipo

La Dame Blanche - Ella (Selvamonos Productions / Ramos Rodríguez - Damblé, 2020)

Fri, 02 Oct 2020 08:54:00 +0200

En 1966 Nina Simone contó la historia de cuatro mujeres que habían llevado vidas totalmente distintas por su color de piel y origen social en ‘Four Women’. Más de medio siglo después La Dame Blanche retrata a 10 mujeres desde distintas ópticas, una por cada canción: salen a relucir temas como la raza, la igualdad, la autoestima, la libertad, el orgullo latino y, al fin, la amplitud de miras de una artista total.

La cubana residente en París Yaite Ramos Rodríguez consigue con ‘Ella’ pulir todas las cualidades que había ido mostrando en obras tan inspiradoras como su anterior ‘Bajo el mismo cielo’ (2018): el choque entre las riquísimas tradiciones musicales de su país y una mirada hacia lo contemporáneo, el poderío de su voz mezclada con su habilidad como percusionista y flautista y su tremendo carisma.

Cada corte es un universo propio, no sólo en el apartado lírico (donde intercala español, inglés y francés), sino a nivel sonoro: del reggaetón experimental pasa a las cumbias, de los ritmos violentos del trap al remanso del reggae y así van sonando dancehall, hip hop y otros muchos sonidos contagiosos. Es un disco que captura el signo de su tiempo, desde la lucha feminista hasta el movimiento Black Lives Matter con un poderoso trasfondo latinoamericanista.

José Fajardo

Nathy Peluso – Calambre (Sony Music, 2020)

Mon, 05 Oct 2020 09:53:37 +0200

Había varias cosas que, hasta hace no mucho tiempo, le preocupaban a Nathy Peluso. La búsqueda de un personaje singular la encontró en un curioso homenaje-réplica de una artista semidesconocida como Hurricane G. La asimilación de su registro artístico la encontró en “La Sandunguera” demostrando quizá excesivamente lo buena cantante que es, y lo lejos que estaba del resto de “artistas urbanos”. Su puesta en escena en directo nos presentaba a una artista técnicamente perfecta, con una energía arrolladora pero, a todas luces, excesiva en sus manifestaciones, como una Belén Esteban del r&b.

Afortunadamente, con su nuevo disco, la argentina ya no tiene de qué preocuparse. “Calambre” llega más tarde de lo esperado pero, a diferencia del grueso de materiales de artistas en torno a músicas como el r&b o el urban, sorprende todo el rato. En los tres adelantos que presentó a lo largo de los últimos meses se podía intuir que el sonido del neosoul americano de los años ’90 (ese que va desde Missy Elliott y Destiny’s Child a Mariah Carey o Aaliyah) sería la base de una producción que, definitivamente, la distancia del grueso de frontwomans de habla hispana.

Pero lo que no podíamos intuir es la capacidad que ha tenido Peluso no solo de no depender de sonidos tendenciosos como el reggaetón, sino también de captar el espíritu de las primeras grandes producciones de Timbaland, Pharrell Williams, Bloodshy & Avant o Puff Daddy; y, a la vez, permitirse licencias que la acercan a una salsa para la Generación Z (“PURO VENENO”), al tango&b (“AGARRATE”: un epílogo abrasador), al dancehall (“DELITO” es su mirada a Rihanna) o al neosoul a lo Mariah Carey (“BUENOS AIRES”).

El álbum de Nathy Peluso sienta un precedente muy necesario en la escena. No solo consigue quitarse definitivamente algunos sambenitos que se autoimpuso en “La Sandunguera”; sino que proyecta la posibilidad de que una artista joven y empoderada pueda llegar a cambiar las tornas del sonido de la música comercial en español sin replicar modelos ni ser “la nueva” nadie, y ser un poquito todo para conseguir, por fin, ser solo Nathy Peluso.

Alan Queipo

Sílvia Pérez Cruz - Farsa (género imposible) (Universal Music, 2020)

Mon, 05 Oct 2020 10:18:37 +0200

Ajena a las modas, Sílvia Pérez Cruz es poseedora de una de esas personalidades tan abrumadoras que, sin pretenderlo, marcan tendencia. Lo hizo ya en 2014 cuando junto a Raül Fernández Miró ‘Refree’ anticipó con ‘Granada’ esa recuperación de las tradiciones españolas que estaba por venir. Desde entonces su carrera ha avanzado por libre, con decisiones estrictamente artísticas y muy personales. ‘Farsa’ es un buen ejemplo de esa radicalidad a la hora de crear, de la convicción y ética de una figura que no trabaja pensando en el presente sino en el conjunto de su obra futura.

El concepto del álbum es mantener un diálogo con todas esas disciplinas que han inspirado la obra de la catalana: teatro, cine, danza, pintura, fotografía y poesía. Son canciones escritas por ella misma o adaptaciones de los originales de otros poetas como Javier Ruibal, Miguel Hernández, Ana María Moix o Sylvia Plath. En el making-of del álbum, que se puede ver en YouTube, cuenta lo complicado que fue conseguir los derechos de los textos de la intelectual estadounidense, hasta el punto de hacer peligrar el proyecto.

Por suerte el disco salió adelante y ahora ven la luz estas canciones en las que canta a la fuerza arrebatadora de la inspiración, en las que su voz se envuelve del poder evocador de la pintura, su deseo se convierte en baile y, a la manera de una cineasta o un literato, cuenta historias con un poderoso trasfondo: el de la maternidad, la propia y la ajena. Hay un homenaje a su madre (y al resto de madres, incluso a las que no lo son) pero también a su hija: estos temas están grabados en el comedor de su casa, para que pudiera pasar más tiempo con ella.

Escuchando estas piezas en la tranquilidad del salón de casa uno siente el incontenible deseo de que la normalidad regrese al sector de la música en directo para que Sílvia Pérez Cruz pueda llevar a cabo sus planes con ‘Farsa’. Su idea es explorar tres formatos distintos: una interpretación cruda y desgarrada en acústico, sólo con su voz; ir acompañada de una banda (en el disco participan varios instrumentistas de alto nivel), y un experimento junto a un director de escena, una bailarina y un pintor a tiempo real. Ojalá todo esto suceda más pronto de lo que ahora pensamos.

José Fajardo

Paz Court – La Fuerza (Autoeditado, 2020)

Thu, 08 Oct 2020 10:47:54 +0200

La distancia siempre te da perspectiva. A la chilena Paz Court se la dio el estar viviendo en México desde hace poco más de un año. Y es que tras un par de álbumes que se acercaban a un registro pop de autor con tics que la acercaban a un registro más luminoso y tropical, con tics más propios del swing o las bandas de vientos y a un marco de referencias más cerca de propuestas como Monsieur Periné o Mon Laferte; en su tercer álbum encuentra otro yo mucho más personal y con una profundidad que, precisamente desde la distancia, la ha conectado más que nunca con sus raíces.

Tras el iniciático “Cómeme” de hace cinco años y el “Veranito de San Juan” que hizo junto a la Orquesta Florida (una orquesta de más de diez músicos en escena y en el estudio), “La Fuerza” es un viaje a las profundidades de una canción de corte más folclórico, pero dialogando tanto con texturas electrónicas como incluso más propias del pop-rock alternativo o de la música tropical.

Paz Court dibuja una suerte de nuevo ecosistema musical chileno desde la distancia. Y lo hace tanto resignificando una pieza como “Ausencia” de Violeta Parra junto al hijo de esta, Ángel Parra, en una canción repleta de morriña y anhelos; pero también lo hace cuando imagina una canción folclórica tan posmoderna (en “Canto de Ordeño”, “La Fuerza” y “La Noche Oscura” utiliza programaciones y bases de trap en una estructura de profundidad tradicional) como cerca del pop (“Pajarillo Negro” o “Un día planté una rosa”).

Incluso se permite licencias que la acercan a una sonoridad más propia del rock alternativo (“De qué sirve”), de la canción pop de sus inicios (“Somos”) o de la cumbia indie (“Lamento”), a la vez que traza un mapa de colaboraciones (El David Aguilar, Natisú, Fernando Milagros, Ampersan) que imagina una coalición generacional de cancionistas y productores inclasificables, cada vez más difíciles de encasillar: algo absolutamente esencial para entender las derivas que artistas como Court proyectan en un repertorio que cada vez encuentra más márgenes de libertad, sin anclajes de ningún tipo.

Alan Queipo

Gabriel Garzón-Montano - Agüita (Jagjaguwar / Stones Throw, 2020)

Thu, 08 Oct 2020 11:10:30 +0200

Gabriel Garzón-Montano podría haber guardado estas diez canciones y poco a poco ir suministrándolas en formato single. Posiblemente hubiera sido una jugada comercial mejor que lanzarlas todas juntas como álbum. No hay aparente conexión entre ellas, funcionan a la perfección por separado. Sin embargo su decisión de empaquetarlas todas juntas, como si fuera un catálogo con todas las cosas que sabe hacer, dice mucho de quién está detrás: nacido y criado en Brooklyn (Nueva York), hijo de una francesa con formación clásica en música (quien colaboró con Philip Glass) y de un colombiano amante de la salsa y la cumbia.

En casi cualquier otro artista sonaría forzado el cóctel sonoro de este disco, que salta del r&b introspectivo y elegante a lo Drake de ‘Someone’ al trap comercial de ‘Agüita’ (en el videoclip, grabado en las ciudades colombianas de Medellín y Pereira, recuerda al madrileño C. Tangana, con su misma chulería y actitud magnética), del reggaetón de ‘Muñeca’ a la experimentación con electrónica y voces de ‘Bloom’ y ‘Tombs’.

“En Atlanta se escucha Totó, en Bogotá ponen Migos”, dice en ‘Agüita’, capturando en una sola frase la esencia de su singularidad como artista: habitante de diversos mundos, capaz de integrar en su música el folclore del Caribe colombiano de Totó La Momposina y el rap gangsta con gancho comercial desde Atlanta de Migos. En una industria cada vez más abierta hacia las periferias, donde los géneros se mezclan sin prejuicios y la música latina se ha integrado con normalidad en los canales comerciales de Estados Unidos, Gabriel Garzón-Montano va un pasito por delante de sus competidores.

José Fajardo

Omar Rodríguez-López - The Clouds Hill Tapes I, II & III (Clouds Hill, 2020)

Thu, 08 Oct 2020 11:26:50 +0200

A sus 45 años el puertorriqueño Omar Rodríguez-López pareciera haber completado muchas vidas en la música. Su trabajo como productor y guitarrista en la banda de rock psicodélico The Mars Volta, su participación en At The Drive-In, su incontenible creatividad en solitario (en 2016 publicó ¡12 discos! con el sello californiano Ipecac Recordings) y su continua búsqueda de nuevos retos le han convertido en un personaje difícil de rastrear.

Su último movimiento no es menos desconcertante (y fascinante): tres discos que funcionan como uno solo, 20 canciones grabadas en 2018 en el estudio Cloud Hills de Hamburgo (Alemania) con una banda improvisada que completan la portentosa cantante Virginia García-Alves (una de las últimas joyas salidas de la Berklee College of Music), Audrey Paris Johnson a la batería, el hermano de Omar (Marcel) en los sintetizadores y el pianista Leo Genovese, con quien había coincidido en la grabación del disco de la chilena Mon Laferte ‘Norma’ (2018).

El resultado es algo al alcance de muy pocos: grabado en apenas unos días, con un Omar Rodríguez-López en búsqueda de nuevos horizontes tras una extenuante gira con At The Drive-In, estas piezas trasladan al que escucha a universos poblados por atmósferas oscuras, donde la ambientación del free jazz se mezcla con aires lisérgicos, avanzando por capas de rock fronterizo hasta llegar a piezas de pop redondas.

José Fajardo

Amorante – Bat edo hiru (Forbidden Colours, 2020)

Thu, 08 Oct 2020 11:03:01 +0200

Los caminos de la canción de autor son inescrutables. Tanto que, aunque pueda parecer difícil de imaginarlo, existen puntos ciegos entre Mikel Laboa y Bon Iver, entre Imanol y Thom Yorke, entre Benito Lertxundi y James Vincent McMorrow. Esos puntos ciegos son ahora alumbrados por Amorante, el singular proyecto capitaneado por el elgoibartarra Iban Urizar: un multiinstrumentista que traza puentes entre la trompeta y el autotune, entre la canción popular vasca y la indietrónica, entre la amalgama de loops y el free jazz.

Compartiendo generación con otros renovadores de la música vasca como pueden ser Anari, Izaro, Aitor Etxebarria o Reykjavik606, la propuesta de Amorante (significa “amante” en euskera) suena líquida, se mueve fronteriza entre géneros y tradiciones, suena antigua para los modernos y moderna para los fundamentalistas de la tradición.

Las figuras que se proyectan en “Bat edo hiru”, el debut que publica tras varios años dejándose ver como músico acompañando a otros artistas, nos presenta a una figura sensible, minimalista, que se desplaza con sinuosidad campo a través de siete canciones que basculan entre la orfebrería de una canción folk que bebe indudablemente de artistas occidentales de la generación de Bon Iver, Sufjan Stevens, Volcano Choir o José González; pero también hace guiños a aquella canción de resistencia vasca de los años ’60 y ’70.

Sencillas pero impactantes suenan piezas de una delicadeza extrema, y de una construcción híbrida entre el jazz, el folk y la indietrónica como “Hezugabeak” o “Frank”, a la vez que se permite licencias instrumentales que lo acercan más al free jazz como “John Cazale” (un homenaje al icónico actor neoyorquino de los años ’70) o a una performance de zamba doom con falsete autotuneado (como en “Ama hil zaigu”) o incluso proyectar el imaginario de la canción vasca de Mikel Laboa o Imanol en canciones como “Juliana”.

Alan Queipo

Bandalos Chinos – Paranoia Pop (Autoeditado, 2020)

Fri, 16 Oct 2020 09:55:08 +0200

Hacía muchos años que la música argentina no vivía un momento tan interesante como el de los últimos dos o tres años. Referentes en la música urbana; poseedores de algunas de las divas pop de referencia en el circuito mainstream; viviendo una revolución federal en la que cada vez surgen más proyectos fuera del ‘buenosairescentrismo’; y, aún por encima, exportadores de proyectos de un ecosistema alternativo con una vocación de internacionalización que no se recuerda desde hace mucho tiempo.

En esta última parcela, posiblemente en el pódium, está Bandalos Chinos. Un grupo independiente, heredero de la querencia del pop argentino de los años ’80 (el de Virus, GIT, Miguel Mateos – Zas…) y con una categoría arrolladora para firmar canciones redondas y, a la vez, fronterizas en su espacio de acción: atemporales, hedonistas pero profundas, capaces de certificar que el debate entre ‘lo indie’ y ‘lo mainstream’ es ridículo a estas alturas.

Tras un debut de hace ocho años y dos EPs intermedios marcados por un sonido de corte más indie anglosajón, fue hace dos años, en “BACH”, producido por Adán Jodorowsky, con el que consiguieron trascender: dos nominaciones a los Latin Grammy, un Premio Gardel a Mejor álbum de pop y una legión de fans no solo en su país, sino también en países como México, donde su expansión es incontestable.

Pandemia mediante, en “Paranoia Pop” repiten con Jodorowsky como productor pero, si acaso, consiguen horizontalizar una propuesta cuya pretensión central parece ser en ocupar los diferentes frentes de la canción pop. Parece que nada cambia, pero hay muchas cosas que se mueven de sitio, que se recolocan, que suman elementos para conseguir ser una banda de pop en la acepción más transversal. E incluso cuando cantan “cuando haya pasado la locura estaré aquí”, parecen leer a la perfección el momento en el que vivimos y lo necesarias que son sus (nuevas) canciones.

No hay búsquedas kamikazes, pero sí acercamientos al easy listening (“A la cabeza”) o al rock and roll vintage de baile de fin de curso norteamericano (“Chu-chu” y “El Ídolo”); hay marcos de referencia compartidos entre el future funk de Prince y la “Peluca telefónica” de Charly García, Pedro Aznar y Luis Alberto Spinetta (“Paranoia Pop”, con LOUTA de aliado), hacia una mirada a una elegancia pop cercana al registro de, a la vez, Parcels y Los Abuelos de la Nada (“Sin señal” y “Mi manera de ser”), medios tiempos romanticones (“La Herida”) y hasta permisos a un sonido más crudo, acústico y de fogón (“AYNMG” y “Los Puntos”). No hay por qué perseguirse: que las paranoias solamente sean pop.

Alan Queipo

Los Gaiteros de Pueblo Santo - Historias cantadas (Yawaro Records, 2020)

Fri, 16 Oct 2020 10:12:22 +0200

“Pueblo Santo es el lugar de donde vienen todos los gaiteros. Aunque hayan nacido en otros lugares y en otros tiempos. Son el vivo recuerdo del gaitero original”. Con estas palabras se presenta el esperadísimo debut de esta formación con más de una década de recorrido y radicada en Barranquilla, en la costa Atlántica de Colombia. Un trabajo nominado a los Grammy Latinos de este año y que rinde homenaje no sólo a la tradición gaitera sino a una forma original de contar historias impregnada de realismo mágico y el colorido imaginario local.

La música de gaitas es el símbolo del Caribe colombiano, debe su nombre a la gaita (también llamada caña de millo), un instrumento de viento similar a las flautas elaborado con la madera del corazón del cardón (un tipo de cactus), cera de abeja, carbón y pluma de pato cuyo sonido simboliza el canto de los pájaros. La gran cita de la escena es el Festival Nacional de Gaitas Francisco Llirene, que se celebra cada año en Ovejas (Sucre).

Ambientada en una suerte de Macondo, ‘Historias cantadas’ es la obra que aúna todas las grandezas de este género inmortal: las canciones avanzan como si fueran relatos populares, cada una introducida por la maravillosa voz del locutor Andrés Salcedo. Hay gaitas, cumbias, merengues y porros al son de las canciones dirigidas por el gaitero y compositor Marlon Peroza, quien guía este poderoso torrente de sonido apoyado en las magnéticas voces y las tremendas percusiones.

Escuchar a Los Gaiteros de Pueblo Santo es trasladarse a las profundidades de Colombia, esa tierra fascinante y tan llena de matices que es imposible describir con palabras. Estos sonidos son el mejor embajador de una nación con una riquísima herencia cultural que sigue marcando el presente de las nuevas generaciones.

José Fajardo

Eslabón Armado - Vibras de noche (DEL Records, 2020)

Mon, 19 Oct 2020 10:10:56 +0200

La gracia de unos premios como los Grammy Latinos, descaradamente comerciales (son los galardones de la industria oficial) y por lo general anacrónicos, radica en el salseo que se mueve alrededor, las polémicas y las reivindicaciones antes, durante y después de una gala que siguen mogollón de espectadores en todo el mundo. Este año el beef más sonado viene desde México, donde varias voces han criticado que el excelente momento que vive su música regional no se vea traducido en una presencia mayor en las categorías importantes.

Ya hemos hablado en los Mor-Discos de figuras como Natanael Cano, referente de una nueva corriente bautizada como “corridos tumbados” que mezcla la música norteña y las rancheras con la estética, los ritmos y el lenguaje del trap. Junto a él, hay nombres como Junior H, Los Dos Carnales y Carin León que están más interesados en recuperar el sonido tradicional del regional mexicano que en mezclarlo con las nuevas tendencias que escuchan la juventud. Eslabón Armado es una de las figuras más importantes de este nuevo circuito al que se empieza a conocer como “sad sierreño” y los editores de las playlist de Spotify describen como “guitarras agüitadas para cantarle al amor y al desamor”.

Este trío formado en 2017 por tres amigos de la infancia le canta, en efecto, a las chicas de sus sueños, y mezcla en sus videoclips la simbología rural de las rancherías (caballos, sombreros tejanos, espuelas) con algún guiño moderno (chándales, joyas, cochazos). Hacen música sencilla con sus voces junto al sonido acústico de los requintos (una especie de guitarra más pequeña) y los bajoloches (un tipo de bajo característico de este universo). Su fichaje por DEL Records, el sello más importante del género, les sitúa en una posición privilegiada para llegar a una audiencia generalista.

José Fajardo

Sr. Chen – 4ever Domingo (Del Palo Records, 2020)

Mon, 19 Oct 2020 10:20:37 +0200

Me hace gracia -tiene que hacérmela- que se cuestione el valor de los álbumes; y sobre todo que se haga una bajada de línea que, directamente, separe la idea de disco del circuito de música urbana global. No hay otra cosa que reírse cuando, en medio de ese discurso, aparece una figura como Sr. Chen con un ejercicio complejo, ambicioso, polifónico, poliédrico y casi performático: una hora y cuarto de música en 29 cortes de los que no todos son canciones, pero todos componen un mensaje global, el de “4ever Domingo”.

No tiene la trascendencia de muchos de los nombres centrales de la música urbana estatal, pero Martí Mora Julià, nombre real que, más que esconderse, se proyecta bajo el álter ego de Sr. Chen, es una de las figuras capitales de la música urbana catalana. No solo porque ha trabajado con nombres que sí conocerás como Toteking, Elphomega, Izah o Bearoid; ni tampoco porque haya producido uno de los álbumes esenciales del nuevo urban catalán como el “Flors mentre visqui” de Lildami del año pasado; sino porque Sr. Chen tiene todo para convertirse en una figura trascendente hacia afuera como hacia adentro: donde le dé la real gana.

Y si bien ha permanecido más como una figura de culto, “4ever Domingo” está concebido casi como una miniserie en varios movimientos: él mismo crea separadores donde hace repaso de una suerte de tareas que tiene que cumplir a lo largo del día; se da la licencia de samplear tanto a Los Simpsons como a su abuela; crea un crisol de colaboraciones tanto del circuito urbano como del electrónico, el del reggae o el alternativo (de PAVVLA a Sr. Wilson, Guillamino, Demmy Sober o Lildami, entre otros); pero, sobre todo, firma un repertorio bestial y prácticamente infalible.

Basculando en un discurso entre sarcástico y psicodélico, dejando recados a Kidd Keo o C. Tangana, pero también construyendo un discurso sólido tanto lírico como a nivel sonoro, es imposible aterrizar en una parcela el universo de Sr. Chen. Se puede decir que, sobre todo, explora las fronteras invisibles del r&b más líquido, repleto de texturas y una producción que no se limita a los clichés ni del rap ni del trap, sino que no se corta a la hora de utilizar formas heredadas de la indietrónica, la cultura rock, la vaporwave, el jazz o el dub más cósmico. Hay que empezar a mirar más hacia Sr. Chen y menos los followers de sus contemporáneos.

Alan Queipo

Planta & Canta – Bosque de canciones (Planta & Canta, 2020)

Fri, 23 Oct 2020 08:39:42 +0200

No las escuchamos porque no hacen ruido; pero la Madre Tierra siempre ha tenido mucho que decir a través del arte. Muchos géneros se han forjado filosófica y conceptualmente en torno a la naturaleza, reivindicándola, denunciando la mala obra de la mano del hombre o, simple y llanamente, rendir culto y pleitesía al espacio al que debemos todo; y comprender que el hábitat en el que estamos es compartido con otros seres vivos, como las plantas.

Así ha pasado con álbumes como el célebre “Mother Earth’s Plantasia” de Mort Garson que está a punto de cumplir 45 años desde su publicación; con decenas de artistas que se inspiran en el universo de la naturaleza y la flora (como muestra, este botón); o incluso con grandes proyectos como el que el productor británico El Búho ha comisariado para rendir tributo al universo de las aves, muchas de ellas en peligro de extinción, que habitan en el continente americano (el primer volumen es de 2015, el segundo es de este mismo año).

A esa nómina se suma también Don Camel, álter ego artístico de Hernán Sforzini, uno de los máximos exponentes del reggae argentino y del mundo, nominado a los Grammy Latinos del año pasado por su trabajo como productor en “The Final Battle”, un álbum que consiguió reunir a los artistas vivos más legendarios del reggae mundial (de Lee “Scratch” Perry a Max Romeo o Toots Hibbert, entre otros); y un activista de la naturaleza y la flora urbana. Queda más claro que nunca viéndolo capitanear Planta & Canta; que, más que un disco o un proyecto musical, es un movimiento cultural y social que busca concientizar y educar sobre la vital importancia del arbolado urbano.

De esta manera, y con Don Camel como productor que equilibra el sonido del álbum, iconos del rock argentino como Litto Nebbia, de la folktrónica como Tonolec o Nación Ekeko, del reggae como Los Cafres, de la música festiva como Los Auténticos Decadentes, del nuevo rock alternativo como Eruca Sativa, de la nueva música de autor como Sofía Viola, Perotá Chingó o Adrián Berra o incluso de la radio como el locutor Lalo Mir; articulan a través de diez canciones un canto de pleitesía naturista y arbolado: tanto cuando se versionan clásicos de Luis Alberto Spinetta o María Elena Walsh o canciones originales creadas ad hoc, todo el proyecto Planta & Canta consigue poner, literalmente, armonía entre los que habitamos encima de la tierra y las raíces que crecen de ella.

Alan Queipo

Mandale Mecha - Ficken Und Kiffen (Raso Estudio, 2020)

Fri, 23 Oct 2020 09:08:48 +0200

¿A qué suenan los nuevos tiempos? Vivimos en una era donde el entretenimiento está cada vez más fragmentado y las audiencias saltan de un estímulo a otro, dejándose llevar por los nuevos aires de promiscuidad que están marcando la música del presente. Mandale Mecha es la versión mejorada de esta nueva escena, quien se ha atrevido a llevar ese espíritu de fusión total a sus máximas consecuencias: más que un grupo es un laboratorio de sonidos.

Detrás de este apabullante debut encontramos a tres instrumentistas brasileños, curtidos en la escena del rock acelerado y el free jazz de su país en bandas como Skrotes, Los Desterros, Carolino y Aquamono, junto a la cantante argentina Michu Méndez (Petit Mort). El cóctel contiene una fantasía de sabores donde la nueva corriente de la música tropical con electrónica (desde cumbia digital hasta neo reggaetón) se mezcla con trip hop a lo Portishead y guitarras con espíritu macarra.

En realidad no es posible compararles con ninguna otra banda porque lo que ellos hacen no se había hecho antes: si acaso, serían una de esas orquestas de pueblo que se reinventan cada noche y en cada canción, según las peticiones de la audiencia, sólo que en su caso los músicos y su vocalista tienen el potencial para abarrotar las salas de moda de medio planeta (cuando eso sea posible). Si algún día alcanzamos la nueva normalidad, Mandale Mecha serán sus apóstoles.

José Fajardo

Ela Minus - Acts of Rebellion (Domino, 2020)

Mon, 26 Oct 2020 15:10:01 +0100

Desde que la pandemia cambió nuestras vidas un selecto puñado de obras creativas han logrado capturar el pulso de esta nueva realidad. Lo asombroso es que la mayoría de ellas ya estaban terminadas antes de que empezáramos a hablar del virus. Es el caso de este ‘Acts of Rebellion’, el esperadísimo debut de Ela Minus, un conjunto de canciones que había ido grabando durante los últimos años. En su llamada a la acción frente a un sistema que no funciona hay un grito visionario que nos advierte de todas las cosas que debemos cambiar. “Nos dijeron que sería duro pero se equivocaban”, dice, en referencia a la revolución.

Esta colombiana afincada en Brooklyn, ex alumna del prestigioso Berklee College of Music de Boston, ya estaba considerada como uno de los grandes talentos de la escena electrónica contemporánea pese a apenas tener un puñado de singles publicados desde 2017. Con este disco logra superar las enormes expectativas. Dividida en dos partes (el corte ‘Pocket piano’ sirve de transición entre el lado más fiestero y el más introspectivo), hay tantos detalles originales, sorprendentes, mágicos y con un poder tan fuerte para engancharte en esta obra que sería una tontería tratar de comparar su trabajo con el de otros creadores de su generación.

En tan sólo 10 canciones Ela Minus nos lleva, como si fuera la heroína de un cómic distópico, a través de la aventura más excitante de nuestras vidas, que arranca con esa marcianada de intro que es ‘N19 5NF’ (el código postal de un hospital en Londres) hasta la potencia techno y liberadora de ‘Megapunk’, y de ahí, a un viaje hacia nuestro interior con pasajes alegres (‘Dominique’), bailes en el after (‘Tony’) y un cierre (‘Close’) de una belleza fulgurante con la colaboración de Helado Negro, uno de los embajadores del nuevo talento latino en Estados Unidos.

José Fajardo

Omar Apollo – Apolonio (Warner Records, 2020)

Mon, 26 Oct 2020 15:28:33 +0100

Icono de la generación que ha pasado su adolescencia en su habitación viendo el mundo a través de YouTube e Instagram y escuchando a Frank Ocean, Daniel Caesar, Blood Orange y Chance the Rapper en vez de boybands o nuevos pastiches radioformuleros; pero, también, hijo de mexicanos instalados en Indiana hace algo más de dos décadas; y, por encima, un curioso caso de estudio que lo ubica en un circuito equidistante entre el bedroom pop, el urban con guitarras y el sarcasmo pop; Omar Apolonio Velasco, u Omar Apollo para el respetable, se da la mano a sí mismo en su material menos cohesionado y, a la vez, polifónico del estadounidense de ascendencia latina.

“Apolonio” no solo es el segundo nombre que sus padres escribieron en su partida de nacimiento hace 23 años, sino también su nuevo álbum, el más largo hasta la fecha y, si acaso, el que ofrece más caras de sí mismo. Marcado claramente por el sonido de los mellow beats que marcan a toda una generación de herederos del r&b más pesado, de los bajos gordos y sucios que van persiguiendo el beat y las guitarras filtradas en chorus (ahí están ese gran hit que es “Kamikaze”, pero también las falseteras “Stayback”, “Want U Around” o “Hey Boy”, junto a la colombiana Kali Uchis); su más reciente material proyecta tantas miradas como ventanas tiene abiertas en su navegador musical.

Más allá de la clara querencia que tiene por artistas como Prince, Sade o Aaliyah (ese r&b de corte funk mediotiempista); en su nuevo disco, Omar Apollo se permite licencias inimaginables para un artista cuya exposición prácticamente le exigía un gran material cohesionado, sin sensación de cajón de sastre.

Él se lo ha pasado por el forro, y firma una suerte de relato de clase obrera en clave de corrido mexicano hermanado con la generación que capitanea Natanael Cano en un temazo como “Dos Uno Nueve (219)”, donde suelta frases como “Antes era un cero, pero ahora sobran los ceros que gané por un contrato que firmé”; pero también le roba (literalmente: la línea de guitarra es de Albert Hammond Jr.) una canción a The Strokes (“Useless”); se permite bucles lo-fi a modo de epílogo soul (“The Two of Us” es muy Mariah Carey); le allana el camino a lo que debería estar haciendo Justin Bieber (“I’m Amazing” sería un hit global en voz del rey de los believers); y hasta firma uno de los hits pop del año (“Kamikaze” es una joya after-funk y ultrapop).

Nunca un cajón de sastre tan oscilante ha sonado a tal reivindicación de lo que son las figuras pop de dormitorio de la tercer década del siglo XXI.

Alan Queipo

Gepe – ULYSE (Sony Music Chile, 2020)

Thu, 29 Oct 2020 11:46:55 +0100

Qué importante es que un artista con la capacidad de llegada tanto en el circuito alternativo como en la cadena mainstream del pop de autor tenga una mirada artística tan transversal; esa que le permite trabajar con materiales que va desde la profundidad de la música tradicional hasta las canciones de pop redondo para quemar la radiofórmula o incluso la que lo posiciona como un icono de ese mal llamado ‘indie’ que acaba rompiendo fronteras.

Gepe es de ese tipo de personas. En su nuevo disco, el chileno rompe con una de sus maneras de trabajar en estos casi quince años y siete discos: firma su primer álbum por una multinacional, tras haber trabajado con Quemasucabeza y el extinto sello español Astro. Firma por la multinacional de las multinacionales (Sony Music), pero no solo no pierde su esencia; sino que firma un manual que condensa todas sus vertientes.

Así lo deja patente en su acercamiento a la canción popular y tradicional latinoamericana desde una vocación pop contemporánea (en canciones como “Confía”, “Prisionero” o “Timidez”), su capacidad de generar alianzas de pedigrí (hay colaboraciones de Vicentico, Natalia Lafourcade y Princesa Alba) y también de bifurcar la producción de sus canciones (trabaja con el chileno Cristián Heyne, aliado habitual en sus discos; y con el argentino Cachorro López, uno de los padres del sonido del pop alternativo latino desde hace varios lustros).

Pero, sobre todo, demuestra movilidad y capacidad de cintura al hacer un simulacro orgánico del sonido del mambo posmoderno de Cardi B (“Kamikazi”), el medio tiempo reggaetonero (“tupenaesmipena”) o firmando algunos de los hits que podrían firmar los carilindos del pop latino romántico (“Un segundo”, “Carola y Luna” o “Calle Cima” ), pero con una mirada sobre la nueva masculinidad que lo distancia de clichés, sobre todo cuando sentencia con estribillos que son mantras feministas como “por favor avisa cuando llegues a casa”. Infalible haga lo que haga.

Alan Queipo

Harold López-Nussa - Te lo dije (Mack Avenue Records, 2020)

Thu, 29 Oct 2020 12:02:52 +0100

‘Te lo dije’ es el disco donde el pianista cubano Harold López-Nussa lleva hasta las máximas consecuencias el espíritu libre que lleva años imprimiendo en el nuevo jazz latino: más apegado a los clubes nocturnos que a la ortodoxia, con la mira puesta en el aficionado de los barrios populares más que en la academia, su propuesta tritura sin prejuicios toda clase de ritmos hasta lograr una música que suena distinta a todo y, lo más importante, radicalmente viva.

‘Jazztón’ resume todas esas cualidades: una canción con la que se inventa un género nuevo, poderosa mezcla de jazz y reggaetón junto a la colaboración de Randy Malcom (Gente de Zona) a las voces y el solo de timbales. No es el único ejemplo donde imprime su amplitud de miras: ahí está su versión de ‘El buey cansao’ de Los Van Van con el tremendo flow de Cimafunk (una de las propuestas más excitantes que han salido de Cuba en los últimos años) o esa maravillosa locura que es ‘Van Van Meets New Orleans’.

Junto a su banda –Maykel González (trompeta), Julio César González (bajo) y su hermano Ruy Adrián López-Nussa (batería)-, Harold es uno de los artífices de la verdadera revolución en Cuba, la de una nueva generación de músicos que están escribiendo la historia presente y futura de una isla que rebosa talento, desde Danay Suárez hasta Yissy García pasando por Daymé Arocena y Roberto Fonseca.

José Fajardo

Rocío Márquez & Enrike Solinís - Omnia Vincit Amor (Universal Music, 2020)

Thu, 29 Oct 2020 12:32:02 +0100

Siempre a contracorriente, Rocío Márquez se adelantó a la tendencia global de recuperar las propias tradiciones. Más que adelantarse, es que ella ya estaba ahí, es el mundo que habita desde que con 9 años cantaba sobre el escenario de la peña flamenca de su ciudad, Huelva. Por eso la cantaora no ha necesitado subirse a ninguna ola ni dejarse arrastrar por esa fuerza que tan pronto encumbra como hunde. Mientras otros muchos artistas fuerzan experimentos que no están en su ADN, ella avanza pasito a pasito por el camino que por sí misma decide, sin buscar atajos.

Con un ritmo de producción vertiginoso, casi a disco largo por año, tras entregar varias piezas que han ido marcando el impulso del nuevo flamenco -desde la inspirada ‘El Niño’ en 2014 hasta la madurez de ‘Visto en el Jueves’, del año pasado-, la onubense se desmarca con este trabajo ambicioso, extraño, original y rotundamente genial. Aliada con el virtuoso de la guitarra Enrike Solinís y el grupo de música antigua que este fundó en Bilbao en 2006 (Euskal Barrokensemble) traza conexiones entre ‘El amor brujo’ de Manuel Falla y las palabras del poeta romano Virgilio (de ahí el título: “el amor lo vence todo”) bajo una mirada contemporánea.

Su visión no pretende reinterpretar, sino actualizar y rendir homenaje; en una época donde triunfa lo grandilocuente y rotundo, esta extraña pareja (Márquez y Solinís) lo apuesta todo a los pequeños matices, a la tremenda voz de ella o al sutil sonido de instrumentos con historia como una guitarra barroca, una tiorba, un lavta turco o un archilaúd. Juntos traen al presente la fuerza de la mítica obra de Falla (que el guitarrista vasco ya revisó en 2017 en su disco ‘El amor brujo’ junto a la voz de María José Pérez) en este festín donde suenan jotas, tarantas y canciones del amor dolido.

Rocío Márquez siempre incide en las entrevistas en la importancia de reivindicar referentes femeninas en la historia del arte sin darse cuenta de que su figura ya es una de las grandes influencias para las nuevas generaciones.

José Fajardo

Monte – Mirla (Autoeditado, 2020)

Thu, 29 Oct 2020 15:54:23 +0100

Como si de una Greta Thunberg folktrónica se tratase, el colombiano Simón Mejía, conocido por ser el beatmaker y mitad de Bomba Estéreo, uno de los grupos latinoamericanos con mayor proyección global de la power electrónica de vocación popular, ha decidido firmar un acuerdo con la Pachamama en forma de álter ego musical.

Monte es el proyecto paralelo a Bomba Estéreo que ha presentado hace tan solo unas semanas. Un alegato naturalista que bucea las fronteras de la música electrónica más orgánica y selvática, con una firme intención: acercarnos más a la naturaleza, imponer una relación más cercana, intentar sentir los olores y sonidos a través de un cancionero que se aleja del poderío enérgico que le aporta Li Saumet a sus bases en Bomba Estéreo, y que se acerca a un registro de un clubbing más ambient, un house orgánico y folktrónico pero repleto de matices que, más que invitarnos a quedarnos adentro, nos lleva de viaje medioambiental.

Prácticamente instrumental, las pocas voces que aparecen son para recitar poemas (Jenny de la Torre en “Mar”) o mantras naturalistas (como el de Natalia Helo en “Colibrí”), para servir casi como instrumentos rituales (en la indigenista “Kaka Hyká (Abuela Piedra)” con la que se abre el álbum) o inyecciones robóticas (con esa voz casi de Loquendo que se cuela en el cierre house de “Sol Amor”).

Pero, en general, y a diferencia de lo que proyectan Mitú, proyecto del que forma parte Julián Salazar, también ex Bomba Estéreo; Monte es una escapada más sosegada y psicológica, menos cargada de estímulos y mucho más orgánica: una electrónica que bucea por un lounge folktrónico, a veces con una mirada más clubber (“Hábitat Sur”, por ejemplo), a veces acercándose al sonido de proyectos como Chancha vía circuito o el primer Nicola Cruz (“Mirla”) y en otras a una suerte de ambient que juega con la idea de un tribalismo cyber-house (“Jungla”).

Alan Queipo

Monique Fernández – Bilocada (Shagrada Medra, 2020)

Fri, 06 Nov 2020 09:22:33 +0100

Hay artistas que sienten mixto, que es imposible aparcarlos en un sitio sin que estén pisando la línea de otro. La argentina Mónica Fernández es de esa raza de artistas: de las que no solo no entiende la militancia de un género estanco, sino que todo lo que proyecta se mueve entre varias disciplinas; su manera de expresar su obra se amalgama en vertientes infinitas.

Así se confirma en “Bilocada”, el debut de la artista neuquina: un álbum que desde su título comunica esa manera de entenderse a sí misma eternamente bifurcada. Un repertorio que se soñó en la Patagonia y se grabó en Buenos Aires; que combina canciones propias con la de iconos como Luis Alberto Spinetta o compañeros generacionales como Damián Zeni; que se mueve a gusto en las periferias del jazz, del folclore y del formato canción; y que, además, construyen una narrativa que excede lo sonoro, generando piezas audiovisuales que se acercan a la poesía visual, al videoarte y a la performance, con la colaboración del cineasta y fotógrafo Pablo Tesoriere.

Tanto cuando resignifica y redimensiona clásicos de Spinetta como una “Muchacha (ojos de papel)” que la acerca a una suerte de tango-jazz aéreo o una “Durazno sangrando” que suena a canción de corte lounge; como cuando se acerca al registro de la trova rosarina de los años ’80 en “El viaje”; como cuando combina matices que van de Marilina Ross a Lito Vitale en un repertorio indefinible, universal, caleidoscópico, infinito.

Alan Queipo

Alfonso de Vilallonga - Hors de Saison (Satélite K, 2020)

Fri, 06 Nov 2020 09:51:30 +0100

Decía Alfonso de Vilallonga en una entrevista reciente con El País que se siente como un marciano, no tanto porque él se crea alguien diferente, sino porque mira alrededor y piensa que los demás son raros. Su carrera es un ejemplo de ese modus operandi a la contra de lo convencional: él siempre ha dicho que su mayor orgullo es que hace lo que le gusta sin la presión de buscar algo comercial.

Así es como ha ido acumulando reconocimientos (se llevó el Goya y el Gaudí por la banda sonora de ‘Blancanieves’ en 2013), colaboraciones de lo más dispares (desde Maria de Medeiros hasta Isabel Coixet, con quien está trabajando en su próxima película como compositor y actor) y una obra en solitario repleta de hallazgos y casi imposible de resumir en unas pocas palabras. Es el reflejo de una vida fascinante, la de un barón que no necesita vivir de su sangre aristócrata y reivindica a figuras tan personales como Leonard Cohen y Tom Waits.

La canción francesa siempre ha sido una de sus mayores influencias, desde que de pequeño su padre le arrancaba de la cama para ir a fiestas donde se escuchaban rancheras y a Jacques Brel. Asegura que el francés, como idioma, ha sido para él natural al cantar, casi más que el español o el catalán. Por eso quizá suena tan pertinente este disco atemporal, donde compagina canciones propias con versiones de Charles Aznavour, Henry Salvador y Gilbert Bécaud.

Acostumbrado al sarcasmo y los juegos de palabras, en este caso Alfonso de Vilallonga abraza con todas las consecuencias la canción de amor, empapando de romanticismo estas canciones. Una pena que el virus vaya a golpear por tiempo indefinido los conciertos en España, porque debió ser memorable (a tenor de las críticas) el que ofreció hace unos días en Barcelona junto a una súper banda formada por Marco Mezquida (piano), Pau Figueres (guitarra) y Juan Pastor (contrabajo).

José Fajardo

María Blaya – Silencio (Autoeditado, 2020)

Wed, 04 Nov 2020 16:43:16 +0100

Cuando las canciones hablan por sí solas, no se necesita hacer mucho ruido. Eso es lo que sucede con “Silencio”, el debut de María Blaya, la jovencísima (23 años solamente) artista murciana afincada en Madrid, llamada a ser una de las revelaciones de un 2020 cuyo espíritu dialoga directamente con la melancolía y la nostalgia generacional de un repertorio que se desplaza a gusto por una canción andrógina, con tanto poso de autor como poseedora de una mirada transgresora para un cancionero capaz de ser minimalista y universal.

Blaya aparece en un momento en el que parecemos resignados a entender que todo el mundo tiene que caber en nuestra habitación. La habitación de la murciana parece ser bastante más grande que las que conocemos, al menos en la manera de entenderse a sí misma (ella misma delimita muy bien sus influencias: James Blake, Billie Eilish, Carla Morrison o The Blaze), pero también de fotografiar cada uno de los recovecos posibles que la aparentemente limitada idea de “bedroom pop” parece querer acotar.

“Silencio” no sale de la melancolía en los apenas veintitrés minutos que dura; pero proyecta un universo sonoro en el que María Blaya no solo se entiende bien generacionalmente con otros fenómenos actuales del circuito (de Babi a Natalia Lacunza, Sebastián Cortés o mori), sino que es capaz de construir, desde los tonos gris de una canción nostálgica y tristona, un repertorio que dialoga con la indietrónica, el pop de cámara, la canción de autor y hasta el melanco-trap.

Alan Queipo

Bryant Myers - Bendecido (Entertainment One US, 2020)

Mon, 09 Nov 2020 18:39:39 +0100

El despampanante éxito de Bad Bunny a nivel global ha allanado el camino para una nueva generación de artistas urbanos en Puerto Rico. Partiendo del trap latino pero con miras al reggaetón, el r&b, el pop, el hip hop y hasta la balada romántica, nombres como Jhay Cortez, Lary Over, Myke Towers, Casper Mágico, Alex Rose, Miky Woodz y Noriel aspiran a seguir los pasos del ‘conejo malo’.

Algunos de ellos coinciden en ‘Bendecido’, el disco donde Bryant Myers rinde homenaje al movimiento y reflexiona sobre el lugar que ocupa en el mismo arropado por nombres consagrados como Nicky Jam y Farruko.

Ya convertido en una figura destacada a sus 22 años, a lo largo de tres discos el boricua ha ido encontrando su voz dentro de una escena súper poblada, que a veces corre el riesgo de caer en la repetición. Bryant Myers logra evadir esa sensación de dèjá vu gracias a su flow tan particular (pegadizo, suave, melódico) y unas letras por encima de la media.

Valga como ejemplo ‘Sé fuerte’, donde logra superar la típica historia de amor desde la perspectiva del hombre poniéndose en la piel de la mujer. Tampoco es que sea un tema de empoderamiento femenino, como han dicho algunos medios, pero sí cambia las reglas del juego de un género que ha caído demasiadas veces en el fango del machismo. Bryant Myers demuestra que el trap latino tiene futuro más allá de las modas.

José Fajardo

Guacho Bleu – Pepsi fría y antiácidos (Guaglione, 2020)

Wed, 04 Nov 2020 14:42:29 +0100

La frontera entre la angustia, el nihilismo y la desidia de la Generación Z cada vez está más difuminada. Del mismo modo que hace años ya se difuminaron las fronteras de los géneros, que acabaron convirtiéndose en paraguas calificativos.

Como ejemplo, la idea de punk, que ya no depende tanto de la velocidad en la que se rasguen los acordes de tónica y quinta y la forma de esputar que tenga el vocalista contra los vaivenes del estado; sino con una actitud rupturista, renovadora, que consiga fotografiar el sentir de una generación que, aún perdida, no niega la angustia, pero tampoco renuncia a seguir hacia adelante.

Un buen ejemplo de ello es Guacho Bleu, en sus propias palabras un “antimúsico y antiproductor” de la localidad de Ramos Mejía, en el conurbano bonaerense argentino: una suerte de falso crooner doméstico que bascula entre la cultura trap, el nihilismo punk del siglo XXI y una melancolía tan terrenal como cósmica; la misma que se embadurna de autotune o que se anticipa al apocalipsis sentenciando: “tenemos los días contados”.

“Pepsi fría y antiácidos”, el sorprendente debut y presentación en sociedad del álter ego en solitario de un Joel Guaglione que durante años militó en bandas de punk, hardcore y new wave como Bane, Have Heart o Saudade; es un viaje espacial a las profundidades de la vida cotidiana, de la canción de dormitorio en la que cohabitan el cybertrap, el melancopop o el cantautorismo posmoderno.

Hay un espacio compartido, tanto generacional como en su propuesta artística, con colegas como Juan Mango, Simón Poxyran, Luca Bocci, Jvlian o Gonza Nehuén. Pero, si acaso, la propuesta de Guacho Bleu consigue equilibrar con sus letras cotidianas y terrenales un paisaje sonoro espacial, en un marco sonoro en donde parecen cohabitar Connan Mockasin, Usted Señálemelo, Bon Iver, Chromatics y Soft Cell, pero colindando el partido de La Matanza. La luz al final de un túnel sin salida, pero repleto de instrumentos para seguir derribando muros.

Alan Queipo

Boy Pablo - Wachito Rico (777 Music, 2020)

Fri, 13 Nov 2020 09:32:42 +0100

Ya es una escena global: desde todos los rincones del planeta creadores que no superan los 25 años están grabando encerrados en sus dormitorios (usando programas informáticos como Ableton con teclados y micros de juguete) canciones pop intimistas y bonitas que ofrecen un remanso de paz para una realidad cada vez más turbulenta. Son la versión para la Generación Z del bedroom pop, expertos en el uso de redes sociales donde construyen una personalidad virtual con la que conectan con miles de fans.

Sucede en España (dani, mori, Rusowsky, rebe), en Estados Unidos (Cuco, Clairo), en Inglaterra (Bakar) y hasta en Noruega (Girl In Red). Desde el país nórdico viene también Boy Pablo, aunque su sangre tiene sabor latino: sus padres salieron de Chile en los 80. Su popularidad masiva llegó pronto, antes de cumplir la mayoría de edad, cuando lanzó en ‘YouTube’ el single pegajoso y nostálgico ‘Everytime’ (2017).

Su hermano mayor (estilísticamente hablando) es Mac DeMarco, por ese pop atemporal de autor que captura la angustia, los sinsabores y la incertidumbre de la adolescencia, pero también su épica y energía. Sus abuelos serían The Beatles: su esperado debut no es más que una carrera de fondo cuya meta es encontrar la melodía perfecta. ¿Lo consigue? Digamos que todavía está en el camino, pero esa travesía está repleta de hallazgos memorables.

José Fajardo

La Cebolla & Negro Jari - Caracas (Dagrama / Ataque!, 2020)

Mon, 16 Nov 2020 10:24:49 +0100

La Cebolla tiene 15 años y vive en el barrio de Las 3.000 Viviendas en Sevilla. Su tema ‘Habibi’ (un popurrí de rumba flamenca con guiños árabes) fue reivindicado el año pasado por Rosalía y ya suma la burrada de 25 millones de reproducciones en YouTube. Va a ser una de las nuevas voces del flamenco urbano, aunque apenas ha salido todavía en los medios. Sus armas: autenticidad, frescura y olfato para los temas pegadizos.

Empezó a cantar desde que era una cría pero fue su encuentro con Negro Jari lo que la convenció para probar suerte en la música desde una perspectiva profesional. De origen senegalés, este sevillano de 30 y pico lleva ya un buen tiempo sacando adelante proyectos desde la periferia. Su historia habla de superación personal: tras una adolescencia problemática ha impulsado una escena donde aparecen nombres como La Húngara (figura recuperada hace unos días por C. Tangana), Moncho Chavea y Omar Montes.

‘Caracas’ es el desembarco de ambos en las grandes ligas, un debut que cuenta con un buen puñado de himnos para la juventud que reivindica a Camela, escucha a Niña Pastori y por las noches (cuando se podía) baila trap y reggaetón. Ese es ahora el público de La Cebolla pero quizá pronto se le quede pequeño: pese a su juventud esta artista aspira a hacer grandes cosas en la música. Vale la pena seguirle la pista.

José Fajardo

Gilberto Santa Rosa – Colegas (InnerCat Music Group, 2020)

Mon, 16 Nov 2020 10:59:51 +0100

Puede que nos hayamos obsesionado tanto con las derivas modernas de los géneros tradicionales que nos hayamos olvidado cómo se hacían antes los discos de algunos géneros. Y si hay un género cuyas producciones están más cerca de un film de Hollywood que de una película independiente hecha con un móvil, esa es la salsa: Big Band infinitas en donde tanto la nómina de percusionistas como de vientos como la versatilidad infinita de los músicos convirtieron el género en el alma máter del ritmo latino… hasta que llegó el reggaetón.

Afortunadamente, hay artistas icónicos del género que imponen una convivencia en el horizonte de lo que se entiende en el siglo XXI como ‘música latina’. Entre ellos, Gilberto Santa Rosa, apodado “El Caballero de la Salsa” y uno de los grandes representantes del género en las últimas décadas.

El puertorriqueño ha decidido recuperar el espíritu de las grabaciones de la Fania All-stars, a la vez que reivindicar géneros que parecen escondidos bajo la alfombra como el son montuno, la salsa más brava y bailonga y hasta el bolero; a la vez que, en un momento en el que países como Puerto Rico o República Dominicana parecen estar copados por los ritmos urbanos, reivindicar que la salsa casi como género folclórico de las islas centroamericanas.

De ahí que Gilberto Santa Rosa aproveche la celebración de sus cuatro décadas sobre los escenarios con una nómina de casi veinte colaboradores de renombre puertorriqueños, cubanos y dominicanos: artistas de la talla de Tito Nieves, Luisito Carrión, Choco Orta, Maelo Ruiz, Michelle Brava o Tito Rojas, entre muchos otros; recuperan el espíritu de un repertorio plagado de clásicos del género, obras de compositores puertorriqueños y cubanos de la talla de Arsenio Rodríguez , José Curbelo, Alain Pérez, Consuelo Velázquez, Bobby Capó, Víctor Manuelle o Calixto Varela, entre otros.

Un álbum que no solo condensa el espíritu de la salsa más brava y clásica, sino también una manera de trabajar: rodeado de colegas, llevando el sonido de Big Band latina en un all-stars que resuena como el último grito de un género que es el alma de América Latina.

Alan Queipo

Rauw Alejandro – Afrodisíaco (Sony Music, 2020)

Thu, 19 Nov 2020 10:25:32 +0100

El reggaetón, o el pop urbano, o el ‘movimiento’; ha cambiado la manera que tiene el usuario (al menos el usuario nacido a finales de los años ’90 y principios de siglo) de percibir y entender lo que aquello que se llamaba “disco”. Al rechazo que las nuevas generaciones tenían de almacenar canciones en un álbum, casi desechando singles en favor de la concatenación de canciones en una carpeta abierta al público, se pasó a un nuevo estadio, impuesto sobre todo tras “Odisea” de Ozuna, “Fénix” de Nicky Jam, “Vibras” de J Balvin y “X100PRE” de Bad Bunny.

Un disco, para un artista de este registro y para una generación como la recién mentada, es un espacio de confirmación, donde la delgada línea entre el éxito (por lo general, ya contrastado en cifras casi pornográficas) y algo aproximado al prestigio se dan la mano. Rauw Alejandro, posiblemente junto a Jhay Cortez, Manuel Turizo y Nio García, es de la última camada de artistas que vienen a disputarle el trono a los, de momento, reyes del género. Con su flamante álbum debut ha conseguido aunar hits como cañones y texturas que nos invitan a pensar en un reggaetón que se abre a nuevos dominios.

Quizá no tan “nuevos” del todo, porque los recursos y la nómina de colaboradores se repiten como el ajo entre los discos de los popes del género; pero sí que “Afrodisíaco” se permite licencias que, aunque sea el primer material largo del puertorriqueño, es poseedor de una horizontalidad en la que el pop de radiofórmula (ahí está su “Tattoo”) y un marco de referencias en la que cohabitan desde The Weeknd (ahí está “Algo mágico”) al “Más Flow” de Luny Tunes & Noriega (ahí está “Soy una gárgola”) apelan a inventar un nuevo espacio para un género cada vez más omnipresente y, por momentos, carente de nuevos recursos.

Alan Queipo

Kali Uchis - Sin Miedo (del amor y otros demonios) (Universal Music, 2020)

Thu, 19 Nov 2020 16:04:47 +0100

Lido Pimienta, Ela Minus, Lucrecia Dalt, Tei Shi, Las Áñez, La Muchacha… Las mujeres de Colombia siguen marcando el paso de la música en un año marciano en el cual, a falta de grandes festivales y giras internacionales, han salido algunos de los trabajos más importantes de los últimos tiempos. Kali Uchis es quizá la que tenga un mayor alcance global de todas ellas. Por eso es todavía más importante que este esperadísimo segundo disco venga con una reivindicación poderosa de su latinidad a través de unas letras cantadas (por primera vez desde sus inicios en 2015) en su mayoría en español y de un homenaje a los sonidos con los que creció antes de irse a Estados Unidos.

En una época donde las estrellas duran lo mismo que las stories de Instagram, donde todo es líquido y tiene fecha de caducidad, Kali Uchis sigue construyendo su carrera a imitación de las grandes estrellas del siglo pasado: su personaje crece con cada obra, reforzando su singularidad (esa imagen que mezcla la diva latina con el reverso oscuro de Hollywood, como una Lana del Rey reggaetonera) y mostrando nuevas aristas excitantes y sorprendentes. Mientras otras refuerzan los barrotes que afianzarán su futura jaula ella se construye unas alas de ángel para sobrevolar un cielo que todavía no existe.

Lejos de conformarse con ser una más en la pujante industria latina en Estados Unidos, la autora del sobresaliente debut ‘Isolation’ (2018) se confirma con este trabajo como una de las voces más singulares del momento: su música suena a neo soul y r&b pero también a trap y dembow. Da igual el género al que se acerque porque ella lo envuelve todo en un glamour malsano y sensual, con ecos a la elegancia romántica de las películas del chino Wong Kar-wai pero también a los antros nocturnos de los suburbios de Medellín donde se brinda con aguardiente y se huele el peligro.

José Fajardo

María Isabel – Stuck in the Sky (Autoeditado, 2020)

Mon, 23 Nov 2020 09:25:50 +0100

Sobre el amor en tiempos de distanciamiento social, María Isabel sabe mucho más que el resto, incluso desde antes que nos lo impusieran a causa de la pandemia actual. Ni antes muerta ni sencilla: esta María Isabel no es aquella niña (ya mujer) que conquistó Eurojunior hace más de una década; sino la última gema del r&b racializado, ese que colinda fronteras entre el soul de autor y el bolero post-millennial.

La dominicano-estadounidense dispara en apenas 16 minutos un cóctel repleto de sinceridad, poesía, nostalgia romántica, spanglish y una sensualidad de dormitorio. Un repertorio breve y leve que, a lo largo de siete canciones, acerca posturas entre Alicia Keys, Lauryn Hill, Omar Apollo y Choker; a la vez que firma un manifiesto del amor desolado, de la vulnerabilidad como fortaleza, de las inseguridades que basculan alrededor del hecho de estar enamorado y la aventura y el riesgo que supone desnudar sus sensaciones a través de las canciones.

Las canciones surgieron a raíz de un amor que tuvo que vivir a distancia, incluso antes de que la distancia se nos impusiera a nosotros. Por ahí despliega el cancionero, con la sedosa voz de la joven de apenas 24 años, compañera generacional de otras artistas como Ravyn Lenae, Jamilla Woods, duendita o Mereba, entre otras, pero con una personalidad apabullante: una revelación sonora tan poética y sensible como sedosamente sexy.

Alan Queipo

Frente Cumbiero - Cera perdida (Salgaelsol & Biche, 2020)

Mon, 23 Nov 2020 09:58:36 +0100

Colombia ha cambiado mucho desde que salió hace 10 años el debut de Frente Cumbiero junto al icono del dub Mad Professor. El colectivo de agitación orquestado por Mario Galeano no ha sido ajeno a esas transformaciones durante una década de agitación social que han tenido un reflejo directo en la música que se ha hecho desde Bogotá. ‘Cera perdida’ es un manifiesto, a partir de la música instrumental, sobre el país que es Colombia en 2020.

Las protestas juveniles, la paz frustrada, el regreso de las masacres, la brutalidad policial, la corrupción desde las elites… Todo ello tiene su eco en estas canciones pensadas para sacudir mentes y caderas. Frente Cumbiero siempre tuvo una pretensión combativa desde una postura latinoamericanista. Su reivindicación de la cumbia (y la música tropical en términos más amplios) frente a la uniformización de la industria cultural, su grito desde las periferias y su alianza con proyectos de culto en otros países a partir de sus viajes han ido marcando su seña de identidad.

Tras editar este mismo año el fascinante EP ‘Minyo Cumbiero (From Tokyo to Bogotá)’ junto al combo japonés Minyo Crusaders, estas ocho nuevas canciones muestran el camino de la cumbia que está por venir. Ajenos a las tendencias, siempre más interesados en rebuscar vinilos antiguos en las tienditas desperdigas por el centro de la capital colombiana que en conectar con los sonidos de moda, Frente Cumbiero se enfrentan al año más raro de nuestras vidas inventándose un nuevo género musical, cargado de toda la ironía, la sabrosura y la potencia que tiene su música: ¡llegó la era del “tropicanibalismo”!

José Fajardo

Space Surimi - Starfish Troopers (Satélite K, 2020)

Fri, 27 Nov 2020 10:52:22 +0100

Space Surimi son los Beastie Boys andaluces: no hay nadie más capaz de mezclar a Funkadelic con Georgie Dann, al Tekken con Lina Morgan y el Burger King con los VHS. El humor bizarro del MC Coopermen, plagado de referencias pop y mala leche, encaja a la perfección con los ritmos de techno y electro que dispara Carlboro desde las maquinitas. En su receta caben desde el rap clásico yanqui hasta el funk y la rumba.

Sus actuaciones salvajes en festivales como Monkey Week ya han pasado a la historia por su desprejuiciada invitación al desfase a través de la improvisación, el cachondeo y un sentido rítmico envidiable. Tras firmar un par de discos de lo más recomendables en los últimos años, este ‘Starfish Troopers’ es su definitivo salto a la primera división de la nueva música en español. Este trabajo sirve además como escaparate de una escena invisible con nombres como Sholo Truth, OFaith, El Xingo, Nacho Maidero y Mikelodium.

Refugiados en un escondrijo ajeno a las tendencias, Space Surimi trasciende los géneros de moda (su acercamiento al reggaetón o al trap es desde la ironía distópica, como en el corte ‘Future Twerk’), lanza guiños al humor cafre y costumbrista a lo Borat y en sus vídeos capta la estética de los nuevos tiempos a través de la tecnología, los videojuegos y la cultura digital pero también recuperando referencias nostálgicas de los 90.

José Fajardo

Lucas Fridman – Fuera del umbral (Autoeditado, 2020)

Fri, 27 Nov 2020 11:13:09 +0100

Es normal que el foco esté puesto en la gran expansión que la música urbana argentina está teniendo en todo el mundo: posiblemente, el gran semillero de América Latina, con propuestas que se animan a acercarse a vertientes muy diferentes, está en el país de Diego Armando Maradona.

Pero una cosa no quita la otra: también hay una generación especialmente lúcida, cuya herencia no está tanto en los sonidos electrónicos y urbano-latinos, sino en reivindicar, resignificar y reorientar el legado de los grandes iconos del rock argentino: Charly García, Luis Alberto Spinetta, Fito Páez o Gustavo Cerati, por mentar solo algunos ídolos, viven en el espíritu de artistas jóvenes como, por ejemplo, Lucas Fridman.

Es curioso el caso de Fridman. Conocido en Argentina por ser uno de los productores del programa multiplataforma “Últimos cartuchos” desde hace cuatro años, también ha formado parte de diversas bandas estos años, deja ver sus dotes musicales en el show del que forma parte y hasta, aunque en voz baja, compuso la BSO hace unos meses para la película independiente “Tóxico”.

Pero es ahora, con “Fuera del Umbral”, donde suelta amarras y expone por primera vez un registro que ya se intuía deudor de, sobre todo, el rock argentino de los años ’80: el de la lúcida y a la vez ultrainstrumentada obra de Charly García o Spinetta, pero también del Páez que estiraba hacia otros territorios la herencia de la ‘trova rosarina’ de Baglietto, Fandermole y coetáneos.

En este breve pero redondo álbum debut, Lucas Fridman deja guiños al sonido de “Yendo de la cama al living” en canciones como “Va a salir”; al de “Don Lucero” de Spinetta en “Va a salir”; al Fito Páez de sus primeros discos en “Fuera del umbral” o el de “Naturaleza Sangre” en la pandémica “Veinte veinte”; tics heredados de su trabajo como compositor de bandas sonoras en “Lo que es el amor” o “Altoparlante”; y hasta un giro pop que se debate entre Los Piojos más tiernos, la canción de autor ochentosa de Juan Carlos Baglietto y hasta el Lisandro Aristimuño de “Azules turquesas”. Muchos Lucas Fridman habitan en Lucas Fridman.

Alan Queipo

Bad Bunny - El último tour del mundo (Rimas Entertainment LLC, 2020)

Mon, 30 Nov 2020 09:45:26 +0100

El peor año en la vida de tantos ha sido el mejor año en la fulgurante carrera de Bad Bunny. Tras irrumpir en 2018 con ‘X100PRE’ (todavía su cima artística) y aliarse en 2019 con J Balvin en el súper ventas ‘Oasis’ además de consolidarse en la industria de Estados Unidos (es decir, en la global), este año ha sido el de la confirmación del ‘Conejo Malo’ como icono pop de los nuevos tiempos. Los rumores sobre su despedida de la música, alentados por el título de este nuevo álbum y una sagaz campaña de marketing en YouTube, en realidad responden a una pregunta: ¿qué metas le quedan por conseguir, a sus 26 años?

Sin ese enemigo común de la comunidad latina que es Donald Trump (quien, por mucho que le cueste, tendrá que abandonar la Casa Blanca el próximo 20 de enero). Sin colaboradores con los que trabajar por primera vez (ya ha grabado con las grandes estrellas del género de ahora y antes, desde Rosalía, Duki y Anuel AA hasta Don Omar, Daddy Yankee y Nicky Jam). Sin barreras que romper (el reggaetón y el trap latino se han colado en las portadas de los medios generalistas más influyentes)…

Uno podría pensar que la industria de la música ha sido hasta ahora una tomadura de pelo si de repente Bad Bunny es capaz de sacar en un solo año tres discos que están entre el notable y el notable alto (¡en total 50 canciones!). Su fuerte es que no baja el listón pese a esa incontinencia creativa a lo Woody Allen. Es cierto que ninguno de sus tres últimos trabajos llega al sobresaliente, pero todos ellos tienen fogonazos de genialidad sólo al alcance de unos pocos.

En este caso sobresale la colaboración tan esperada con Rosalía en ‘La noche de anoche’, donde ambos explotan las armas que les han hecho grandes: su carisma y esas voces tan singulares. También quedará en el recuerdo cuando pase el tiempo del hype ‘Dákiti’, firmado junto a uno de los nuevos cantantes puertorriqueños que le siguen la pista en cuanto a talento y flow, Jhay Cortez. Entre tanto, hay grandes dosis de chulería (‘El mundo es mío’) pero teñidas de esa melancolía marca de la casa (‘Maldita pobreza’).

Para el 2021 hay que pedirle a Bad Bunny que se concentre en una sola obra pero que vaya a por el 10. Quizá esa perfección sea ya lo único que le falta por conseguir.

José Fajardo

Xoel López – Si mi rayo te alcanzara (Esmerarte / Sony Music, 2020)

Mon, 30 Nov 2020 09:58:34 +0100

“Estoy envuelto en llamas… ¡y bailo!” es una de las frases-meme de un capítulo de Los Simpsons en el que un hombre, en efecto, envuelto en llamas en mitad del Carnaval de Río de Janeiro, solucionaba sus problemas bailando. En el caso de Xoel López, decide convertirse en un antihéroe devenido en un Poseidón de marisquería del siglo XXI, y decide también que, como dijo aquel, es mejor quemarse que enmohecerse en un álbum que suena a reinicio, a nuevo cambio de etapa y a celebración de la vida en un momento en el que las celebraciones están prohibidas.

La multa que se impone el coruñés en “Si mi rayo te alcanzara” es la de finalizar su etapa declaradamente latinoamericana (la de la trilogía que arrancó en “Atlántico”, continuó en el cuasi futurista y poliédrico “Paramales” y culminó en la oscura mirada noctámbula y de interior “Sueños y pan”) y abrir una nueva: la que mantiene ciertos tics y ritmos de esa etapa latina que sirvió para acabar con su pleitesía anglófona e indie de Deluxe; pero también abre un paraguas a una ristra de miradas sobre cómo deben ser los cancionistas de mirada horizontal.

¿Qué hace un cancionista como Xoel en un disco como este? Pues mirarse a sí mismo de otra manera, deconstruir su registro, pero permanecer como un referente de una canción de autor sin ataduras. Ni ataduras de herencia latina ni en la ortodoxia de la canción de madera ni saltos mortales hacia terrenos ambiguos. Todos los xoeles que habitan en Xoel suenan en este nuevo ábum.

Con aliados como David Quinzán a la composición, Carles Campi Campón (productor de Jorge Drexler, Vetusta Morla, Natalia Lafourcade o Martín Buscgalia, entre otros) a la producción y voces como las de Ede, Gaby Moreno o Alice Wonder; López encuentra puntos de fuga en sí mismo: tanto cuando parece sonar a una suerte de híbrido entre Rufus Wainwright y Pablo López (“El destello”) como cuando nos pone a bailar en una bachata indietrónica (“Tigre de bengala”), cuando escribe su propio “Let It Be” (“Joana”), o cuando firma una falsa murga-canción de mirada universal (“Alma de oro”), un pop de autor caribeño (“Dancehall”), un regreso a cierto ramalazo indie-folk americano (“Catarata”) o un arrojo tan cerca de The Postal Service como de The Divine Comedy (“Vanpiro blanco”).

Alan Queipo

MIEL – Edén (Autoeditado, 2020)

Thu, 03 Dec 2020 16:15:28 +0100

Buscando nuevas texturas en la mirada más contemplativamente sexy del pop contemporáneo, el dúo ecuatoriano MIEL parecen haber encontrado un pasadizo secreto entre la indietrónica, el dub más sensual y un pop alternativo tan cerca de los sintetizadores y programaciones electrónicas como de las melodías más inmediatas y espirituales.

Esa mirada etérea y cósmica que proyectan Damián Segovia y Martín Flies en las canciones de “Edén”, su brillante debut en largo tras presentar en los últimos meses tres de las canciones que lo conforman y de haberse convertido en la revelación inesperada del álbum de remixes que publicó Mateo Kingman hace unos meses; los acerca a un registro que los emparenta, a la vez, con el argentino Luis Alberto Spinetta o el chileno Diego Lorenzini, y un arrojo pop contemporáneo en una órbita cercana pero más pausada que la propuesta de los chilenos Astro o los argentinos Usted Señálemelo.

Esa misma cosmogonía pop reiniciada los aleja de los automatismos que el grueso de las propuestas que basculan entre los sintetizadores y ‘lo etéreo’ suele identificarse con una aproximación a la “psicodelia” moderna. En el caso de MIEL, hay más de dub, de indietrónica pasiva, de pop alternativo de autor, de melodías redondas, e incluso de neo-house.

Tanto cuando dibujan medios tiempos indietrónicos redondos (“Gema”) como cuando entrecruzan a Khruangbin y Astro (“Camelias”), cuando proyectan un Bob Marley mecánico (“Lirios” o “Mantra”) o cuando recurren a la nocturnidad y alevosía del Gustavo Cerati de “Siempre es hoy” (“Lilas”) o el de “Bocanada” (“Orquídeas”) para hacer de lo onírico algo ultra sexy.

Alan Queipo

Grupo Niche - 40 (Autoeditado, 2020)

Thu, 03 Dec 2020 18:16:06 +0100

La escena es poderosa: más de 20.000 jóvenes bailando salsa en el festival más moderno de Bogotá. Sucedió en abril de 2019 en el Estéreo Picnic (una especie de Coachella a la colombiana) en el escenario donde actuaba el Grupo Niche. Como ha dicho el fotoperiodista Camilo Rozo, quien estuvo allí: “Aquella noche fue histórica, marica”. Y no sólo por la estética de la multitud bailarina sino por el significado que había detrás: romper una barrera generacional (el cartel del evento estaba dominado por la electrónica y las bandas indies) y unir el espíritu cosmopolita de la capital con la locura de la escena de la salsa en Cali.

Fue quizá la culminación de una carrera robusta que comenzó hace cuatro décadas precisamente en Bogotá bajo los mandos del músico de Quibdó Jairo Varela, fallecido en 2012. El grupo se consolidaría en Cali y desde allí ha firmado una de las historias más importantes de la salsa colombiana contemporánea con éxitos masivos como ‘Una aventura’ y ‘Gotas de lluvia’. Este ‘40’ no es sólo un tributo a su historial sino al maestro que se fue.

Bajo la dirección musical del veterano José Aguirre (quien trabajó tantas veces al lado de Jairo Varela) estas canciones -las primeras composiciones de Niche sin la firma de este último- logran unir el pasado con el futuro. Son 15 músicos (entre ellos tres cantantes) y varios reputados colaboradores, como Hugo Candelario que pone las notas de marimba en ‘Happy viche’, un contagioso homenaje al espíritu del Pacífico que Varela siempre imprimió en sus composiciones.

Un álbum (nominado a los Grammy Latinos de este año) para soñar con los tiempos no tan lejanos en que se podía bailar entre la multitud.

José Fajardo

Paul Higgs – Astucia (Queruza, 2020)

Thu, 03 Dec 2020 16:36:13 +0100

¿Cómo sonaría un crooner que separa temporal y espiritualmente la frontera entre los millennials y la Generación Z? ¿Qué pasaría si Fito Páez en vez de tocar en el “Piano Bar” de Charly García hubiera tocado en el “apostrophe” de Frank Zappa? ¿Y si Gustavo Pena ‘El Príncipe’ se hubiese colado en la “Peluca Telefónica” de Charly García, Luis Alberto Spinetta y Pedro Aznar? ¿Y si Paul Higgs fuese, acaso, una suerte de trovador art-pop que se mueve a gusto tan cerca de la música de la Nintendo 64 como de una jam sesión grabada en casete entre Adam Green, Alien Tango y Ariel Pink?

Paul Higgs parece responder a toda esta abrasiva manga de preguntas retóricas en “Astucia”, no solo su nuevo álbum en solitario en paralelo a su trabajo como líder de Algodón, sino también un ejercicio que se siente pariente de una generación que parece estar deconstruyendo el registro del rock rioplatense; sino que lo saca a la estratosfera de lo indescifrable, lo indefinible, lo mutante.

El uruguayo residente en Buenos Aires no solo no niega, sino que resalta su deuda con el sonido de Fito Páez (al que, en una entrevista reciente, se ha postulado para producirle dos canciones) o el Eduardo Mateo de los años ’80; pero también hay que entenderlo como un compañero generacional de otros artistas que basculan entre la deconstrucción y reconstrucción del rock argentino y uruguayo de aquella época, como puede ser el caso de Simón Poxyran, Luca Bocci, GULI o dinastía.

Y de esos polvos, un lodo fresquísimo y alucinado. Diez canciones, veinte minutos y un marco de referencias híbrido. Cuando parece descubrir canciones perdidas del “La La La” de Spinetta y Páez (“Ave Roja Latín” o “Naranjas de Valencia”) como cuando sale a la caza del rock setentero de Manal o Pappo’s Blues (“Suerte Felina & Desenfado”), del Gustavo Pena más volado (“Neruda & Coraje”) o de un Fito Páez autotuneado y aftertrapero (“Diastema” o “La base de trap”), Paul Higgs se convierte en un cazador imprevisible, que apunta a una referencia para dar en la diana de otra diametralmente opuesta.

Alan Queipo

La Reyna y La Real - Mírame (Bis Music, 2020)

Fri, 04 Dec 2020 10:01:34 +0100

El cambio se siente cada vez más cercano en Cuba. La detención del rapero Denis Solís hace unos días ha sido la chispa que faltaba para encender la llama de las protestas de la juventud de la isla que anhela más libertad. El hip hop (como el reggaetón y otros géneros que salen de la calle) ha sido menospreciado por el régimen oficial, cuando no perseguido. En ese contexto La Reyna y La Real tienen un discurso bien poderoso, en su caso desde su condición de raperas negras y mujeres.

Todas estas canciones están traspasadas por esa mirada. Recuerdan a la andaluza Mala Rodríguez, icono del rap en español con voz femenina, cuando riman con esa sensibilidad cargada de autoafirmación. Pero lo que hace realmente original su propuesta es la mezcla de sonidos: en su cóctel combinan a la perfección el jazz con la salsa, el son con la electrónica y el reggae con el blues. Sólo en un país con una tradición musical tan rica como Cuba es posible una propuesta tan singular.

Con ‘Mírame’, su trabajo más importante desde que se formó el dúo hacia 2012, La Reyna y La Real se convierten en referentes de un movimiento casi invisible (exceptuando propuestas como Krudas Cubensi, desde el exilio en Estados Unidos): el de las raperas cubanas con un discurso poderoso que huye de los estereotipos y una apabullante pegada rítmica que atrapa. Tienen talento para darse a conocer más en la escena internacional, sólo es cuestión de tiempo.

José Arteaga

Zoe Gotusso – Mi primer día triste (Sony Music Argentina, 2020)

Fri, 11 Dec 2020 09:39:10 +0100

¿Puede una artista de vocación mainstream no solo haberse forjado en la independencia más absoluta, sino articular un álbum que, sin perder la inmediatez de las melodías dulces y redondas, también reivindique el poder de la música rioplatense? Escuchando el esperado debut de Zoe Gotusso, está clarinete: sí a todo.

“Mi primer día triste” no solo es la respuesta al hype que se ha ido creando en torno a la cara más visible del extinto dúo argentino Salvapantallas (que Gotusso compartía junto con Santi Celli, que también publicó su debut solista hace unos meses), sino también es la respuesta a una manera de funcionar habitualmente cuando una artista independiente deviene en una figura con vocación masiva: girar hacia una radiofórmula que potencie su lado más pop-ular, pero sin perder la autenticidad de lo que la ha llevado hasta allí.

A Zoe Gotusso, lo que la llevó a tener millones de reproducciones en sus canciones y cientos de miles de seguidores en sus redes sociales no ha sido un hit muy petón; sino una personalidad que se forja entre un pop de autor que mira a la bossa nova, la milonga, el candombe o el bolero.

Ahí es donde aparece la mano de Juan Campodónico (uno de los cerebros de Bajofondo y productor de discos de Jorge Drexler, No Te Va Gustar o El Cuarteto de Nos, entre otros) a la producción; la de su aliado en la guitarra Diego Mema para hacer un aterrizaje en donde la confianza del que la conoce sobreviva; y una cesión a otros compositores como Nico Landa, su ex compañero Santi Celli o Franco Saglietti para que la ayuden a hacer más redondas algunas de sus frases o melodías; y superseries como Hugo Fattorusso o Martín Ibarburu, entre otros, a la instrumentación.

El resultado nos presenta un cancionero con canciones de deje bajofondero (“Ya”), con acercamientos neocandomberos (“La Culpa”), una bossa nova que puede sonar en LOS40 latinoamericanos (“María” o “Ganas”), hits cortavenas redenteros (“Mi primer día triste”), un tributo al gran icono del candombe de autor Jaime Roos (“Amándote”), un enraizado bolero tan cerca de la Fabiana Cantilo versionadora como del deje abolerado de Ximena Sariñana (“El Cuerpo”) o hits familiares para sonar en cumpleaños, supermercados y también en tus auriculares (“Cuarto creciente” o “Desnuda”).

Alan Queipo

Néboa - A realidade enganosa (Raso Estudio, 2020)

Fri, 11 Dec 2020 09:49:53 +0100

Lo que era un secreto a voces hace unos pocos años ya es una realidad: la nueva escena en Galicia es una de las más excitantes del planeta. En esta región del noroeste de España una generación joven está recuperando el riquísimo folclore local y aliándose con productores modernos que dominan el lenguaje de la electrónica. Con una voz propia y una exuberante paleta de sonidos, Néboa se convierte con este debut en largo en uno de los grandes talentos del circuito.

El quinteto gallego ya venía avisando de su talento con un puñado de EP y singles. Detrás del complejo entramado de este álbum, cantado en español, gallego y portugués y construido con pilares de los más variopintos, está una figura clave para comprender lo que está pasando en la música gallega durante los últimos años: el productor Hevi, reconocido por proyectos propios como Malandrómeda y Fluzo y por su trabajo como arquitecto sonoro junto a FAIA o Esteban y Manuel, entre otros.

Este trabajo dialoga con otros recientes como los de Xose Lois Romero & Aliboria y discurre paralelo al tremendo crecimiento de la figura de Baiuca. Pero lo importante es que encuentra un sendero propio gracias a composiciones tan personales y poderosas como la de ‘Coidar dunhas Colmeas’, un himno total para despedir este año tan raro donde la belleza onírica de Portishead choca con los arreones eléctricos de Manta Ray empapado todo ello en un bálsamo de sutil free jazz.

José Fajardo

Uji & Dinastía Torres - Marimbas del Guapi (Discos Pacífico, 2020)

Mon, 14 Dec 2020 10:23:06 +0100

En el litoral del Pacífico Colombiano, en un corregimiento que se llama Sansón, al otro lado del río Guapi, han nacido los hermanos de la Dinastía Torres, un emblema de la música ancestral de esta región tan hermosa como olvidada. Cuenta la leyenda que al nacer les cortaron el cordón umbilical sobre una marimba (el piano de las selvas, construido con madera de palma de chonta) que colgaba del techo.

En una de esas casas de madera que a veces arrastra con su corriente el río cuando se desborda logró el productor argentino Uji -quien lleva desde principios de siglo explorando la colisión entre los ritmos indígenas y afros con la electrónica experimental, en un trabajo que tiene mucho de antropología- grabar este EP pese a las inclemencias de la selva, en especial las inundaciones por las continuas lluvias.

El resultado es un acercamiento respetuoso a la riquísima tradición musical del Pacífico colombiano, a cargo de Uji, un oído inquieto que formó parte de Lulacruza y quien desde su debut en solitario en 2018 ‘Alborada’ se ha acercado a la obra de Nicola Cruz, Rodrigo Gallardo, Petrona Martínez y Miss Bolivia, entre otros. En este combo inédito participan con sus ritmos y cánticos los hermanos Genaro y Francisco Torres (familiares del legendario Gualajo) además de Hugo Candelario, autor este año del hermoso disco ‘Soplo de río’.

Detrás de este proyecto está Discos Pacífico, quienes están revitalizando la música que viene de esta región en Colombia con trabajos fascinantes donde se nota el olfato y sabiduría del productor bogotano Cerrero (Diego Gómez, de Llorona Records) como es el caso del debut de la Agrupación Chango. Todo el dinero que consigan con el álbum irá destinado para que la familia Torres pueda preservar su legado. Quienes quieran hacer una donación pueden hacerlo a través de esta campaña de crowdfunding.

José Fajardo

dinastia & 0-600 – Alcazaba (I NEED SPONSORS, 2020)

Mon, 14 Dec 2020 12:18:37 +0100

¿Eran los caballeros medievales los traperos del siglo VI? ¿Son los artistas urbanos una proyección imaginada de gladiadores transhistóricos? A Julián Larquier, otrora ex líder de JVLIAN, una de esas bandas que resquebrajó fronteras entre el concepto de banda estándar y prácticas de música urbana; le apetece, nuevamente, difuminar los límites entre el imaginario de la Edad Media y el del apocalíptico 2020, a medio camino entre la vida en la bitácora cyber y la reflexión de una generación perdida.

Y lo hace con un nuevo proyecto en solitario al que decidió nombrar dinastia, sin tildes ni mayúsculas, pero lo hace desde el torreón más alto de la “Alcazaba” que decide okupar por la fuerza: a medio camino entre un crooner indietrónico, el aftertrap que bascula entre el r&b y la cultura rock y el future funk heredado por el Prince de los años ’90, Larquier rompe con el estereotipo de trapero tanto en su pose, en su propia estética y en su marco de referencias musicales.

Y lo hace en alianza con 0-600, alter ego de Federico Ferrer y uno de los productores de referencia en la música urbana argentina (suya es la base de esa suerte de himno coral de la escena en que se convirtió “Tumbando el club”); que consigue arrimar texturas por momentos más cerca de un trap estándar que parece cantado por un cantante melódico (“no muerto”), colándonos una suerte de r&b con ecos a Dante Spinetta y a una indietrónica juguetona (“snooze”), firmando una nana urban-lo-fi hipersensual junto a Lara91k (“cruela”) o conectando a Bon Iver con un Armando Manzanero de la Generación Z (“rangos”).

Alan Queipo

Cuarentínimos Para la Cuentena: Volumen 1 y 2 (Milenio Editorial, 2020)

Thu, 17 Dec 2020 16:18:38 +0100

¿Qué has hecho tú durante la fase más dura de la primera cuarentena? ¿Pan? ¿Pasteles? ¿Aeróbic con vídeos de Patry Jordán? ¿Puede que te hayas pasado Netflix? ¿Incluso que hayas hecho amigos del otro lado del balcón? En el caso del prestigioso escritor mexicano Jorge F. Hernández y el dibujante argentino Miguel Rep, decidieron escribir.

Pero no escribir cualquier cosa; sino convertir su día a día de encierro obligado en una suerte de diario surrealista, con forma de cuento poético, de elegía confinada, de performance lírica, de rutina artística. De aquella rutina, en un año donde pocas cosas se han salvado, estos “cuentínimos” se han convertido en mucho más que piezas literarias: ahora, forman parte de una suerte de película surrealista para el oído que bien podría haber dirigido Luis Buñuel, pero que conforman una suerte de falso audiolibro más cerca de un disco para librerías, de un happening literario para centros de arte, de supervivencia desde el fondo de las letras para superar el abismo.

“Una vacuna para la mente”, “un contragolpe de luz para un año de mierda” o “un menjurje de realidad aumentada, prosa, gráfica, música, cine, edición”, “la primera pelíbrula del 2020 -y la única-” es el intento forzoso que hacen desde la vanguardista editorial mexicano-madrileña Milenio Editorial, por intentar definir lo indefinible. Y se acercan bastante, he de decir.

Los dos ¿álbumes? o ¿volúmenes? que componen estos “Cuarentínimos para la cuentena”, cuentan no solo con el contenido lírico en voz de los propios Hernández y Rep; sino que también están musicados por piezas sonoras que hacen las veces de paredes casi de arte sonoro, compuestas por Sebastián y Santiago Hernández (hijos de Jorge y dos tercios del grupo Zuaraz) y Rodrigo Grillo Grillasca.

Además, este material formará parte de un libro que no solo se podrá ver y tocar, sino que tendrá un fuerte componente gráfico y audiovisual a través de la realidad aumentada. Una fantasía al alcance de cualquier ser humano que tenga alguno de sus sentidos mínimamente activados, para activarlos máximamente.

Alan Queipo

Nubya Garcia - Source (Concord Jazz, 2020)

Thu, 17 Dec 2020 16:25:52 +0100

Igual que otros géneros como el hip hop, el rock y la electrónica están cada vez más entregados a la promiscuidad y han ido quitándose prejuicios para mezclarse entre sí, la escena del jazz está en ebullición creativa desde hace unos años. Son los signos de los tiempos. Lo que hace Nubya Garcia en su debut en largo no es tan lejano a aquel trabajo seminal de Rosalía junto a Refree en ‘Los ángeles’ (2017) donde la española reivindicaba la tradición con la que había crecido (el flamenco) desde una panorámica contemporánea.

Nacida en 1991 (un par de años antes que Rosalía) en el Londres multicultural en torno al barrio de Camden Town, con sangre de Guyana (por su madre) y Trinidad (del padre), Nubya Garcia integra en estas nueve canciones todo lo que lleva dentro: la escena del jazz de vanguardia británico pero también sus raíces latinas y los ritmos de sus antepasados en África. Ese cóctel es un festín donde las cumbias se mezclan alegres con el afro jazz, la electrónica experimental, el reggae y el afrobeat.

Valga como ejemplo de esa contagiosa riqueza sonora la canción ‘La cumbia me está llamando’ donde el talento de Nubya Garcia al saxofón (y como compositora) dialoga con las percusiones y cánticos de las colombianas La Perla, uno de los proyectos más talentosos que están reinterpretando la tradición del Caribe desde su sede en Bogotá.

Con este trabajo la artista se suma junto a nombres como Kamashi Washington, Kamaal Williams, Sons of Kemet y Shabaka and The Ancestors a una lista de elegidos que están diseñando el jazz que está por venir.

José Fajardo

The Mavericks - En español (Mono Mundo Recordings, 2020)

Mon, 21 Dec 2020 15:56:55 +0100

En el mismo año cuando la música latina asaltó la industria del pop en Estados Unidos, poco antes de unas elecciones históricas en las que Donald Trump salió derrotado, The Mavericks lanzaron su primer disco cantado íntegramente en español tras una carrera de más de tres décadas. El momento, desde luego, no es casual pese a que la banda haya insistido que no hay un mensaje político detrás más allá de “derribar muros”. Más claro…

Icono del género country, el grupo comandado por Raúl Malo, compositor y cantante nacido en Miami en 1965 de padres cubanos, llevaba fantaseando con la idea de saltar al español desde la reunión de la formación en 2012 tras un hiato de varios años. Entre gira y gira fueron sumando versiones de clásicos latinos que su líder escuchaba de pequeño, desde Celia Cruz con La Sonora Matancera hasta Juan Gabriel, Los Panchos y Omara Portuondo.

Acompañado de su legendaria banda, con invitados de postín como el acordeonista Flaco Jiménez, el teclista Alberto Salas (Los Lobos) y sendas secciones de metales y cuerdas, Raúl Malo adapta su voz a géneros como el tex-mex, las rancheras, los boleros, el son jarocho, el mambo, la cumbia y hasta el cha cha chá, alternando canciones originales con una selecta lista de versiones.

Un hermoso canto no sólo a la música latina sino a toda una comunidad que cada vez es más visible y poderosa en Estados Unidos, que ya no quiere seguir escondiéndose de políticos y policías racistas sino celebrar con orgullo sus orígenes.

José Fajardo

Soto Asa - Coupé (La Vendición, 2020)

Mon, 21 Dec 2020 18:36:29 +0100

¿Qué puedes hacer tú en 26 minutos? El ceutí Soto Asa, colarse por la escuadra en los últimos compases del peor año que recordaremos con un disco al que llama mixtape y que, por encima, es uno de los ejercicios más redondos que hayan visto la luz en estos casi 365 días de año. Ya había jugado a un juego similar hace justo un año, cuando “La Cruz” también se colaba en los últimos días de 2019 con algunas de las canciones que deberían haber marcado las salas y los clubes de este 2020, antes de que nos encerremos y nos cosamos el pijama durante todo el curso.

Con mascarilla o no, Soto Asa nos sube durante menos de media ahora a su “Coupé”: un ejercicio de reggaetón oscuro que repite colaboraciones con La Zowi y Yung Beef (como ya hiciera en “La Cruz”), y suma a Bad Gyal en “Kiyaera”, una canción en la que hace guiños al dancehall y ritmos de corte más tropical.

Pero, la realidad, es que el repertorio de Soto Asa bascula, como habitualmente, en esa fina línea que divide una estética de techno oscuro con una base rítmica permanente de reggaetón clásico. Si bien para quien no esté familiarizado con la obra de Álvaro Soto puede parecer que muchas veces se ve eclipsado por el renombre de sus colaboraciones, lo cierto es que el ceutí está muy por encima de casi todos ellos.

Soto Asa consigue desarrollar una marca propia tanto cuando juguetea con texturas que le dan cierta mística con tics que recuerdan el reggaetón de Lorna o Héctor & Tito (“Most Wanted (Intro)”), cuando incluso suena como un artista similar al del registro del fenómeno argentino Trueno (“Caminando”), cuando su reggaetón suena más cerca de una onda cyberpop (“Otra realidad”) o incluso cuando, como sucedió en su anterior álbum con “Klub”, inventa un nuevo clubbing desde el trap (“Fleseo (Otro)”). El nuevo rey de la música urbana ahora viaja en coupé. ¿Subes?

Alan Queipo

Cornetto - 14 Cornettazos bailables (Universal Music Latino / Vibras Lab, 2020)

Thu, 24 Dec 2020 14:30:25 +0100

Mucho después de la internacionalización de la cumbia digital, tras el estallido planetario del reggaetón y el dembow, los visionarios que ejercen como Nostradamus en la industria musical ya han sintonizado sus antenas para averiguar cuál será la nueva tendencia urbana latina para 2021. Cornetto lo tiene claro: todo el planeta se va a poner a bailar guaracha (en su versión a la colombiana). Autobautizado como “el embajador global” del género, este DJ y productor de Medellín lleva un tiempo trabajando en el laboratorio de ideas y agencia de representación de J Balvin con sede en Miami, Vibras Lab.

El resultado de esa investigación son dos discos que publica ahora junto al gigante Universal Music con el objetivo de arrasar estas Navidades: ‘14 Cornettazos bailables’ y ‘Cornettazos Vol. 1’. En el primero adapta clásicos de la música decembrina que suenan en todas las reuniones familiares durante estas fechas en Colombia como ‘Los Sabanales’, ‘Boquita de caramelo’, ‘Dame tu mujer José’, ‘La víspera de Año Nuevo’ y ‘El aguardientero’. Son versiones pensadas para las pistas de baile del siglo XXI, con bases de electrónica pero sin perder ese espíritu pegadizo y popular, apto para todos los públicos.

Con el segundo (que en realidad es el primero que salió, como indica su título) pretende enganchar a una audiencia masiva (su idea es triunfar más allá de Colombia, siguiendo los pasos de la fiebre del reggaetón) con versiones pensadas para el zapateo y aleteo (los pasos de baile de la guaracha, según la jerga popular juvenil en las rumbas colombianas) de éxitos pop mundiales como ‘Ay Vamos’ (J Balvin), ‘Traicionera’ (Sebastián Yatra), ‘La mayonesa’ (Chocolate Latino)…

Este movimiento en torno a la guaracha no es nuevo, lleva unos años fermentándose en los afters al amanecer de distintas ciudades colombianas, amplificado por el poder de difusión de las redes sociales en vídeos donde multitud de jóvenes se mueven al ritmo de los éxitos que lanzan los DJ. El sonido que practican artistas como Cornetto nada tiene que ver con lo que se entiende en Cuba por guaracha sino que es una corriente propia que se acerca a ritmos electrónicos como el tribal house y el afro house. Sólo el tiempo dirá si los ‘cornettazos’ son el nuevo ‘Despacito’.

José Fajardo

Merca Bae – Merca Zip /2020/ (Autoeditado, 2020)

Thu, 24 Dec 2020 15:13:35 +0100

Pensar en despedir el año en una discoteca, bailando hasta abajo los ritmos más pegados de la música de baile contemporánea, es ciencia ficción pura y dura. Pero hay un rey mago en el circuito de neoclubbing global con base en Madrid que decidió dejarnos un regalito en forma de zip descomprimido y colgado en Bandcamp y Soundcloud: dieciocho piezas que condensan el año de producciones de un Merca Bae que lo hubiera tenido todo para convertirse en un icono de las discotecas de 2020, pero que, dada la ausencia de discoteca, decidió que también se puede perrear y twerkear en pijama.

Eso es lo único (y creedme, no es poco) que se puede hacer en “Merca Zip /2020/”, una fantasía afterclubber que el productor madrileño suelta a la bitácora casi como tráiler de una película de ciencia ficción que nos gustaría que se convirtiese en realidad en 2021: ritmos que se mueven entre el dancehall, el grime, el UK Garage y esos ritmos latinos que han cambiado la concepción de música de club estos últimos años.

Hay ecos que pueden emparentar la propuesta de Merca Bae con la de colectivos como NAAFI o Dembooty; pero sus producciones, como demostró estos últimos meses y años junto a artistas tan variopintos como Tomasa del Real, Erik Urano, Cecilio G o Pedro Ladroga, entre otrxs, y como demuestra en esta carpeta descomprimida con colaboraciones de artistas del underground global como la uruguaya Lila Tirando a Violeta, el mexicano ZutZut, la colombiana Bitterbabe o la rumana Miss Jay, entre otrxs, Merca Bae consigue trazar un puente en el que el reggaetón del futuro, el dancehall más cósmico, el bakalao de museo, la psicodelia de baile, el arte sonoro para discoteca, el tribalismo mecánico y los hits de cuarenta segundos son posibles.

Alan Queipo

Malandrómeda – Animais da feira / San Amaro (Autoeditado, 2020)

Mon, 28 Dec 2020 09:37:30 +0100

Lo bueno de vivir adelantado a tu tiempo es que, si vienen mal dadas, como en este 2020, tú ya estás pensando como si vivieses en 2030. Ese es el día a día en el que vive Hevi, el artista-productor-personalidad más influyente de la música alternativa gallega de los últimos quince años.

Torrente creativo absolutamente transversal que, siempre con un pie en una suerte de hip-hop que colinda el quejío, la psicodelia, la spoken word y la caldeirada, no solo ha conseguido modelar el sonido de propuestos elementales en el sonido de la música gallega underground con proyectos como Malandrómeda, Fluzo, Juanito Broders o Fodi e Barbacona, entre otros; sino firmar la producción de álbumes fundamentales del circuito, como Novedades Carminha, Esteban & Manuel, FAIA, Néboa u Ortiga, entre otros.

La personalidad de Hevi ha sido siempre esquiva con los procesos naturales de la industria musical. Cuando había que dar conciertos, no tocaba; cuando no había que editar vinilos, se los autoeditaba; y cuando tiene que estar en plataformas digitales, no está. La misma genialidad que lo hace proyectar su música fuera de todos los circuitos, nos presenta a una suerte de rapero futurista con un poso poético y una percepción del realismo cotidiano absolutamente magnético.

Como si de una mezcla entre Curros Enríquez y J Dilla, entre Eduardo Pondal y ?estlove, entre Rosalía de Castro y Q-Tip se tratase, Hevi regresa tras cinco años de silencio después de una de las grandes obras maestras de la música estatal reciente (aquel álbum doble bifurcado que fueron “Os corenta e oito nomes do inimigo” y “Cada can que lamba o seu carallo”) con otro ejercicio doble bifurcado, ahora en forma de EP y con una separación de algunas semanas entre ambos.

En “Animais da feira” va desde una suerte de reconstrucción del “Freed from desire” por la vía del dub calenturiento (“Hoxe dormes fóra”) a sacar la espada láser de la raptrónica (“Xigantes e cabezudos”), un reggaetón lentísimo y más cerca de Cabaret Voltaire que de Daddy Yankee (“Galician Edi Murfi”) o un loop de psicodelia tribal con vocación de hit (“Catro agullas para una bolboreta”).

En “San Amaro” reedifica las posibilidades del loop del “One more time” de Daft Punk para autotunear un medio tiempo con aires de bolero del siglo XXIII (“Días libres”); consigue sonar como una mezcla de Laura Pausini y un cantante de black metal militando en una orquesta de new wave (“Unha casa no camposanto”); acercarse a una especie de lounge pop (“Nin barco nin ostias”); o firmar una suerte de canción protesta por la vía de la comilona y la rapcodelia marca de la casa (“Quero nécoras”).

Alan Queipo

Cimafunk - Cun Cun Prá (Terapia Productions / Thirty Tigers, 2020)

Mon, 28 Dec 2020 09:56:17 +0100

‘Cun Cun Prá’ es el ‘Colores’ cubano: igual que hiciera el colombiano J Balvin hace unos meses, esta es una obra destinada a “sacudirse la melancolía de la cuarentena” y volver “a menearse como antes”, en palabras de su autor, Cimafunk. Estas cinco canciones invitan al baile y la evasión positiva tras un año tan duro y marciano. Pero más allá de esa pretensión liberadora (que cumple con creces), este trabajo es uno de los más excitantes que deja 2020.

Con su primer disco ‘Terapia’ Cimafunk ya se convirtió en 2017 en una de las grandes promesas de la nueva música cubana junto a artistas (en su mayoría mujeres) como Daymé Arocena, Danay Suárez, La Dame Blanche, Ibeyi o Yissy García, por citar algunas. Erik Alejandro Iglesias, bautizado como “el James Brown cubano”, sorprendió con su contagiosa y revitalizante mezcla de ritmos funk con percusiones afro y la riquísima tradición de la música de la isla.

Todas esas claves siguen en este trabajo planteado como un puente entre aquel prometedor debut y su segundo largo, previsto para 2021. “Es una mezcla de cosas ricas para bailar”, dice él, apoyado en mogollón de invitados ilustres: desde leyendas como Omara Portuondo, Chucho Valdés, Pancho Amat y la Orquesta Aragón (en el single ‘Cun cun prá’) o la cantante mexicana Salma (en una versión en clave r&b de su gran éxito, ‘Parar el tiempo’) hasta la formación The Soul Rebels y la vocalista Tarriona ‘Tank’ Ball de Tank and The Bangas en ‘Caliente’, una fantasía donde La Habana se encuentra con Nueva Orleans.

La cultura afrocubana, el soul, el hip hop y cualquier ritmo que sirva para destrozar caderas están en el radar de Cimafunk, la auténtica máquina del baile desde el Caribe para los nuevos tiempos. Sólo la pandemia ha contenido esta apisonadora rítmica que aspira en 2021 a conquistar las audiencias globales no sólo con sus ritmos sino con esa manera tan particular de cantar que es puro costumbrismo para asomarse a la realidad de las calles de Cuba en la actualidad.

José Fajardo

Rels B – LA ISLA LP (Sony Music Entertainment España, 2020)

Thu, 31 Dec 2020 12:17:28 +0100

Ha forjado su identidad y su expansión desde la independencia; es un referente del nuevo pop en España, heredado de la música urbana; sus cifras se llevan contando por millones en plataformas de streaming desde hace años; y es uno de los bastiones de la nueva era discográfica de Sony Music en España. No, no hablo de C. Tangana: hablo de Rels B.

Uno tiene el ojo mediático puesto permanentemente, cada movimiento, cada tuit, cada tema parece que cotiza en la bolsa de valores de la opinión pública. El otro, parece que pasa desapercibido pero, de los dos, es el único que se ha medido ante grandes pabellones y el único de los dos que, año tras año, sigue publicando álbum religiosamente, lejos del mundanal ruido de la vida virtual.

Como regalito de fin de año, cuando todas las listas de lo mejor del año siguen apostando fuerte por la música de guitarras y artistas de hace casi una década, Rels B lanza un triple sobre la bocina de final de año, como hiciera Bad Bunny hace un par de años con “X 100PRE”, y presenta “LA ISLA LP”, un sexto ejercicio discográfico que sigue profundizando en las cadencias rítmicas de la música urbana latina, pero desde la elegancia y la pulcritud de unas producciones limpias y absolutamente redondas.

Si bien quizá la escucha se hace algo homogénea en los diez cortes que componen lo nuevo del mallorquín, con ese patrón de medio tiempo como de crooner reggaetonero, el álbum pone de manifiesto la categoría de una producción que nos presenta a un artista que se sale cada vez más del molde de artista urbano y cada vez se acerca más a disputarle el registro a artistas como Enrique Iglesias, Sebastián Yatra o Mau y Ricky; pero sin ese empaque de plástico descartable que muchos de estos suelen tener en sus temas.

Como muestra, se acerca a una suerte de tumbao posmoderno de aire caribeño y vocación de hit universal (“Una cumbia triste”), recuerda al Julio Iglesias de “Agua dulce, agua salá” (“La última canción”), se acerca al registro neosalsero de Nathy Peluso en un reggaetón abolerado (“Lágrimas de cocodrilo”), pilla guitarras bachateras y parafrasea a Joan Manuel Serrat (“Yo tengo un ángel”) y firma dos curiosas coaliciones con Morad (en su aproximación al reggae-sin-tón “No te imaginas”) y Kaydy Cain (en la romanticona “Culpable”).

Alan Queipo

Chacho Brodas - Back to The Fucking Party (Delpalo Records, 2020)

Thu, 31 Dec 2020 12:30:39 +0100

Escuchar el disco de regreso de Chacho Brodas ¡tras ocho años en silencio! durante estas Navidades tan raras produce las mismas sensaciones tranquilizadoras y energizantes que volver a ver clásicos imperecederos del cine como ‘¡Qué bello es vivir!’, ‘Solo en casa’ o ‘La jungla de cristal’. El proyecto del productor Griffi nos regresa a otra época y lo logra además con un buen puñado de canciones que no podían sonar más actuales.

Figura de culto del rap en español como maestro de los botoncitos de gran parte de la aristocracia del circuito (Tote King, Mala Rodríguez, Shotta, Mucho Muchacho), miembro de los extintos Sólo los Solo (uno de los nombres más reivindicados por los puristas del género) y mente inquieta siempre un pasito por delante de las tendencias, el de Tarrasa (Barcelona) regresa consciente de que sin él la ruptura generacional que ha protagonizado la música urbana durante los últimos años no hubiera sido posible.

Mucho antes de que los chavales de los barrios marginados de Sevilla reivindicaran el flamenco urbano, antes de la explosión de figuras como Rosalía, muchísimo antes de la popularización del trap entre la juventud que habla en español, Chacho Brodas ya reventaba los muros que enjaulan el hip hop con unas bases de procedencia marciana, que le tiraban al funk del rap estadounidense y a las atmósferas cósmicas de la música negra.

Sin pretenderlo, este disco es una panorámica de los nuevos caminos alternativos por los que se está bifurcando el género hacia el futuro: el trap con quejío de ‘Jhonny drama’, el flamenco desde el barrio de ‘Awita’, el reggaetón funky de ‘Easy’, el jazz deconstruido de ‘Outros mundos’, el grime gitano en ‘El Mago Polvo’… Una masacre rítmica acompañado como es habitual de un colectivo mutante de aliados: Duddi Wallace, Pepe:Vizio, Vinnie Dollar, Limabeatz, Mr. NiK… ¡Chacho Brodas ha vuelto a la fiesta!

José Fajardo

Akkan - Akkan (Foehn Records, 2020)

Mon, 04 Jan 2021 10:51:43 +0100

Un meteorito se abre paso hasta colisionar en los corazones de la audiencia global. Es la escena de la folktrónica, ese cruce entre la música de raíz y los sonidos modernos de baile, cada vez más nutrida y poderosa. Desde Latinoamérica y hasta África, en Asia e incluso en la ciudad de Barcelona, donde los productores BeGun y Ocellot llevan un par de años lanzando EPs bajo el nombre de Akkan de una belleza mística en los que el espíritu de las selvas se mezcla con las percusiones negras y las pistas de baile del underground europeo se lanzan a conquistar el espacio exterior.

Dicen los autores que este disco, su esperadísimo debut en largo, nació (más allá de su amistad y su gusto compartido por las grabaciones de campo y la improvisación sin ataduras) de una noche lisérgica a base de drogas para expandir la mente. Diseñado como un viaje espiritual, ambos ensanchan el universo que ya venían explorando por separado: el ambient paisajístico y profundo de BeGun y la psicodelia contemporánea de Ocellot.

Más que un álbum es un manifiesto sobre cómo abordar la música del futuro, de la búsqueda incansable de nuevos sonidos más allá de los ritmos anglosajones que habían dominado hasta ahora la industria, donde el lugar de nacimiento no importa tanto como el sitio a donde cada creador sea capaz de trasladar su mente, hermanando el Mediterráneo con los prados irlandeses, las montañas andinas con las estepas africanas y las junglas tropicales con la inmensidad del continente asiático.

Un sorprendente viaje a través de la música electrónica junto a los invitados El Búho, Chancha Via Circuito, Huaira y Arnau Obiols, destinado a contagiar de ese espíritu transfronterizo y místico a los clubbers de todo el planeta en 2021 (siempre que la vacuna lo permita).

José Fajardo

Forza La Mákina! – Forza La Mákina! (La Balacera, 2020)

Mon, 04 Jan 2021 12:12:09 +0100

Cuando hacía poco más de un año Narco echaban el cierre indefinidamente llenando hasta la banderola y más allá la sala La Riviera en lo que llamaron “El subidón final”, pocos podíamos imaginar que, menos de un año después, empezarían a abrir fuego con un nuevo proyecto que mantiene cierta parte de la genética rapmetalera de una de las bandas fundamentales del género, pero llevándolo a un territorio en donde la psicodelia, el sarcasmo y la cultura popular se dan la mano de una manera tan fluida.

La culpa de esos nuevos ingredientes que se suman a Narco la tienen Space Surimi, dúo andaluz que explora las fronteras entre la electrónica noventera, la rave rapera y la lisergia psicodélica más inclasificable. Juntos, forman un conglomerado con forma de supergrupo o de, como ellos mismos dicen, “mamoneo” sonoro en Forza La Mákina!, que se sacan de la manga un EP homónimo que no solo evita replicar fórmulas ya antiguas de proyectos como Def Con Dos, Sugarless u Hora Zulú; sino que proyectan un sonido tan cerca de Cypress Hill y de Beastie Boys como de la BSO de un after sevillano pre y post Covid-19.

Apenas seis canciones y veinte minutos en los que Forza La Mákina! consiguen que salgamos sin salir: historias callejeras, tóxicas y sarcásticas, resignificando códigos de la cultura popular y situándose en la equidistancia entre la música urbana, las guitarras afiladas y la rave doméstica.

Disparan desde una suerte de sevillana-reggaetón tan cerca de Morricone como de Lory Money sobre la venta de estraperlo (“La Ventanita”); nos llevan a un viaje rapmetalero con espadas láser y un estribillo poguero (“Happy Meal”); consiguen aterrizar el sonido de la rave punkarra-bakala del camping del Viña Rock a la vez que hacen un guiño a La Once y a los Ramones (“Cuponero de acero”); componen su particular “Insane in the Brain” de la Alameda (“La Pelea); se acercan al sonido de los primeros Molotov (“Fumando de tangao”); y hasta nos sirven un “Puchero” con un groove rockero apto para raperos. Que fuerce la máquina, pero de día después de una noche larga.

Alan Queipo

VVV - [Trippin’ You] Los bailes perdidos (Escama Remixes) (HelsinkiPro, 2020)

Fri, 08 Jan 2021 09:35:15 +0100

VVV [Trippin’ You] es una bendita rareza en el ecosistema de la nueva música en España. Habitantes de un planeta aún por descubrir, tan pronto conectan con el ruido brutal y provocador de Esplendor Geométrico (el bicho raro de La Movida madrileña) como le tiran al neo folk de Reserva Espiritual de Occidente desde una actitud bakala, se sumergen en las atmósferas tenebrosas de Óscar Mulero o se dejan llevar por las marejadas de sonidos mántricos y hostiles de Sun O))).

Ese ecosistema marciano ya estaba presente en los trabajos que el trío madrileño ha ido publicando desde 2015, pero ha sido el largo ‘Escama’, editado a finales de febrero de 2020 (apenas unos días antes del confinamiento), el que les sitúa como una de las voces más poderosas de la escena contemporánea que se mueve en lo subterráneo. Estos remixes son una invitación a revisitar himnos como ‘Destrucción’ y ‘Miedo y asco en Madrid’ que no pudieron ser bailados en directo por culpa de la pandemia.

La propuesta supera al original gracias a la potentísima lista de colaboradores que se han apuntado, un all star entre los nuevos talentos que va desde Pochi (habitual aliado de Goa y emblema del sonido emo trap desde el sello La Vendición) hasta Pedro Ladroga (trapero tan genial como arisco), pasando por $kyhook (autor de ‘Moonchies’, una de las obras más importantes de 2019) y Miguel Grimaldo (cómplice de Erik Urano en ese rap electrónico que bebe de lo oscuro), entre otrxs. Un chute de energía y creatividad para afrontar 2021 con nuevas miras.

José Fajardo

ANAVITÓRIA – COR (Anavitória Artes, 2021)

Fri, 08 Jan 2021 11:36:46 +0100

Con las uvas del nuevo año, el pregón lo daba uno de los dúos más importantes del nuevo pop de autor brasileño. Ana Gaetano y Vitória Falcão, o lo que es lo mismo, ANAVITÓRIA, amanecían el 2021 con “COR”, su cuarto álbum de estudio, y tercero de composiciones originales, desde que, en 2014, cuando cursaban sus estudios en medicina y derecho, fuesen descubiertas por el productor y cazatalentos brasileño Felipe Simas tras subir vídeos versionando a algunos de sus artistas favoritos.

Mucho ha sucedido desde entonces para ANAVITÓRIA: no solo varios álbumes y varias nominaciones y galardones en los Grammy Latinos; sino también la forja de una personalidad que las ubica en un espacio equidistante entre el pop de autor, la radiofórmula y la renovación de las bases de la MPB (Música Popular Brasileña). Sus números de reproducciones son un absoluto escándalo, y el dúo sudamericano es uno de los iconos indiscutibles de la nueva canción hecha en Brasil.

Aunque con la dulcificación que conlleva ubicarse en ese registro blanco y familiar, del café-para-todos musical, ANAVITÓRIA parecen haber encontrado en “COR” su sitio en el circuito: un espacio en donde acercarse a los iconos de su país (colaboran Rita Lee y Lenine, dos pesos históricos de la música de Brasil); y a un registro que va desde el pop limpio a los sonidos sinfónicos (“Explodir” o la mística “Terra”), a los ritmos tradicionales de su país (“Te amar é massa demais” o “Lisboa”), a la bossa-pop más tropical (“Cigarra”), a una suerte de reversión brasileño del registro de Laura Pausini (“Selva”), al easy listening noventero (“Eu sei quem é você”) o al rock-pop más horizontal (“Carvoeiro”).

Alan Queipo

Rico Nasty - Nightmare Vacation (Sugar Trap / Atlantic, 2020)

Mon, 11 Jan 2021 11:31:30 +0100

2020 fue el año que encumbró a las nuevas estrellas del hip hop global. Megan Thee Stallion y Chloe x Halle se hicieron con el trono aupadas por el poder de contagio de plataformas como TikTok. Pero otra mujer, también estadounidense pero con sangre de Puerto Rico, lanzó a finales de año un debut que va a marcar la música que saldrá a lo largo de 2021.

A sus 23 años, Rico Nasty es un signo de sus tiempos. Su estética mutante recuerda, a ratos, a una súper heroína de viñetas en la onda de Harley Quinn (de hecho, este disco ya tiene su adaptación al cómic), y en otros, a una guerrera punk inspirada en la saga ‘Mad Max’. En su breve pero intensa carrera (antes de lanzar este debut publicó varias mixtapes con gran repercusión) ha encarnado alter egos como ‘Tacobella’ y ‘Trap Lavigne’, reversos donde explora sus orígenes latinos y su interés por triturar géneros como el trap melódico de Lil Uzi Vert y el pop vía Rihanna.

Su propuesta es una suerte de hardcore emo con espíritu bakala y autotune donde Tyler, The Creator se encuentra con Nickie Minaj y los Sex Pistols salen de rumba con Cardi B. Ella ha bautizado su estilo como “sugar trap” para intentar explicar esa pretensión de llegar a las grandes audiencias con sus melodías pegadizas revestidas de un envoltorio agresivo y hostil. Navega en las mismas aguas que desde España están explorando cantantes como Luna Ki, un territorio nuevo donde la tecnología, la provocación y el gancho pop juegan un papel fundamental.

José Fajardo

Yudi Saint X – SELVA (Hidden Tracks Records, 2020)

Mon, 11 Jan 2021 11:38:43 +0100

Si para la Generación Z todo es bedroom pop hasta que se demuestre lo contrario, solo por el hecho de cocinar sus canciones en pijama en sus propias habitaciones, ¿cómo tendríamos que definir a una artista que, con los elementos domésticos de su propio cuarto, consigue trasladarnos indistintamente a una discoteca imaginaria, a una cumbre de r&b de aires trap o a cierta oscuridad adherida que tiene el pop negro?

Yudi Saint X, el álter ego de la joven artista catalana Judit San José, es una de las grandes noticias que nos dejan los últimos compases del 2020. En los últimos días del ya pasado año, presentaba “SELVA”, siete temas producidos por Sr. Chen (dueño de uno de los grandes discos de 2020 y uno de los productores emergentes con mejor gusto del circuito catalán) que componen un LP corto o un EP largo, en los que la catalana se posiciona como una de esas voces de cierta mística urbana y vocación pop. Un nombre prometedor que colocar junto a otras artistas como Sila Lua, Mariagrep, Isatofu o Rakky Ripper, entre otras.

“Hoy soy un cuerpo comestible, joven y bello; no pienso decir nada si me hacéis llorar”, canta San José en una de las canciones. Con una voz de corte lánguido y con cierta mística somnífera, Yudi Saint X presenta un serial de canciones que nos llevan desde una mística espectral casi sacra (“Caballo blanco”) al neo-house más popero (“Veranoche”), el synthpop más cyber (“Valentina”), el machine-pop más industrial (“Adóptame”) o el auto-tunning pseudoreggaetonero (“El ciclo de la vida”). Una artista a la que, sin lugar a dudas, seguir la pista muy de cerca.

Alan Queipo

Lee Eye - Gitana (Autoeditado, 2020)

Fri, 15 Jan 2021 09:59:06 +0100

En la exuberante escena musical de Colombia, donde a cada poquito crecen nuevas ramas que fortalecen un árbol frondoso que ya se aproxima al cielo, Lee Eye viene a ocupar un espacio apenas explorado. En la intersección entre la nueva música urbana y el r&b camina esta bogotana de 20 y pocos años, una de las sensaciones de la escena nacional en 2020. Su nombre suena desde hace un par de años pero es ahora cuando ha confirmado su tremendo potencial.

Ella cita al rapero estadounidense A$AP Rocky y a Rihanna entre sus influencias, pero en realidad su propuesta recuerda a la argentina españolizada Nathy Peluso (esa forma de interpretar segura de sí misma y con toneladas de flow), a Kali Uchis (por su capacidad de saltar entre estilos o de combinar el español y el inglés, además de por el magnetismo de su voz) y a pioneras como Arianna Puello (las rimas contundentes y sobradas de chulería).

‘Gitana’ contiene un puñado de canciones que, sumadas a los singles que ha ido publicando en los últimos tres años, ya perfilan una prometedora carrera. Junto a nombres como Mabiland, Ghetto Kumbé, Mitú, Margarita Siempre Viva, Ha$lopablito, Verraco y Feid (entre otros muchos), Lee Eye forma parte de los artistas que están destinados a marcar el paso de la nueva música de Colombia.

José Fajardo

Yma Sumac - The Legend of The Sun Virgin (Ellas Rugen Records, 2020)

Fri, 15 Jan 2021 09:43:14 +0100

Yma Sumac sigue envuelta en una nebulosa de misterio casi un siglo después de su nacimiento. Esta cantante peruana que se dio a conocer en los años 50 gracias a su poderosa voz y la popularización de la música exótica, difundió la leyenda de que era una princesa de la realeza inca, descendiente directa del último soberano Atahualpa. Gracias a sus giras internacionales y su paso por Hollywood, con el paso de las décadas se convirtió en un icono global, admirada por estrellas del pop y reivindicada por entusiastas de la música latinoamericana.

Cuando murió en 2008 en Los Ángeles, todavía era más reconocida fuera que en su propio país. Su compatriota, el productor afincado en Madrid Jalo Núñez del Prado (responsable de recuperar clásicos de la chicha en proyectos como Discos Horóscopo) reivindica ahora su segunda grabación, publicada originalmente en 1952, antes de hacerse famosa con su clásico ‘Mambo!’ (1954). Esta cuidadísima edición en vinilo incluye imágenes inéditas de la artista y textos de la historiadora Carmen McEvoy.

Dicen que Yma Sumac se inspiró para su tono de voz tan especial en los cánticos de los pájaros, que sus conciertos eran como rituales incas y que su presencia era imponente, pero lo que realmente importa es que estas canciones suenan hoy tan modernas como hace más de medio siglo. Tanto es así que Jalo Núñez del Prado compara su figura con lo que hoy representa Rosalía: alguien que se atrevió a mezclar el folclore de su tierra con ritmos modernos y logrando con todo ella algo único y personal.

Este trabajo es el primer lanzamiento de Ellas Rugen, un hermoso proyecto para recuperar figuras femeninas de la música latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX, cantantes que fueron iconos en su época pero cuyo legado se ha ido perdiendo, ya fuera por el desinterés de los sellos locales o por el inmovilismo de las grandes discográficas internacionales que guardan los derechos sobre los másteres originales. Nombres como la cubana Olga Guillot, la venezolana Estelita del Llano, la mexicana María Victoria Cervantes y las ecuatorianas Las Tres Marías ya suenan para las próximas reediciones.

José Fajardo

Pablo López – UNIKORNIO: Once millones de versos después de ti (Universal Music Spain, 2020)

Mon, 18 Jan 2021 15:16:53 +0100

El de OT al que Risto humillaba para que ganase su futura novia. El jurado de La Voz. El intensito de los discursos largos. El Pablo Alborán del piano. Estamos llenos de prejuicios, constantemente; y con los artistas que tienen gran presencia mediática, como es el caso de Pablo López, también sucede. Es una pena, porque el malagueño posiblemente es uno de los compositores e intérpretes más mayúsculos de la última década en la música española.

Sigue costándole lo suyo quitarse ciertos sambenitos adheridos a formar parte del show business y del establishment de la mercadotecnia de las multinacionales; pero sus últimos ejercicios son prácticamente un milagro para la música comercial. Por momentos, sus álbumes parecen concebidos más como obras de pop sinfónico, pensando más en los climas y en la construcción de unas temperaturas épicas que lo acercan tanto a Jay-Jay Johanson o a Sigur Rós que a la enésima copia devaluada de Alejandro Sanz.

Lo ha demostrado desde el principio, pero sobre todo fue a partir de su anterior placa, “Camino, Fuego y Libertad”, que se percibió una comprensión de que su registro era otro: el de una suerte de Elton John con una fiereza interpretativa arrolladora y con matices heredados tanto de la música sinfónica y orquestal como de las producciones de artistas de los países nórdicos.

Con “UNIKORNIO: Once millones de versos después de ti”, consigue componer su obra más conceptual, la menos dependiente de singles efectistas, manteniendo esos embistes épicos en sus interpretaciones, pero también acercándose a un público mainstream desde variaciones clásicas (“Tempo”) hasta guiños indietrónico-sinfónicos de aires flamencos (“ImaginaTú”), nanas desgarradoras (“7”), la BSO de una película imaginaria con aires a The Postal Service (“La niña de la linterna”), acercamientos a un rock sinfónico casi metalero (“Viba”) y hasta, incluso, un puñado de hits melódicos de radiofórmula inventada para que Universal no se desesperen ni se pongan a llorar (“Mariposa”, “Unikornio” y “MámaNo”).

Alan Queipo

Rojuu – Roku Roku (Ceuve, 2021)

Mon, 18 Jan 2021 15:55:51 +0100

Hay una mística muy difícil de descomprimir en cada movimiento que ha hecho Rojuu hasta la fecha. El jovencísimo (aún menor de edad) artista no solo es uno de los nombres más prolíficos del circuito alternativo de los últimos años (entre 2018 y 2021 ha publicado cinco álbumes largos, tres EPs y un buen porrón de singles), sino que posee un registro indefinible, que no solo no se adhiere a ningún movimiento concreto, sino que también consigue sortear con cintura los clichés de la temporalidad y la tendencia.

Existen algunos tics compartidos en casi todos sus trabajos: cadencias que lo mantienen siempre cerca de una órbita urbana, su estética de producción lo ha llevado a que se lo identifique con una suerte de “emo-trap”. Hay algo de grunge del Siglo XXI, hay algo de pleitesía a la cultura gótica, de producciones casi de cyberpop y, sobre todo, una mirada rupturista con los binarismos, abriendo un camino melódico y lírico hacia una nueva masculinidad en el pop. Pero también hay en Rojuu una innata capacidad para ser esquivo con cualquier cosa que se pudiera prever.

Tanto es así que tan solo un día después de que se anunciase su fichaje por parte de Sonido Muchacho, donde aseguraban que a partir de entonces publicarían la nueva música del joven artista, ya se vino el primer acto de rebeldía, casi un troleo a todas luces: al día siguiente veía la luz “Roku Roku”, uno de los primeros grandes trabajos estatales, editado nuevamente por su propio sello, Ceuve; y en el que continúa explorando su singularísima narrativa sonora.

Si quiere jugar a la melancolía marciana (“Dogs Heaven”), si quiere acercarse a un registro más de corte house-pop (“Un abrazo más”), si quiere activar la caja de ritmos para una de las gemas más luminosamente pop (“Umi”), si quiere imponer junto a María Blaya un dueto de canción melódica para los nacidos después del año 2000 (“Si te vuelvo a ver”), si quiere explorar bases para estar más cerca del Sónar que de la reacción de un youtuber (“Rubius Nostalgia 2008” o “Serial Experimental Lain”), si quiere firmar una canción de pop acústico estándar (“Muy Lind4”) o si quiere rasgar el registro del emo-trap melódico (“Pero no importa” o “Quién dijo que este mundo estaba tan mal”), Rojuu siempre gana.

Alan Queipo

VV.AA. – Zoé Reversiones (Universal Music México, 2021)

Fri, 22 Jan 2021 09:11:29 +0100

Muchos artistas suelen decir que, una vez que publican sus canciones, dejan de ser suyas y pasan a ser de “la gente”, ese ente tan ambiguo como infinito al que se recurre casi para despachar la responsabilidad. En el caso de Zoé, posiblemente el grupo mexicano más influyente de la ola alternativa del siglo XXI, está claro que sus canciones han generado un poso que ha roto la piel propia, traspasándose no solo a un público horizontal, fuera de nichos, sino también en sus compañeros del gremio musical.

Como muestra no necesitábamos ningún botón porque la obra de León Larregui y compañía habla por sí sola; pero desde Universal Music México pusieron en marcha un ejercicio de culto y pleitesía a Zoé: un álbum tributo en el que doce artistas de renombre internacional y de registros muy diferentes han conseguido rehacer, reconstruir, resignificar y redmensionar parte del repertorio más celebrado de la banda mexicana.

Manteniendo, por lo general, cierta languidez adherida a la genética de las canciones, a medio camino entre una psicodelia de autor, un pop alternativo de altos vuelos y un carácter entre opiáceo, indietrónico y espectral; este tributo consigue acercar el repertorio de Zoé a espacios sonoros como la ranchera, el reggae, la rocktrónica o el country.

Tanto cuando un icono del flamenquito pop español como Manuel Carrasco le da un aire orquestal.espectral, como cuando un referente del mainstream latino como el colombiano Juanes se pone a juguetear con estructuras rocktrónicas, como cuando la sensibilidad pop-folk de Caloncho consigue elevar el romanticismo melódico, como cuando entran a jugar los radioformuleros Morat, como cuando el rey de la ranchera Alejandro Fernández resignifica la mítica “Arrullo de estrellas”, como cuando Rawayana llevan el registro de Zoé al reggae, como cuando la fiereza pop-clórica de Mon Laferte acerca a una suerte de falso country otra de las canciones, el repertorio de Zoé cobra nuevos y altísimos vuelos.

Alan Queipo

Junior H & Natanael Cano & Ovi - Las tres torres (Rancho Humilde / Warner Music Latina, 2020)

Fri, 22 Jan 2021 09:19:12 +0100

En ese universo autónomo que es la escena musical de México, tan fascinante como inabarcable, desde hace unos pocos años está avanzando una revolución. Figuras como Natanael Cano, Junior H y Ovi son la punta de lanza de una nueva forma de acercarse hacia la música tradicional de las regiones fronterizas con Estados Unidos y absorber la influencia de la cultura del hip hop. “Corridos tumbados” lo llaman, a ese híbrido novísimo de trap con los sonidos (y la estética) de los ranchos.

‘Las tres torres’ es su puñetazo en la mesa desde las alturas, un manifiesto grabado en el momento más álgido de su ascendente carrera. Historias de drogas y violencia, de éxito y dinero, de desamor y orgullo contadas en español con el lenguaje que se habla en las calles de Tijuana pero también en las de Los Ángeles. El capo de este nuevo circuito es el empresario Jimmy Humilde, dueño del sello Rancho Humilde quien lleva un tiempo engordando la escena a través de recopilatorios como ‘Lo mejor de las calles’.

El éxito viral ‘Feeling Good’, junto al rapero Snoop Dogg y la cantante de ascendencia mexicana Snow Tha Product, captura ese sentimiento de hermandad entre la comunidad chicana (los mexicanos que viven en Estados Unidos) y el resto de migrantes latinos junto a la población negra de California. Mientras, en cortes como ‘Ni yo me la creo’ recuerdan al trap latino melancólico y pegadizo de su colega puertorriqueño Bad Bunny y en el single ‘Verdes verdes’ reivindican su propia idiosincrasia. 2021 será el año de la explosión global de este nuevo sonido.

José Fajardo

Alfonso Córdoba El Brujo - Kilele de monte profundo (Palenque Records, 2020)

Mon, 25 Jan 2021 15:11:44 +0100

Alfonso Córdoba ‘El Brujo’ murió en 2009, a los 82 años, pero aún vive en la memoria del Chocó, una de las regiones más hermosas del Pacífico colombiano, poseedora de una cultura riquísima pese a su pobreza crónica y el tremendo olvido que sufre por parte del Estado. Con sus canciones, este artista total (era conocido como “el Da Vinci negro” por su talento en la música pero también por su pericia como escultor de máscaras, cuentista y mil y una habilidades más) logró inmortalizar la sabiduría y creatividad de un pueblo que lleva la música en sus corazones.

El sello Palenque Records, guardián de tantísimas joyas ocultas de la música colombiana, recupera ahora estas grabaciones realizadas en Bogotá en 2008, apenas un año antes de su adiós. Son apenas un puñado de canciones pero su importancia no se puede medir: aquí está un pedazo de historia, el de cómo la tradición chocoana se mezcló durante décadas con los ritmos que llegaban de Cuba y otros países hasta Colombia a través del puerto de Cartagena de Indias.

Ese trasvase desde el Caribe hasta el Pacífico (en concreto, hasta la ciudad de Quibdó por el río Atrato) pervive en estas grabaciones donde el son, la guaracha y el bolero se funden con los trinos de los pájaros, las percusiones de origen africano y el sonido de las selvas y los ríos exuberantes del Chocó. Quizá el gran talento de ‘El Brujo’ era su capacidad para transmitir historias a través de la voz, recuperando una tradición oral milenaria. Vale la pena profundizar en su figura a través de las grabaciones de campo que hizo el productor bogotano Lucas Silva (el hombre detrás de Palenque Records) para su película ‘Rapsodia negra’.

José Fajardo

Ozuna & Anuel AA – Los Dioses (Real Hasta La Muerte / Aura Music Corp., 2021)

Mon, 25 Jan 2021 15:30:10 +0100

Las comparaciones son odiosas, pero también lo fueron cuando J Balvin y Bad Bunny publicaron “OASIS” hace un par de años, y se habló de aquel álbum como una especie de fiasco con un par de melocotonazos importantes, pero que se quedaba detrás de aquel “Watch the Throne” que en 2011 habían firmado conjuntamente Kanye West y Jay-Z, los dos capos del hip-hop mundial de aquellos días.

Ahora, los boricuas Anuel AA y Ozuna, dos de los iconos del reggaetón y el pop urbano de los últimos años, posiblemente los dos nombres de la penúltima generaciones de reguetoneros que pueden intentar disputarle el trono a Bad Bunny o J Balvin, se sacan de la manga para empezar el año “Los Dioses”, un álbum que busca posicionarlos como nuevos reyes (o dioses) del género musical dominador de los últimos años y que, a su vez, intenta recuperar ciertos tics del reggaetón antiguo, tanto en el sonido como en la estética de la portada, que recuerda a dúos como Luny Tunes & Noriega, Jowell & Randy, Zion & Lenox o Wisin & Yandel, entre otros.

El álbum acaba sonando algo homogéneo de más: doce temas que muy pocas veces escapan de esa genética de medio tiempo reggaetonero que responde más al registro de Ozuna que al de Anuel AA, y al que este último consigue acoplarse con algunos fraseos algo menos melódicos y más traperos.

Más allá de algunos momentos concretos, como en “Municiones”, que parecen emular los corridos urbanos de Natanael Cano y Junior H; o los momentos más traperos, como “La María” o los ritmos 808 con melodía bachatera de “Perfecto”; no es que “Los Dioses” destaque por ser un álbum que aporte nuevos matices al sonido del pop urbano actual. Si acaso, algún hit que oposita a sonar en chiringuitos y discotecas este año, como “Nena Buena”, “Los Dioses”, “Perreo” o “Nunca”. Pero, a priori, quedará como una postal prescindible en el repertorio de ambos iconos puertorriqueños, pero como un intento de generar una alianza que los posicione como una coalición que hacerle fuerza a la de J Balvin y Bad Bunny.

Alan Queipo

Rodrigo Gallardo – Indómita (Autoeditado, 2021)

Fri, 29 Jan 2021 10:48:38 +0100

Hubo un momento en el que el concepto de ‘folktrónica’ sonaba tristemente homogéneo. Parecía que el tratamiento y la mezcla era siempre desde la misma perspectiva. Afortunadamente, el tiempo ha dado profundidad y personalidad a los proyectos más mayúsculos de este movimiento que, sobre todo desde América Latina, comenzó a fundir y hacer familiares dos variables aparentemente opuestas: la de la música de raíz y la electrónica de vanguardia.

Posiblemente el artista más cerca de la idea de ‘cantor’ o ‘trovador’ folktrónico sea Rodrigo Gallardo. Así lo demostró en “FuerzAndina”, un álbum publicado hace menos de un año y que, de no haber sido por la pandemia, hubiera confirmado al artista chileno como un nombre habitual en el circuito europeo, a la vez que lo hubiera posicionado internacionalmente como “el cantautor” más grave y completo de esta nueva generación de orfebres de las máquinas.

Con “Indómita” replica y, de algún modo, repite el modelo de “FuerzAndina”: canciones armadas como si se tratasen de piezas de autor con ecos a los folcloristas sudamericanos de mediados del siglo XX. Aquellos iconos de la Nueva Canción, ese mix entre canción folclórica y mirada de autor, como Víctor Jara, Violeta Parra, Daniel Viglietti, Jorge Cafrune o Atahualpa Yupanqui; canciones cargadas de resistencia indígena, de amor por la naturaleza, de recuperación de los códigos de los pobladores nativos de las tierras sudamericanas, en este caso, especialmente las chilenas.

Quizá con algunas fugas algo más electrónico-espirituales, de esa música que suena en circuitos como Tulum o en la Ibiza pijipi (“Kenagoni”) o piezas de un tribalismo casi oriental (“Danza vegetal) o más cerca de las ondas más caribeñas (“Escucharé el silencio”) e incluso de una suerte de baguala fronteriza a lo Leda Valladares (“Cuando el charango canta”); el grueso de las canciones posicionan a Rodrigo Gallardo como un trovador de los años ’70 que ejerce de médium entre la facción folktrónica más fina y con mayor sonido a madera y una canción que trasciende géneros y generaciones.

Alan Queipo

Zuaraz - Bugambilia (Raso Estudio, 2021)

Fri, 29 Jan 2021 11:15:37 +0100

Existe un Madrid que no sale en las noticias y que al poder no le interesa reivindicar. Es el Madrid mestizo, capital que acoge infinidad de culturas (procedentes de diversas regiones de España, pero también de Latinoamérica, entre otros lugares) porque, al fin y al cabo, ninguno somos originariamente de Madrid. Esa ciudad abierta en cuyo subsuelo siempre están prendiendo chispas creativas es el lugar donde nació Zuaraz, un proyecto musical formado por tres veinteañeros: dos hermanos mexicanos (Santiago y Sebastián Hernández) y un compostelano (Xoán Domínguez, de Blanco Palamera).

Su propuesta es tan interesante como inédita en pleno 2021: reivindicar desde una óptica contemporánea la tradición de la canción popular latinoamericana vía Armando Manzanero, Víctor Jara y Violeta Parra. Son canciones (algunos clásicos y otras composiciones propias) que beben del bolero, la trova y el son jarocho con una pátina pop gracias a la ayuda en la producción del gallego Manuel Blanco (la otra mitad de Blanco Palamera).

El valor de Zuaraz va más allá de su condición anómala: estas canciones se agarran al que tiene la suerte de escucharlas y le conducen por un viaje cálido, fraternal y nocturno desde el Madrid subterráneo del siglo XXI hasta los salones de baile de La Habana y los antros del Distrito Federal décadas atrás. Son apenas 20 minutos, pero le sobra a Zuaraz para reivindicar a las figuras que les inspiran mientras se suman a una nueva generación de autores pop que está reinventando la música en español.

José Fajardo

Maluma – #7DJ (7 Días en Jamaica) (Sony Music, 2021)

Mon, 01 Feb 2021 12:30:32 +0100

¿Cuánto hay de reggae en el reggaetón? Más allá que las primeras seis letras de la palabra, ¿existen realmente puntos en común entre el género ‘folclórico’ jamaicano y el omnipresente ritmo del pop global de las últimas dos décadas? Es curioso que, dentro de todos los iconos del reggaetón y el pop urbano mundial, sea precisamente Maluma, un artista más adscrito a la funcionalidad pop que a la exploración musical, el que presente un mini-álbum que, precisamente, busque responder a esas preguntas.

No sabemos si “#7DJ” nació de casualidad o buscado; no sabemos si es el resultado de una semana de vacaciones del artista colombiano en Jamaica devenida en ejercicio conceptual; no sabemos si es un ejercicio de estilo que agrupa una serie de canciones nacidas en unas frecuencias que lo aproximan al reggae, el rocksteady y el dub; pero el nuevo álbum de Maluma pretende desarrollar una idea que, en el reggaetón más contemporáneo, habíamos oído de perfil en canciones como “Ambiente” de J Balvin o “Con calma” de Daddy Yankee.

El resultado es, como suele suceder en los álbumes de Maluma, irregular. Y lo es porque el de Medellín sigue apegado a una genética pop que, más allá de embadurnarla de instrumentación, cadencias, texturas y colaboraciones potentes del reggae (Ziggy Marley y Charly Black), sigue teniendo un fondo descartable, sin prácticamente profundizar los tics de un género que cambió para siempre la música caribeña y, por tanto, la música de baile en todo el continente americano desde hace décadas.

El reggae que hay en el reggaetón de Maluma son gestos. Las canciones parecen querer seguir manteniendo la soga más cerca de artistas como Camilo, Danny Ocean o Sebastián Yatra que una búsqueda realmente en profundidad de convertirse en un resignificador de los códigos del reggae.

Es más, las mejores canciones del disco son en las que, más que acercarse a las cadencias rítmicas del reggae desde el reggaetón, lo hacen más hacia texturas de la música dub (“Chocolate”), el pop de manual radioformulero (“Agua de Jamaica) o un reggaetón de cadencia caribeña y pseudo-reggae (“La Burbuja” y “Peligrosa”. Sin embargo, sus canciones más fieles al reggae (“Tonika”, “Love” y “Desayun-Arte”) son hits de baja intensidad más cerca de Cantajuegos que de un fumadero de marihuana en Kingston.

Mitú - Mirow (Autoeditado, 2021)

Mon, 01 Feb 2021 14:27:24 +0100

Dicen que Mitú hace “electrónica selvática” pero en realidad son tantos los sonidos en los que se inspira este dúo de Colombia que lo más sensato es no intentar etiquetarlo. En una carrera que arrancó a principios de la década pasada y que ha avanzado a contracorriente de las tendencias musicales, el grupo ha ido desvelando sus cartas, una amalgama de influencias que hacia el único lugar que apunta es al futuro.

Detrás están Julián Salazar, quien fuera guitarrista de Bomba Estéreo y parte activa en el despegue de la escena de la cumbia electrónica y la fusión tropical en Colombia, junto a Franklin Tejedor, oriundo de San Basilio de Palenque y heredero de la tradición de los tambores afro y de los cánticos ancestrales de formaciones como Las Alegres Ambulancias. Ellos insisten en que su objetivo con Mitú no es conservar lo que hicieron sus antepasados sino hacer música nueva que les emocione.

Con esa mirada apuntan al techno anglosajón vía Actress, Laurel Halo y Oneohtrix Point Never al mismo tiempo que habitan una escena sin delimitar y libérrima, la de la folktrónica en Latinoamérica junto a propuestas como las de Nicola Cruz, Cero39 y Montoya. Es en directo, cuando la habilidad con las máquinas de Salazar se funde como en un ritual místico con el sentido rítmico de Tejedor a los tambores, cuando recuerdan a genios de la electrónica contemporánea como Baiuca o El Guincho.

Su nuevo trabajo es un paso más en ese camino de experimentación para encontrar su esencia, un EP contemplativo e instrumental que fluye por corrientes psicodélicas. Al contrario que en algunos de sus temas más celebrados del pasado, cuando se aliaron con las voces de Teresa Reyes (Las Alegres Ambulancias) o Ela Minus, aquí dominan los pasajes sintéticos y las percusiones en un mantra que invita a imaginar universos con los que el ser humano aún no ha contactado.

José Fajardo

Mexican Institute of Sound – Distrito Federal (El Volcán, 2021)

Thu, 04 Feb 2021 16:34:12 +0100

Antes de que la mezcla de música electrónica y recuperación de ritmos tradicionales se convirtiera en una tendencia que ha acabado salpicando incluso a la facción más comercial del mainstream iberoamericano, Camilo Lara ya estaba allí, convirtiendo la idea de sonidero o soundsystem en una coctelera en donde la electrónica más pistera, los guiños al funk y a la música de baile, conectaban con la cultura rock y, sobre todo, con la idiosincrasia mexicana.

Y es precisamente en esto último en donde el Mexican Institute of Sound destaca especialmente: no solo en recuperar cosas de la cultura mexicana de base, en la canción de cantinas, el los ritmos y géneros tradicionales; sino en proyectar la idiosincrasia de cómo se vive en el México contemporáneo a través de un cancionero absolutamente transversal y universal.

Tras casi cuatro años sin un nuevo álbum largo, y un último año y medio en el que no solo fue desmenuzando lo que ahora es “Distrito Federal”, sino generando alianzas con artistas de la talla de Gaby Moreno, Run the Jewels, Lidia Damunt o Tito Ramírez, entre otros; Lara acaba encendiendo definitivamente la linterna que alumbra a qué suena, literalmente, la capital mexicana tras las múltiples transformaciones que ha sufrido en los últimos años: una colección de mantras en donde la idiosincrasia de una de las ciudades más inabarcables y mutantes del mundo encuentra himnos por doquier.

Con colaboraciones tan diversas como las de Graham Coxon (guitarrista de Blur), Joe Crepúsculo, La Perla, BIA, Duckwrth y La Banda Misteriosa; el Instituto Mexicano del Sonido proyecta el imaginario de una ciudad que ya no existe, el Distrito Federal que hoy es CDMX se cuela por todas las fronteras sonoras que respira esta ciudad mutante: tanto cuando se acerca a una suerte de dub-hop futurista (“Vamos”) o un reggae virtual (“La balada de la aspirina”) como cuando la cumbia y la música de baile latinoamericana toma el mando (“El Antídoto” o “Dios”), cuando se acerca con sigilo a la bossa nova más sexy (“La Luna de Noviembre”) o cuando se convierte en un, literalmente, soundystem ambulante (“Se compran”), Camilo Lara sigue siendo nuestra feria sonora favorita para poner banda sonora al México que no sale ni en las series ni en las revistas de viajes.

Alan Queipo

Maluks - Som i vibrem (Propaganda pel fet!, 2021)

Fri, 05 Feb 2021 10:59:20 +0100

El debut de Maluks habla de un mundo que ahora mismo no existe pero cuyo regreso es cada vez más anhelado: las cervezas al sol, ese fuego interior que impulsa al baile descontrolado, patear las calles hasta el amanecer junto a los colegas… También recuerda otra época cuando Valencia (la ciudad en la costa mediterránea española donde viven estas cuatro chicas) era una de las capitales europeas de la música combativa y hedonista al son de propuestas como Skaparrapid y Ki Sap circa mediados de los 90.

Lo que entonces representaban esas bandas que bebían del ska jamaicano y del punk británico o el hardcore estadounidense -la fiesta con mensaje- hoy lo encarnan formaciones jóvenes como las propias Maluks. Las referencias han cambiado de acuerdo a los nuevos tiempos: sigue el interés en Jamaica (la cultura del sound system está muy presente) pero la mirada ya no es hacia lo anglosajón sino hacia Latinoamérica; así es como el dancehall, el dembow, la electro cumbia, la timba y la soca se fusionan sin prejuicios en estas canciones.

Tras publicar varios temas sueltos desde 2019, con este disco Maluks entran a formar parte de una nueva escena en España que está reinventando el mestizaje desde un espíritu rebelde y festivo junto a formaciones como Machete En Boca y otras que participan en este disco: Tremenda Jauría, La Fúmiga, ZeBRASS y Pupil.les, entre otras. Con sus canciones en español y valenciano actualizan el discurso de las bandas de los 90 en las que se inspiran mientras tejen lazos con las últimas tendencias de los sonidos latinos.

José Fajardo

Goa – Unplugged (La Vendición, 2021)

Mon, 08 Feb 2021 16:01:19 +0100

Hace una década ya advertía el británico Simon Reynolds en el influyente ‘Retromanía’ sobre “la adicción de la cultura pop a su propio pasado”, una obsesión (retroalimentarse de lo antiguo) que siempre ha existido pero que en esta época líquida y posmoderna está presente hasta en las expresiones culturales más transgresoras de las nuevas generaciones. Es el caso de Goa, emblema de una subcultura dentro de la burbuja trap en España (su vertiente emo), que irrumpió hace un par de años en la escena convirtiéndose rápido en un referente.

Comparado con Kurt Cobain por su gusto por las melodías guitarreras y el espíritu pop de la angustia existencial (además de por su estética desaliñada), Goa ha ido construyendo -en especial junto a su productor habitual Pochi- una obra poderosa y con voz propia donde ofrece una certera mirada a su generación, víctima de una realidad cambiante y hostil, refugiada en el hedonismo instantáneo y en la huida a otros universos más placenteros a través de ansiolíticos como el Trankimazin (entre otras sustancias).

Esa propuesta tan contemporánea, trufada con sus obsesiones personales (los vampiros, las nuevas tecnologías, el trapicheo, el sexo descarnado), no ha dejado de mirar al pasado, en especial a los 90. Cada vez es más evidente la deuda con la cultura noventera de esta generación de jóvenes enmarcados entre los últimos millennial y el estallido creativo de la Generación Z (los nacidos hacia finales y principios del nuevo siglo).

El último paso y confirmación del revival 90’s es este doble álbum en directo ‘desenchufado’ de Goa donde, como hiciera Nirvana en el icónico ‘MTV Unplugged in New York’ grabado en 1993, desnuda sus canciones despojándolas de la electricidad y el ruido, mostrando su esqueleto sin más artificios que un micrófono y la ayuda de Pochi (teclados y percusión) y Nacho aka NBlueMoney (guitarra).

Igual que sucediera con los himnos de Kobain, esta grabación en acústico confirma que en lo más profundo de la atormentada alma de Goa se refugia un genio capaz de crear algunas las mejores canciones pop de su época.

José Fajardo

Ortiga & Grande Amore – Los Rastreadores (Ernie Records, 2021)

Mon, 08 Feb 2021 16:14:55 +0100

A medio camino entre el synthpunk más camp, una pachanga en algún parque del barrio compostelano de Fontiñas, una alianza psicodélico-verbenera de dos referentes de la facción más populosa (que no populista) de la Generación Z gallega y una suerte de exaltación de la amistad a bocajarro, Chicho y Nuno, o lo que es lo mismo, Ortiga y Grande Amore, juegan a ser “Los Rastreadores”, el espacio común en donde dos amigos y compañeros de sello se han encontrado musicalmente en plena pandemia.

Breve y a la vez inabarcable, tan ciclotímico como polifónico, tan surrealista como inmediato, en menos de media hora y seis canciones, el compostelano y el burelés se atreven a tender varios puentes de experimentación sonora, llevando incluso sus propios registros al límite, y encontrándose en espacios donde ni uno ni otro habían explorado; y sabiendo adaptarse también al registro del otro.

Con Hevi (uno de los productores más esquivos y prestigiosos de la música gallega de este siglo, y productor habitual de ambos en sus proyectos en solitario) como alquimista y médium, en “Los Rastreadores” no pierden ese gusto tan campechano por hacer gestos a la cultura popular con tanto sarcasmo como respeto; pero, sobre todo, se atreven a hacer una llamada tanto al registro de rap hooligan de Sleaford Mods (“Papando”), lanzarse con una suerte de bedroom bossa nova (“Nrtkm”), dedicarse a romper las fronteras del electropop (“Un agarrado”) o el bakalao más ravero (“Fiesta Chill”), jugar a ser los nuevos Tiziano Ferro (“Mondo Dolore”) o desarrollar la facción más psicodélica del sonido verbenero de Ortiga (“Seis”).

Alan Queipo

Salazar – Salazar (Escena Music, 2021)

Thu, 11 Feb 2021 15:15:13 +0100

¿Cuánto puede haber de jondo en lo telúrico? ¿Puede un piano de corte neoclásico sonar tan cerca de una BSO paisajista, de película de vikingos, como de una fiesta gitana en los soportales de la Triana de mediados de siglo XX? ¿Existen conexiones entre la vanguardia electrónica y un flamenco de corte sacro? En Salazar sucede todo esto y algunas cosas más: su debut es tan inabarcable e indefinible como necesario para resignificar los códigos de un flamenco etéreo y volador.

Salazar son la salmantina, mitad-paya-mitad-gitana, Bego Salazar, artista que ha sido vocalista de Las Migas y que ha compartido escenario con tótems de la talla de Jorge Pardo, Macaco o Juanito

Makandé, entre otros; y el catalán Xavi Lloses, autodenominado como “antipianista, compositor y terrorista sonoro”, productor de tótems también como Jaume Sisa, Marina Rossell o Nico Roig, entre otros, y un teclista ávido de crear universos tan singulares como los de este proyecto.

Juntos, traducen esos 1000 kilómetros que separan sus lugares de origen en un espacio en donde construir una carretera infinita que beba tanto de la música neoclásica de vanguardia y una resonancia del cante jondo recodificado. Apenas nueve canciones y poco más de media hora en un álbum en el que parecen colocarse semillas con momentos que hay ecos desde la música gótica e incluso metalera hasta la música clásica más espectral, sin perder nunca el pie en la raíz flamenca.

Hay matices que nos pueden llevar tanto a una suerte de Mónica Naranjo o Amy Lee de las 3000 Viviendas (“Échame una mano” o “Extraño”), como a tics de una suerte de indietrónica flamenca para piano (“Calle Oscura”), a una suite neoclásica tan jonda como melódicamente pop (“Fujitsu”), a un concierto a piano para bulería, pistola y cuchillo (“Tú no me conoces”) o a una suerte de encuentro entre Nils Frahm y Rosalía, entre James Blake y La Niña de los Peines (“Estrella”). El buen querer de las alianzas sonoras más raciales e impredecibles.

Alan Queipo

Quixosis - Rocafuerte (Eck Echo, 2021)

Thu, 11 Feb 2021 15:07:38 +0100

‘Rocafuerte’ es el nombre de una calle del centro histórico de Quito pero también es un lugar imaginario donde colisionan dos universos lejanos. El productor ecuatoriano Daniel Lofredo Rota (el hombre detrás de Quixosis) recupera las grabaciones que hiciera su abuelo a mediados del siglo pasado para su propio sello Discos CAIFE (boleros, cumbias y un sinfín de sonoridades andinas) y las integra con habilidad sirviéndose de un manto de música electrónica ambiental desde una óptica contemporánea.

Así es como el reggaetón experimental y el dembow (pero también el uk garage o el trip hop) se mezclan con el folclore sudamericano y otras sonoridades como la canción romántica italiana que evocan épocas que ya no existen. Comparado con referentes de la nueva escena digital andina como Chancha Via Circuito y Nicola Cruz, en realidad Quixosis recuerda en este trabajo al productor canario El Guincho por su uso de samples de voces inesperadas que se cuelan entre los ritmos sintéticos en un poderoso viaje astral.

Es el primer LP editado por Eck Echo Records, un sello con base en Berlín impulsado hace unos años por el productor peruano Diego Hernández para tejer lazos entre la exuberancia sonora de América Latina y las nuevas tendencias de la música de baile en Europa. Igual que sucede en este trabajo de Quixosis, la amplitud de miras y la hermandad entre el hedonismo y el aura espiritual, están muy presentes en su catálogo.

José Fajardo

Diamante Eléctrico – Mira lo que me hiciste hacer (Autoeditado, 2021)

Mon, 15 Feb 2021 11:10:11 +0100

Según pasan los años, lo normal es que en las bandas que han conseguido cierta repercusión en su trayectoria haya algo que, para bien o para mal, hace ‘crac’: un momento en el que los proyectos necesitan reiniciarse, resetearse o disolverse.

Da la sensación de que para los colombianos Diamante Eléctrico ese momento fue en su álbum anterior, “Buitres”, un disco que continuaba presentándolos como una banda de rock and roll de melodías redondas, pero que a su vez los comenzaba a acercar a la caza del groove. Aquel disco no solo fue un fenómeno, sino que hasta tuvo una versión posterior con colaboraciones de artistas globales como Bunbury, Alison Mosshart, Vicente García o Kase.O, entre otros.

Todo hacía presagiar que la banda bogotana estaba pasando revista y poniendo un lazo a una era, más cerca de la cadencia rockera y la descarga de distorsión, para dar paso a una era dominada por cadencias que remiten al r&b, el soul o el funk. Así quedó claro en “Abracadabra”, el álbum en solitario que publicó hace menos de un año Juan Galeano, una de las mitades del dúo, cuyo repertorio era un atajo groovero de autor. En “Mira lo que me hiciste hacer”, flamante sexta producción de Diamante Eléctrico, parece que finalmente han conseguido articular el álbum no solo que los representa sino el que también escucharían en sus casas: el primer día del resto de la vida de los bogotanos suena, sin dudas, como su nuevo disco.

Marcado claramente por los géneros negros, pero sin perder ni la inmediatez melódica ni la innata capacidad pop que siempre ha marcado al proyecto ni sus coqueteos con cadencias latinas (como en la groovera “MLQMHH”); incluso toma por primera vez la voz cantante Daniel Álvarez (la otra mitad del proyecto) en “A veces”, consiguen bascular hacia una indietrónica pistera (“Cuando fuimos reyes”), hacen ojitos a un hitazo de corte disco (“Cuando quieras llegar”), se acercan al sonido de los Zoé más astrales (“Amalia”), cuestionan la heteronormatividad tóxica (“Los chicos sí lloran”) o hacen una radiografía tan crítica como romántica de su ciudad (“Suéltame, Bogotá”).

Alan Queipo

Venezonix - La que es (Nacional Records, 2021)

Mon, 15 Feb 2021 11:17:07 +0100

Existe otra Venezuela distinta a la de las filas para conseguir comida, a la de la escasez de medicamentos, a la de la censura a la prensa libre y a la de los ‘colectivos’ armados por el poder para reventar las protestas ciudadanas. Es la Venezuela de los intelectuales y artistas (los que permanecen en el país y los que viven en el exilio), una Venezuela diversa, integradora y disfrutona que (pese a todo) sigue creando cosas bonitas.

Esa Venezuela es donde habita Venezonix, el proyecto de Andrés Ponce, miembro de la banda indie tropical Elastic Bond desde su residencia en Miami, donde vive desde hace un par de décadas. “Nunca olvidaré de dónde provengo”, dice el artista, quien ha ido coleccionando vinilos de música afrovenezolana que le han inspirado para grabar estas canciones junto a su pasión por la electrónica futurista.

La tradición y lo contemporáneo se mezclan en este trabajo que recuerda a los remixes que durante los últimos años han grabado en Colombia productores modernos (desde Pernett hasta Quantic) con iconos como Abelardo Carbonó y Nidia Góngora. Venezonix se alía con Betsayda Machado, una de las grandes voces del folclore afro en Venezuela, autora del disco de referencia ‘Loe Loa’ (2017) junto a su grupo Parranda El Clavo.

Mientras en ‘La que es’ Venezonix reivindica el derecho a rumbear de un pueblo que siempre ha sido un referente en cuanto a la gozadera en América Latina, en la nueva versión del clásico de Betsayda Machado ‘La situación’ ambos reviven esa panorámica de la escasez a la que se han habituado desde hace ya demasiado tiempo los venezolanos. “Yo fui pal mercado bien de madrugá, y cuando llegué, no encontré pues ná”, canta ella con su poderosa voz y los tambores afro resonando entre ritmos electrónicos de baile.

José Fajardo

Eli Almic & Migue Nieto – Días Así (Autoeditado, 2020)

Thu, 18 Feb 2021 11:39:12 +0100

En un momento en el que la música urbana parece que ha tomado un registro homogéneo y monocorde, replicando recursos hasta el hartazgo, es estimulante que quede demostrado, una vez más, que es a través de los nombres propios femeninos donde seguimos encontrando las propuestas que consiguen salirse de tiesto, aportar otros matices, presentar otras narrativas y proyectar un rap que no solo no suena descartable y perecedero, sino que suena a futuro.

La uruguaya Eli Almic lleva ya unos cuantos años siendo un referente en el sonido urbano no solo de su país, sino de toda habla hispana. Es inevitable que cuando escuchemos sus canciones haya una asociación inmediata con nombres como los de la chilena Ana Tijoux o la andaluza Gata Cattana: hay mucho de poesía, de crítica social, de reivindicación feminista y, sobre todo, de visión musical más allá de los patrones establecidos. Pero con su esperado nuevo álbum, que llegó en los últimos compases del olvidable 2020, da un paso más en la batalla a la conquista de un espacio musical autóctono.

“Días Así” fue construido entre la propia Eli Almic y Migue Nieto, quien habitualmente ejerce de bajista en su banda. Un trabajo mucho más orgánico en la construcción de las bases, pero que también recupera el espíritu del rap de finales de los ’90 (la cultura del scratch, casi olvidada, tiene mucha presencia, gracias a la participación de DJ RC), samplea a Eduardo Galeano y hace ojitos al sonido de aquel magno proyecto que fue el Kase.O Jazz Magnetism o a artistas capitales del ‘rap tocado’ como A Tribe Called Quest, The Roots o The Pharcyde, entre otros.

Diez canciones que basculan entre el jazz-hop, la spoken word rapeada y la pirotecnia verbal, y en donde los beats suenan tan cerca de un trap orgánico como de un candombe post-millennial: tanto cuando canta sobre las presiones del mercado, los vínculos, la sororidad como hallazgo y necesidad, la ambición o el miedo, el poderoso verso de Eli Almic resuena universal. Ojalá este álbum certifique su definitivo asalto al mundo.

Alan Queipo

Gabriel Ríos - Flore (AngelHead / Sony Music, 2021)

Thu, 18 Feb 2021 15:21:08 +0100

Gabriel Ríos ha hecho un disco de otra época que no podía ser más adecuado para el momento histórico que vivimos en el presente. En este mundo encerrado y pandémico donde cualquier tiempo pasado fue mejor suenan más increíble que nunca estas canciones cargadas de nostalgia, en las que rinde homenaje a la música que escucharon su padre y su abuelo en su Puerto Rico natal durante el siglo XX.

Cuando tenía 17 años Gabriel Ríos se mudó a Bélgica y desde entonces (ya han pasado un par de décadas) ha ido explorando ese choque entre dos universos, la tradición de la canción latinoamericana que corre por sus venas y las nuevas tendencias sonoras europeas que escucha a diario a su alrededor. Saltando del inglés al español y explorando las conexiones entre el jazz, el rock alternativo y la canción de autor intimista, ha ido construyendo una obra con voz propia.

Sin embargo, es con este disco cuando por primera vez se sumerge en esa herencia que permanecía agazapada entre sus recuerdos de adolescencia. La salsa de los 60 nuyorican (la comunidad puertorriqueña en Nueva York), las sonoridades tropicales y las antiguas baladas románticas de países como México y Cuba resuenan en estas canciones donde se acerca a crooners latinos modernos como Juan Wauters, Tall Juan y Helado Negro pero con una pátina de otra época que le hace sonar especial.

Es música que tan pronto podría sonar en cualquier banda sonora del estilizado cineasta chino Wong Kar-wai (‘Ausencia’ o ‘No soy de aquí, ni soy de allá’ son puro ‘In the mood for love’) como alegrar las noches de un karaoke en algún antro clandestino donde se refugian aquellos que buscan en la música consuelo y luz. Al conectar con su identidad Gabriel Ríos ha logrado uno de los álbumes más fascinantes en lo que va de año y el más importante de su carrera.

José Fajardo

Nicola Cruz - Subtropique (Rhythm Section International, 2021)

Mon, 22 Feb 2021 14:23:16 +0100

Quienes busquen en ‘Subtropique’ esas sonoridades de lo que se bautizó como “electrónica andina” se ha equivocado de lugar. No hay ni rastro en estas cinco canciones del Nicola Cruz que debutó en 2015 con ‘Prender el alma’, el que quizá hoy siga siendo su trabajo más influyente, responsable de la aparición de una nueva camada de productores (y no sólo en América Latina) en torno a ese sonido que se hizo global mezclando los ritmos ancestrales de las comunidades originarias de los Andes y las tendencias modernas para la pista de baile.

El viaje del productor y DJ ecuatoriano empezó poco después de convertirse en un icono con su primer disco, una exploración que le llevó a colaborar con el chileno Rodrigo Gallardo (‘El origen’, 2017) y a condensar lo aprendido en sus viajes de otras culturas por el mundo (África siempre ha estado presente en su obra) en ese cántico a compartir que es ‘Siku’ (2019). Él siempre ha huido del estereotipo y de los corsés, insistiendo en que lo que hace no es más que “electrónica contemporánea”, fruto de sus investigaciones y descubrimientos.

Para su estreno con Rhythm Section, un sello de culto con sede en Londres, Nicola Cruz se sumerge en una de sus pasiones, el techno (y derivados), y lo hace a través de la que siempre ha sido su herramienta favorita para construir canciones: la batería, el instrumento con el que empezó en la música. Estas canciones se extienden como un manto psicodélico con guiños a las bases del hip hop (‘Individuality Riddim’), rindiendo un muy personal homenaje al percusionista Ray Barretto icono del jazz latino (‘Barretto’) o aliándose con el portentoso baterista Pablo Vincencio (‘Zularic Permutations’).

Los Hermanos Cubero – Errantes Telúricos (Primavera Labels, 2021)

Mon, 22 Feb 2021 14:36:35 +0100

Mucha de la música que se hace hoy en día no es que suene maquillada: es que parece que se construye la cara de muchas canciones a partir del maquillaje; que primero va la pintura, y luego la verdad. No tiene pinta de que el maquillaje ni la bisutería sean posibles abalorios para la obra de los hermanos manchegos Roberto y Enrique Ruiz Cubero. Todo en su música mira al suelo, se mancha las botas y las manos de tierra y suena tan crudo y honesto como directo al alma.

Ellos sabrán por qué han decidido publicar no solo su nuevo álbum de canciones, “Errantes telúricos”, todas con colaboraciones de renombre, a la vez que un álbum instrumental como “Proyecto Toribio”, basado en el sonido del violín, y rindiendo una suerte de culto y pleitesía al icónico violinista guadalajareño Toribio del Olmo. Lo cierto es que ellos venden la idea de que ambos álbumes componen un todo absoluto. Puede que haya puntos en común, pero la verdad es que “Proyecto Toribio” acaba estando algo sepultado y dirigido a un público más amante de la música tradicional, y es en “Errantes Telúricos” donde se amplifica su mensaje.

Y lo es porque, una vez más, Los Hermanos Cubero consiguen labrar un repertorio prácticamente en su totalidad original, en el que se difuminan las fronteras entre las jotas y la canción tradicional manchega y el sonido del country o el bluegrass americano. Hay momentos en los que proyectan un imaginario sonoro en el que pueblos como Brihuega, Molina de Aragón o Valverde de los Arroyos parecen colindar más con El Paso, Waco o Texas City.

En las diez canciones de “Errantes Telúricos” se dejan acompañar por artistas de la talla de Nacho Vegas, Amaia, Christina Rosenvinge, Rocío Márquez o Rodrigo Cuevas, entre otros nombres propios reconocidos; pero, sobre todo, consiguen con su repertorio lo que Miguel Delibes con su literatura: reivindicar la canción castellana con la profundidad de la tradición, el costumbrismo de las cosas imperecederas y la honestidad brutal de las canciones que, para sentirlas, tienen que dolernos.

Alan Queipo

C. Tangana - El Madrileño (Sony Music, 2021)

Fri, 26 Feb 2021 11:10:14 +0100

A estas alturas hablar de C. Tangana se ha convertido en un asunto político. En 2021 el pop ha saltado a las trincheras, como si fuera un partido de fútbol o las últimas elecciones políticas. Con discos como este no hay medias tintas: o es pésimo o una obra maestra. Encumbradas las nuevas estrellas de la música española al estatus de ídolos para la juventud, a cada cual se le han adjudicado unos valores, como si se tratara de superhéroes con sus propias fortalezas y debilidades.

Sus detractores le acusan de ir de hombre blanco heterosexual sobrado de testosterona y ambición, ¡y encima madrileño! La elección de colaborar con un icono en horas bajas (y últimamente escorado hacia la extrema derecha) como Andrés Calamaro es, en ese sentido, pura provocación: nada más anacrónico en estos tiempos de deconstrucción de la masculinidad que ‘Hong Kong’, una oda al ‘canallita’ nocturno.

Si a eso sumamos que prácticamente todos los que participan en el disco son hombres (unos 15 colaboradores, además de su aliado Alizzz a la producción y Víctor Martínez en la parte instrumental) y que sólo hay una mujer que canta, La Húngara, además de puntuales apariciones estelares en los videoclips de Julia de Castro, Paz de la Huerta y Bárbara Lennie como actrices, la polémica está servida. Las críticas hacia C. Tangana vienen más por su propia identidad (quién es él y desde dónde habla) que por su trabajo.

Por su parte, nunca ha escondido quién es: heredero de la tradición de la picaresca, cual Lazarillo de Tormes del siglo XXI, es el más pillo a la hora de adaptarse a las circunstancias; si el capitalismo es una jungla, él es el león que siempre reporta beneficios para que la rueda del progreso siga girando; si la pandemia nos obliga a parar, él se reinventa y con apenas un par de canciones (‘Demasiadas mujeres’ y ‘Tú me dejaste de querer’) se convertía a finales de 2020 en el protagonista del año más raro de nuestras vidas.

Su forma de acercarse al arte es la de Salvador Dalí, a quien irónicamente reivindicaba en ‘Avida Dollars’ (2018): su talento será cuestionado por muchos, serán legión los que desprecien su figura, pero no

habrá nadie capaz de convertir el ‘zeitgeist’ en canciones tan rotundas como las suyas que además se venden como churros. Su mayor talento nunca ha sido su voz ni su pericia musical, ni siquiera su habilidad (que la tiene) como letrista, en lo que realmente destaca es en su capacidad innata para rastrear las tendencias de lo contemporáneo.

Igual que Diplo o El Guincho, sabe apropiarse de ellas para construir algo único que funciona con esa mezcla de sonidos en apariencia incompatibles. Es una apropiación, la suya, que no esconde a los referentes en los que se inspira y con la que busca crear algo nuevo más allá de la copia sin personalidad.

Ese olfato le ha convertido en símbolo de los nuevos tiempos, una época donde todos los artistas (¿acaso no todas las personas?) buscan distinguirse, encontrar una voz propia que les defina. Esa búsqueda conduce irremediablemente al origen de cada uno, a la recuperación desde una óptica contemporánea de las propias tradiciones. Es algo que lleva sucediendo desde hace tiempo en las periferias y en los circuitos subterráneos de Sevilla, Medellín y Lagos, pero también en capitales como Madrid y Buenos Aires.

C. Tangana exagera su pose de madrileño en este disco (“el más importante de mi carrera”, dice con razón) donde para remarcar su identidad se rodea de influencias de fuera, en una especie de homenaje a ídolos con los que creció y un all stars de los nuevos talentos en cada uno de los géneros que ahora mismo funcionan en plataformas como Spotify.

Así es como se acerca a los ritmos que suenan en las calles de Brasil, a la tradición del rock nocturno con espíritu de cabaret en Argentina, a las últimas tendencias de la Generación Z en Estados Unidos (el bedroom pop, el nuevo r&b o el folk indie), a los corridos tumbados que arrasan entre la juventud de las zonas fronterizas de México o a la riquísima herencia musical de Cuba, mientras se sumerge en la revisión de las tradiciones regionales en España como los pasos de Semana Santa tan populares en Andalucía, al sur del país.

El plan es evidente: asaltar el mercado de América Latina (y del suculento trozo de pastel cada vez más grande de la población que habla español en EEUU) convertido en icono máximo de lo castizo y hasta de lo ibérico, siguiendo los pasos de Javier Bardem, Antonio Banderas y otros artistas españoles que cruzaron al Atlántico exportando una idea de lo ‘español’.

En el álbum hay un par de patinazos gordos: tanto el tema junto a Calamaro como el que comparte con Jorge Drexler (‘Nominao’) no hay por dónde cogerlos. Es el problema cuando estás tan arriba que sientes que tienes carta libre para hacer lo que quieras: a veces, si tu entorno no te pone barreras, se te va de las manos.

Pero, en una época donde todo es tan frugal que se olvida al instante, C. Tangana deja al menos una cosecha de más de media docena de piezas memorables, entre ellas una nueva versión remozada de su ya clásico ‘Un veneno’ con Niño de Elche (aquí junto a José Feliciano) y sus experimentos al lado de Omar Apollo en ‘Te olvidaste’ (donde vuelve a sonar tan moderno como en la época de Crema y con Agorazein) y con los mexicanos Carin León y Adriel Favela en ‘Cambia’ donde da la talla en un registro que no es el suyo, así como en sus incursiones en la música popular junto al cubano Eliades Ochoa o al resucitado maestro de la copla Pepe Blanco y del espíritu de verbena y música para los coches de choque con Gipsy Kings. Otros pocos temas, como el de Kiko Veneno o el de Ed Maverick, suenan a oportunidad perdida, a un ni fu ni fa agradable pero olvidadizo.

En su conversión al ‘madrileño’ C. Tangana se ha transformado en el Real Madrid: tan aplaudido como odiado, (casi) siempre gana y cada cual tiene su opinión sobre si ha hecho un partido galáctico o nefasto, sobre si es una estrella o un farsante, una de dos.

José Fajardo

Briela Ojeda – TEMPLO KOMODO (In-Correcto, 2021)

Fri, 26 Feb 2021 11:01:59 +0100

Hay algo que pasa en el centro de las canciones de Briela Ojeda: como si el espíritu de las mitades de Brittany Howard y Violeta Parra colindasen; como si una suerte de ritual cancionista viajase de su San Juan de Pasto natal a las tribus que se comunicaban con sonidos, canciones al fin. El cancionero de la cantautora, o cantora, o cancionista colombiana, es de esos que, de la crudeza y la frontalidad más honesta, consigue trascender géneros y canciones.

“TEMPLO KOMODO” es su última colección de mantras: ocho canciones que no llegan a la media hora en suma, pero dotadas de una profundidad que las deja vibrando adentro mucho más tiempo. Canción de autor con deje andino, pero a la vez casi piezas de blues criollo, de folk agazapado en la colombianidad más profunda.

Tanto cuando se acompaña de su compañera Lalo Cortés para convertir esos mantras en auténticos himnos rituales casi ancestrales (“Burbujas” y “Luna Munay”) como cuando abandona su guitarra de cuerdas de nylon por una eléctrica para sonar como una Camila Moreno levitante (“Liviana”), cuando firma una copla con aires a la canción de autor combativa y resistente de los años ’70 (“Quesquerés”), cuando suena con el groove del blues y la confesionalidad de la canción alternativa post-millennial (“Búhoz”) o cuando caza una zamba del litoral de resistencia justiciera (“Doña Justicia”), Briela Ojeda brilla, siempre brilla.

Alan Queipo

Bejuco - Batea (Discos Pacífico)

Mon, 01 Mar 2021 10:10:54 +0100

"Somos muchxs lxs que durante este último año de encierro obligado por la pandemia hemos encontrado un refugio en la música. A través de las canciones hemos imaginado todo eso que nos estábamos perdiendo ahí fuera y, de paso, nos hemos gozado en nuestras casas esos bailes que se nos fueron". Escuchar a este grupo de Tumaco (en el Pacífico Colombiano) cantar La clave de vivir o Arrullo party es un poderoso chute de vitalismo y buena onda para estos tiempos inciertos.

Bejuco rinde homenaje en su debut a la batea, instrumento ancestral que en algunas regiones de Colombia ha aportado durante varias generaciones el sustento de vida de muchas familias. Símbolo de resistencia y autosuficiencia de las comunidades olvidadas por el Estado, la batea es la herramienta que se usa en la minería artesanal de oro (el ‘barequeo’, como dicen ellos) pero también un objeto muy presente en sus vidas cotidianas.

Con la ayuda del productor bogotano Cerrero (Diego Gómez, el hombre detrás de ese fascinante proyecto que es Discos Pacífico con el que está revitalizando la riquísima pero apenas conocida escena musical del litoral Pacífico en Colombia) Bejuco conecta el legado sonoro de su tierra (los cánticos, el ritmo de los tambores africanos y las poderosas melodías de la selva) con el hip hop combativo y el afrobeat desde una óptica contemporánea.

Junto a Alexis Play, Cynthia Montaño, Esteban Copete y otros artistas jóvenes, Bejuco están agitando una de las escenas musicales más fascinantes del mundo, la del Pacífico colombiano.

Ángela Torres – LA NIÑA DE FUEGO (Warner Music Argentina, 2021)

Mon, 01 Mar 2021 10:29:29 +0100

Lo más difícil para un artista pop nacido en los albores del siglo XXI, nativos digitales y con una carga de información que se disuelve con los días; es poder encontrar un hilo conductor en su obra que consiga hablar con profundidad de sí misma/o, y a la vez proyectar un registro diferente. Algo así como descifrar su propio código sin saber del todo cuál puede ser esa clave entre las infinitas posibilidades que pueden existir.

A la jovencísima actriz y artista argentina Ángela Torres un viaje de mochilera al sur de su país le abrió los ojos, y la llevó a un espacio de intimidad familiar que ha conseguido recodificar. La obra de su abuela Lolita Torres, una icónica actriz que protagonizó algunas de las más importantes películas de mediados del siglo XX, sirve como un nexo de sangre que no solo recupera y resignifica el pasado, sino que proyecta y labra un camino futuro.

“La niña de fuego” fue una película de aire flamenco y arrabalero que su abuela protagonizó cuando ella no era ni un proyecto de cigoto; y también una canción popularizada por Lola Flores y Manolo Caracol que la argentina también supo popularizar en su país. Ahora, “LA NIÑA DE FUEGO” es lo que su nieta Ángela Torres ha querido que sea: un EP de seis canciones conectadas por las derivas del nuevo pop, pero con el nexo de una mujer empoderada a mediados del siglo XX y también en el inicio de la tercera década del siglo XXI.

Con el omnipresente Alizzz como productor en uno de los trabajos con mayor protagonismo que el productor y compositor catalán ha tenido fuera de las fronteras españolas; Torres se acerca a ese registro after-folclórico de Rosalía para rendir tributo a su abuela (“LNDF”) o a iconos de la canción popular argentina como Tita Merello (“ARRABALERA”) desde una perspectiva contemporánea; pero también explora texturas como las del pop urbano o la indietrónica con tics que recuerdan tanto el “Dirty” de Christina Aguilera como las producciones de finales de los ’90 de proyectos como TLC, Sugababes o Aaliyah.

La niña de fuego abre las venas y sus orígenes para galopar un territorio de neotonadillerismo empoderado sin límites.

Alan Queipo

Pahua - Ofrenda (Nacional Records, 2021)

Fri, 05 Mar 2021 09:29:51 +0100

La escena alternativa de la música en México es una galaxia inabarcable donde para brillar por encima de la media hay que irradiar una luz casi cegadora. Paulina Sotomayor ya lo consiguió junto a su hermano Raúl en el proyecto Sotomayor, donde mezclan electrónica contemporánea con ritmos de raíz y voces melódicas. No contenta con el considerable impacto logrado desde 2015, ahora se lanza en solitario como Pahua, una ventana por donde asoma su personalidad.

A través de la voz, las percusiones y un manto electrónico construido por ella misma junto a colaboradores como Ramón Pérez Prieto (del fascinante grupo peruano Novalima), Pahua funciona como una placentera vía de escape en estos tiempos tan confusos y hostiles, un oasis con ritmos profundos que nos conectan con lo espiritual y lo intangible de la naturaleza salvaje, donde la autora se reivindica con un poderoso mensaje de reafirmación de la feminidad.

Este primer EP resulta prometedor, sin llegar a las cotas más geniales de su proyecto paralelo con Sotomayor, sí apuntala el camino a seguir en una senda que discurre por donde antes ya pasaron referentes de la folktrónica contemporánea desde Latinoamérica como Chancha Via Circuito, al mismo tiempo que se suma a un grupo de mujeres (La Chica, entre ellas) que están reformulando la música contemporánea en español.

José Fajardo

Sofía Valdés – Ventura (Warner Records Inc., 2021)

Fri, 05 Mar 2021 09:46:34 +0100

Hay una sensibilidad especial en las canciones de Sofía Valdés: con una voz leve y sinuosa, a medio camino entre el sonido de la Motown menos racial y la bossa nova más minimalista, la jovencísima artista panameña demuestra en su esperado (y breve) debut que hay una vía posible entre la facción más emocional de la música latina de autor y los colores más vívidos de las músicas negras.

Apenas 20 años tiene Sofía Valdés, aunque por sus venas corre sangre de artista: bisnieta del legendario músico cubano Miguelito Valdés y tataranieta de la icónica cantante panameña Silvia De Grasse. Ahora, varias décadas después de que su árbol genealógico comenzase a labrar la historia de una familia de artistas, la joven Valdés toma el relevo para reconducir todo ese espíritu al de un cancionismo sensible, con un marco de referencias que excede lo musical.

Así lo demuestran canciones como “Amsterdam”, un folk-pop de corte americano pero de aire aflamencado en el que samplea al escritor argentino Jorge Luis Borges; pero también consigue acercarse al registro de la Taylor Swift más cantautoril y, a la vez, al de José González en “Lonely”; construir en “Gems” desde el palmeo flamenco una suerte de bossa nova que hace ojitos a Joao Gilberto y a Amy Winehouse a la vez; jugar con las cadencias tropicales de autor de aire afrancesado, como una Carla Bruni latina, en “Oceans Away”; o soltar un pistoletazo pop que recuerda al sonido post-millennial de Anderson .Paak en “Handful of Water”.

Alan Queipo

Polito Bances, César Zárate & Julio Díaz – Los Saxos De Mi Tierra: Peruvian Sax Tunes (Infopesa, 2021)

Mon, 08 Mar 2021 15:10:14 +0100

Un instrumento que no se adscribe necesariamente a la genética sonora de los ritmos tradicionales sudamericanos acaba sirviendo como vehículo para conectar, desde lo instrumental, con géneros, tradiciones y mezclas de razas musicales impensables.

Ese es el artefacto polifónico que han conseguido articular los saxofonistas Polito Bances, César Zárate y Julio Díaz, tres eminencias del saxo que han imaginado a su instrumento como un médium entre las cavilaciones de ritmos populares de su Perú natal como la chicha o la cumbia con acercamientos al jazz, el boogaloo o el flamenco, entre otros.

“Los Saxos De Mi Tierra: Peruvian Sax Tunes” se la demostración de que no hay que prejuzgar los inescrutables caminos de los músicos con mirada amplia. Aunque al hablar de “música peruana” instantáneamente pensemos en una instrumentación que nos acerque a la idea que tenemos del folclore andino o de las músicas tropicales, Bances, Zárate y Díaz confunden para fundir el imaginario con el de los saxos, un instrumento más adscrito a géneros como el jazz o la salsa, por ejemplo.

De ahí que este despiste los lleve a coquetear con un ramillete de estilos que los hace sonar tan folclóricos como universales, permitiéndose licencias para viajar a cadencias españolas (“Cumbia flamenca”), de la salsa cubana (“El rancho de la cambicha”), al boogaloo isleño más rockandrollero (“La Parada Street”), al tribalismo brasileño (“Carnaval Tropical”) o incluso a la cumbia más elemental (“La Coneja”).

Alan Queipo

Maria Arnal i Marcel Bagés - Clamor (Fina Estampa, 2021)

Mon, 08 Mar 2021 15:37:00 +0100

En la música que hacen Maria Arnal (voz) y Marcel Bagés (instrumentación) está toda la energía creadora de un concepto, el del pueblo, que ellos ensalzan y dignifican. Son la voz de los anónimos que habla de esperanza pese a todo, ese “clamor” popular tantas veces silenciado, quienes ante la incertidumbre y la vulnerabilidad en las que estamos sumidos responden con una inspiradora rabia positiva canalizada a través de canciones como chispazos de otro cosmos.

El arte desde su mirada es pura acción política, pero no esa cansina retahíla de frases hechas que escuchamos por televisión o la que nos llega en escupitajos desde las redes sociales, sino una energía transformadora que agita conciencias con palabras sencillas y poderosas. “Volver a empezar de nuevo aunque el viento sople de cara (…) De todos los calabozos de los que me he visto presa (…) ¿Por qué caer es tan fácil?”, canta en ‘Milagro’. Y en ‘Fiera de mí’, se pregunta: “¿Quién quiere nacer humana? Qué sopor la humanidad: provocar el fin del mundo e inventar la identidad”.

Es una obra que nació antes de la pandemia pero se ha vista impregnada irremediablemente por todo lo que ha sucedido estos últimos meses. El mensaje central es una llamada a un renacimiento tras el apocalipsis, un regreso a nuestro lado animal, una reivindicación de la fragilidad y los cuidados del otro, un grito en favor de lo colectivo frente a las obsesivas (y dañinas) ambiciones individuales del capitalismo. Unas teorías que mezclan el discurso transgénero de Paul B. Preciado con el tópico del buen salvaje de Rousseau y las dimensiones paralelas de la inteligencia artificial vía Holly Herndon y José Luis de Vicente (el comisario de Sonar+D).

“Pop mutante”, lo han llamado, a esta propuesta que amplía el campo de batalla que el dúo catalán perfiló en su emocionante debut ‘45 cerebros y un corazón’ (2017) -donde la memoria histórica era el punto de partida para indagar en la tradición- y se lanza a otros mundos aún por colonizar. La música electrónica es el hilo que guía estas canciones (la figura de su productor David Soler emerge como una tercera pata esencial) donde suenan coros, rebaños de cabras, las cuerdas de Kronos Quartet y el ensemble electro-acústico Morphosis.

Maria Arnal y Marcel Bagés no necesitan ir de modernos, no tienen que apuntarse a ninguna tendencia; como los genios que marcan época esta pareja de artistas catalanes va marcando el paso de la nueva música que está por venir: sin necesidad de encasillarse ni colgarse etiquetas ni cubrirse con banderas, mirando con honestidad hacia dentro y absorbiendo sin prejuicios lo que les rodea, esculpiendo una obra que será (que ya es) inmortal.

José Fajardo

San Martín Vampire – Aspic (Odisea Digital, 2021)

Thu, 11 Mar 2021 11:08:26 +0100

Cuando en los años ’90 no se usaba, al menos en territorio iberoamericano, el concepto de “hype”, San Martín Vampire cumplían todos los requisitos para serlo: un grupo formado por un ex miembro (Fabio Rey) de un grupo fundamental del rock alternativo argentino como Los Brujos y un carismático líder con aire de crooner de vodevil como Sergio Pángaro (que capitaneaba a Baccarat, esa suerte de vodevil after-indie) se veían aupados no solo por la crítica (que los eligió como la revelación de 1998), sino también por un icono como Gustavo Cerati que, con apenas una canción publicada, los mencionaba como el futuro del pop argentino.

Duró poco aquello. Antes de publicar su debut, se despidieron. De ahí que “Debut y despedida” se convirtiese en un álbum de culto y en una suerte de coitos interruptus para una banda con una genética singular: un crooner tan tanguero y abolerado como ácidamente afrancesado, arropado por un guitarrista de corte surfer y un ravero encapsulado en una banda tan ciclotímica e indefinible como inabarcable.

Han pasado más de veinte años desde aquello, y San Martín Vampire aprovecharon la cuarentena para reencontrarse del otro lado de las pantallas y cranear un regreso que se traduce en “Aspic”, un álbum que, contra todo pronóstico, no solo mantiene la frescura de aquel proyecto a pesar de que sus miembros tienen más de dos décadas encima; sino que siguen sonando tan marcianos como entonces: fundiendo electrónica, canción melódica, guitarreo noventero y programaciones psicodélicas.

Gracias a San Martín Vampire se entendió la expansión del sonido de proyectos globales como Babasónicos o Miranda!, pero con las nueve nuevas canciones que presentan demuestran por qué son una banda necesaria: tan cerca de la inabarcable idiosincrasia de Sumo (“Montecristo”) como de unos Soft Cell embadurnados en Siglo XXI (“Carhué Cuarenta (Heathcliff, It’s Me)”), de una suerte de Armando Manzanero intervenido por Ariel Pink (“Perlas”), de un Trent Reznor firmando una colabo con Urge Overkill (“Fórmica”) o de una vía alternativa para el electro-circense de vodevil (“Nikov”). Todo indica que San Martín Vampire lo han vuelto a hacer. Pero, ahora, estando vivos.

Alan Queipo

Santuario / Sanctuary - Compilation (Movimientos, 2021)

Thu, 11 Mar 2021 11:28:56 +0100

La última tendencia de la música en el Reino Unido no canta en inglés: una nueva generación de migrantes latinos está poniendo a bailar a las Islas Británicas al son del reggaetón, la cumbia y el r&b con aires tropicales. Esa escena ha ido ensanchándose en los últimos años, desprendiéndose de un injusto manto de invisibilidad, apoderándose de espacios donde expresarse y trascendiendo las modas para convertirse en un movimiento que ha llegado para quedarse.

Precisamente la organización Movimientos es uno de los agitadores más activos de la escena, un altavoz que resuena en toda Europa organizando eventos, representando a artistas y editando sus trabajos. La pandemia ha golpeado a los colectivos más desfavorecidos y esta familia de músicxs latinxs (originarios de Colombia, Venezuela, Puerto Rico, Argentina, Brasil…) ha sufrido las consecuencias no sólo por el cierre de los locales de conciertos donde se reunían sino por la durísima crisis económica.

Este recopilatorio tiene, desde esa perspectiva, un doble objetivo: celebrar los 15 años de Movimientos dando a conocer a estas bandas, además de destinar todos los beneficios a la comunidad latina residente en el Reino Unido.

La selección incluye 19 temas que muestran la increíble diversidad y talento del circuito: desde el electro tropical de Xaman X (revisitado por el británico Village Cuts) hasta la fusión de la tradición cubana con sonidos contemporáneos de Wara, el folk indie en acústico de la argentina Malena Zavala, el hipnótico viaje espacial del productor mexicano residente en Bristol Panther Panther y los sugerentes ritmos de cumbia de Imperio Bamba, por citar sólo unos de los ingredientes de este suculento festín.

José Fajardo

Aiman JR - 480 (Autoeditado, 2021)

Thu, 11 Mar 2021 12:04:35 +0100

El drill es el sonido de una juventud sin futuro. Cortante, seco, oscuro y agresivo, acompañado de rimas duras cantadas sin ritmo y un tono aséptico como si fueran las ráfagas de una ametralladora, el género nació hace unos años en los barrios deprimidos del Reino Unido al calor de la escena grime. En España ya es el nuevo punk de los jóvenes que se han cansado de mezclar trap y reggaetón, a los que las cuarentenas obligadas por la pandemia y la desolación cuando se asoman a la vida adulta (el desempleo, el problema de la vivienda) esta música les brinda un canal para descargar su agresividad y frustración.

Como un goteo constante cada vez más ensordecedor, en los últimos meses han ido saliendo singles y discos nuevos de artistas como Elpatron970, Skinny Flex y Ghetto Boy que están ensanchando las posibilidades del circuito y subiendo el nivel. Aiman JR es uno de los más jóvenes (apenas tiene 16 años) y quizá el más talentoso de todos. Ya venía avisando en temas como ‘Fresh Morocco’ y ‘Orgullo marroquí’ de lo que era capaz gracias a un flow magnético con barras lanzadas sin descanso pero es con este EP cuando ha confirmado su asalto al trono.

Desde Bilbao, y de origen marroquí, forma parte de una escena invisible cada vez más poderosa en el movimiento urbano: la de los jóvenes que han llegado a España desde el Magreb (también algunos desde el África subsahariana) y en sus canciones cuentan con franqueza historias descarnadas de migración, las de los que cruzan cada día el Estrecho en busca de una vida mejor. En sus letras Aiman JR radiografía cómo es la supervivencia en las calles, presume de batallas junto a sus colegas y usa la música como vía de escape frente a esa realidad tan asfixiante.

José Fajardo

Ferran Palau – Parc (Hidden Track Records, 2021)

Thu, 11 Mar 2021 12:14:54 +0100

En tiempos en donde parece que hay que hacer ruido constante para sobresalir por encima del otro, Ferran Palau prefiere dominar los espacios de silencio. Ahí es donde su música consigue penetrar de una manera tan sensible como elemental: son tan importantes sus melodías redondas y el groove con el que construye su registro como los momentos en donde el aire silencioso entra a gritar sin emitir sonido.

Es cierto que hay momentos en los que el catalán es algo esclavo de su registro: ha construido un artefacto en el que Palau es una suerte de cantante melódico que conecta con sonidos que van desde el r&b o el pop negro hasta la música sintética menos pistera y la limpieza de unas guitarras casi blues; pero, sobre todo, lo que define sus álbumes, y vuelve a suceder en “Parc”, es esa capacidad de romper fibras sin mucho aspaviento, justo en la era del trap, el reggaetón y el mundanal ruido.

La diferencia entre “Parc” y el resto de sus álbumes es que ha construido un repertorio infalible. En “Kevin”, su anterior álbum, había conseguido aterrizar en un registro que es el que sigue explorando en este nuevo cancionero; pero, ahora, con unas canciones redondas, en las que se permite licencias como pitufarse la voz (“Amor”), acercarse a los sintetizadores de Kavinsky (“Mes enllà”) o firmar canciones tan cerca del Serrat más crooner (“Blau”) como de un Sen Senra barítono (“Reflexe” o “Parc”).

Alan Queipo

Brisa Fenoy - Amor o poder (Autoeditado, 2021)

Thu, 18 Mar 2021 17:32:16 +0100

Brisa Fenoy es una figura atípica. Ha sido modelo, ha formado parte del engranaje de una multinacional (Universal Music) y sabe lo que es alcanzar el éxito viral gracias a su canción ‘Lo malo’ interpretada en 2018 por Aitana y Ana Guerra en ‘Operación Triunfo’. De todo ello ha huido en una carrera que avanza a la contra, en busca de la independencia total. Ese es su mayor atributo: su capacidad para sorprender y alejarse de lo que se espera de ella.

Su debut discográfico profundiza en las ideas que ya mostró en su libro homónimo publicado por la editorial Temas de Hoy en 2019, un manifiesto vital donde introducía conceptos como “pornopop”, “ignoralia” y “mainstream con contenido”. Esta última es la idea que impulsa este disco (que se completa con una pieza audiovisual de una hora con reflexiones e imágenes): hacer pensar a través de canciones que simulan ser como el resto de la música comercial, con estribillos pegadizos y ritmos que invitan al baile.

Tras ese envoltorio digerible se cuelan mensajes a la contra del sistema: siempre controvertida, consciente de que nadie tiene la razón absoluta, Brisa Fenoy tiene su propia visión sobre el feminismo, la sociedad de consumo, el culto al cuerpo, el cambio climático, los fenómenos migratorios (ella es de Algeciras, en la frontera de España con Marruecos) y la ambición sin límites del capitalismo.

Hay ironía y provocación en esta obra que ha germinado durante la pandemia (la artista ha sido muy activa en redes sociales estos últimos meses, lanzando lemas como #stopcensura y #calladitanunca) y que culminó durante un reciente viaje espiritual y creativo a la costa Caribe colombiana para trabajar junto al productor estadounidense Chris Castagno, quien ha colaborado con la banda local Bomba Estéreo y vive allí, en Minca, a las faldas de la Sierra Nevada de Santa Marta, un lugar sagrado para los indígenas.

Dice su autora que este es su disco “mainstream” y que después vendrá otro más “experimental”. Le ha salido un debut tan atípico como es ella, que no encaja en ningún circuito y es ahí donde radica su belleza: no se parece a nada que hayamos escuchado antes. Los ritmos latinos y el autotune se mezclan con el pop del siglo XXI, el hedonismo se confunde con la batalla ideológica y mientras tanto van apareciendo voces invitadas como las de La Mari, Vinila von Bismark y Paty Cantú. Un trabajo libre, apátrida y sin género, un manual para hackear “el Matrix” en el que vivimos, en palabras de Fenoy.

José Fajardo

Onda Vaga – Témpera Mental (Leader Music, 2021)

Thu, 18 Mar 2021 17:16:56 +0100

“Hay una voz que quiere decir más de lo que estamos pensando” es una de las frases más simbólicas que nos encontramos en el sexto álbum de Onda Vaga. No es una frase baladí.

Cualquiera que haya seguido los acontecimientos del combo argentino los últimos tres años sabrá que las polémicas acusaciones en las que se vieron envueltos hace tres años, con decenas de denuncias de acoso concentradas a través de un portal web, y un descargo en redes de la banda (como le sucedió a otros proyectos argentinos: algunos músicos de otras bandas, incluso, están cumpliendo penas de cárcel) a buen seguro estuvo a punto de resquebrajar la continuidad del que era, hasta entonces, uno de los proyectos más internacionales y referenciales de la nueva canción alternativa argentina.

De ahí que esta “Témpera Mental” se presente casi como un reinicio que fueron cociendo a fuego muy lento. Tanto por su situación personal como la situación conflictiva como banda, como también por el contexto de un 2020 que se prestaba a estar guardado en la madriguera. Sin embargo, Onda Vaga fueron soltando singles desde finales de 2019 y a lo largo de todo el 2020.

Muy poquito a poco fueron construyendo una identidad sonora mucho más templada, cerca de la canción de fogón de los años ’70 menos acelerada, la de proyectos como Arco Iris, Alma y Vida o Sui Géneris; pero con un mensaje de clara deconstrucción conceptual: mucho más espirituales y poéticos y menos crudos.

De ahí que su nuevo repertorio se permita licencias instrumentales casi de zamba-tango (“En el bosque de Oslo”), un mantra psicodélico (“Una voz”), reggaes de madera (“Adivinador”), un par de hits marca de la casa pero con un giro explícitamente romántico (“De la materia al amor” y “El camino del amor”) y un claro himno deconstructor (en “Cuestión de egos”, junto al rey de la canción Jorge Serrano, cantan: “No hay que preparar la boca ni ningún pulmón; solo estar dispuesto a caer y cambiar de opinión”) que, a través de la metáfora, es casi un himno de, como diría León Gieco: por favor, perdón y gracias.

Alan Queipo

Bad Gyal – Warm Up (Aftercluv / Interscope / UMG Recordings, 2021)

Mon, 22 Mar 2021 11:59:07 +0100

Resulta cuanto menos curiosa la frialdad que parece transmitir Bad Gyal y, a la vez, el espíritu calenturiento que orbita constantemente en prácticamente todas sus canciones. A estas alturas ella debería dejar de verse como una ‘promesa’, y “Warm Up”, su nuevo disco, nos plantea más preguntas que respuestas.

Más allá del doble juego entre la idea de “calentamiento” más erótico y el de “calentamiento” como avanzadilla de algún álbum más grande que podría llegar a publicarse, ¿es lo mejor que puede dar la artista catalana en lo que a conquista del pop urbano global se refiere?

El nuevo EP largo o LP corto de Alba Farelo no solo es una recopilación de los singles que ha ido publicando los últimos meses a modo de intentos de colarse en la agenda pop global tras posicionarse en sus inicios como una suerte de reina del dancehall mediterráneo; sino que “Warm Up” también intenta colocar una narrativa diferente a las que proyectó en “Slow Wine” y “Worldwide Angel”, los dos ejercicios previos que la convirtieron en uno de los nombres más singulares y con mayor proyección global del urban estatal.

Sin embargo, esa frialdad a la que hacía referencia al inicio de la reseña, y que es marca de la casa de Bad Gyal (esa manera de cantar sin gesto, casi como una autómata sexy), también se transmite en las ocho canciones y apenas veinte minutos de duración de su nuevo lanzamiento.

Sí, hay melocotonazos de oro (como “Blin Blin”, “44” y “Judas”) que superan a muchos de los hits de las grandes divas del pop urbano latino como Karol G, Cardi B, Natti Natasha o Becky G; hay colaboraciones de alcance global (Rauw Alejandro o KHEA, sobre todo); y hay también algún que otro intento de preservar la frescura de sus inicios (“Aprendiendo el sexo”) o de explorar nuevas texturas de producción (“Pussy” o “Iconic”); pero lo cierto es que da la sensación de que la catalana juega a medio gas, guardándose cartas bajo la manga, cuando debería haber puesto toda la carne en el asador para convertirse en la nueva referencia del género en habla hispana a escala global.

Alan Queipo

Guadalupe Álvarez Luchía - Terraza (Raso Estudio, 2021)

Mon, 22 Mar 2021 12:03:34 +0100

Si existe un algoritmo para identificar el ideal de canción comercial en 2021, aquella que repite todos los tics que enganchan hoy a las grandes audiencias, sin demasiada chicha pero pegadiza, no es desde luego la herramienta que ha usado Guadalupe Álvarez Luchía para grabar este disco. Las suyas son canciones imprevisibles, que se enroscan y apuntan a infinitas direcciones, que exigen un esfuerzo al que escucha y, a cambio, ofrecen mogollón de sensaciones y pensamientos.

‘Terraza’ no será el disco de moda en estos tiempos en los que triunfa lo inmediato y superficial, pero sí puede ser uno de esos trabajos que acompañarán durante toda la vida a los que se enganchen a esa voz susurrante y sugerente, a esos ritmos intrincados (desde sonidos de su Argentina natal como la zamba o el candombe hasta el pop-folk alternativo) y a ese poso filosófico que ofrecen estas 10 canciones.

Tampoco es convencional la forma y el lugar donde se han grabado estas composiciones, tejidas durante estos últimos meses tan raros desde el oasis de su terraza estudio en Madrid, la ciudad donde esta artista renacentista (además de cantante y multi-instrumentista, es actriz) vive desde hace más de una década.

Como las buenas películas, el álbum esconde sorpresas en cada rincón, y así es como van apareciendo invitados con acento argentino como Julián Kartún (El Kuelgue), Julia Ortiz (Perotá Chingó), el filósofo y divulgador Darío Sztajnszrajber o el productor Toni Brunet (quien ha trabajado con Jorge Drexler, entre otros).

Un trabajo intimista y cargado de matices, que logra avanzar con tiento entre la fina línea que separa lo pretencioso de lo intelectualmente valioso, con el que la mitad del Dúo La Loba (con el que en 2019 sorprendió gratamente junto a su aliado Calequi en ‘Verbena’, su segundo disco) sigue ampliando el frondoso entramado de influencias y bifurcaciones que ensanchan su carrera artística.

José Fajardo

Jazmín Mazzuchelli – 119 (Gema Discos, 2021)

Fri, 26 Mar 2021 11:47:08 +0100

Quizá aún no seamos conscientes de lo necesitado que está el ser humano en lo que a baile con nocturnidad y alevosía se refiere. Tras llevar más de un año economizando nuestras reuniones sociales, siempre con distancia y mascarilla, y con prácticamente ninguna oportunidad de bailar y sentir el calor y el sudor ajeno en la pista de baile, lo normal es que la cultura de rave, las discotecas más pisteras y, por ende, la música que forma parte de ese hábitat, vuelva.

Si es por eso, estad tranquilos y tranquilas: la argentina Jazmín Mazzuchelli acaba de publicar un álbum en el que se recupera, desde una perspectiva melódica y con estribillos redondos, el espíritu de una electrónica que bucea por la cultura de club, esquiva la algo manoseada etiqueta de synthpop que protagonizó las tendencias de hace algo más de una década; y firma un EP largo (o un LP corto) de apenas siete canciones y poco más de veinte minutos en el que el acid house de los Happy Mondays se funde con la electrónica chill de la Ibiza de los ’90 y, a la vez, se hace guiños a tendencias como el UK Garage o el jungle británico.

Tanto cuando firma uno de los hits neo-bakalas más sexys y ultramelódicos de lo que llevamos de año (“Por acá”) como cuando se acerca a un deep house de aires r&b (“Mirar de cerca”), cuando gira hacia un sonido más oscuro, envenenado e industrial (“Algo”), cuando hace una oda a la electrónica ochentera (“También el mar”) o cuando se pone espiritual y ambient, pero también conectada con el indie argentino (“119”); la platense Jazmín Mazzuchelli se posiciona como uno de los nombres más interesantes de un nuevo resurgir de la electrónica aplicada tanto al club como al pop.

Alan Queipo

Sen Senra - Corazón cromado (Sonido Muchacho / Universal, 2021)

Fri, 26 Mar 2021 12:04:11 +0100

Es una excelente noticia para el pop español que ahora lo comercial (eso que funciona de forma masiva entre audiencias amplias y transversales) sean artistas con el talento y el riesgo de Rosalía y C. Tangana. A ellos se suma desde ya Sen Senra, quien desde finales de 2019 (con uno de los discos tapados de ese año, ‘Sensaciones’, cuyas canciones terminaron de explotar mientras se expandía las pandemia a lo largo de 2020) lleva avisando que, como en el programa de televisión, dentro de él hay una estrella.

Lo que hace diferente a Sen Senra de la inagotable legión de imitadores de The Weeknd o Frank Ocean que intentan vivir de la música en todas partes del mundo es que él tiene una voz propia y una mirada personal, además de un oído muy fino para las melodías. Quizá puede recordar a muchas otras cosas que ya hemos escuchado (ese r&b sofisticado y sensual que en Estados Unidos lleva ya años funcionando), pero siempre hay algo especial en sus canciones.

Así sucedía en ‘Tienes reservado el cielo’ o ‘Ya no te hago falta’ y vuelve a conseguirlo con este EP de siete cortes donde tan sólo muestra un catálogo de las cosas de las que es capaz, como un muestrario de hasta dónde puede

llegar con su proyecto artístico. Es pop del 2021 donde el autotune dialoga con los estribillos y la electrónica que antes de ayer era considerada experimental se salta todos los prejuicios para abrazar a eso que llaman “el gran público”.

Ya sea junto al colombiano Feid (‘Wu Wu’) o con el propio C. Tangana (‘Qué facilidad’), o incluso mejor a solas (Senra es parte de esa generación autodidacta que se defiende en todas las facetas del proceso de creación y

lo aplica a su música, bastándose él mismo para componer, tocar e interpretar), este vigués del 95 está llamado a ser una de las grandes voces de la canción contemporánea en español.

José Fajardo

Sofia Kourtesis - Fresia Magdalena (Technicolour, 2021)

Mon, 29 Mar 2021 09:01:05 +0200

Sarita Colonia fue una joven peruana que durante la primera mitad del siglo pasado hacía milagros, por lo que comenzó a ser venerada por los inadaptados de la ciudad de Lima: desde pobladores de los barrios obreros que habían migrado de las zonas rurales del país hasta miembros de la comunidad LGTBI marginados por el conservadurismo de la sociedad.

Su figura nunca fue reconocida por la Iglesia Católica (pese a que Sarita era creyente), pero sí ha sido reivindicada por la productora de electrónica Sofia Kourtesis ya desde el principio de su carrera. Esta limeña se mudó a Berlín antes de cumplir la mayoría de edad para probar suerte en el cine, las casualidades la empujaron a la música y hoy es una de las figuras más excitantes de la escena europea de clubes nocturnos.

Sus primeros trabajos mostraban su gusto por el house y la música de baile futurista con un aire tropical, todo ello impregnado con sonidos ambientales: los de la selva del Amazonas o los vendedores callejeros de su ciudad natal. Con este EP da un salto adelante sin olvidar sus orígenes: en la portada (igual que en sus anteriores grabaciones) aparece la representación más icónica de Sarita Colonia y el título hace referencia a su madre (Fresia) y al barrio donde creció surfeando olas en Lima, Magdalena del Mar.

‘Fresia Magdalena’ es un homenaje a sus orígenes (el mar y esa luz gris tan particular de Lima) y también a su papá, que murió recientemente de leucemia. Todo ello está representado en cortes como ‘La Perla’, quizá el primero en su carrera en el que su propia voz juega un papel primordial, y en el cual nos invita a abandonarnos a la experiencia del baile y su poder sanador. Junto a otras como Fernanda Arrau y Tayhana, Sofia Kourtesis encabeza una escena de mujeres latinoamericanas que están poniendo patas arriba la electrónica contemporánea.

José Fajardo

Karol G – KG0516 (Universal Music Latino, 2021)

Mon, 29 Mar 2021 09:22:22 +0200

Roncan pero no pueden con su pum-pum-pum. Parece una frase sencilla, y de hecho lo es; pero también es 100% cierta: Karol G es la artista iberoamericana más importante del mundo en lo que a pop urbano contemporáneo refiere. Son muchas las que pujan por un trono que, desde la publicación de “Tusa” y los consiguientes singles “BICHOTA” y “Ay, Dios Mío” la han convertido en, de momento, la número uno a todos los niveles: casi 2.000 millones de reproducciones en solo estas tres canciones y una expansión global que debería certificarse con su tercer álbum.

Resulta cuanto menos curioso que cada nuevo disco de Bad Bunny, J Balvin, Anuel AA u Ozuna, entre otros, se convierten en fenómenos globales que cambian las derivas del pop; y, sin embargo, a pocos días de la publicación “KG0516”, si bien no podemos decir que ha pasado desapercibido, no es lo omnipresente que debería ser el álbum de la artista latina número uno del pop urbano global, con las cifras oligofrénicas que acumula y una corte de colaboradores que incluye a J Balvin, Anuel AA, Nathy Peluso, Ozuna, Camilo, Nicky Jam, Nicki Minaj, Wisin & Yandel o Ivy Queen, entre otros y otras.

El álbum condensa sus últimos pelotazos, pero prioriza, sobre todo, un nuevo ramillete de canciones que desarrollan ese reggaetón relativamente suave y dúctil que tan bien ha sabido modelar la colombiana junto a su compatriota, el productor Ovy On the Drums. Juntos, firman dieciséis canciones que destacan especialmente cuando se corren de los márgenes y proyectan nuevos registros, y no cuando firman canciones algo más predecibles (como “DVD”, “SOLA ES MEJOR” u “ODISEA”, por ejemplo). La Karol G que más destaca es, además de la de los hits incontestables, la que impone una narrativa femenina y feminista que no es evidente, sino que sirve como vaso comunicante.

Esa que se acerca a la ranchera empoderadora (“200 COPAS”), la que se acerca a una suerte de bossa nova pop con guiños a la rumba flamenca y a la bachata (“EL BARCO”), la que recupera el espíritu de la EDM aplicada al pop de radiofórmula (“LOCATION”), la que tira por los derroteros de un r&b que recuerda a las producciones de Timbaland (“GATO MALO”, junto a Nathy Peluso), cuando rehace el clásico ñoño “Beuatiful Girls” desde la perspectiva de enfrente (“BEAUTIFUL BOY”) o la que recupera el sonido del reggaetón old school para liderar una canción que es una reunión de entidades (Wisin & Yandel, Ivy Queen, Nicky Jam, Zion y Alberto Stylee junto a ella en “LEYENDAS”). La reina es ella, hay que decirlo más.

Alan Queipo

La Cumbia 20 de Enero y Leyendas Cañamilleras del Caribe - La Caña de Millo: Voz histórica y silenciada de la cumbia (Chaco World Music, 2021)

Mon, 05 Apr 2021 08:25:18 +0200

Da igual que las escuches desde Madrid, Lagos o Alaska: cuando suenan estas canciones se te impregna el calor del Caribe, la cintura empieza a contonearse y los pies avanzan poquito a poco siguiendo el ritmo de la cumbia. Esta grabación te traslada a esas poblaciones donde Gabo soñó sus ‘Cien años de soledad’, lugares recónditos en las profundidades de Colombia donde la fantasía se hace realidad en la vida cotidiana de una población que lleva la música en sus venas.

‘La caña de millo’ es un fascinante trabajo de recuperación de la memoria de estos pueblos, una necesaria labor antropológica y una reivindicación política: sacar del olvido la expresión popular de estas gentes anónimas a las que el Estado (y los distintos poderes del sistema) han invisibilizado desde el inicio de los tiempos. La caña de millo es el alma de la cumbia, similar a una flauta que evoca el sonido de lo que rodea a estos artistas mientras están creando: los pájaros, el viento, las cigarras o las risas.

El productor e investigador colombiano Manuel García Orozco recupera en este doble álbum los himnos de dos agrupaciones locales: La Cumbia 20 de Enero y Leyendas Cañamilleras del Caribe, quienes mantienen viva la tradición que han popularizado por todo el país (y, por suerte, cada vez más por todo el planeta) artistas ya legendarios como Totó La Momposina, Petrona Martínez o Los Gaiteros de San Jacinto.

Este mismo productor, bajo el alias de Chaco, es también el responsable de algunos de los trabajos más importantes en la revitalización del folclore del Caribe colombiano: esa fantasía que es ‘El orisha de la rosa’, del difunto Magin Díaz (el ‘Sugar Man’ local, descubierto cuando ya tenía casi 100 años), y el imprescindible recopilatorio ‘Voces del bullerengue’. Estas grabaciones mantienen viva una llama que nunca se apaga: la de la cumbia.

Verde Prato – Kondaira Eder Hura (Plan-B / Lago/Cráter, 2021)

Mon, 05 Apr 2021 09:21:16 +0200

Vivimos tiempos donde la reivindicación de las músicas tradicionales y la resignificación de códigos de la cultura popular regional está cobrando una nueva dimensión, y donde, afortunadamente, cada vez aparecen más propuestas que conectan el antes de ayer con el pasado mañana. Sin embargo, hay regiones cuyos ejercicios modernizadores tienen mayor prensa o apoyo por parte de la industria española; y sigue habiendo mucha diferencia y asimilación más rápida de quienes actualizan el flamenco o la copla con respecto a las bilbainadas o la muiñeira.

Pero, del mismo modo que en Galicia se lleva viviendo un proceso de recuperación de sus músicas y símbolos tradicionales gracias a proyectos como Mercedes Peón, Baiuca, FAIA, Guadi Galego, Aliboria o Tanxugueiras, entre otros y otras; en el País Vasco cada vez son más los proyectos que, recuperando el espíritu vanguardista de símbolos como Mikel Laboa o Imanol, reconstruyen el sonido de la música tradicional vasca y la conectan con vertientes propias de la música contemporánea.

Y si ya hablamos en esta casa de artistas como Amorante, Sara Zozaya, RAITX u Olatz Salvador, entre otros y otras, ahora hay que hablar de una de las dueñas de los debuts más estimulantes, indefinibles y, por fortuna y riqueza espiritual de las músicas ibéricas, indescifrables de lo que llevamos de año. Hablo de Verde Prato, el proyecto en solitario de Ana Arsuaga, que se sirve de su propia voz pero, sobre todo, de una mirada absolutamente transversal, polifónica e intergénero para modelar el castillo infinito que es “Kondaira Eder Hura”.

El álbum, primera referencia discográfica de Plan-B (agencia que trabaja con artistas de la talla de Niño de Elche, Israel Fernández, Maria Rodés o María de la Flor, por mentar solo algunos), en coalición con el sello madrileño Lago/Cráter; narra la historia de un joven que abandona su pueblo para irse a la ciudad: una historia típica de los pueblos ibéricos de los derredores de la urbe que aquí es cantada por testimonios de su entorno más cercano.

En los poco más de veinte minutos de duración del disco, Verde Prato proyecta una película cantada que conecta una marcha-pasodoble con tics orientales (“Lagunen kanta”), aires que la muestran casi como una Enya de la música sacra más tribal (“Amaren kanta”), una pieza a capella tan reverberante como imponente (“Haurraren kanta”) o una dulzaina-reggaetón (“Neskaren kanta”), entre otros movimientos.

Alan Queipo

Tarta Relena - Pack Pro Nobis (Associació Cultural Indian Runners / Urpa i Musell, 2021)

Fri, 09 Apr 2021 08:23:53 +0200

Un doble relámpago ha quebrado los cimientos sobre los que se sostenía la música española contemporánea. Al mismo tiempo que se consolidaba al fin la conexión con las exuberantes sonoridades de Latinoamérica se ha ido produciendo un redescubrimiento de las propias tradiciones. En ambos casos la mirada abierta de esta nueva generación de artistas ha sido la poderosa estaca con la que se han derribado todos esos prejuicios engordados durante tanto tiempo.

Tarta Relena ocupa un lugar singular en esta nueva escena: nadie como este dúo catalán ha conseguido recuperar las composiciones de sus antepasados desde una visión que anticipa el futuro. Sólo con sus voces, Marta Torrella (contralto) y Helena Ros (soprano) logran capturar la riqueza de las culturas Mediterráneas (desde Menorca hasta Creta, compaginando el catalán, el griego, el español, el latín y hasta el sefardí) con una mirada que es puro 2021.

“Canto gregoriano progresivo”, se ha dicho sobre ellas, tratando de describir lo que no se puede explicar con unas pocas palabras: un fulgurante milagro que atrapa al que escucha con el poder de la voz y unos sutiles arreglos electrónicos. Es natural para ellas usar Ableton (un programa informático para grabar sonidos) igual que en otros siglos se hacía con el arpa o las percusiones con lo que se tuviera a mano; aunque interpretan composiciones que en algunos casos tienen ya siglos no podrían sonar más actuales.

Este pack especial reúne sus dos EP grabados entre 2019 y 2020 –‘Ora pro nobis’ e ‘Intercede pro nobis’-, además de cinco remixes a cargo de algunos de los productores más punteros de Cataluña: John Talabot, Ex Continent, Shelly, Mans O y Garru. Todas estas canciones, tanto las que están despojadas de artificios sonoros como las que conviven con el manto de electrónica, emparejan a Tarta Relana con figuras únicas de un talento sobrenatural como las colombianas Las Áñez en su aproximación desde una formación clásica al neo folclore.

José Fajardo

Alba Reche – la pequeña semilla (Universal Music Spain, 2021)

Fri, 09 Apr 2021 13:41:37 +0200

Lo que pasa en Operación Triunfo se queda en Operación Triunfo… casi siempre. Hay excepciones a esa regla. Y una de ellas es la de Alba Reche, que quedó segunda en la edición de hace tres años del talent show, y que era una de las artistas más singulares aunque no más premiadas por parte del jurado del programa. Allí ya se veía cuál iba a ser la apuesta de Universal Music una vez acabe el concurso, pasase lo que pasase: Natalia Lacunza, quien sin lugar a dudas también tiene muchísimo talento, y por quien no se ha escatimado en recursos para que tenga los números y la proyección que hoy tiene.

Sin embargo, frente al registro algo lánguido de Lacunza, el de Alba Reche se antoja bastante más poderoso y con un anclaje pop que, en vez de acercarse a las tendencias (a Billie Eilish, el r&b hispano, el bedroom pop), busca identidad. No lo consiguió del todo Reche en el apresurado “Quimera” que publicó prácticamente en tiempo récord, a los pocos meses de salir de la academia de TVE; pero sí lo consigue en su segundo álbum: “la pequeña semilla”, un ejercicio cargado de metáforas desde su título pero que ayuda a germinar una Alba Reche a medio camino entre la raíz ibérica, el pop de radiofórmula y la querencia alternativa.

Especialmente interesantes son sus colaboraciones con Fuel Fandango y con la chilena Cami, con quienes firma alianzas (“los cuerpos” y “que bailen”) que la acercan a cadencias que coquetean con el flamenco y con el folclore latinoamericano; pero también brilla cuando se ubica en un espacio equidistante entre la indietrónica y el pop&b (“pido tregua”); el pop negro más funky y bailón (“flor alta”, en el que canta a medias en castellano y valenciano); o la canción de radiofórmula que mira a la vez el registro de Pablo Alborán y el del pop sueco (“la culpa” o “el desarme”, por ejemplo).

Habrá que seguir bien de cerca los pasos y movimientos de la levantina, que si ya brillaba en el talent show, ahora también brilla al encontrar una identidad propia sin tirar de referencias explícitas.

Alan Queipo

Lucas Martí – La Ausencia (Autoeditado, 2021)

Mon, 12 Apr 2021 09:52:34 +0200

En julio de 2019, Lucas Martí ofició su propio funeral pop. Literalmente: en sus propias y recientes palabras, se “deprimió de sí mismo” y anunció que dejaba el pop para dedicarse al rock duro con su proyecto Atentado Legal, y ofreció un concierto al que llamó “Me retiro del pop”. Lo que vino después fue la publicación de “La Frontera”, el debut de Atentado Legal, su “proyecto heavy”, a principios de 2020. La depresión fue a más en un año perdido en el que su proyecto de centrarse en el rock pesado se vio truncado por un confinamiento extremo en Argentina.

Lo que pocos sabíamos es que en medio de su retirada del pop y asentamiento metalero es que tenía preparado un álbum, “La Ausencia”, que quedó sepultado por todas las decisiones recién comentadas. Una filtración repentina de hace tan solo unas semanas propició que el músico argentino decidiese publicarlo de forma pirata: compartió un enlace de un WeTransfer con el disco, portada y contraportada incluidas en el link de su biografía de Instagram, tras intentar subirlo a plataformas digitales y no poder por cuestiones legales. De esta manera, “La Ausencia” es su ‘disco pirata’.

Más allá de la triste y bizarra historia, “La Ausencia” es un álbum que bascula sobre esa canción pop de raíz aérea tan marca de la casa de Luis Alberto Spinetta, del que Martí es uno de sus herederos musicales más explícitos; pero, sobre todo, es un álbum en el que se percibe esa atmósfera melancólica y tristona, casi depresiva, en la que ha nacido una generación de canciones que evita el estribillo pero que no abandona nunca el pop para cazar tradiciones que van del jazz al folk.

El marco de referencias nos lleva a los años ’70 del rock argentino de Invisible, La Máquina de Hacer Pájaros o los primeros Abuelos de la Nada; pero la personalidad de Martí se impone cuando resulta más impredecible: cada giro en las estrofas no sabe si te llevarán a facciones casi de ópera (“Censura” o “La Ausencia”), de tics del rock aguerrido (“No logré sacarte”), de una canción folk arbolada (“Sheriff”) o casi de una ópera rock con aires de musical (“Mísera opción”). Menos mal que “La Ausencia” ya no es un disco perdido.

Alan Queipo

Mafalda - Bailando sin sentido (Autoeditado, 2021)

Mon, 12 Apr 2021 10:13:27 +0200

Cuando se habla de Mafalda siempre se menciona que es nieta del rey Simeón de Bulgaria, además de hija del príncipe Kyril y de la ex modelo y consultora artística española Rosario Nadal. “La princesa del pop oscuro”, la han bautizado. Sin embargo, esta compositora y cantante nacida en Londres en el 94 (ha vivido entre la capital británica, Mallorca, Estados Unidos y, ahora, Madrid) es mucho más que esa herencia familiar, como demuestra su paso por la Berklee College of Music de Boston, una de las escuelas más prestigiosas del mundo.

Tras publicar algunas prometedoras canciones en los últimos años, este EP es su confirmación como una de las voces con más proyección del pop contemporáneo. Ella cita influencias como Lana del Rey y Florence & The Machine, pero temas nuevos como ‘Así lo hago yo’ y ‘Decir adiós’ muestran su salto al neo r&b cantado en español, un giro respecto a lo que venía haciendo (el pop de alcance mainstream en inglés) y con el que se acerca a cantantes jóvenes que han aparecido estos últimos años en España, como es el caso de dani.

Son canciones profundas que invitan a bailar desde la introspección, donde Mafalda se aleja de ese ruido mediático que le persigue a su alrededor desde que era muy joven y lanza un poderoso mensaje de autoafirmación apoyada en su voz y su talento creativo. Detrás de la producción aparecen el catalán Alizzz, cómplice habitual de C. Tangana, y el andaluz Tunvao, quien ha colaborado con talentos de la nueva escena urbana en español como Akasha Kid.

José Fajardo

Mon Laferte – SEIS (Universal Music México, 2021)

Thu, 15 Apr 2021 10:33:40 +0200

¿Os imagináis que las embajadoras universales de la canción mexicana no sean mexicanas de nacimiento? Ya consiguieron abrazar la bandera de la cultura popular mexicana a través de su obra la costarricense Chavela Vargas o la española Rocío Dúrcal, y la chilena Mon Laferte lleva años allanando un camino que certifica con “SEIS”, un álbum explícitamente mexicano y mexicanista, en donde deja un poco de lado su facción más swing y explora más que nunca el corrido, el bolero, la música norteña y el sonido mariachi.

Tras una serie de álbumes en donde Mon Laferte perfiló una personalidad que la ubicaba como una suerte de cantora comprometida y rebelde, pero que conectaba la idea de canción melódica o bolero con una sonoridad más cerca al swing o a la big band; en su nuevo ejercicio discográfico directamente abraza las tubas, trompetas y vihuelas, y recodifica los símbolos de la música mexicana con un cancionero original que la posiciona, ahora sí, como una neotonadillera universal a la par que embajadora sonora de la música mexicana.

Más allá de alguna excursión a géneros como la bossa nova (la prescindible “Canción feliz”), el nuevo álbum de la chilena es un auténtico manual mexicanista, pero sin perder su carácter reivindicativo ni sus marcas de agua más reconocibles. Tanto cuando se alía con Gloria Trevi (en el tumbao “La Mujer”) para cuestionar los roles de la mujer en un mundo machista; como cuando se alía con Alejandro Fernández para sonar como el Luis Miguel de “La Bikina” (en “Que se sepa nuestro amor”); como cuando bascula por una cumbia abolerada para cuestionar la democracia (en, valga la redundancia, “La Democracia”); cuando recuerda a las presas de Valparaíso junto a una banda de veinte mujeres (“Se va la vida”); o cuando proyecta el sonido norteño y a la música de banda (en la epilogar “Se me va a quemar el corazón”), Laferte muestra sus credenciales más mexicanas.

Pero también desarrolla aún más algunos de los puntos fuertes de su obra, como cuando lleva a una nueva dimensión el género de despecho en una canción melódica con mucho de Rocío Jurado y el sonido de las canciones de Manuel Alejandro (“Aunque te mueras por volver), cuando compone un himno contra el femicidio en un bolero de influencia cubana (“Calaveras”) o cuando firma una canción romántica de una profundidad lacrimógena que suena a crooneresa transgeneracional (“Amado mío”). Inabarcable e infinita, quizá estemos ante el álbum más redondo de la nueva mexicana universal, sin ser nada de eso.

Alan Queipo

Renata Flores - Isqun (Autoeditado, 2021)

Fri, 16 Apr 2021 08:02:10 +0200

El grito de Renata Flores es parte de una lucha global para reivindicar a los pueblos originarios contra la marginación y el racismo. The New York Times la bautizó como “la reina del rap en quechua” pero ella es mucho más: activista, artista total, icono de la Generación del Bicentenario en Perú que ha salido a las calles para exigir cambios en la sociedad. Con sólo 20 años acaba de publicar su debut, un disco que marcará una época por su mezcla de sonidos y estética urbana con ritmos tradicionales y letras reivindicativas en su idioma ancestral.

‘Isqun’ representa al número 9 y en la cosmovisión andina es el reflejo del alma. La artista escogió ese título porque en estas canciones habla sobre ese fuego interior que le está quemando por dentro, atizado por las brasas del olvido al que han sido sometidas las mujeres andinas a lo largo de la Historia. Reivindica a figuras escondidas en los libros oficiales de texto en las escuelas como la mestiza Francisca Pizarro. “Somos fusión, acéptalo. Rosalía, dame la razón”, canta entre un fondo de electrónica y bases de hip hop.

También denuncia el putrefacto aliento del machismo en pleno 2021 (‘Tijeras’) y lanza un alegato dirigido a las autoridades (‘Quim hina’) para acabar con la lacra del analfabetismo de las comunidades rurales de su país, donde los jóvenes tienen que recorrer varios kilómetros para llegar a la escuela y especialmente las niñas se exponen a ataques de indeseados.

La estética de sus videoclips es maravillosa: súper producciones (algunas a cargo del colectivo de creadores audiovisuales Midnight Chifa) que recuerdan al rollo retro-futurista de la película ‘Black Panther’ pero sumergiéndose en el universo inca: coreografías urbanas similares a las de Mala Rodríguez junto a sus coristas mezcladas con danzas rituales, máscaras de ídolos legendarios junto a deportivas con plataforma, la cultura milenaria vista desde la modernidad.

En su canal de YouTube ha ido subiendo vídeos durante el último año, aprovechando las cuarentenas, donde ofrece lecciones de quechua a través de versiones de clásicos del pop moderno, desde Billie Eilish y Alicia Keys hasta el ‘I Like It’ de Cardi B. Una auténtica fantasía. Junto a otros artistas jóvenes como Los Cogelones, Sara Curruchich, Polka Stereo, María Reyna, Tamya Moran y Brisa Flow, Renata Flores está poniendo en valor la fascinante riqueza de una cultura que durante demasiado tiempo el poder ha querido ocultar.

José Fajardo

Rubén Blades + Roberto Delgado & Orquesta – SALSWING! (Rubén Blades Productions, 2021)

Mon, 19 Apr 2021 14:51:17 +0200

Hace tan solo unos días, en la primera y polémica entrevista que Miguel Bosé ofreció a Jordi Évole, entre todo un serial de declaraciones que ahondaban en excesos y vida desordenada, a mí me llamó la atención una frase, en la que decía que su “carrera ya estaba hecha” y que podría haber extendido la gira de “Papito”, en la que profundizaba en sus grandes éxitos, durante décadas. Básicamente, que artísticamente no tenía nada que aportar.

Las casualidades del destino han querido que el inquieto e inabarcable Rubén Blades publicase un álbum que venía acompañado de un texto-manifiesto en el que, contestando sin que nadie le pregunte el por qué de “SALSWING!”, su nuevo ejercicio discográfico junto a Roberto Delgado & Orquesta, el panameño decía: “todos los álbumes de hoy se limitan a una dirección musical específica, para llenar un nicho de mercado específico: es un imperativo económico, no artístico. “SALSWING!” promueve la posibilidad de cambiar las divisiones provocadas por estas consideraciones financieras”.

En resumen: que Blades está aquí para quitarse sambenitos, para demostrar su transversalidad artística y, sobre todo, demuestra que el rey de la salsa sigue teniendo cosas que decir. Y lo hace en el marco de sus propias y autoeditadas producciones, desarrollando una alianza con Roberto Delgado & Orquesta que, como hiciera con los Seis del Solar o con Willie Colón, ya se había acercado a otras direcciones sonoras con “Son de Panamá” y “Salsa Big Band”, quizá el preámbulo de lo que nos trae ahora en su nuevo disco.

“SALSWING!”, como implora desde el propio título, promueve la mixtura entre la salsa y el swing. Ningún gran invento si no fuera por la majestuosidad y personalidad de la voz de Rubén Blades y de una banda que consiguen acercarse al jazz y el swing desde la salsa y a la salsa desde el jazz y el swing. El resultado tiene momentos de una producción algo hortera, de salón de hotel; pero también deja momentos espectaculares, como en “Paula C.”, “Tambó”, “Cobarde” o “Canto Niche”, donde el pulso caribeño se trata con materiales de una big band de swing; o en canciones como “Ya no me duele” o “The Way You Look Tonight”, donde suena a un Sinatra caribeño.

Por supuesto que no será el álbum que cambie la vida de ningún seguidor de Rubén Blades, pero sí es un gesto más de que hay carreras artísticas que, a pesar de haber llegado a, seguramente, un cénit creativo, aún tienen muchas cosas que decir. Por ellos y por la música.

Alan Queipo

ARON - Nieve (Piper Music, 2021)

Mon, 19 Apr 2021 15:07:19 +0200

Están pasando tantas cosas en la música española que el movimiento de los sonidos urbanos desde los márgenes al mainstream abanderado por C. Tangana y Rosalía ya cuenta con sus propios hijos, cuando no nietos. Una nueva generación de artistas que ha llegado a la música a través de otras plataformas (TikTok, especialmente) o universos creativos (las series de Netflix, por ejemplo) está empezando a posicionarse en la lucha por las tendencias de Spotify y otros marcadores de lo que escucha la juventud.

Tienen entre 18 y 20 y pocos años; se mueven en el universo del hip hop pero saltan sin prejuicios al pop, el reggaetón o la electrónica; ya contaban con una comunidad masiva y fiel de seguidores en redes como Instagram antes de anunciar su faceta musical, y aspiran a crecer compaginando esa vertiente multitarea: modelos para marcas, intérpretes, diseñadores, cantantes. Arón Piper, mitad español mitad alemán, ídolo juvenil por su papel en la serie Elite, es uno de los que están mejor posicionados.

Su salto a la música con este EP como ARON, puro oportunismo que él mismo reconoce, muestra los cimientos sobre los que se construye este nuevo fenómeno: la influencia en la producción del nuevo pop con alcance masivo del sonido de Alizzz (ese neo r&b con trazas de hip hop, electrónica elegante, cierto aire tropical y coqueteos con el Autotune); la importancia de las colaboraciones entre Latinoamérica y España para subirse a la ola de la explosión global de la música en español, y la ruptura entre géneros musicales en favor de la cultura del playlist y su obsesión por los ‘mood’ o estados de ánimo.

En su caso, Arón Piper hace equipo con varios nombres destacados del circuito urbano latino (Polimá Westcoast y Jesse Báez, entre otros) y se apoya en al andamiaje sonoro construido por su productor, Mygal, un nombre que lleva desde 2016 rastreando las tendencias de lo urbano en español en sus colaboraciones junto a gran parte de la escena: Cecilio G, Miss Nina, Costa, Dellafuente, Jedet, Gianluca… Todo suena prometedor pero sólo el tiempo dirá si este proyecto resistirá el constante goteo de novedades semanales de música nueva.

José Fajardo

Paco Moreno – Rumba Deluxe (Sursum Tapes, 2021)

Thu, 22 Apr 2021 17:02:53 +0200

Es curioso que, precisamente en un momento en el que etiquetas como la de bedroom pop o etiquetas como la de lo-fi parece que son catálogos obligatorios para toda una nueva generación de artistas que componen en pijama sin parar de hacer scroll en su red social favorita; no sean demasiados los artistas que realmente hagan justicia a aquella idea algo romántica y nihilista de “hazlo tú mismo”.

Paco Moreno lo hace él mismo. Porque quiere y porque no lo sabe hacer de otra manera. Y esa misma frescura, ese grano por momentos cutre de sus producciones, esa apología de lo underground y transversalidad desprejuiciada a la hora de construir sus canciones, lo llevan a convertirse en una suerte de máquina de crear: como aquel Andrés Calamaro de la sobreproducción de “El Salmón” y aquella web de Camisetas Para Todos, pero en la era de Bandcamp.

Inabarcable en su ritmo de producción de EPs, singles o discos (en lo que llevamos de año, ya publicó, además de este LP corto, otros dos EPs y un split junto a Papaya Club), lo nuevo de este joven cantor andaluz se acerca a un cóctel de ritmos populares que él cataloga como “Rumba Deluxe”, editada en cinta de casete: todo es rumbero y bailable, todo se acerca a la canción melódica, y todo suena incandescentemente fresco.

Tanto cuando bascula en los derroteros del bolero (“Cara guapa”, “Detrás del sol” o “Novio nuevo”) como cuando se acerca a la cumbia y la chicha peruana de after de bodas (“Al-Pillapilla” o “La beba estable”), cuando juguetea con el reggae tanto cuando se acerca a la saeta envenanda (“Calaíto”) o a “La Cucaracha” (“Leyenda negra”), el nuevo ejercicio de Paco Moreno es, como en ese loop que va soltando entre las canciones que dice: “¡qué bonito, Paco!”.

Alan Queipo

Idoipe - Cierzo lento (Orixen Records, 2021)

Thu, 22 Apr 2021 15:17:21 +0200

Desde la Costa de la Muerte hasta el Peñón de Gibraltar, de los montes del País Vasco a los desiertos de Almería, un relámpago sacude la escena de la música contemporánea en la Península Ibérica. En la fusión desprejuiciada de tradición y electrónica, la promiscuidad entre sonidos y una mirada hacia el futuro están las bases de este movimiento que en la figura de Idoipe alcanza las tierras de Aragón.

Guiado por la potencia casi deslumbrante del faro del gallego Baiuca (referente de esta escena pese a su juventud), el zaragozano Javier Idoipe (cantante de la banda Matafuego Club) se adentra en estas canciones en el folclore de su tierra, inspirado en la herencia de sus antepasados, gaiteros en Teruel. Explica el artista que su pretensión es que no se olvide ese riquísimo legado cultural víctima del abandono de las zonas rurales de lo que se conoce como la España vacía.

Idoipe muestra en este trabajo su pericia como selector musical y su conexión con la escena electrónica latinoamericana (desde el ecuatoriano Nicola Cruz a los colombianos Mitú) y, valiéndose de grabaciones de campo, archivos de audio de un valor antropológico e instrumentos como la bandurria o la flauta de pico construye canciones como ‘Eran ellas’ que invitan a un baile en trance junto a la comunidad mientras dejan un poso de reflexión.

José Fajardo

Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo – Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo (RISCO, 2021)

Mon, 26 Apr 2021 09:07:28 +0200

Entre la mugre y la fragilidad, entre la urgencia eléctrica y el espacio silencioso del groove, un nuevo icono del rock brasileño ha nacido. Y es que Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo surge casi como un fulgor con arranques que van desde el garage-punk al jazz, que bascula entre la tradición del rock tropicalista de aquel Brasil de Os Mutantes hasta la vocación comprometida, sarcástica y guerrera de una nueva generación de artistas brasileños.

Por mucho que intentemos (y que, si buscamos, encontremos) cercanía con otros iconos del rock brasileño, un gran desconocido para la opinión pública fuera de aquel país que puede reunir a nombres que van desde Titas o Cazuza hasta Os Paralamas do Sucesso o Legião Urbana; la idiosincrasia artística del proyecto paulista que capitanea la joven Sophia Chablau se entiende con las derivas contemporáneas.

Esas mismas derivas que ha llevado a este joven proyecto a firmar su debut con la producción de Ana Frango Elétrico, otro icono del femme rock brasileño y latinoamericano; pero el universo de este proyecto debutante tampoco se entendería sin compañeros generacionales como Boogarins, Ava Rocha o Mandale Mecha; o lo que pasa en países como Argentina con artistas como Marilina Bertoldi, Barbi Recanati o Eruca Sativa.

De ahí que, del mismo modo que sus compañeras generacionales, el homónimo debut de Sophia Chablau e Uma Enorme Perda de Tempo proyecte ese espíritu de clima mixto. Tanto cuando tiene que sonar eléctrica y urgente, como unos Libertines paulistas (“Pop cabecinha”), cuando suena intimista y frágil, a punto de romperse (“Se Você”), cuando se acercan al noise casi metalero (“Deus Lindo”), cuando suenan a neo-tropicalismo (“Debaixo do Pano”), cuando rinden tributo a la bossa nova de mirada free-folk (“Hello”) o incluso cuando nos acercan a la pista de baile (“Delícia/Luxúria”), el combo brasileño suena tan intenso e impredecible como flagrantemente generacional.

Alan Queipo

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba - Hilo negro (Primavera Labels / Universal Music, 2021)

Mon, 26 Apr 2021 09:24:39 +0200

Igual que hay extremistas de lo puro, sabelotodos incapaces de mirar más allá de lo que se creen que dominan, también hay intransigentes del cambio, aquellos para quien el arte sólo es válido si se vende como algo nuevo. Para estos despistados que confunden modernidad con falta de referentes, lo que hace Derby Motoreta’s Burrito Kachimba es un sacrilegio.

La banda sevillana no esconde sus influencias (como suelen hacer muchos grupos, preocupados por el qué dirán) sino que se enorgullece de ellas. Por un lado, el rock duro y la psicodelia de finales de los 60 vía Led Zeppelin; por otro, la herencia del rock andaluz hermanado con el flamenco (Triana, Pata Negra, Smash), y a todo eso le suma su pasión por las guitarras lisérgicas de bandas contemporáneas anglosajonas como King Gizzard And The Lizard Wizard o Thee Oh Sees.

Lo que no llegan a comprender ni puristas ni ‘modernos’ es que el arte da igual de dónde venga, lo que importa no es el envoltorio, sino la esencia. Y es ahí, en esa fuerza que sale del corazón, en la inspiración que brota de la genialidad, donde los Derby Motoreta son ahora mismo invencibles. No es exagerado afirmar que tienen uno de los mejores directos del rock actual.

Su debut homónimo de 2019 fue tan sólo un aviso, es ahora cuando muestran al completo su apabullante propuesta: poemas rotos donde juegan con el imaginario andaluz, rock del desierto y rock pesado envuelto en toneladas de tripis y humo. Apenas llevan unos años pero ya forman parte junto a Pony Bravo y Guadalupe Plata de una escena al margen de las tendencias, tan a su bola que aún no tiene nombre.

José Fajardo

Paloma Mami – Sueños de Dalí (Sony Music, 2021)

Thu, 29 Apr 2021 16:23:31 +0200

Si hablamos de sueños, seguramente Paloma Mami en febrero de 2020 (como el resto de los seres humanos del globo terráqueo, vaya) no soñó que a partir de marzo de 2020 tuviera que resetear prácticamente todo lo andado, abortar los planes de un lanzamiento de disco que contendría los hypeados singles que había publicado los meses anteriores (“Fingías”, “QueLoQue”, “No te debí besar” y “No te enamores”, entre otros) y la confirmaría como una de las estrellas globales del pop urbano desde el cono sur al mundo.

Pero sí, la artista chilena (repito, como todos los seres del globo terráqueo) apretó ctrl + alt + supr y borró algunas de las tareas que tenía prevista en 2020, entre las que estaba, también publicar álbum. Pero no hay mal que por bien no venga. Y si el hipotético álbum que tenía previsto para los primeros meses iba a estar marcado por esos singles de cifras millonarias y colaboraciones potentísimas (entre ellas, C. Tangana o Major Lazer), el tiempo ha dotado de mayor profundidad para Paloma Mami, y el tiempo de reflexión nos presenta a una artista que descartó sus mayores hits y trata de mantenerse equidistante en un sonido tan cerca del reggaetón, el r&b, el trap y el pop de radiofórmula, pero siempre en búsqueda de su propia voz.

No se puede decir que “Sueños de Dalí”, con ese título tan pretencioso y esa horripilante portada, haga del todo justicia a Paloma Mami en el hecho de encontrar una voz absolutamente propia: hay cosas que nos pueden recordar desde Nathy Peluso (“Que Wea”) o Kali Uchis (“Frenesí”), pero lo cierto es que el debut de la chilena es un buen cóctel de hits que difuminan aún más las fronteras entre los géneros antes mencionados, a la vez que añade ciertos tics de cosecha propia.

Evitando los automatismos de algunos productores omnipresentes en las producciones de artistas iberoamericanas como Ovy On the Drums, Alizzz, Mambo Kingz, DJ Luian o Sky Rompiendo; Paloma Mami se rodea de un equipo digno de una producción de Rihanna o Demi Lovato. Productores de la talla de Di Genius, G. Ry, Hit-Boy, JonTheProducer, The Stereotypes o Nova Wav, aliados habituales de artistas como Drake, Bruno Mars, Travis Scott, Bad Bunny, Shakira o Ariana Grande, entre otros, consiguen encontrar un espacio tan cerca del hit after-trap (“I Love Her”), de la balada reggaetonera (“For Ya”), de los guiños latinos a lo Cardi B (“Traumada”) o incluso a las producciones de la Britney Spears de “In the Zone” pero con la mirada de Nathy Peluso (“Que Wea”). Hay liga.

Alan Queipo

Semblanzas del Río Guapi - Voy pa allá (Discos Pacífico, 2021)

Thu, 29 Apr 2021 16:35:40 +0200

Yamileth, Marbel Cortés, Yesica y Libia cantan desde que eran niñas. Viven en Limones, un corregimiento del municipio de Guapi (que da nombre a su río, cuyas aguas están omnipresentes en su cultura), en el Cauca. En esta región del Pacífico colombiano se canta partiendo el coco que se usará en la comida, se canta lavando la ropa, se canta las 24 horas de los siete días de la semana. Con sus voces han llegado a lo más alto que pudieron soñar: el reconocimiento en 2015 en el Festival Petronio Álvarez de Cali, el más importante de la cultura afro en Colombia.

Semblanzas del Río Guapi nació en 2009 para recoger el legado de maestros como Gualajo. Su música cuenta una historia de resistencia: preservar una cultura ancestral que se transmite de las abuelas a las niñas por medio de la palabra e instrumentos como la marimba. En sus canciones está la esperanza de unas artistas inmensas que quieren vivir dignamente de la música, visibilizar a su comunidad y lograr que los más pequeños no tengan que irse de allá porque no hay futuro.

‘Voy pa allá’ es un trabajo importante para Colombia, actual potencia mundial en la música. Es fruto del trabajo de estos 11 músicos que conforman el grupo además de la figura visionaria de Diego Gómez (capo del sello Llorona Records y director artístico de Discos Pacífico) y del productor Iván Benavides. Estas 14 canciones suenan como los ríos y las selvas donde han surgido, emocionan con sus ritmos y el poderío de las voces. De fondo, dejan una lección valiosísima, una idea tan poderosa que puede cambiar el mundo: dejar atrás el individualismo y mirar hacia la comunidad, hacia lo que nos rodea y nos hace sentir bien.

José Fajardo

Zahara - PUTA (G.O.Z.Z. Records, 2021)

Fri, 07 May 2021 07:58:18 +0200

Una nueva generación de mujeres se ha apoderado de la palabra ‘puta’ en los últimos años, como hicieran los negros en Estados Unidos con ‘nigger’ (negrata) hace décadas. En la música española el término se ha convertido en la bandera de artistas urbanas como La Zowi y Bad Gyal. La aproximación de Zahara viene desde otra perspectiva, y no sólo por su sonido más pop: en este álbum ‘puta’ es la llave que abre un cofre donde la cantante había encerrado un trauma, el del acoso que sufrió en el patio del colegio a los 12 años.

MERICHANE es su Caja de Pandora, donde la de Úbeda suelta todos los males que la han golpeado durante su vida convirtiéndose en el blanco del odio ajeno sin apenas lograr responder nada. “Yo estaba ahí en las oficinas de Universal tragando sermones sobre mi gran potencial”, dice mientras enumera situaciones reales y traumáticas aireando las sesiones con su psicóloga. Este proyecto surgió al principio de la pandemia, en un periodo de depresión de la artista que la impulsó a confrontar sus demonios.

El gran talento de Zahara, además de su tremendo gancho pop en las melodías, es su habilidad como letrista: convierte lo cotidiano con apariencia liviana en algo revelador y profundo. Este disco es un grito contra el machismo, pero también contra el concepto católico del pecado, ese sentimiento de culpa que hemos heredado en una sociedad como la española que se supone laica pero sigue permeada por la sombra de la religión que marcó la vida de nuestros abuelos (al menos los de ella, que nació en el 83).

PUTA ya es el disco más importante en la carrera de Zahara, una de las artistas más creativas de su generación, siempre reinventándose a cada paso. El camino que ha recorrido desde La Fabulosa Historia de… (aquel debut desdibujado y orquestado por la multinacional que la fichó en 2009) hasta la actualidad, conquistando entre tanto su independencia y el reconocimiento, es gigantesco. Hoy Zahara (acompañada por su fiel escudero a la producción, Martí Perarnau) ocupa un lugar propio en el ecosistema de la música moderna.

Baiuca - Embruxo (Raso Estudio, 2021)

Fri, 07 May 2021 10:04:08 +0200

Alejandro Guillán creció en Catoira, un municipio de Pontevedra de apenas 4.000 habitantes. Con su debut Solpor (2018) logró saltar de la aldea gallega a la escena global mezclando la música tradicional de su tierra (el folclore vía Carlos Núñez y Luar na Lubre) con ritmos modernos de baile. Es una de las cabezas más visibles de una generación que ha revitalizado la música española a través de la fusión entre pasado y presente. Su esperadísima continuación es un trabajo importante que le sitúa a la vanguardia de la escena electrónica internacional.

Fue al llegar hace unos años a Madrid cuando Baiuca, amante desde que iba al colegio de los instrumentos tradicionales de su tierra (flautas, panderetas, gaitas), sintió morriña por su tierra. Su interés partía de obras como Alegranza (2008) del canario El Guincho, la escena de la electrónica andina en Latinoamérica (Nicola Cruz circa Prender el Alma) y los productores contemporáneos de techno y house. Ahora vive en Barcelona y ya no necesita referentes, al revés: hay muchos imitadores de Baiuca pero ninguno resuena con su fuerza.

‘Embruxo’ es una invitación a adentrarse por la noche en los bosques gallegos habitados por meigas y otros seres que han protagonizado durante siglos las historias de las abuelas y los mitos de Galicia. Su música es oscura porque captura esa lluvia inagotable que tiñe de verde los montes de su tierra, sus canciones están guiadas por ritmos contundentes como las olas que rompen en los acantilados de la Costa de la Muerte.

Junto a un reducido grupo de colaboradores (el asturiano Rodrigo Cuevas, el grupo de pandereteiras Lilaina o el cineasta Adrián Canoura, responsable de sus videoclips), Baiuca logra con este disco convertir a Galicia (donde desde hace unos pocos años lleva germinando una revolución sonora realmente increíble) en epicentro de la música contemporánea global. Para describir su música no sirven etiquetas como la de folktrónica porque este proyecto es único, tiene una fuerza pop y establece conexiones con otros marcianos tan fascinantes como Omar Souleyman.

No Te Va Gustar – Luz (Elefante Blanco, 2021)

Mon, 10 May 2021 08:14:56 +0200

La banda de rock uruguaya más masiva e internacional de todos los tiempos no se imaginaba que, después de un período de revisionismo histórico de las más de dos décadas de vida que llevan juntos, traducida en dos álbumes en directo revisándose a sí mismos (“Otras canciones” y “Otras canciones en vivo en Latinoamérica”) y una gira que se quedó sin terminar, el confinamiento y la incertidumbre los llevaría a buscar la luz entre tanta oscuridad.

Eso es lo que le sucedió a No Te Va Gustar en marzo del año pasado: de convivir durante 25 años casi ininterrumpidamente pasaron a verse encerrados cada uno en sus casas, anulando la gira internacional de celebración de sus cinco lustros de historia. Y claro, de esa reflexión, de esa mirada hacia adentro que coincide con un momento histórico grupal muy importante pero también con un momento social mundialmente complicado, los uruguayos buscaron ponerle pilas a sus propias linternas para alumbrarnos a todos.

“Son los momentos de oscuridad / los que terminan definiendo / que esas heridas van a sanar / y las espinas van cayendo”, cantan en “Dejo atrás”, una canción que resumen espiritualmente muy bien un álbum en el que no hay grandes riesgos estilíticos, más allá del de contar con la colaboración de Nicki Nicole, la joven artista argentina referente del nuevo pop urbano; de baladas de aire meditabundo como “Mejor callar”; o incluso de un acercamiento el Fito Páez circense en canciones como “Debí”.

No Te Va Gustar hace años que han encontrado su propio registro y su propia marca: la de una banda de rock de autor con herencia del rock barrial argentino, pero también con ese sonido a big band de corte brass que podían tener en los ’80 grupos como Madness o The Specials, pero ya despojados de esos aires ska. No es que hayan renunciado a tomar riesgos ni mucho menos, pero da la sensación de que el octeto liderado por Emiliano Brancciari, más que buscar reiniciarse, busca seguir sumando canciones esenciales de su propio registro a un repertorio esencial para entender el rock rioplatense de las tres últimas décadas.

Y, oye, con “Luz” lo vuelven a conseguir: canciones como la rockandrollera “La Rama” , la groovera y coreable “Mi ausencia”, la ultramelódica “No te imaginás”, la ricotera “Dejo atrás” o el hitazo que es “Venganza” encajan a la perfección como nuevos clásicos de su repertorio.

Alan Queipo

Robe – Mayéutica (El Dromedario Records, 2021)

Mon, 10 May 2021 08:21:03 +0200

Podemos seguir intentando buscar genios en donde solo hay técnicos de marketing aplicados a la música, o podemos asumir que, como mínimo, en Plasencia llevamos casi sesenta años teniendo uno, con más de tres décadas en activo y algunas de las mayores obras maestras ya no del rock español, sino del rock en español.

Me refiero a Roberto Iniesta, el Robe, otra líder de los no sabemos si ya-extintos o, como mínimo, casi-extintos Extremoduro, el pilar más sólido y puro del rock peninsular, pero también un torrente que, ya en su momento, consiguió resignificar y redimensionar el legado del rock cazallero de bandas como Leño, utilizando un lenguaje propio y firmando uno de los repertorios más olímpicos que nos vayamos nunca a encontrar.

Da la sensación de que Robe lleva años queriendo disolver Extremoduro para poder desarrollar un rock urbano de autor de tintes sinfónicos, como demostraron sus dos primeros álbumes en solitario. Lo que ha pasado en este último curso es que en 2020 debería haber echado el cierre a Extremoduro con una de las giras más esperadas de los últimos años, y de esa manera podría publicar “Mayéutica” como una suerte de ejercicio que concluye lo que inició con “La Ley Innata” de Extremoduro hace ya más de una década.

Pero se cansó de esperar, tras tener este disco grabado desde hacía dos años, se saltó la burocracia de la posposición de la gira de Extremoduro y publica no solo su tercer álbum en solitario y un ejercicio de rock sinfónico conceptual de introducción, cuatro movimientos y una coda que se entiende como el capítulo que cierra lo iniciado en “La Ley Innata”, sino que directamente abre el portón de una era que formaliza su nueva etapa en solitario y que, además, lo reivindica como uno de los compositores más lúcidos de la historia del rock en español.

Muchas veces, cuando pasan los años, parece que hay artistas que poco o nada tienen que decir, que cualquier tiempo pasado fue mejor. “Mayéutica” demuestra que Robe sigue siendo un artista kamikaze, absolutamente esquivo con los formalismos de nuestra era, y que sigue firmando melodías de rock urbano, eludiendo la tendencia, a la vez que sigue teniendo cosas que decir: reivindica la sinfonía y la narrativa casi operística como un manual para construir un nuevo relato para el rock que debería venir, a la vez que nos habla de filosofía, sentimientos, catarsis, reinicios y búsqueda de felicidad. Si tenemos un genio entre nosotros, aprovechémoslo y celebrémoslo.

Alan Queipo

VHOOR – Ritmo (Autoeditado, 2021)

Thu, 13 May 2021 16:16:28 +0200

Había un punto ciego entre la electrónica de corte chill y los ritmos tradicionales del noreste brasileño, de la zona de Coco. Y es que el brasileño VHOOR, uno de los productores más prolíficos de la nueva electrónica brasileña (atentos al dato: en solo un año publicó siete álbumes) ha conseguido alumbrar un género tradicional de esa zona como la Samba de Coca y hacerla coexistir con una electrónica que bebe tanto de un clubbing de atardecer, una folktrónica que abre nuevos melones y hasta ciertos tics heredados de productores de música urbana lo-fi como J Dilla.

En “Ritmo”, uno de sus flamantes nuevos ejercicios discográficos, el joven productor brasileño firma un repertorio de once canciones relativamente breves (muchas de ella son llegan a los dos minutos de duración, y el álbum entero apenas pasa los 25 minutos) pero que recupera una de las músicas tradicionales de baile del noreste brasileño, en las comunidades de quilombo, también conocidas como quilombolas, en el estado nororiental de Pernambuco.

En dicha zona, los asentamientos de las comunidades quilombolas fueron fundadas por esclavos fugitivos y siguen siendo símbolos poderosísimos de la identidad de las gentes de esas zonas, pero también un vehículo perfecto para entender la evidente herencia de la música afro en determinados territorios de Brasil. VHOOR funde y confunde electrónica de corte chill con ritmos afrobrasileños y una idea de fusión en donde, quizás, tenemos una oportunidad de oro para dejar de pensar que la “electrónica brasileña” es la favela funk; y más bien la identidad más real y casi ancestral de la música del Brasil rural tiene más que ver con el “Ritmo” que proyecta VHOOR en su cancionero.

Alan Queipo

Ed Maverick - eduardo (Universal Music, 2021)

Thu, 13 May 2021 16:38:01 +0200

Como todas las obras culturales que son importantes y perduran, el debut en largo de Ed Maverick captura sin pretenderlo mogollón de cosas que están pasando ahora mismo a su alrededor. Con sólo 20 años, el mexicano Eduardo Hernández Saucedo, nacido en Delicias (en el estado norteño de Chihuahua), alberga en su música la influencia de las rancheras con las que creció, el bedroom pop que ha marcado a su generación y la psicodelia del desierto de su tierra.

De forma paralela a la explosión de los corridos tumbados, esa suerte de trap con estética mariachi que han cultivado Natanael Cano y la camada del sello Rancho Humilde, desde hace un tiempo suena entre la juventud de México un nuevo estilo al que se ha bautizado como “sad sierreño”, que en resumen son las canciones más melodramáticas del género, con un toque romántico y nostálgico. Ed Maverick engancha con esa corriente y lo mezcla con el pop de dormitorio, una tendencia que la pandemia (y sus cuarentenas) ha acelerado.

Con todo eso, y un gusto especial por la psicodelia (desde el rock con aromas del desierto de ciertas grabaciones de Arctic Monkeys hasta el rollo lo-fi de Cuco o Mac DeMarco), este neo cantautor habla directamente a la Generación Z sobre la ansiedad que provoca dejar atrás la adolescencia y tener que tomar decisiones, sobre la angustia de buscar la propia identidad, sobre las desilusiones de las relaciones personales y, al fin, sobre lo jodido y maravilloso que es vivir.

José Fajardo

Emmanuel Horvilleur – PITADA (Sony Music Argentina, 2021)

Thu, 13 May 2021 16:47:14 +0200

En su día, fueron los MTV Unplugged los que servían para pasar revista a carreras de artistas consagrados o en evidente ascenso, llevando sus repertorios a un espacio más doméstico, que ayude también a sacar lustre a un repertorio que acabaría cobrando un nuevo significado para el público y para el propio artista.

Desde que MTV se convirtió en una cadena para reality shows y programas de usar-y-tirar, muchos artistas se han lanzado al simulacro de ese entorno: sobre todo, artistas de corte de autor como Aterciopelados, Depedro, Coti o Quique González, por mentar solo a algunos que, en los últimos lustros, se han lanzado a hacer ese tipo de ejercicios. Ahora es Emmanuel Horvilleur, una de las mitades de los icónicos y transgresores Illya Kuryaki & the Valderramas, quien ha decidido hacer un resumen de su carrera con un álbum recopilatorio grabado en formato acústico en directo en donde repasa y reposa un repertorio que lleva mostrando desde hace casi veinte años.

Esa es un poco la excusa: hace dos décadas que Horvilleur comenzó a grabar “Música y delirio”, su primer álbum solista, que publicaría finalmente a principios de 2003 y que contendría hits como “Soy tu nena”, con la que abre esta “PITADA” tras una introducción de aires western. Y ese sonido casi a salón de Texas se mantiene, a rasgos generales, en la atmósfera de un álbum de raíz electroacústica cuando el registro de Horvilleur siempre ha sido el pop de aires funkis.

En ese ejercicio de aterrizar su repertorio en un espacio diferente al registro al que estamos acostumbrados (sobre todo en sus primeros discos) del argentino se demuestra no solo el carácter imperecedero de su cancionero, sino la movilidad que ha tenido su cancionero. No es baladí que artistas como Bandalos Chinos, Zoe Gotusso o Chiara Parravicini colaboren con sus voces en algunas de las canciones, demostrando la influencia que ha tenido la obra de Horvilleur en ellos, pero también la capacidad casi líquida que el repertorio del ex IKV ha tenido de moldearse a géneros y tendencias.

Alan Queipo

Triángulo de Amor Bizarro - Detrás del espejo: variaciones y ecos (Mushroom Pillow, 2021)

Mon, 17 May 2021 09:23:32 +0200

Es encomiable la pasión, el riesgo y la autoexigencia con las que Triángulo de Amor Bizarro afronta la creación musical. Lejos de apoltronarse entre la aristocracia indie de aquella generación que agitó la escena alternativa en España hace ahora unos 15 años, el grupo gallego siempre ha encontrado nuevos caminos para evolucionar. A esa mutación constante se refieren en uno de sus maravillosos hilos de Twitter, una herramienta que usan a menudo para explicar directamente a sus fans los entresijos de su proceso creativo.

Para ellos, sus canciones están en constante transformación: es en directo cuando van adaptándolas y actualizándolas, según los derroteros por los que les lleve su voraz apetito sonoro: ya sea hacia el ruido, la electrónica, el pop… Como durante el último año apenas han podido tocar en vivo por culpa de la pandemia, han invitado a artistas con los que tienen una conexión especial para “transformar, destruir y variar hacia donde quisieran” las canciones de su álbum homónimo de 2020, uno de los más arriesgados y potentes de su carrera.

El resultado tiene tantos matices como invitados: el viaje alucinado hacia la distopía de Erik Urano; el quejío flamenco de Soleá Morente; el brutal ataque sonoro de Esplendor Geométrico y Miguel Prado; los ritmos sintéticos expansivos de Sonic Boom, Aries, Sr. Chinarro y Joaquín Pascual; el contraste entre la voz original de Isa Cea y la de Jota de Los Planetas; la frescura del trap de Boyanka Kostova, o propuestas más guitarreras que conectan con el espíritu iniciático de los Triángulo como las de Carolina Durante, Biznaga y Menta.

Un proyecto sorprendente y refrescante con una única premisa de fondo: “Simplemente os pedimos que lo escuchéis sin prejuicios, expectativas ni comparativas, solo disfrutad de la oda al caos, de las explosiones no controladas, de los tiroteos de bombos, de las voces inesperadas, de los cambios... Y, sobre todo, de los artistas que lo componen”. Pues eso.

José Fajardo

Duki – Desde el fin del mundo (SSJ de Atuanorinos / DALE PLAY Records, 2021)

Wed, 19 May 2021 15:49:24 +0200

No lo voy a negar: tras un tiempo muy atrapado en la expansión e influencia de Duki, llevaba ya algo más de un año desconectado. No es que no me interesase ni dejase de gustarme, pero la exigente mecánica que obliga a las nuevas generaciones a publicar música sin parar ha hecho distanciarme de parte de estos artistas, además de que tengo la sensación de que a la gran mayoría le está costando avanzar, mejorar, presentar sus mejores canciones. Por suerte y para mi sorpresa, no es un problema por el que esté pasando Duki.

El año pasado, el argentino presentó “24”, un segundo ejercicio en formato mixtape algo decepcionante y prescindible, que no solo no mejoraba lo facturado en “Súper Sangre Joven” y en, sobre todo, los singles previos que lo lanzaron al estrellato, sino que cuestionaba la influencia de Duki en un momento en el que había voces que comenzaban a cuestionar cuánto tiempo mantendría el liderazgo el artista urbano argentino más importante del último lustro.

Duki responde con “Desde el fin del mundo”, un ejercicio especialmente ambicioso, de casi veinte canciones y casi una hora de duración, en el que reflexiona sobre su propia bajada a los infiernos tras años de excesos, y en los que busca rehabilitarse a sí mismo y rehabilitar su propio registro, rodeándose de compañeros generacionales que en muchos casos son también amigos, como Ysy A, Bizarrap, CA7RIEL, KHEA, Lara91k, Neo Pistea, Lucho SSJ o Pablo Chill-E, entre otros y otras; pero, sobre todo, atreviéndose a deconstruir su propia idea de trap.

Más allá de firmar bangerazos en los que mantiene la estética arquetípica de trap (“Cascada”, “Pintao” o “Rápido”) o de canciones que opositan a convertirse en himnos colectivos (“Fifty Fifty”), lo más interesante del tercer álbum del Duko es cuando se atreve con bases que basculan en una suerte de indietrónica de corte anime (“Chico estrella” o “Luna”), con el rock pesado (“Muriéndome” o “Muero de fiesta este finde”), coquetea con las guitarras bachateras (“Volando bajito”), con el r&b más sensual (“Sol”), con el britpop (“Ticket”) o con la balada urban (“Malbec”). El rey lo sigue siendo, no hay duda.

Alan Queipo

La Vendición 9k - Vol. 01 (La Vendición 9k, 2021)

Thu, 20 May 2021 13:38:03 +0200

Qué lejos queda aquel beef entre Yung Beef (valga la redundancia) y C. Tangana en una charla durante el Primavera Sound de Barcelona en 2018. Ya entonces ambos apuntaban hacia dónde irían sus carreras en la música: el capo del sello La Vendición, pionero del trap en España, remarcó su apuesta por la independencia. Quién sabe si en caso de haber mantenido su contrato en Sony Music sus cifras de audiencia hubieran sido las mismas (poco más de 700.000 oyentes mensuales en Spotify frente a los casi 9 millones de ‘El Madrileño’) pero quizá por el camino hubiera perdido el pulso de la calle.

Hoy La Vendición es uno de los sellos con más olfato para rastrear las tendencias juveniles de los barrios periféricos y marginados por la industria: desde el drill hasta los sad boys, el reggaetón punk o la PC music. Ahora nace 9k, su hermano pequeño para dar visibilidad a los artistas emergentes con el apoyo de las caras más conocidas del colectivo: el propio Yung Beef, Kaydy Cain, Khaled o El Mini participan en esta mixtape junto a descubrimientos como La Yeezi, Gloosito, GlorySixVain, Imperio Nita…

Son 23 temas que marcan el paso de hacia dónde van los nuevos sonidos urbanos: el reggaetón experimental (‘Guerrero digital’), los ritmos latinos (‘Tutorial’), el flamenco trap (‘Andalucía’), el rap oscuro y gangsta (‘Malverde’), el pop de autotune (‘Jueces y hurtos’), el hyperpop (‘Que te vaya bien’), el neo techno discotequero (‘Barbie girl’), el emo core (‘Your name’)…

Una panorámica que refresca esa revolución sonora y estética de lo urbano que ha marcado una ruptura entre las nuevas generaciones que consumen música. No ha pasado de moda, este circuito sigue más vivo que nunca, sólo que para evolucionar se ha salido de los focos de los medios y de las tendencias de moda y se ha vuelto a refugiar donde surgió: en los bajos fondos.

José Fajardo

Pedro Guerra – El Viaje (Altafonte, 2021)

Thu, 20 May 2021 09:54:14 +0200

“Vinimos para ser felices y para sufrir” es de lo primero que nos dice Pedro Guerra en su décimo octavo álbum. No es poca cosa, aunque pueda sonar evidente. Y más aún en un álbum que habla de los viajes que nos llevan a hacer lo que hacemos, pero también a definir lo que dejamos de hacer.

La idea nació del mito de que Federico Fellini siempre quiso rodar una película que se llamaría “El Viaje de Mastorna”, pero nunca se acabó de rodar: rodó otras y se murió sin hacerla. Todos nos moriremos sin hacer algo, está claro; pero ni el carpe diem lo es todo ni dejar todo para el día siguiente es la mejor manera de vivir.

Sobre eso reflexiona el cantautor canario en un álbum que recupera ese registro sólido de un Pedro Guerra forjado entre la identidad del Taller Canario de Canción, las evidentes conexiones con los ritmos latinoamericanos y la generación de cantautores españoles que lo atravesó en sus años de juventud.

Todo eso se aterriza en “El Viaje”, posiblemente su mejor álbum desde “Bolsillos”; y en el que caben canciones que deconstruyen la chacarera y el folclore sudamericano (“Espejo” y “Sueño”) o el bolero (“Ruego”), compone algunas de sus canciones más reflexivas sobre el amor (“Cuando tú no estás”) o la memoria (“Alzheimer”), conecta con sonidos orientales a la vez que conecta con el Pedro Guerra de “Raíz” o “Hijas de Eva” (“La arena del circo” o “La delicadeza”), con el pop de autor de radiofórmula con la colaboración de Manuel Carrasco (“Tú y yo”) y con su propia marca de agua más reconocible (“Cara y cruz”).

Alan Queipo

MC Kevin - Passado & Presente (WMD, 2021)

Mon, 24 May 2021 11:29:32 +0200

MC Kevin ha muerto a los 23 años al caer desde un quinto piso de un hotel en Rio de Janeiro. Los titulares más allá de Brasil sólo se han centrado en que el cantante era “amigo de Neymar” (el futbolista brasileño) y en la rocambolesca historia que precedió al accidente mortal, pero MC Kevin era mucho más que todo ese ruido alrededor. Pese a su juventud, su influencia en la nueva generación del funk carioca ya empezaba a ser inmensa.

Apenas cinco días después de su repentina desaparición se publica este álbum. Oportunismo o no, lo cierto es que estas canciones ya estaban preparadas para salir y ahora quedarán como un homenaje póstumo a su figura. Hay ciertas referencias (el mismo título del disco, ‘Passado & Presente’, o canciones como la que despiden el mismo, ‘Vida longa’) que ahora, vistas en perspectiva, funcionan como señales anticipatorias de la tragedia.

Pero con este trabajo, igual que hiciera a lo largo de una carrera que arrancó hacia 2013, MC Kevin no quería más que celebrar la vida a través de una propuesta sonora que invita al baile más sudoroso y desprejuiciado. Su obra se enmarca dentro de una generación que está revitalizando el funk de las favelas pese a la durísima oposición del presidente Jair Bolsonaro contra cualquier manifestación cultural que salga de las calles y de los barrios sin recursos. Su voz seguirá resonando.

José Fajardo

Rodrigo y Gabriela - The Jazz EP (Rubyworks, 2021)

Wed, 26 May 2021 14:57:33 +0200

Con sólo dos guitarras acústicas, los mexicanos Rodrigo y Gabriela se han convertido en iconos en medio planeta. Actúan en templos de la música elevada como el Royal Albert Hall de Londres y el Royal City Music Hall de Nueva York, participan en las bandas sonoras de pelotazos del cine de palomitas como ‘Piratas del Caribe’ o en series de culto como ‘Breaking Bad’, son reivindicados tanto por la aristocracia indie como por los flamencos y los rockeros de toda la vida… Su nuevo trabajo sigue ensanchando su ya de por sí amplísima óptica, libre de prejuicios, siempre dispuestos a picotear en todas las salsas y dejar su impronta personal. Así es como hacen suyos tres temas de muy diferentes registros: ‘Lingus’ del ensamble instrumental ‘jammero’ con base en Brooklyn Snarky Puppy, ‘Oblivion’ del bandoneonista argentino e icono del tango Astor Piazzolla y ‘Street Fighter Mas’ de la figura de culto del jazz experimental Kamashi Washington. Es en este último corte donde la pericia de Rodrigo Sánchez (guitarra líder) y Gabriela Quintero (rítmica y percusión) explota, adaptándose a los imprevisibles cambios de ritmo, reinterpretando con sus instrumentos el sonido de la batería o del saxofón del virtuoso músico estadounidense. ‘The Jazz EP’ podría ser considerado por su escasa duración (apenas 20 minutos) un trabajo menor en la productiva carrera del dúo (suma más de una docena de grabaciones en un par de décadas) pero aquí se cumple el principio del menos es más: no sobra ni un solo segundo en esta imaginativa marea de sonidos.

El Búho ‘Cumbias Imaquinarias’ (Earthly Measures, 2021)

Wed, 26 May 2021 14:49:13 +0200

Este trabajo del productor y DJ británico Robin Perkins (alias El Búho) funciona como una reflexión del camino recorrido desde sus inicios en 2014 y su papel en la expansión global de ese sonido que se bautizó como cumbia digital en torno al sello argentino ZZK Records y artistas como Chancha Via Circuito o El Remolón. No es una despedida, pero sí una parada en el camino para reflexionar sobre lo andado y decidir hacia dónde avanzar.

Hace ya tiempo que existe un debate dentro del propio circuito sobre la evolución de este género que mezcla la electrónica moderna con la herencia de la cumbia. Una tradición, la de la cumbia, que vertebra gran parte de Latinoamérica: desde el Cono Sur hasta la frontera mexicana con Estados Unidos. Artistas como el franco-ecuatoriano Nicola Cruz se han ido despojando de esa herencia, algunos por huir de la mercantilización o del estereotipo, otros para seguir ampliando las influencias y mirar hacia otras regiones.

Este EP de El Búho sirve como una panorámica de las posibilidades que se abren para la cumbia digital en pleno 2021. La conclusión es que cualquier género musical en realidad sólo está sujeto a los límites que cada uno quiera imponer: escuchar estas canciones instrumentales (donde el artista vuelca experiencias personales, como explica su sello en Bandcamp), que suenan a las cumbias y al porro del Caribe colombiano, es una de las experiencias más inspiradoras que se puedan hacer durante los próximos 16 minutos y 30 segundos.

José Fajardo

Vicentico – El Pozo Brillante (Sony Music Argentina, 2021)

Mon, 31 May 2021 11:43:37 +0200

Daba la sensación de que la deriva que estaba tomando la música del que fuera líder de los Fabulosos Cadillacs lo iba alejando cada vez más de aquellas señas de identidad de la banda que capitaneó durante décadas (los ecos a The Clash, las conexiones con el ska, el surf y la salsa) en favor de convertirse en una suerte de híbrido entre un crooner y un cantante melódico de aquellos que poblaban las radios en los años ’60 y ’70 del siglo pasado.

Esa deriva se tradujo sobre todo en sus tres últimos álbumes (“Solo un momento”, “Vicentico 5” y “Último Acto”), pero lo cierto es que pasaron muchos años (siete, concretamente) desde que publicase su último disco. Quizá parece ahora un presagio que el título de aquel último disco fuese “Último acto”, pero con “El Pozo Brillante”, el flamante nuevo álbum de Vicentico, da la sensación de que el argentino se resetea a sí mismo para encontrarse en un nuevo espacio sonoro.

En su nuevo álbum, Vicentico suena a big band: plagado de vientos y de arreglos que lo acercan tanto los Heartbreakers de Tom Petty (en su versión castellanizada del clásico “Ain’t Got No” que popularizó Nina Simone se nota especialmente) como al burlesque balcánico (“FREAK”), al reggaetón indietrónico (“¿Quién sabe?” suena como un cruce entre Damon Albarn y Residente), a la salsa diabólica (“Tengo miedo” parece un regreso al sonido del “Rey Azúcar” de Los Fabulosos Cadillacs), a una spoken Word casi rapera pero no (“Rima” es quizá la canción más rara de su obra), a un brass de piano bar y cadencia latina (“Chau Estrella”) y hasta un rock and roll salsero que recuerda a los argentinos nuevaoleros Los Twist (“Tengo Miedo”).

Incluso cuando vuelve al redil de la canción melódica se encuentra sonando más cerca del “Angie” de The Rolling Stones (“Cuando salga”) o a un Johnny Cash hermanado con Peter Tosh (“Solo para mí”). Hay algo en “El Pozo Brillante” de impredecible, de cercanía conceptual al inabarcable “La Marcha del Golazo Solitario”. Ahora, la sensación que da Vicentico es que ha vuelto a ser impredecible y necesario. Menos mal.

Juan Ingaramo – La Batalla (Popartdiscos, 2021)

Tue, 01 Jun 2021 14:00:56 +0200

No han pasado muchos años desde que Juan Ingaramo debutase con aquel rupturista “Pop Nacional”, pero sí han pasado muchos Juanes Ingaramos en estos apenas siete años que el cordobés lleva de trayectoria oficial.

Y es que, en cuanto a sonido y producción, sí que existe la percepción de que el argentino ha ido acercándose a diferentes tendencias y tradiciones; pero, en realidad, la vocación desde el inicio se ha mantenido inalterable más allá de que haya coqueteado con el indie, con el reggaetón, con la electrónica, el r&b o la cumbia: reivindicar el encanto de lo popular, y las canciones pop redondas.

Eso es lo que continúa haciendo en “La Batalla”, un cuarto álbum de estudio que llega tras la internacionalización que consiguió con “Best Seller” tres años atrás, y tras una serie de singles como “Cambias mi amor”, “Cuartefunk”, “Clave” o “Romeo y Violeta” en los que dejaba entrever su conexión cada vez más evidente con la tradición tropical de su Córdoba natal (concretamente, con el rearme y resignificación del cuarteto), pero también con ese encanto de lo populoso, pero fuera de lo estandarizado.

En “La Batalla” hay mucho de eso. Más allá de mantener ese pie en lo urbano-contemporáneo que también es muy pop (de ahí sus colaboraciones con Ms Nina o YSY A), el álbum destaca especialmente cuando se acerca al sonido de la cumbia argentina de los años ’90 (“La Batalla” suena como si fuese el heredero de Antonio Ríos o Los Palmeras), al sonido del mambo-pop noventoso de Chayanne o Elvis Crespo (“El Fenómeno del Mambo”), al bolero sexy a lo Luis Miguel (“No Necesito”) o a la salsa-pop a lo Chichi Peralta (“Incocente”).

Y aunque sea en esas reconstrucciones de géneros camp de hace casi tres décadas que destaque más el álbum, también deja buenos y santos hits en la órbita de un pop-etón sexy, casi r&b (“No me llama” o “Casamiento”) o incluso recuerda al J Balvin más dub de “Vibras” (en “Hello Goodbye” recuerda a “Ambiente”) a una facción reggaetonera apta para el Sónar (“Buena idea”). Muchos Juan Ingaramo en uno solo: el que va a la caza del pop allá donde habite.

Andrés Calamaro – Dios los cría (Grabaciones Encontradas / Universal Music, 2021)

Thu, 03 Jun 2021 08:17:30 +0200

Parecía resistirse, pero finalmente Andrés Calamaro se ha convertido en uno de esos artistas que ha acabado asumiendo que cualquier tiempo pasado fue mejor; y que, aún a sabiendas de que va a ser imposible mejorarlo (exceptuando, quizás, algún ramalazo de genialidad casi inesperada), la mejor manera de seguir siendo él es convirtiéndose en una banda de versiones de sí mismo.

Ese es el juego al que juega en “Dios los cría”, un recopilatorio donde versiona algunos de sus clásicos (y no tan clásicos) junto con prestigiosos nombres propios de la música española y latinoamericana. Por lo general, artistas que ya peinan canas, con registros reconocibles y relativamente estándar, y que iba a ser complicado que consigan llevar a un lugar diferente sus canciones. O, como mínimo, a algún lugar impredecible.

Aunque hay algunas versiones que consiguen mejorar la original (“Bohemio” junto a Julio Iglesias, “Jugar con fuego” junto a Raphael y “Horizontes” junto a Fernando Cabrera, básicamente); lo cierto es que el grueso de las versiones están dulcificadas, con el freno de mano puesto, e incluso con un Calamaro relativamente contenido.

Hubiera sido una buena oportunidad para dar la alternativa a artistas que él considere herederos de su registro (se me ocurren nombres como los de Conociendo Rusia, por ejemplo), para que se le devuelvan favores (se me vienen a la cabeza C. Tangana, por ejemplo) o para explorar otros géneros (por muy arriesgado que sea, verlo colaborar con iconos del trap, la electrónica, la nueva música tradicional o incluso el reggaetón hubiera sido una buena oportunidad). Pero no.

Andrés Calamaro, como bien lo ha ido dejando claro con sus ideas políticas, ha decidido ser más conservador que los conservadores en su álbum. Ha pateado clásicos suyos como “Paloma” con una bizarra versión que incluso se cambian palabras junto a Sebastián Yatra, Leiva e Iván Ferreiro o “Flaca”, con un Alejandro Sanz fuera de la canción; y ha llevado a la somnolencia el grueso de unas interpretaciones que ni son de cantante melódico ni de crooner (los mejores ejemplos, las ultra-lánguidas “Pasemos a otro tema”, “En un hotel de mil estrellas”, “Tantas veces” o “Mi bandera”: todas sonando a piano-bar de cuarta regional).

Una oportunidad desperdiciada de sacar lustre a uno de los repertorios más importantes y referenciales de la canción iberoamericana de las últimas cuatro décadas.

Aterciopelados - Tropiplop (Entre Casa Colombia, 2021)

Thu, 03 Jun 2021 08:10:57 +0200

‘Tropiplop’ es, en palabras de Aterciopelados, un “grito en defensa del arte, de la mujer y del planeta”. Estas canciones surgieron en el contexto de la primavera latinoamericana, las protestas ciudadanas que sacudieron la región a finales de 2019 y que, en el caso de Colombia, se han recrudecido durante las últimas semanas. Con sendas dosis de ironía y crítica social, el dúo ofrece una panorámica de estos tiempos convulsos y de cambio.

Cada canción funciona como un manifiesto sobre los temas que preocupan en 2021 a Andrea Echeverri y Héctor Buitrago (la mayoría son problemáticas que han tratado desde los inicios de su carrera): las masacres de líderes sociales en su país, la mercantilización del ser humano, la reivindicación de la acción ciudadana, la defensa del medio ambiente, la importancia del arte en tiempos de pandemia, la cansina turra de los haters, la brecha generacional y hasta un original relato nada nostálgico de los años de plomo en Colombia durante los 90, cuando crearon el grupo.

Igual que ha sucedido durante una carrera que supera las tres décadas, Aterciopelados logra calar en el imaginario popular pese a ser ellos mismos unos extraterrestres, o al menos, ser percibidos como tales por esa sociedad hipócrita y biempensante a la que critican en sus canciones. El dúo, que a nivel sonoro sigue oscilando entre el pop ochentero de Mecano, la psicodelia guitarrera de Zoé y los beats electrónicos de Bomba Estéreo, mantiene ese espíritu punk de rebeldía y alma jipi con el que nació.

Su receta contra los males del mundo sigue siendo la máxima de fiesta y lucha. ‘Gritemos’ ya se ha convertido en uno de los himnos de los jóvenes que salen a protestar hoy a las calles de Colombia: “La alarma se encendió, el party se prendió / Hoy es viernes y el mundo se sublevó / Esta huelga es mundial, el paro es general / La verdad es que mi gente se alebrestó”.

José Fajardo

Petrona Martínez - Ancestras (Chaco World Music, 2021)

Thu, 03 Jun 2021 08:26:34 +0200

‘Ancestras’ es la obra cumbre de una de las artistas más importantes de la música en Colombia. A sus 82 años Petrona Martínez firma un trabajo con sabor a legado para las nuevas generaciones que arranca con un testimonio sobre los recuerdos de la primera composición que hizo en su carrera y cierra con una reflexión sobre el futuro del bullerengue, un ritmo que es todo un símbolo de la comunidad afro del Caribe colombiano y que ella ha contribuido a engrandecer.

El disco recorre los sonidos que han marcado su trayectoria (bullerengue, pero también chalupa, son palenque y fandango) con la participación de otras voces de mujeres que ensanchan el alcance de estos ritmos mezclándolos con los del litoral Pacífico (junto a Nidia Góngora), la timba cubana (Aymee Nuviola), la cultura mariachi (Flor de Toloache), el afrobeat (Angelique Kidjo) y hasta el jazz (Brianna Thomas).

Este trabajo ha sido posible gracias a la visión y encomiable labor del productor Chaco, una figura esencial en la recuperación del folclore del Caribe colombiano con trabajos recientes sobre la importancia de la caña de millo en la cumbia y las voces anónimas del bullerengue, la reinterpretación del cancionero de Petrona a través de la electrónica o la reivindicación del icono Magín Díaz.

“Después de Petrona Martínez, no habrá otra igual”, dice la cantante con humor (y cargada de razón). Pese a su delicada salud (en 2017 tuvo que retirarse por un tiempo por complicaciones cardiovasculares), su legado está a salvo gracias a parientes cercanos como su hija Joselina Llerena Martínez (segunda voz en su agrupación, además de compositora y tamborista) o su hijo Álvaro Llerena, quien toca el tambor alegre.

Es un grito de resistencia contra el olvido de una tradición ancestral que ha ido pasando boca a boca de las abuelas a las madres y de éstas a las hijas dentro de la comunidad. “Hay talentos en la música que se están perdiendo. Yo le digo a las hijas mías que no se van a ganar nada por ponerse de luto y llorarme cuando yo me vaya. La alegría mía es que sigan para que esto que yo estoy haciendo no se pierda”, sentencia la maestra, portavoz de esa resiliencia frente al dolor que es puro Caribe (ella las llama las penas alegres) con himnos como ‘La vida vale la pena’.

José Fajardo

La Lá – Mito (Altafonte, 2021)

Thu, 03 Jun 2021 08:23:21 +0200

“Los mitos forman parte del sistema de creencias de una comunidad, donde son considerados como historias verdaderas”, se dice. En el caso de los mitos que conforman el tercer álbum de La Lá, no solo esta claro que se tratan de historias verdaderas, sino que también poseen la mística necesaria para que algo pueda considerarse como mítico, casi inaccesible pero real.

Las diez postales que componen el nuevo ejercicio discográfico de la artista peruana consiguen modelar un relato que, lejos de ser salvaje, es honesto y transversal, polifónico e impredecible, tradicional y modernista.

Por momentos parece acercarse a ese registro pop confesional con el que nos sorprendió lustros atrás Julieta Venegas (en “Amada”, por ejemplo), en otros nos sumerge en el Perú negro más afro y tribal (la iniciática “Amistad” es un ritual en sí mismo; mientras que en “Abuela” aporta matices de una canción de autor absolutamente abierta en canal), en otros nos lleva a una facción del jazz que parece heredada de las bagualas (“Cara”), se desnuda en crudo en la canción más elemental del disco (“Mito”) y hasta se pone cuasi rockera para mostrar su cara más combativa (“Paracas Cavernas”).

Incluso cuando mira tradiciones aparentemente ajenas como las de la samba o el candombe (“Morir soñando”), la milonga (“Milonga”) o la bossa nova (“Morir soñando”), la limeña Giovanna Núñez suena a mito vivo, a dama de la canción necesaria.

Alan Queipo

Bratty – tdbn (Universal Music México, 2021)

Fri, 11 Jun 2021 07:51:43 +0200

Un buen sueño, pero un sueño, al fin y al cabo. Así es como suena el nuevo álbum de Bratty: narcóticamente adictivo, pero un bálsamo ensoñador que, en un momento donde no es especialmente fácil pronunciar esa frase, tira de lenguaje centennial para decirnos: “todo bien”.

Aunque no lo esté a nivel global, sí está todo bien en el luminosamente opaco nuevo ejercicio de la joven artista mexicana Jenny Juárez; que nos invita a un viaje de introspección que bascula entre el dreampop de Beach House, las atmósferas vaporosas del rock alternativo de los años ’90 y cierto aire melódico que nos puede recordar a artistas como Lana del Rey, pero a la mexicana.

Una melancolía que mantiene ciertos tics comunes con “Delusión”, su anterior trabajo, pero que también se distancia de cierto equipaje indie-rockero para dar mayor espacio a una canción melódica tintada de dreampop, vaporwave y sintetizadores espaciales.

Con momentos en donde busca cierto escape eléctrico y saltarín, casi como un guiño al tontipop de piruleta y estribillo adictivo (“tdbn”), con otros en donde parece acercarse a la facción más crooneresa de Javiera Mena con guitarras a lo The XX (“tuviste” o “tarde”), otros en los que se sumerge en el universo de los efectos vocales y una atmósfera espacial (“tú”), otros en los que recoge el espíritu sonoro de Woods o Mac De Marco pero con melodías más redondas (“lejos”) y otros en los que parece buscar un espacio virgen en una canción melódica que recuerda tanto a iconos de los años ’70 como a artistas de su generación como Boy Pablo (“friend”, “contigo” o “virgo”).

Yelfris Valdés ‘For the Ones… Remixed’ (Música Macondo Records, 2021)

Fri, 11 Jun 2021 07:58:49 +0200

Es una lástima que al hablar sobre el trompetista cubano Yelfris Valdés muchas veces tengan más peso los artistas con los que ha colaborado que su propio trabajo. Su currículum, es cierto, apabulla: desde leyendas de su país como Chucho Valdés y Omara Portuondo hasta iconos del pop global como Madonna y Damon Albarn, de voces con el poderío de la maliense Rokia Traoré hasta nuevos talentos como la saxofonista Nubya García. Sin embargo, su obra tiene tantas aristas, resulta tan fascinante, que quedarse sólo con ese listado es perder la óptica de su auténtica grandeza.

Tras formar parte durante una década de la banda cubana de son ganadora del Grammy Sierra Maestra, con la que emprendió triunfales giras internacionales, desde 2014 ha ido ensanchando su figura en la efervescente escena del nuevo jazz londinense. Inspirado por la obra de gigantes como Yussef Kamaal (su disco de 2016 ‘Black Focus’ es una de las cimas del género), Yelfris Valdés ha construido un poderoso armazón de influencias que le permiten saltar del jazz experimental al hip hop futurista en la onda de Kamasi Washington y de los ritmos afrocubanos y su alma yoruba a la vanguardia de los clubes europeos.

Con este álbum de remixes recupera seis de las canciones de su fascinante debut ‘For the Ones…’ (2019) bajo el prisma de algunos de los productores más arriesgados de la escena electrónica contemporánea: Osunlade, Contours, K15, Maxwell Owin Trying Times, LCSM y Quantic. En canciones como la de este último, el británico ‘colombianizado’ que ha redefinido la nueva música de baile durante las dos últimas décadas, las composiciones originales se multiplican y viajan hasta galaxias que no sabíamos que existían.

José Fajardo

Los Pilotos - Alianza Atlántica (Casa Maracas, 2021)

Mon, 14 Jun 2021 08:01:32 +0200

Mientras la industria mainstream en España (y en muchas otras partes del planeta) giraba su foco hacia Latinoamérica, atraída por el irrebatible éxito masivo del reggaetón, Los Pilotos se embarcaron durante estos últimos tres años en un viaje hacia el otro lado del Atlántico para establecer alianzas con las escenas independientes en torno al indie y la electrónica. El primer fruto fue el EP ‘Alianza Atlántica’ de 2018, un experimento prometedor junto a Javiera Mena o Instituto Mexicano del Sonido.

Con este nuevo álbum demuestran que aquel giro no era una anécdota sino una apuesta vital que ha transformado el esqueleto del proyecto que fundaron Florent y Banin hace una década para explorar nuevas galaxias más allá de Los Planetas. El guitarrista y el teclista, amantes de la psicodelia, quienes entienden la música como un viaje visual, han encontrado en Latinoamérica las voces que complementan su visión.

El disco funciona como una selecta panorámica que parte de Granada y recorre varios países (Colombia, Perú, Venezuela, República Dominicana, México y Argentina): desde los ritmos de baile de Mula hasta el rock noventero de Little Jesus, de la canción de autor alternativa de Kanaku y El Tigre al pop colorido de Pedrina, el bedroom pop de Algodón Egipcio y los ritmos tropicales de Montañera, el proyecto en solitario de la líder de bandas tan excitantes como Suricato y Ságan.

El dúo estará presentando este trabajo junto a la artista peruana Pamela Rodríguez este verano en Madrid (27 de junio, Noches del Botánico) y Jaén (15 de julio, Consentidos). Los conciertos, como el que acaban de celebrar en Barcelona, prometen un chute lisérgico y mucho baile.

José Fajardo

TIRAYA – Fresquísimo (Little Spots Recordings, 2021)

Mon, 14 Jun 2021 08:19:12 +0200

Para cualquier ser humano que tenga el corazón en activo y algo de pasión por su vida, el ritmo lo es todo. Pero para alguien que ha hecho del ritmo su modo de vida, imaginaos.

Ese es el caso de Rafa Moout, artista y productor venezolano residente en Madrid que formó parte como batería y percusionista de grupos del circuito underground de la capital como Flora Dance, Cortadura, Monteavaro o Playa Nevada y que lleva años siendo habitual de garitos madrileños como Siroco, Goya Social Club o Panthera, entre otros; pero que en TIRAYA encontró el que se antoja su espacio definitivo para condensar todos los ritmos que caben en la idea de ritmo que tiene.

Ya lo había demostrado los últimos dos años con algún single suelto, pero en “Fresquísimo”, una suerte de EP largo o de LP corto que publica a través de su sello Little Spots Recordings producido junto al compostelano Manuel Blanco (mitad de Blanco Palamera y uno de los secretos a voces en expansión del nuevo pop estatal), TIRAYA se proyecta tan cerca del tribalismo afrolatino como de la folktrónica más transversal, tan cerca de sus inquietudes melódicas como de los trances clubbing más rituales; pero siempre con una personalidad arrolladora.

Tanto cuando firma una suerte de tech-house tribal que hace guiños a Nihiloxica o Guedra Guedra (en “Avon Barksdale”) como cuando firma un hit en el que los ritmos afrolatinos y cuasi candomberos se funden tanto con un house psicodélico como con una melodía que parece imaginar a Julio Iglesias tarareando “Dos Gardenias” sin letra (en “Trópico de Capricornio”), cuando coquetea con la bossanova de corte midi (en “808 Bossa”), cuando se funde en un fuego percutivo ritual a lo Nihiloxica (en “Cvbs (Interludio)”) o cuando busca el french touch desde una mirada tan sexy como industrial (en “TENSION”), TIRAYA se reivindica como un nombre absolutamente necesario en la genética del nuevo circuito clubbing estatal.

Alan Queipo

Tiawa - Moonlit Train (Tru Thoughts, 2021)

Fri, 18 Jun 2021 08:34:32 +0200

Tiawa es una de las promesas de esa escena multicultural que desde hace décadas ha existido en Brighton pero que durante los últimos años, coincidiendo con la explosión global de la música latinoamericana, ha dado algunos de sus más suculentos frutos. Con sangre portuguesa, y apegada a la conexión atlántica con el otro lado del océano, esta cantante despuntó en 2019 con ‘Pain Killa’, un single donde mostraba su pasión por el reggae y una suerte de neo soul sofisticado y profundamente melódico.

Ahora regresa con un álbum ambicioso, donde tritura junto al veterano productor de Bristol Jack Kingslake todas esas influencias: su herencia portuguesa guía gran parte del disco desde la introducción con ‘Saudade’, las cadencias jamaicanas se cuelan como base de sus rapeados en temas como ‘Shine Bright’ y su apuesta por ese r&b sofisticado (un sonido muy presente entre la juventud británica) se concentra en ‘Life is Not a Crime’ mientras en ‘Mountains of Metal’ demuestra su versatilidad a través de las atmósferas del jazz y hasta la bossa nova.

Tiawa es sólo una de tantas artistas fruto de la migración desde el sur que está comenzando a despuntar en la pujante escena alternativa británica. A base de talento y canciones redondas ya es una de las más prometedoras. Hasta dónde podrá llegar sólo el tiempo lo dirá.

José Fajardo

Caamaño & Ameixeiras – Aire! (Microscopi, 2021)

Fri, 18 Jun 2021 08:55:43 +0200

Un violín, un acordeón cromático y una joven dupla que busca reivindicar que la música de baile se puede recuperar desde la crudeza de la música tradicional instrumental. Ese es el espíritu que resuena en “Aire!”, el flamante debut de Caamaño & Ameixeiras, el joven dúo compuesto por Sabela Caamaño al acordeón y Antía Ameixeiras al violín y la voz.

Tres años llevan Caamaño & Ameixeiras remodelando y resignificando los códigos de la música tradicional gallega. Pero es ahora, en su álbum debut, que las jóvenes artistas de Oza dos Ríos y Laxe han conseguido modelar un repertorio que, más allá de que cuente con algunos nombres ilustres a la producción (Diego Galaz, mitad de Fetén Fetén) o colaborando en algunas canciones (desde los propios Fetén Fetén hasta Sílvia Pérez Cruz o el arqueólogo sonoro Abraham Cupeiro, entre otros), lo más interesante de “Aire!” reside precisamente en el imaginario absolutamente desprejuiciado y polifónico que crean.

En las once canciones de su debut, las gallegas nos llevan de paseo tanto por las profundidades de la tradición gallega (como el tributo al Cego dos Vilares en “Florencio” o el “Maneo de Cambre” que reconstruyen junto a la voz de Sílvia Pérez Cruz y el clarinete de Carola Ortiz) pero también por algunas fugas y excursiones que conectan la raíz tradicional galaica con miradas marítimas (“Transatlántico”), tics casi balcánicos (“Buchimitsa”) y hasta coplas tradicionales con aire de balada de una profundidad y una emoción brutales (“Se Souberas”).

Y más allá de que la comparación con Fetén Fetén es inevitable, y en momentos suenan casi como una versión alternativa a ellos, “Aire!” es un debut estimulante y que nos presenta a Caamaño & Ameixeiras no solo como un dúo absolutamente necesario para recodificar la tradición, sino también la perspectiva que tenemos en el siglo XXI de cómo debería sonar una música de baile que mire a la raíz. Ellas reivindican la que se bailaba en los pueblos hace un siglo, con un violín y un acordeón: canciones festivas y bailongas como “Alegría dio’la Dea!”, “La bal de la Marine”, “Vals de Pasmar” o “Aire!”. Y nosotros las reivindicamos a ellas, claro.

Alan Queipo

Ivonne Galaz – Voy en camino (Rancho Humilde, 2021)

Mon, 21 Jun 2021 08:29:38 +0200

Cuando escuchó “El de la codeína”, uno de los primeros hits subterráneos de Natanael Cano, todo cambió. Aún era una adolescente cuando Ivonne Galaz, en vez de mirar hacia el reggaetón u otros géneros más efectistas, entendía que en el corrido tumbado había algo más: algo que hablaba de sus raíces, pero también de la vida en el barrio, sin perder la frontalidad de canciones absolutamente despojadas de elementos y florituras de posproducción, con una crudeza y una honestidad avasalladoras.

Lo que siguió a continuación fue su acercamiento a Rancho Humilde, la estructura dirigida por el pionero Jimmy Humilde desde donde se creó el fenómeno de Natanael Cano, pero donde también otros referentes como Ovi, Junior H, Fuerza Regida o Legado 7 están construyendo un universo que se enriquece más que nunca con la llegada de la primera mujer al roster: Ivonne Galaz.

La de Ciudad Obregón ya había participado en un álbum de Natanael Cano aportando la primera canción que compuso en su vida, “Golpes de la vida”, y sumando no solo su voz, sino unas maneras parecidas pero distintas a la del resto de sus compañeros de sello. Así lo demuestra en “Voy en camino”, un debut urgente, de apenas nueve canciones y menos de media hora de duración en la que la mexicana, en la que la mexicana tira de temple y mensaje empoderado para firmar un cancionero necesario.

Más allá de que el imaginario estético y la tendencia del corrido urbano marque la pauta estilística de estas canciones, hay algunas fugas hacia el reggae (“Cuídate”) e incluso hacia la balada de autor (“Mi culpa” o “Por ti”), pero también hay mucho de Lila Downs, de Ana Tijoux, de Astrid Hadad o de Amparo Ochoa en el registro y, sobre todo, en el mensaje de Ivonne Galaz.

En una escena y un circuito dominado por hombres y con mensajes, sino machistas sí masculinizados, ella aporta otras narrativas y un relato de conquista de sus propios espacios, a la vez que dinamita los juicios y cuestionamientos que se le hace desde determinados sectores del circuito y firma canciones con vocación de himno como ”Voy en camino”, “Cuidado por donde pisas” o “Hay que brindar”. Porque sí, hay que brindar por artistas como ella.

Alan Queipo.

Queralt Lahoz - Pureza (Costa Futuro / Say It Loud Records, 2021)

Mon, 21 Jun 2021 08:34:39 +0200

Queralt Lahoz pertenece a esa generación que nació con Mala Rodríguez como referente (una mujer poderosa abriéndose camino en el universo sobrado de testosterona del hip hop de los 90 a base de mordiscos de rabia) y que ha vivido la explosión global de Rosalía, quien ha demostrado que es posible deconstruir el flamenco desde una óptica contemporánea y hasta experimental sin perder el espíritu popular de la música.

Con esos mimbres, esta catalana con sangre granadina despuntó ya en 2019 con el EP ‘1917’, cinco canciones entre las que resplandecía el fulgor de ‘Drogas caras’. Más que a Rosalía o a la Mala, en realidad su música dialogaba ya entonces con la de la cordobesa Gata Cattana, una de las poetas y raperas más brillantes de la música en español, y quien por desgracia murió repentinamente en 2017 a los 25 años.

Ahora, con este debut en largo, Queralt Lahoz demuestra que su propuesta es tan diversa y original que no es posible compararla con nadie más. Es cierto que sus rimas poéticas y comprometidas acercan su figura a Gata Cattana, que su chulería desbordante de talento y esa mirada transversal recuerda a los inicios de Mala Rodríguez, y que su formación desde el flamenco como hija de migrantes en Cataluña es paralela a la biografía de Rosalía.

Pero sólo hay que escuchar canciones como ‘De la cueva a los olivos’, un precioso homenaje a su abuela donde establece conexiones con Latinoamérica (el bolero y el son cubanos) para darse cuenta de que Queralt Lahoz es una de las voces más singulares y brillantes que han salido de la música española durante los últimos años. Una artista que, como dice Lola Flores en una grabación que suena en la introducción (‘Origen’), vive el arte “a flor de piel”.

José Fajardo.

LEALL – Esculpido a Machado (Autoeditado, 2021)

Wed, 23 Jun 2021 14:11:14 +0200

Va siendo hora de que cada vez tengan mayor exposición proyectos de artistas brasileños que no solo han conseguido evolucionar la etiqueta de “música de favela” asociada al hedonismo del baile funk carioca siempre alegre. Va siendo hora de que artistas como LEALL, que denuncian las desigualdades sociales, el peso de la delincuencia en la vida de los barrios, la corrupción de menores y el abandono estatal ante el grueso de la población del país más grande de toda América Latina.

Eso es lo que el artista carioca LEALL hace en el monumental “Esculpido a Machado”: erigirse una suerte de portavoz desde las trincheras de la vida de miseria, racismo y violencia que se vive en las periferias del Río de Janeiro donde nació y sigue viviendo. Así se ve desde la portada del álbum; una imagen del fotógrafo Marcelo Martins que ya desvela lo que escucharemos en el disco: denuncias del sistema de violencia integrado en el día a día de los jóvenes que viven eso con absoluta normalidad.

Así lo deja caer en canciones como “Pedro Bala”, “Duas pistolas” o “Desfile bélico”, donde LEALL tira de grime y de sonoridades metálicas para construir un rap que bebe de la electrónica industrial y de texturas que recuerdan al sonido de artistas británicos como Skepta, Dizzee Rascal o Ghetts, entre otros; o a esos espacios explorados en España por artistas como Erik Urano en su “Neovalladolor”.

Un álbum en el que LEALL no solo canaliza el nuevo sonido de una favela que bebe del grime, el rap metálico y la urbantrónica, como se cristaliza en sus colaboraciones con productores como VHOOR, Luna, DIIGO, Babidi o Nagalli, entre otros; sino en el que, además de denunciar y mostrar la cruda realidad del Río de Janeiro de 2021, también deja mensajes esperanzadores en la orgánica “Posso mudar meu destino” cuando lanza, casi como un predicador, “no seas ciego, joven negro / no tengas miedo, joven negro / no desesperes, joven negro: / puedes elegir tu camino”.

Alan Queipo

Conclave ‘Conclave’ (Love Injection Records, 2021)

Wed, 23 Jun 2021 14:22:34 +0200

En la exuberante escena multicultural de Nueva York, donde cada noche surgen proyectos musicales de forma espontánea al calor de los clubes de jazz y los antros nocturnos con escenario, Conclave lleva un tiempo jugando su papel como catalizador de una escena invisible: la que mezcla sin prejuicios la electrónica que se escuchará en los clubes de Ibiza este verano, el nuevo jazz latino y los ecos de las percusiones de la diáspora africana.

Conclave es en realidad una orquesta mutante en torno a la figura de César Toribio, un percusionista con mirada periférica y sangre dominicana que creció en Tampa (Florida) hasta asentarse en el barrio de Brooklyn, previo paso por la prestigiosa escuela de Berklee College of Music en Boston, donde amplió sus conocimientos sobre el jazz. Durante un viaje a Ibiza fue donde entró en contacto con la música de baile contemporánea vía Theo Parrish y la escena de Detroit.

Para su debut en largo ha construido un relato en torno al término “clave” como patrón rítmico, pero también como una llave musical que conecta tradiciones musicales desde África a Latinoamérica, y de ahí a Europa y Estados Unidos. Acompañado de un buen puñado de músicos de esa escena que reúne lo latino desde Nueva York (entre los que destaca el trompetista Aquiles Navarro, autor junto a Tcheser Holmes del imprescindible ‘Heritage of The Invisible II’ en 2020), Conclave expande los límites del free jazz y la música negra con alma bailonga.

José Fajardo.

Fus Delei – Dímelo (Afonico Music / Nuevos Vientos, 2021)

Wed, 23 Jun 2021 14:03:37 +0200

Hay algo en la nueva generación de artistas pop que, del mismo modo que ha cambiado la forma de relacionarnos entre los seres humanos, hipervinculados más por enlaces virtuales que por relaciones humanas, también ha llevado al pop a explorar tantas narrativas como pestañas y ventanas son capaces de abrir.

Eso es lo que proyectan también unos Fus Delei que utilizan la etiqueta de “metalpop” o como la “representación del pop de la nueva era”, pero que también podríamos identificar con la etiqueta de “hyperpop” de la que hablamos en ¿Qué Onda? hace unas semanas. El marco de referentes de esta generación está más en los memes de internet y en una playlist repleta de estilos musicales absolutamente random que, al final, ayudan a construir un discurso impredecible, líquido, andrógino.

Así se expone en el flamante “Dímelo”, segundo álbum del combo argentino, en donde los ritmos 808 se funden tanto con el synthpop como con una sinfonía hipermelódica en la que caben desde arranques rockeros (“Chupasangre” o “Fénix”) hasta una suerte de oración de reminiscencias spinetteanas en la línea del mejor Lucas Martí (“Joda de Techno”), coqueteos con el imaginario tanto de los Babasónicos (“Adopté”) como de Grimes (“Conocernos de cero”) o varios hits hyperpop para radiofórmulas del futuro (“Atlántica Hundida” o “Cabeza”).

Hay algo compartido a nivel escena con artistas como Zero Kill, Luca Bocci, dinastia o Fransia que invita a pensar en un movimiento de pop en el que los estímulos son enlaces y su propuesta tiene tantas aristas que se hace deliciosamente inabarcable. El pop del futuro para el que incluso el futuro es insuficiente ya está aquí.

Alan Queipo.

Emilia y Pablo - Territorio de delirio (Madame Vodevil, 2021)

Mon, 28 Jun 2021 08:34:08 +0200

Hace tiempo que se abre paso con fuerza entre las nuevas generaciones de artistas un circuito que, frente a los artificios que ofrece la tecnología, está apostando por volver a la esencia del arte, al sonido más crudo posible. Esta escena que nació en lo subterráneo cada vez es más visible en lugares como Colombia, donde sobresalen La Muchacha y Briela Ojeda. Con este debut el dúo chileno Emilia y Pablo se convierte, desde Madrid, en otro abanderado de un movimiento cada vez más nutrido.

Con la voz de Emilia Lazo, esa forma desgarrada de Pablo Cáceres de tocar la guitarra (o el instrumento que se le ponga por delante, es un virtuoso casi con cualquier cosa que haga música) y las letras que son pura poesía de sus canciones, en realidad no hace falta nada más. Este disco es una ‘marcianada’ en el mejor sentido del término: no suena a nada que se haya escuchado antes.

¿Cuál es su secreto? Unir la garra del flamenco, la tradición de la canción de autor latinoamericana y una presencia escénica que se apoya en las armas del teatro. Mercedes Sosa meets Federico García Lorca. O Violeta Parra junto a Nicanor Parra. Incluso Caetano Veloso y Antonio Machado. Y así podríamos seguir para intentar describir esa conexión tan especial que establece el dúo entre la voz cantada y la poesía.

Lo mejor es comprobar de lo que son capaces en directo, como en esta interpretación con el alma desnuda del cierre del álbum (‘El sol quema – Explosión’) para las RGP Live Sessions de Radio Gladys Palmera.

José Fajardo

Rauw Alejandro – VICE VERSA (Sony Music, 2021)

Thu, 01 Jul 2021 13:36:25 +0200

Reggaetoneros que quieren dejar de serlo. Reggaetoneros que se empiezan a cansar de serlo, y empiezan a utilizar términos ambiguos como “transversal”, “completo”, “pop” o “artista total”. Está pasando. Es el caso de Rauw Alejandro, uno de los últimos aspirantes al trono del pop urbano latino global; y también en uno que, del mismo modo que hace unos años hizo J Balvin con “Vibras” y Bad Bunny con “YHLQMDLG”, y como diría el Robe Iniesta: se está quitando.

Al menos del reggaetón sí que se está quitando. Se le ve en los ojos, se lo lee en las declaraciones que da en entrevistas y se escucha en “VICE VERSA”, su nuevo álbum, tan solo un año después del explosivo y hedonista “Afrodisiaco” que lo colocó en un mapa aún más global que en el que estaba gracias a hits universales como “Reloj”, “De Cora <3” o “Tattoo”, pero en el que, aunque ya se intuía cierto interés en moverse de ese compartimento estanco sobreexplotado que es el del reggaetón, era difícil encontrar salida a ese registro.

La encuentra en “VICE VERSA”. Sobre todo, gracias a una carta de presentación universal aspirante a ser la canción más omnipresente del verano como “Todo de ti”, en la que suena más cerca de Bruno Mars que de Don Omar; pero también gracias a canciones que coquetean con una suerte de electrónica de aires disco (“Desenfocao’”), ciertas texturas más propias del house aunque de cadencia latina (“Cosa guapa”), del drum’n’bass (“¿Cuándo fue?”), de la favela funk (“Brazilera”), baladas con ritmos 808 (“Aquel Nap ZzZz”) o incluso matices que recuerdan a una indietrónica de pista de baile (“2/Catorce”) o a un reggaetón con dos vueltas de tuerca (“¿Y eso?”).

Contra el pronóstico que seguramente su propio sello había hecho de que las canciones más pegadas del disco serían los reguetones estándar “Sexo virtual”, “Nubes” o “La Old Skul”; el puertorriqueño le da una nueva lección de humildad a un género absolutamente necesitado de moverse del compartimento estanco en el que permanece.

Alan Queipo.

Juan Wauters - ‘Real Life Situations’ (Captured Tracks, 2021)

Fri, 02 Jul 2021 08:05:12 +0200

Existen tantos Juan Wauters que es imposible describirlos con palabras. A lo largo de una carrera que empezó a principios del nuevo siglo con su antigua banda The Beets ha ido picoteando en diversos géneros, desde ese garage energético de sus inicios hasta una carrera en solitario donde a cada paso iba ganando más peso su herencia latinoamericana y, con ella, el uso del español en las letras.

Su nuevo disco es un compendio honesto de quién es en 2021 este uruguayo que se mudó hace dos décadas al barrio multicultural de Queens en Nueva York. Allí coincidió con otros artistas desenchufados de origen latino, desde Helado Negro hasta Tall Juan, quienes han ido formando una escena efervescente que no para de mutar y establecer conexiones con artistas norteamericanos como Mac DeMarco.

Entre sus referencias hay posos del dreamcore que desde hace un tiempo ha empezado a reivindicar la Generación Z (la música nostálgica con destellos oníricos y melodías bonitas), pero también del pop de dormitorio, la psicodelia lo-fi y hasta la tradición del crooner costumbrista.

En realidad, si hubiera que comparar este álbum con algún proyecto anterior el nombre más apropiado serían The Beatles, por su habilidad para las armonías, el talento lírico y esa versatilidad apabullante para saltar de un estilo a otro, o incluso Daniel Johnston, por el irresistible encanto de unas canciones disfrazadas de sencillez pero que guardan adentro todo eso tan especial que nos hace humanos.

José Fajardo.

Trueno – ATREVIDO EN VIVO (NEUEN, 2021)

Thu, 01 Jul 2021 13:44:01 +0200

Mientras la porción más grande de la escena de música urbana (e incluso la de otros circuitos-tendencia como la del bedroom pop o cierta facción de la electrónica orgánica) está algo desorientada a la hora de cómo aterrizar en directo una propuesta nacida netamente del ordenador, sin elementos orgánicos ni instrumentos tocados, muchas veces con bases descargadas o sampleadas; el último gran candidato a hacerse con el trono de la movida urbana en habla hispana acaba de dar una absoluta lección.

Hablo de Trueno, el enésimo icono del trap argentino, pero un artista que, forjado en las batallas de gallos y aparentemente a rebufo de los primeros iconos del género en su país (Duki, Neo Pistea, Ysy A, Barderos…), ha conseguido hacer sorpasso a varios de ellos (¿o a todos?) tras publicar el año pasado “Atrevido”, uno de los álbumes fundamentales para el urban latino del último curso. Pero claro, ¿cómo se tocaría ese disco en directo?

Tomando el modelo de artistas como WOS o CA7RIEL y Paco Amoroso, que han tomado cierto modelo de “banda de rock” para aterrizar su propuesta en directo, Trueno se suma a la moda pero, incluso, transversaliza ese sonido. En “ATREVIDO EN VIVO”, un título tan explícito y descriptivo como también metafórico de la vida que tienen sus flamantes canciones; el argentino se atreve a ‘tocar’ en directo canciones de una genética computarizada. Sorprende especialmente cuando se acerca al candombe tribal (“Azul y oro”) o cuando firma baladas con un sonido que poco tiene que envidiar al de Justin Bieber (“Rain II” o incluso una “Mamichula” junto a Nicki Nicole y sonido sinfónico), al que incluso parafrasea en una canción que recuerda al sonido de A Tribe Called Quest o De La Soul (“G.P.S.”).

Pero también hay acercamientos a un rap-rock que recuerdan tanto a los Beastie Boys, Rage Against the Machine como a 50 Cent (“Background”, “Sangría” o “Atrevido”) e incluso consigue que el reggaetón se pueda tocar (“Ñeri”) dejando en evidencia a toda una corte de iconos urban-pop inmóviles. Lo suyo es en vivo y está más vivo que nunca.

Alan Queipo.

Beny Jr & El Guincho - Samurai (RICO, 2021)

Fri, 09 Jul 2021 08:08:19 +0200

Los que ayer eran las grandes estrellas de la juventud hoy ya son señores mayores. Lo que hace nada parecía transgresor y excitante ahora es convencional. Una nueva generación está resintonizando la banda sonora de los barrios en España. Ya no escuchan a Cecilio G ni a Yung Beef ni a El Coleta ni a Jarfaiter. Otra escena subterránea se abre camino con las mismas armas que usaron ellos: el irresistible encanto del anonimato cuando eres tan joven que apenas cumpliste la mayoría de edad.

Entre todos ellos Beny Jr es uno de los mejor situados para hacerse un nombre que trascienda ese circuito marginal. Con 22 años, de ascendencia marroquí y desde las afueras de Barcelona, despuntó en 2020 con un par de mixtapes donde colabora uno de los referentes del movimiento: Morad, con más de tres millones de oyentes mensuales en Spotify. Canciones de Beny Jr como ‘Mariachi’ o ‘K y B’ ya son himnos a pequeña escala. Su debut no es sólo importante por la música sino por quién está detrás apoyándole.

Desde que se juntó con Rosalía circa ‘El mal querer’ (2018) para construir el primer icono global de la música española moderna, el productor canario El Guincho ha ido calculando bien sus movimientos. No saca música propia desde ‘Hiperasia’ (2016) y en los últimos años ha colaborado con artistas muy concretos: Bad Gyal, Israel Fernández y poco más. Esta grabación es la primera apuesta de su sello: RICO.

Su apuesta por Beny Jr es una muestra de que el drill -esa variación del rap inspirada en la música violenta que se hace en los suburbios de Gran Bretaña en la onda del grime- cada vez tiene más tirón en España. Su propuesta ya está a la altura de los grandes de la escena (Aiman Jr, GhettoBoy) gracias a las producciones casi cinematográficas de El Guincho, que parte de los códigos de la escena -ritmos secos y cortantes, bajos frenéticos y oscuros, velocidad desalmada- y los moldea para que todo suene más profundo y duradero.

José Fajardo.

The Marías – CINEMA (Nice Life / Atlantic, 2021)

Fri, 09 Jul 2021 08:00:06 +0200

¿Un disco para apretar o la banda sonora de una película imaginaria? En esa disyuntiva se debate “CINEMA”, primer álbum largo de The Marías, combo norteamericano cuya lideresa, la puertorriqueña María Zardoya, extiende su personalidad y su sensibilidad a la hora de componer e interpretar un repertorio tan apto para los amantes de un neo-soul sexy y de cadencias pesadas y lentas; y una electrónica de corte lounge que podría sonar mientras te pruebas una rebeca en el Zara de Gran Vía, en el chill de un bar de Ibiza o en la BSO de la última serie hípster de moda.

Posiblemente no sucedan ninguna de las tres cosas con “CINEMA”, pero deberían. Y es que desde esa suite de apertura instrumental que despliegan en “Just a Feeling” hasta esa suerte de lounge-jazz de piano bar con aires a spoken word con la que cierran (“Talk to Her”) pasan demasiadas cosas sin que lo parezcan. El álbum podría ser considerado un easy listening, pero revela secretos con las escuchas, donde se identifican los matices que consigue construir el quinteto, con la singularidad interpretativa de Zardoya, sí, pero también con la transversalidad musical que aporta Josh Conway y sus secuaces al acabado.

Tras una serie de EPs que ayudaban a construir un imaginario pop que podía cruzarse a la vez en festivales indie o en clubes de jazz, “CINEMA” confirma a The Marías como un proyecto con una idea muy clara de su sonido, pero también de una estética que traspasa los instrumentos. De ahí que, a la vez que citen como referentes a Radiohead, Britney Spears, Billie Holiday y Bad Bunny, también lo hacen cuando citan a Pedro Almodóvar (al que le dejan un guiño incidental en “Hable con ella”) o Wes Anderson.

El resultado es el de un disco conceptual que también se puede consumir como un devocionario de pop lento y amarrado: tiene hits de neopop negro como “Hush”, “Little by Little” o “Heavy”; pero también tiene un reggaetón que oposita a superventas (“Un millón”), una pieza de indietrónica abyecta (“The Mice Inside This Room” podría haber formado parte de “Kid A”), un trip-hop para hacer petting (“To Say Hello”), un indie-rock desacelerado (“Callin U Back”), una canción para sonar en Starbucks (“All I Really Want is You”) y hasta una nana con aires de estándar infantil (“Fog as a Bullet”). Mucho camino por recorrer para The Marías.

Alan Queipo.

Pedro Aznar – Flor y Raíz (Autoeditado, 2021)

Fri, 09 Jul 2021 07:55:56 +0200

Cuando se habla de Pedro Aznar se suele, injustamente y a pesar de ser uno de los mejores y más internacionales bajistas de la historia de América Latina, de los proyectos a los que perteneció o de los tótems con los que ha tocado o grabado: que si Serú Girán, que si Spinetta Jade, que si la Pat Metheny Band, que si sus discos a dúo con Charly García…
La realidad es que Pedro Aznar lleva hablando por sí mismo más de cuatro décadas; y en su nuevo disco ha decidido que sean las canciones que sonaban desde pequeño en su casa las que hablen por, con y a través suyo. “Flor y Raíz” es un álbum-capricho, pero también un repertorio que ayuda a revelar ciertos acertijos de cómo Aznar se convirtió en un músico con la mente tan abierta: un músico de jazz para el rock, un músico de rock para el jazz, un cancionista desacelerado e impredecible.

Con un sonido crudo, de cantor honesto aunque algo antiguo, y mirando de frente a la música de raíz, el argentino se atreve respetuosa y orgánicamente a versionar y homenajear míticas canciones de Chabuca Granda, Violeta Parra, Alfredo Zitarrosa, Peteco Carabajal, María Elena Walsh o Cuchi Leguizamón, entre otros iconos, a la vez que también regala una canción original (“Reverdece”) muy en la línea sonora de sus versiones.

El álbum destaca especialmente cuando se anima a hacer curiosos experimentos; como es el caso de la elegíaca “Zamba para no morir” solo a voz y percusión, cuando se anima con el autotune para la “Construcción” de Chico Buarque, cuando lleva a un territorio casi spinetteano las “Cartas de amor que se queman” o cuando suena como un milonguero cantor en “El Violín de Becho”.

Quizás decepcionan algo más en canciones universales como “La Llorona”, “Maldigo del alto cielo” o “Dos gardenias”, de las que tenemos una construcción previa en la cabeza y que acaban sonando algo estridentes. En cualquier caso, un nuevo ejemplo de la inquietud y transversalidad musical de un Pedro Aznar que vive en estado de gracia.

Alan Queipo.

Mabiland - Niñxs rotxs (Autoeditado, 2021)

Mon, 12 Jul 2021 08:32:55 +0200

La idea de huir de los estereotipos ha marcado la hasta ahora breve y prometedora carrera de Mabiland. Nació en el 95 en Quibdó, en un barrio complicado del Chocó, una de las regiones más hermosas pero también más olvidadas del litoral Pacífico colombiano. Marchó a estudiar comunicación audiovisual a Medellín y ahí fue donde descubrió su talento para la música, con un componente poético y escénico muy importante.

Con sus canciones huye del estereotipo siempre reduccionista de mujer-afro-que hace música. Inspirada en la excitante escena del hip hop en Medellín, pero también en las voces femeninas del nuevo soul y r&B (desde Amy Winehouse a Erykah Badu), Mabiland ha ido construyendo una obra (este es su segundo álbum, tras su recomendable debut en largo ‘1995’, de 2018) tan fascinante como original.

Su poderío está en ese rapeado orgulloso y desinhibido, que afronta problemáticas sociales (la diversidad sexual, la desigualdad, el creer en una misma) e historias guiadas por los sentimientos, apoyándose en una voz que es capaz de moldear melodías pegadizas. ‘Hey mami’ concentra lo mejor de lo que Mabiland es capaz: puro sentimiento desde la honestidad y el talento de una autora que, junto a Lee Eye, está dando los primeros pasos por un camino que apenas se había pisado en la música de su país.

José Fajardo

Juan Pablo Vega – JUAN PABLO VEGA (Warner Music México, 2021)

Tue, 13 Jul 2021 14:35:30 +0200

Quien solo se deje guiar por la distancia de ocho años entre su debut “Nada personal” y su segundo álbum homónimo publicado hace solo unas semanas, pensará que Juan Pablo Vega necesitó de mucho tiempo y toma de distancia de la música para saber hacia dónde quería ir. Pero nada más lejos de la realidad: mucha música ha pasado por las manos del artista colombiano estos últimos años, y buena parte de la que ha ido publicando estos dos últimos años es la que canaliza en su nueva placa.

Tres EPs (“Vicio”, “Las Olas” y “Conexión”), varias producciones para prestigiosos artistas (dos de esas producciones, para sus compatriotas Esteman y Manuel Medrano, le valieron nominaciones al Grammy, consiguiendo Medrano la estatuilla), fichaje por una de las multinacionales más importantes (Warner Music) y un tonel de colaboraciones ilustres, hasta llegar a lo que ahora es “JUAN PABLO VEGA”, en mayúsculas: un álbum que condensa las diferentes sensibilidades del bogotano como compositor y productor, pero también proyectando un marco de referencias especialmente poliédrico.

Si en su EP anterior, “Conexión”, ya demostró su pasión por sonidos como el dub y el reggae, algo que también se manifiesta en este nuevo álbum largo en algunas canciones (“Dejarnos ir” o “Apagar la luz”), este cancionero, del que ya conocíamos el grueso de las canciones, que ha ido publicando como single en el último año, confirma no solo sus conexiones con otros artistas de su generación (mucha colaboración en el disco: desde Esteman y Vanessa Zamora hasta Mabiland, Karin B. o Vic Mirallas) sino también una lógica de cancionista tan cerca de los mentados ritmos tropicales como por el funk instrumental (“El vacile del tío”), el groove del r&b (“Prófugos” u “Ojos tristes”), el bolero (“Joderlo todo”) o el pop de autor moderno (“Lo volvería”).

Alan Queipo.

Javi Punga – El Último Primer Día (Ultrapop / Laptra, 2021)

Tue, 13 Jul 2021 14:51:01 +0200

En un circuito que parece usar-y-tirar a la velocidad de un storie tendencias musicales, ver a artista que persisten y resisten en seguir articulando un discurso conceptual en torno a lo que un día conocimos como “tendencia” es de agradecer.

Me refiero a Javi Punga, icono de lo que se llamó hace ya dos o tres lustros como “lo-fi”, un movimiento en el que el carácter doméstico y urgente, sin intermediarios, en el apogeo de los blogs, los enlaces de descarga en .zip o .rar y de la expansión del eMule, Soulseek y similares, se hizo fuerte en una facción de la escena alternativa (o mal llamada indie) de hace unos años.

Parece que aquello es pasado y pisado, y que el lo-fi cedió a otras tendencias que coparon o copan el circuito: desde las músicas urbanas hasta la recuperación de la tradición o, si buscamos homólogos a aquel “lo-fi”, ahora se habla más de “bedroom pop” y similares. Pero no en el caso del artista argentino, que sigue demostrando un carácter especialmente prolífico, especialmente desde que decidió crear una suerte de línea conceptual dentro de su obra: El Club del Low-Fi.

En ese club del que solamente es miembro él y sus canciones ya lleva nueve volúmenes. El último de ellos, el flamante “El último primer día” que coeditan entre dos de los estandartes de las discográficas independientes argentinas, Ultrapop y Laptra, y que es, a la vez, un devocionario de la grabación en baja fidelidad, un tributo al sonido grunge que parece que se ha extinguido de la órbita rock y una exploitation sarcásticamente finmundista dado el contexto sanitario de los últimos dos años.

Seis canciones que, en realidad, son doce: las versiones originales y las instrumentales para que cada uno haga su propia versión y variación, casi como un juego para armar y formar parte del singular club de Javi Punga que, lejos de sonar anacrónico, suena a la vez punkarra y vanguardista, con proclamas adictivas y necrosas como “Bedroom grunge”, “City Pop” o “Activismo Juvenil”, entre otras.

Alan Queipo.

Kiko Veneno - Hambre (Autoeditado, 2021)

Wed, 14 Jul 2021 07:55:45 +0200

Kiko Veneno tiene 69 años pero su mente sigue siendo una de las más jóvenes entre los creadores contemporáneos. Siempre dispuesto a aprender, sin miedo a equivocarse, en busca de esa poesía libre de jaulas que ha guiado su obra, durante el último año ha encontrado en estas canciones un refugio contra el ruido y el dolor que venían de fuera. ‘Hambre’ es un apéndice de su anterior grabación, el estupendo ‘Sombrero roto’ (2019), una segunda parte donde prosigue con su investigación sonora en busca de nuevos territorios.

“Estoy fatal de la voz y la letra se me ha olvidado. Menos mal que traigo yo mis zapatitos nuevos”, dice con sorna en ‘Hambre’. Esta canción marca el tono del disco tanto en el plano lírico (esa mirada inquieta hacia la realidad, una sensibilidad especial por hacer de lo cotidiano un arte, el sentido crítico hacia las cosas que la mayoría dan por sentadas e inamovibles) como en el sonoro, con ese riesgo que asume al mezclar sus melodías de siempre con las posibilidades que ofrece la tecnología.

“No le tengo miedo a las máquinas”, decía Kiko Veneno en una entrevista reciente. Es un creador que no se conforma con lo que ya sabe y se arriesga a equivocarse para avanzar. Lo hace en este disco en el que logra esculpir (con la ayuda de productores más jóvenes como Hartosopash, de Antifan) un sonido original, que no está haciendo nadie más ahora mismo, fusión inédita entre sus cantecitos con deje flamenco y los aires que vienen de África o Latinoamérica junto a los mantos sutiles y evocadores de la electrónica más vanguardista.

José Fajardo.

Mabe Fratti - Será que ahora podremos entendernos (Unheard of Hope, 2021)

Wed, 14 Jul 2021 08:01:41 +0200

Mabe Fratti ya estaba integrada en la escena experimental de improvisadores en Ciudad de México cuando la pandemia irrumpió. Fue entonces cuando esta guatemalteca decidió refugiarse junto a otros músicos en una antigua fábrica reconvertida en espacio de creación artística en La Orduña, un lugar rodeado de naturaleza en el estado de Veracruz. Allí fueron surgiendo estas canciones en las que indaga en las complejidades de la comunicación y el choque entre pensamiento y lenguaje.

Su música propone una suerte de indietrónica que dibuja amplios espacios ambientales, apoyada en su pericia con el violonchelo (empezó a estudiar de forma académica a los 16 años), una voz que irradia sensaciones de otra galaxia (sus palabras tienen el don de la sinestesia: generan olores, se sienten en la piel, proponen colores y estados de ánimo) y sutiles arreglos electrónicos que combina con el sonido de los pájaros, los animalillos y la naturaleza de su alrededor.

En este álbum (su segundo, tras el prometedor ‘Pies sobre la tierra’, del año pasado) Mabe Fratti invita, como si fuera una ceremonia anárquica y guiada por la improvisación de un akelarre cósmico, a un sinfín de invitados que van sumando sus originales visiones: desde la estadounidense Claire Rousay (experta en manipular grabaciones de campo) hasta figuras de la escena alternativa local como Pedro Tirado (Tajak), Sebastián Rojas (The Americo Jones Experience) y Hugo Quezada (Robota).

A medio camino entre las atmósferas fantasmagóricas de Grouper, la experimentación radical de Lucrecia Dalt, esa visión moderna desde los instrumentos tradicionales de Joanna Newsom y el sexto sentido para las melodías de Julia Holter, Mabe Fratti ya es una de las nuevas figuras de la nueva música electrónica.

José Fajardo.

Rodrigo Amarante - Drama (Polyvinyl Record Co, 2021)

Wed, 21 Jul 2021 13:21:00 +0200

Hay algo en la obra de Rodrigo Amarante tan especial y único que, para comprenderlo, hay que escarbar en su biografía. Su música se mueve con soltura entre dos mundos en apariencia lejanos, casi contradictorios: la música brasileña tradicional y el espíritu indie estadounidense. Nacido en Rio de Janeiro en 1976, hace tiempo que vive en Los Ángeles. Este disco mezcla esas dos sensibilidades y tiene el sonido atemporal de los clásicos.

Antes de ser reconocido globalmente como autor de la sintonía del mega éxito de Netflix ‘Narcos’, Rodrigo Amarante ya se había hecho un nombre en la escena de su país como fundador del grupo Los Hermanos y del proyecto de nueva salsa Orquesta Imperial junto a Seu Jorge y Moreno Veloso. También era reconocido en el ambiente alternativo de Estados Unidos gracias a Little Joy, ese proyecto tan genial como inédito que formó con Fabrizio Moretti (batería en The Strokes) y la cantante y actriz Binki Shapiro.

‘Drama’ es un viaje de espíritu cinematográfico en el que mezcla todos esos universos por los que ya ha transitado a lo largo de su carrera: la música brasileña reposada, que conecta la bossa y el jazz; el pop que aspira a alcanzar estribillos inolvidables y melodías pegadizas, y una actitud independiente al margen de tendencias. En una época donde todo parece tan frugal Rodrigo Amarante nos dice con estas canciones que, lo mismo, no hace falta tomarse las cosas tan en serio, que no es necesario ir tan rápido: es mejor disfrutar del momento y parar un poco.

José Fajardo.

Herencia de Timbiquí - Herencia Pacífica (Autoeditado, 2021)

Wed, 21 Jul 2021 13:30:01 +0200

Hay desde hace tiempo un necesario (re)descubrimiento de la música del Pacífico colombiano gracias al papel de festivales como el Petronio Álvarez en Cali y sellos discográficos como Discos Pacífico. La riqueza de este litoral, una de las regiones más hermosas y olvidadas de Colombia, va más allá de etiquetas: es imposible hablar de una cultura ancestral como si fuera un todo unitario e idéntico. Lo interesante es que es una música viva que no para de mutar y cruzarse con otros ritmos sin olvidar la herencia de la tradición.

Herencia de Timbiquí simboliza bien esa idea, a la que rinde homenaje en este disco, un canto de amor a su tierra, a su cultura y a sus iconos. Su obra, en realidad, lleva desde hace más de una década plasmando las vivencias cotidianas del Pacífico, su exuberante diversidad, los sonidos de la naturaleza, el espíritu de la comunidad, la sabiduría de los ancestros y las reivindicaciones de un pueblo orgulloso para el que la música es una herramienta de luchar por el cambio.

El secreto de su éxito (junto a ChocQuibTown, quizá sea la banda del Pacífico más popular fuera de la región) es su pericia al cruzar los ritmos de la marimba y los tambores (símbolo de esta cultura afro) junto a las sonoridades de la salsa y hasta el pop y el rock. Estas canciones mezclan a la perfección esa mirada abierta y desprejuiciada con su conocimiento de los ritmos tradicionales y de paso rinden tributo a figuras más veteranas como Zully Murillo.

José Fajardo.

VAN17INO6 – ER PATIO LOS NEONES (Breaking Bass, 2021)

Wed, 21 Jul 2021 13:53:52 +0200

¿A qué suena la electrónica de club que han mamado los artistas de la generación trap? A “ER PATIO LOS NEONES”, por ejemplo. Y digo “por ejemplo” porque limitar solo a eso al debut de VAN17INO6 es injusto, porque en el álbum que le publica el sello sevillano Breaking Bass, uno de los colectivos que más ha hecho por dinamizar la escena de baile andaluza, con una proyección cada vez más transversal, tiene muchos más ingredientes.

Aunque tanto la música electrónica como cierto espíritu de comunidad y colaboracionismo dominen todas las canciones de “ER PATIO LOS NEONES”, lo cierto es que en los casi 40 minutos y doce canciones que se expanden en este disco hay muchos más climas que eso.

Especialmente interesante es cuando firman hits en los que parece converger el sonido del flamenquito camp de principios de siglo, el de grupos como Los Caños o Los Rebujitos, con electrónica ravera, en absolutos pelotazos como “Dónde está er camino” (la canción que debería cambiarlo todo para VANI7INO6) o “100 pistas” o cuando suenan a house remember apto para un parkineo en Fabrik o en una sesión de la Bresh en Sevilla (“Or Nai Long” o “Aforo completo”).

Pero también hay alegatos en donde expanden aún más el urban-house de Chico Blanco (tanto cuando colaboran con él en “Warra” como en “Mindfullness 101”), cuando se acercan al registro de rap apocalíptico y grime de Erik Urano (“Llegan los drone” o “Quizz”), cuando tiran de emo digital al mejor estilo de Goa o Rojuu (“En mi mundo”), cuando buscan folclore en un trap con acento andaluz (“Puñalá”) o cuando siguen el camino del petting con su canción más groovera (“Sexo”). Así se bailará cuando reabran las discotecas.

Alan Queipo.

Laura Itandehui – Laura Itandehui (Autoeditado, 2021)

Wed, 21 Jul 2021 13:46:10 +0200

“Yo no necesito de mucho, ¡tan poquito necesito yo! Un jaboncito pa’ lavar la ropa y un hilito largo de tendedero donde pueda colgar mis blusas blancas mientras yo me envuelvo en tus ojos negros”, canta Laura Itandehui a solas con su voz y dos palitos para marcar la clave en la canción que abre su flamante álbum debut. Y es cierto que no necesita de mucho, porque cuando se tiene lo elemental, no es necesario añadir nada más.

Esa economía de medios y ese elogio de la sencillez es con la que juega la joven artista mexicana, de apenas 28 años, con formación de jazz y querencia de cantora templada y serena, en el debut homónimo que la oaxaqueña se ha autoeditado.

Y precisamente en un momento en el que parece converger una generación de cantores muy bien formados (algunos también en el jazz, como su compatriota Silvana Estrada; otros, como Alex Ferreira, Augusto Bracho o Daniel, me estás matando, en lindes que van desde el pop al folclore), Laura Itandehui asoma la cabeza como una de las revelaciones de la canción en lo que llevamos de año.

Tanto cuando resiste desde una crudeza casi a capella en la mentada “Yo no necesito de mucho” como cuando firma una suerte de bolero de espíritu bluesero (“Ojalá me olvides”), cuando se puede respirar ese universo del jazz vocal desde la perspectiva del cancionismo más cruento (“Trataré”, “Tiempo al tiempo” o “Cuido tu recuerdo”), cuando suena tan cerca de la serenata mariachi como del pop vocal de mediados de siglo XX (“Días de tristeza” o “Rancherita”) o cuando encuentra trazas de reggae y funk en un bolero veloz y ultrarromántico (“Queriéndote en silencio”). Habemus nueva diva cancionista, y se llama Laura Itandehui.

Alan Queipo.

Marisa Monte – Portas (Sony Music, 2021)

Thu, 29 Jul 2021 12:30:33 +0200

Diez años, cuatro álbumes (entre directos y recopilatorios) y una pandemia. Eso es lo que ha tardado Marisa Monte en presentar una nueva colección de canciones originales y nuevas, desde “O Que Você Quer Saber de Verdade” con la que arrancaba una década en la que se ha dedicado, precisamente, a la distancia y los cuidados. Una distancia que también la define como artista: hay que contar (y cantar) cosas cuando realmente es necesario, y no por obligación contractual.

“Portas”, el esperado regreso de una de las artistas brasileñas más importante de todos los tiempos, consigue mantener ese poso entre intimista y sensual de la MPB, esos aires a bossa nova y a pop de autor, pero también se permite licencias que la llevan a coquetear, por momentos, con la música sinfónica, el jazz, el r&b, el swing, el pop o el blues. Un álbum en el que ese ‘infinito particular’ del que ha hablado en uno de sus discos más hacia adentro, consigue salir hacia afuera, luminoso y templado.

Incluso a pesar de haber tenido que grabar en remoto parte del álbum (con sesiones a distancia en ciudades como Nueva York, Lisboa, Río de Janeiro y Los Ángeles) y de contar con una corte de ilustres que aportaron ideas, canciones, frases y arreglos a estas canciones (entre otros, habituales como Arnaldo Antunes, Arto Lindsay, Nando Reis o Seu Jorge, con quien canta junto a él y Flor, la hija de éste, la canción-epílogo del álbum); “Portas” posee una curiosa cohesión sonora, además de un espíritu y una atmósfera en la que todo es lo suficientemente leve como para sonar universal.

Hay momentos en los que parece acercarse a un cruce imposible entre el afán sinfónico de Charlotte Gainsbourg y las guitarras de Santana (“Déjà Vu”); hay otros que nos llevan hacia el sonido post-tropicalista de los años ’70 (“Praia Vermelha”); otros en los que se cuelan aires de blues o big band a lo Tom Petty (“A língua dos animais”); otros en los que firma una bossa-soul con aires al “One Love” de U2 & Mary J. Blige (“Calma”); otros en los que se acerca al bolero (“Vagalumes”) o firma una samba elemental (“Elegante Amanhecer”); u otros en los que se acovacha mínima y cruda (“Fazendo cena” o “Totalmente seu”, al piano).

Pero en todos esos momentos, la Marisa Monte de líneas más abiertas, transversales y conectoras pone de acuerdo a estilos, instrumentaciones y ritmos con la categoría y el registro de una artista llamada a seguir trazando puentes y firmando repertorios fundamentales para la canción popular brasileña.

Alan Queipo

Los del Limit - The Life in Your Eyes (DEL Records, 2021)

Mon, 02 Aug 2021 08:03:09 +0200

Están pasando tantas cosas en la nueva música regional de México. Natanael Cano y la órbita del sello de Jimmy Humilde popularizaron hace apenas un año el término “corridos tumbados” para describir un género nuevo que se acerca a la estética y la forma de cantar del hip hop desde el universo sonoro de los corridos. Desde hace un tiempo, y de forma paralela, la juventud mexicana ha empezado también a hablar de “sad sierreño”.
Son los corridos emo: baladas contemporáneas con el espíritu iconoclasta de los sad boys de la Generación Z. Letras que hablan de corazones rotos y amores imposibles al son de la guitarra acústica o el requinto, ritmos pegadizos y cortados que se ajustan a esa forma tan particular de cantar de esta nueva generación de músicos que escuchan tanto a Juan Gabriel como a Lil Peep. Canciones profundas que llegan a un público masivo y conectan con esa necesidad tan 2021 de desnudar las propias vulnerabilidades.
En esta escena de chicos tristes asfixiados por la ansiedad y atiborrados de Lexatin ya despuntan nombres como Eslabón Armado y Junior H. Los del Limit casi acaban de llegar al juego pero ya están entre los favoritos para llevarse el premio gordo. El proyecto se fundó hace unos meses, en plena pandemia, por un dúo del estado fronterizo de Texas liderado por Rubén Leyva. Su habilidad para convertir canciones como ‘Amor fugaz’ en himnos de una juventud herida les despega del resto.

José Fajardo.

VV.AA. – Club Coco (Bongo Joe, 2021)

Mon, 02 Aug 2021 08:31:24 +0200

Selectora esencial de músicas, artistas y ritmos afrolatinos tanto desde las ondas de la célebre Worldwide FM británica como también en otras emisoras, festivales y discotecas, Coco María, mexicana con base en Ámsterdam, ha conseguido, como varios de los programas que tenemos en Gladys Palmera, que sus programas tengan un sonido particular incluso antes de darle al play: que haya una idiosincrasia sonora en la que Coco María es la madrina y la que sabe identificar perfectamente dónde habitan esos artistas.

Ese hábitat que ella consigue identificar y cazar al vuelo los migra inmediatamente a su show radiofónico semanal, creando una suerte de hilo musical que es también una escena de artistas latinoamericanos que conectan con la música tradicional de sus países, pero que también hay una mirada vanguardista y moderna sin perder el objetivo central: que aquí se baila.

Ahora, también se baila en el recopilatorio que Coco María saca en coalición con el prestigioso sello suizo Bongo Joe, que a lo largo de los últimos años ha sido casa discográfica de artistas contemporáneos de circuitos como el latinoamericano o el centroeuropeo como Meridian Brothers, YĪN YĪN, L'Eclair o Hyperculte, entre otros, pero también ha recuperado joyas perdidas de artistas desconocidos de países como Santo Tomé y Príncipe o Malaui, entre otros, o curado, como es el caso de este “Club Coco”, curado recopilatorios que son una absoluta maravilla babélica y rítmica.

En este caso, además de captar el espíritu del programa y el registro selector de Coco María en sus sesiones, también se respira una sensación de comunidad bailonga, vanguardista y folclórica transnacional. Tanto cuando se proyecta el gen colombiano en propuestas como las de La Perla, Meridian Brothers, Romperayo o Frente Cymbiero, como cuando se escarba en la facción británico-babélica de Malphino, en la psicodelia afrolatina del neerlandés Nico Mauskovic, en el funk-lounge hawaiano del francés Graham Mushnik o en los aires balcánicos de los franco-criollos Les Pythons de la Fournaise.

Alan Queipo

Teresa Parodi – Después de todo (Sony Music Argentina, 2021)

Mon, 02 Aug 2021 11:13:14 +0200

Durante el confinamiento duro, ese de la rutina de interior, de ciertos rituales a horas concretas, de tareas inventadas para acostumbrarnos a las nuevas costumbres, Teresa Parodi también tuvo una: armarse playlists, ponerse los auriculares y caminar de un lado al otro de su casa.

Hay quien pueda pensar que el único paisaje que tenía uno de los iconos del folclore argentino era el de su pijama, su sofá, las pelusas de debajo de la mesa, la ventana que veía a cada vuelta; pero nada más lejos de la realidad: el viaje que inició en aquellas selecciones musicales y paseos domésticos la llevó a lugares conocidos, al recuerdo, a la reivindicación del ‘nosotros’, a los cantos de rebeldía: fue el disparador definitivo de uno de sus mejores discos en años.

Aunque aún no sabemos en qué momento hay que situar el “después de” la pandemia, la que fuese durante más de año y medio ministra de cultura del último gobierno de Cristina Fernández como presidenta argentina, sí que ha encontrado un espacio temporal y, por qué no, psicológico: el naufragio global que impusieron, y siguen imponiendo, los meses de pandemia.

La propia Parodi ha dicho en una entrevista reciente para el periódico Página 12 que “en los momentos más críticos, los pueblos se aferran a su identidad y resisten”. Eso es lo que ha encontrado la correntina en estas nuevas once canciones que atraviesan géneros del folclore argentino como la milonga, el chamamé o el rasguido doble, pero allanados desde un punto de vista moderno, en parte gracias a la participación de dos alquimistas del cancionismo moderno como Matías Cella y Manu Sija.

De ahí que las canciones surjan como apariciones en medio de un naufragio. Hay un relato construido que, evidentemente, habla de la incertidumbre, de la nostalgia, de cierta desesperanza; pero siempre alumbrada por las cosas que nos unen, por la identidad latinoamericana, por lo que deberíamos respirar. Un cancionero que habla tanto de nosotros que parece premonitorio.

Alan Queipo.

Ikram Bouloum - Ha-bb5 (So Urgent, 2021)

Fri, 06 Aug 2021 09:17:22 +0200

Al fin, algo hizo clic. Los engranajes que moldean las nuevas tendencias musicales hace ya un tiempo que han girado enfocándose por primera vez en las periferias. Desde España, ahora la mirada ya no es hacia lo anglosajón sino hacia dos universos con los que siempre ha existido una conexión especial, por mucho que los poderes quisieran ocultarlo: cruzando el Atlántico hasta llegar a Latinoamérica y bajando hasta la frontera sur para mirar hacia Marruecos y otros países del Magreb.

Ikram Bouloum encarna esa riqueza que siempre existe en la diversidad pero también el irremediable choque cultural: de origen marroquí, nació en Torelló (Cataluña) y desde hace una década vive en Barcelona. Allí se ha convertido en una figura omnipresente en la escena alternativa de clubes, como divulgadora, DJ, artista y miembro de colectivos de agitación como l’Afluent, además de directora artística del BAM, el veterano ciclo de música independiente del Ayuntamiento de Barcelona.

Su debut con este EP la sitúa como uno de los nombres más interesantes del efervescente circuito electrónico en Cataluña. Aliada junto al productor Mans O publica en el sello de este (So Urgent) un trabajo fascinante, donde colisionan esos dos universos que laten dentro de ella como un volcán en constante ebullición. Así es como el catalán y el inglés se cruzan con el amazigh (su lengua bereber natal) y la música de baile experimental con los sonidos tradicionales de su tierra de origen. Ésta es la música que sonará en los clubes nocturnos del futuro.

José Fajardo

Flipante – Flipantes (Vol. 1) (Autoeditado, 2021)

Mon, 02 Aug 2021 11:00:57 +0200

El jingle: ese género tan marginado por la cultura musiquera, entendido como algo descartable y superfluo, sin profundidad, y que, sin embargo, varias de las canciones que escuchamos en anuncios son precisamente de las pocas que nos acompañarán toda la vida hasta que nos den la extremaunción y nos saquen en cenizas del horno. No solo hay un trabajo de orfebrería y de traje a medida para un cliente o marca concreta cada vez que se compone un jingle, sino que, en una era de la urgencia en las redes sociales y de la obsesión por la venta en precisamente esas plataformas, es curioso cómo hemos tardado tanto en encontrar a un absoluto diseñador musical para que anuncies tu producto, tu tienda, tu mandanga.

Hablo de Flipante, el álter ego del músico y productor valenciano Daniel Belenguer Saborit, conocido también por llevar casi una década capitaneando su proyecto Bearoid, en el que funde electrónica con melodías pop redondas y ciertos tics de las músicas urbanas. Mucho de eso hay también en Flipante, su “agencia de publicidad punk y creación de contenido para redes sociales”. Pero también hay una pregunta que surge con este disco: ¿por qué infravaloramos este tipo de canciones (los jingles) con una misión y una pegada evidente, y las marginamos de las canciones que respetan los formalismos de la industria?

Lo que comenzó como un híbrido sarcásticamente comercial para que la gente le encargue canciones para anunciar sus productos derivó, primero, en una cuenta de Instagram que, a pesar (sabe dios por qué) de no haberse convertido aún en un viral parecido al de aquellos vídeos de PlayGround con canciones de Christian Flores, contiene absolutos temazos. Así lo habrá pensado también nuestro Sr. Flipante, que ha recopilado sus casi treinta primeras composiciones-encargos, todas ellas rondando el minuto de duración (lo que dura un post de Instagram para colocar en el muro) y en las que, con ese toque de humor informativo que caracteriza los jingles de Flipante y con canciones con registros que van desde el trap al chotis, el reggaetón, el italo-disco o el punk, ayuda a vender plantas, cafés, hamburguesas, frutas, burritos, arroz o pistas de skate, a promocionar agencias creativas, peluquerías, coworkings o servicios de tarot o incluso a componer una canción de amor a partir de la playlist de una pareja. De broma muy en serio.

Alan Queipo.

AFFKT - The Big Picture (Mobilee Records, 2021)

Tue, 10 Aug 2021 11:35:18 +0200

En la escena electrónica ya comienzan a salir los primeros frutos de las sensaciones que ha dejado la pandemia impresa en nuestras psiques. Mientras aún todavía vivimos con las cifras de contagio en el televisor y la necesidad de ser precavidos, propuestas como las de AFFKT muestran con sonidos un universo que está por venir, que no es el de la “vieja normalidad” sino algo nuevo, ni mejor ni peor, pero sin duda diferente a lo que estábamos acostumbrados.

‘The Big Picture’ es una apuesta por el optimismo, por refugiarse en lo bello y luminoso cuando las sombras amenazan con apoderarse de todo. Este veterano productor valenciano, de nombre real Marc Martínez Nadal, demuestra con estas canciones que sigue intacta su apertura estilística: él mismo se bautizó hace tiempo como ‘El Hijo de los Mil Sonidos’. La suya es una visión desprejuiciada y erudita de la música de baile, fruto de su dilatada experiencia, desde su residencia en el mítico club Barraca hasta su paso por algunos de los sellos internacionales más punteros.

Cita al danés Trentemøller entre sus referentes, pero estas canciones recuerdan a los trabajos que han ido publicando estos últimos años nombres de vanguardia como The Range y The Field: comparte con ellos esa visión cinemática de la música, con la que expresan sentimientos y abren rendijas hacia otras galaxias mentales. Además de sus colaboraciones con Sutja Gutiérrez, destaca el broche final ‘Adiós ayer’ junto al productor navarro Piek, otra de las mentes más inquietas que operan ahora mismo en la escena europea, siempre abierto a mirar más allá de lo convencional.

José Fajardo

Los Pirañas – Infame Golpazo en Keroxen (Discrepant / Keroxen, 2021)

Mon, 02 Aug 2021 11:23:52 +0200

Quién nos iba a decir que uno de los espacios donde surgen las ideas más surrealistas, innovadoras y vanguardistas de la música contemporánea es un antiguo depósito de fuel ubicado en Santa Cruz de Tenerife. Así lleva siendo desde hace más de una década, cuando aquel antiguo depósito se convertiría en el Espacio Cultural El Tanque, un sitio por donde se realizan múltiples actividades y por el que han pasado decenas de miles de asistentes; pero con un evento que es, realmente, la centralita de la experimentación sonora: el Keroxen.

Además de ser un festival y un sello discográfico que ya ha publicado referencias de artistas como Za!, Gaf & The Love Supreme Arkestra, Usted o Monocroma, entre otros, también es un sitio donde suceden cosas completamente diferentes. El día que Iker Jiménez se entere de la música que se cuece en Keroxen, dedicará varios programas especiales. Lo cierto es que, de momento, la plataforma sigue siendo un semillero de locuras preciosas. La última de ellas, protagonizada por Los Pirañas.

El supergrupo colombiano que integran Eblis Álvarez, Pedro Ojeda y Mario Galeano, artífices de otros proyectos como Meridian Brothers, Romperayo, Frente Cumbiero u Ondatrópicas, entre otros, aprovechó su travesía hasta Tenerife no solo para actuar en el festival, por el que pasaron hace un par de años, sino también para grabar un recopilatorio singular, junto a la Tenerife Brass Section, que aporta ese imaginario jazz a un conglomerado de piezas instrumentales que basculan entre la psicodelia más ciclotímica y los ritmos tropicales más envenenados.

Con un repertorio bastante equilibrado que recoge canciones de sus últimos tres álbumes, Los Pirañas componen la banda sonora de un sideral viaje de ácido por el Caribe, pero ahora también con guiños tanto a los clubes de jazz de la Ley Seca como a las charangas de pueblo. Como si Charles Mingus y Frank Zappa hubieran formado un grupo junto a Diómedes Díaz en un centro psiquiátrico.

Alan Queipo.

Krak In Dub - Catleya (Bogotá Sessions) (Galletas Calientes Records, 2021)

Tue, 10 Aug 2021 11:44:39 +0200

Bogotá se ha convertido en la capital mundial de la música. La unión del sector en torno a ferias como BOMM, su papel como punto de encuentro en el que es uno de los países más diversos del mundo y, en especial, el trabajo invisible pero fundamental de sellos, artistas y divulgadores que operan en el subsuelo mantienen en ebullición creativa a la capital de Colombia.

En busca de ese circuito tan inspirador como excitante se ha trasladado hasta allí el productor Krak in Dub para tratar de capturar, desde su visión, el pulso sonoro de Bogotá en 2021. Este veterano trotamundos nació en Argentina y montó su base de operaciones en París tras pasar por Brasil. Desde los 90 es pionero en Europa de la cultura del sound system y uno de los referentes cuando se habla del sonido jungle en la actualidad.

Ese olfato para integrar la cultura de Jamaica (dub, ska, ragga) con electrónica moderna y ritmos de Latinoamérica lo traslada en este álbum a la riquísima tradición de Colombia. Alcanza el éxtasis junto a La Perla, un trío bogotano que está reinventando el folclore del Caribe (bullerengue, cumbia y más), y con Absalon & Afropacífico, un combo que desde la capital mira hacia los irresistibles ritmos del litoral Pacífico. Este disco debería incluirse en las guías de viaje de Bogotá.

José Fajardo

VV.AA. – Savia Manglar (Maukamba, 2021)

Tue, 10 Aug 2021 10:42:33 +0200

De una manera parecida pero distinta a lo que pasó en Buenos Aires con ZZK hace quince años, o lo que pasó en Ciudad de México con NAAFI y otros colectivos a lo largo y ancho de América Latina; en la ciudad de Antigua Guatemala hace cinco años nacía Mazukamba, un colectivo de artistas capitaneado por el argentino Alfonso Parutz y el guatemalteco Alex Hentze con varias misiones.

Además de la misión de imponer una política de club y de baile tan cerca de la electrónica de vanguardia como de ese afán de resistencia cultural que impera en Latinoamérica y cuyos artistas han ejercido casi de arqueólogos sonoros recuperando ritmos tradicionales, culturas ancestrales e idiomas originarios; también hay una misión sensibilizadora con el medio ambiente.

Eso es, precisamente, lo que les ha motivado a armar sus, de momento, dos recopilatorios. El último de ellos, “Savia Manglar”, pretende arrojar luz sobre la importancia del manglar en el ecosistema guatemalteco y centroamericano. El manglar, para quien no sepa lo que es, es un área biótica formada por árboles muy tolerantes a las sales que se generan en la desembocadura de corrientes de agua dulce en latitudes tropicales y subtropicales.

La poda de estos manglares perjudica el ecosistema; y por eso desde Mazukambo han reunido a algunos de los productores de mayor relevancia del circuito electrónico guatemalteco para que creen canciones originales inspiradas en los sonidos que habitan alrededor de las zonas de manglares, con el fin de visibilizar la riqueza incluso atmosférica de estas zonas bióticas.

Más allá de la importancia conceptual del álbum, nos encontramos ante siete canciones redondas y necesarias de artistas que basculan entre la folktrónica, la electrónica espiritual y el neo-clubbing más oscuro; con nombres a los que habrá que seguir muy de cerca como Aurora Nohemi, Guía, Ocarimo o los dos cerebros del colectivo, Parutz y Alex Hentze.

Alan Queipo

Omar Sosa - An East African Journey (OTA Records, 2021)

Fri, 13 Aug 2021 09:47:47 +0200

El cronista colombiano Alberto Salcedo Ramos tiene un proyecto en mente desde hace tiempo: documentar las conexiones (a través de la gastronomía, el lenguaje, la música, la palabra escrita y otras expresiones) entre Latinoamérica, África y Europa fruto de las migraciones de ida y vuelta. Recorrer los pasos de ese intercambio cultural que se enriquece desde hace siglos y aún no cesa. La obra del pianista y compositor Omar Sosa sigue el mismo espíritu: en su caso, registrando con sonidos las huellas de la diáspora africana.

Su herencia afrocubana y su mirada periférica le han llevado a profundizar en los tremendos tambores batá que se utilizan en los rituales de santería, en el jazz latino de la comunidad nuyorican (los puertorriqueños nacidos o asentados en Nueva York), en las percusiones que invitan al trance en países como Senegal o Mozambique, en la tradición de la kora en Mali, con los músicos gnawa de Marruecos… Imposible resumir con palabras lo que abarca un universo entero de sonidos.

Este disco es la historia de un viaje que comenzó hace 10 años para profundizar en un relato ancestral. Con fondos del Ministerio de Cultura de Francia, en 2009 Omar Sosa inició un viaje por el este de África durante el cual aprovechó para hacer grabaciones de campo con músicos locales de Madagascar, Zambia, Etiopía, Sudán, Burundi, Kenia y la isla de Mauricio. Ha tardado una década en seleccionar todo ese material, pero la espera ha valido la pena: estas canciones demuestran que, a veces, no hace falta moverse para viajar.

José Fajardo

Camila Moreno – Rey (Autoeditado, 2021)

Thu, 02 Sep 2021 08:23:46 +0200

¿Os imagináis un mundo en el que las relaciones humanas quedan restringidas y, de repente, la tecnología domina el universo hasta liderarlo? Uy, ¡si es lo que llevamos viviendo casi dos años! Aunque no exactamente como lo plantea Camila Moreno en “Rey”, su nuevo álbum, pero parecido.

Y es que la artista chilena firma un tratado conceptual inspirado en las distopías y la posibilidad de un futuro con menos barreras entre máquinas y seres vivos. Hay mucho de apocalipsis integrado, de imaginería cyborg, de referencias al “manifiesto cyborg” de la teórica estadounidense Donna Haraway; pero, sobre todo, es un álbum repleto de canciones necesarias que, desde un marco conceptual que juega con los límites de la realidad futuro y la ciencia-ficción, reflexiona desde un punto humanista haciendo especial hincapié en las relaciones.

Concretamente, Camila Moreno, que confesó en entrevistas recientes que se identifica como pansexual, asegura que el grueso del repertorio de “Rey” habla de la liberación sexual que ha vivido estos últimos años, rompiendo con binarismos y encontrándose desde otro lugar con el goce y el placer.

Así queda patente en un cancionero en el que rompe también con los propios estándares de su registro, encontrándose en un espacio casi de cantautora futurista, más cerca de las producciones post-electrónicas de artistas como FKA Twigs o Grimes que con el sonido relativamente orgánico que manejaba la artista chilena en sus trabajos anteriores. Ella se convierte en la propia musa de un trabajo en la que se erige como la absoluta monarca de un nuevo cantautorismo empoderado y rupturista, tan futurista como sangrantemente contemporáneo.

Alan Queipo.

Murcof - The Alias Sessions (The Leaf Label Ltd., 2021)

Mon, 30 Aug 2021 15:10:25 +0200

Nacido en 1970 en Tijuana, Murcof fue uno de los fundadores en 1999 del Nortec Collective con la premisa de fusionar la música de baile contemporánea con los sonidos norteños oriundos de la frontera entre México y Estados Unidos. En solitario es desde principios del nuevo siglo uno de los artistas más inquietos de la escena electrónica, ampliando las posibilidades del minimalismo y una suerte de techno melancólico desde una visión experimental y siempre con sus raíces bien presentes.

‘The Alias Sessions’ es quizá su obra más ambiciosa: un doble álbum donde estruja más que nunca el sonido hasta lograr un magma abstracto que discurre borboteando entre capas y capas de atmósferas para crear un todo que atrapa al que escucha en un universo propio, oscuro y sugerente. Este disco conceptual y arisco, más propio de los centros de arte contemporáneo que de los clubes nocturnos, es el fruto de una colaboración que Fernando Corona (el hombre detrás de Murcof) inició en 2017 con el coreógrafo Guilherme Botelho, líder de la compañía de danza Alias con base en Génova.

“Cuando era más joven quería estudiar composición musical para orquestas clásicas, inspirado en Alfred Schnittke, Valentin Silvestrov y Giya Kancheli”, explica el autor. Su familia no se lo pudo costear y fue entonces cuando empezó a profundizar en la música electrónica, que no suponía un gasto tan ambicioso. Con este álbum Murcof recupera ese sueño de juventud, convirtiéndose en un compositor de lo que podríamos llamar la nueva música clásica, una marea de sonidos con toda la fuerza de las mejores bandas sonoras.

José Fajardo.

Sonideras Peruanas: Cumbias & Guarachas Limpias (Infopesa, 2021)

Thu, 02 Sep 2021 08:38:45 +0200

Antes de la cultura de la playlist; antes incluso de las fiestas en los suburbios norteamericanos donde se intercambiaban música los DJs de lo que acabaría siendo el hip-hop; antes de grabarle al amor de nuestras vidas adolescente un CD Verbatim con las canciones que más representaban el elixir de ese amor incandescente… antes de todo eso, estaba el movimiento sonidero.

Un movimiento cultural y festivo que marcó la deriva de la música tropical, pero también la cultura de baile en América Latina y, más específicamente, de México, que generó una inesperada relación con Perú, uno de los grandes semilleros de estilos, bandas e himnos imperecederos de música tropical de las últimas décadas. La cumbia y la chicha peruana cruzó las fronteras en los años ’60 y ’70 a territorio mexicano; pero es que los sonideros, una aproximación de lo que ahora podemos conocer como “dj” o como “selectores musicales” insuflaron el veneno de la cumbia sudamericana en toda la parte superior del continente americano.

Infopesa, uno de los sellos que está recuperando la facción más elemental de la música tropical peruana, ha decidido hacer un ejercicio de archivística e historiografía cultural, seleccionando, digitalizando y remasterizando algunos de los himnos claves de la cumbia, la chicha y la guaracha peruana de los años ’70 que más sonaban en los Sonideros mexicanos de los años ’70.

Canciones que se mueven en esa delicada frontera entre la cumbia más bailonga, una psicodelia sin pretensión de serlo, una boutade instrumental más atlética y una sensación de discoteca tocada que transmiten canciones que han pasado a la historia de la cultura de baile latinoamericana de las últimas décadas. Canciones bautizadas de otra manera por los Sonideros mexicanos de la época, pero que, en este ejercicio de recuperación y exhibición, relucen con un mejor sonido y con el talante e importancia que estos himnos siempre han merecido.

Alan Queipo.

Plu con Pla - No más velorio (remixes) (Galletas Calientes Records, 2021)

Thu, 02 Sep 2021 09:53:07 +0200

Los pañuelos blancos agitados al cielo. Las cinturas rompiéndose al son de un ritmo sudoroso. La botellica de arrechón pasando de mano en mano… En el Festival Petronio Álvarez celebrado en Cali en 2017 un grupo joven encendió al público como si se tratara de alguna de las estrellas veteranas que cada año pasan por este escaparate, la fiesta más importante de la música afro del Pacífico colombiano. Su nombre: Plu con Pla, o lo que es lo mismo, Plumuda con Plátano, un plato de pescado típico de Tumaco.

Desde entonces esta formación ha ido ganando tablas sobre el escenario y ensanchando una mirada desprejuiciada que recupera la tradición (el currulao, la marimba, las percusiones afro) y la fusiona con ritmos modernos como el hip hop. Su EP de 2018 ‘No más velorio’ fue un trabajo importante en esa corriente que está redescubriendo la nueva música del Pacífico en Colombia.

Ahora llega este trabajo de remixes donde algunos de los productores más importantes de la escena electrónica enfocada en los sonidos de América Latina revisitan sus canciones. Destaca la aproximación del productor y DJ británico Robin Perkins (alias El Búho) al tema que da título al conjunto ‘No más velorio’, que también es revisitado por el chileno Rodrigo Gallardo, otro de los nombres que están llevando hacia el futuro aquella escena que se conoció como folktrónica.

A ellos se suman el productor Matt Mansfield (alias Piper Street Sound) en clave dub y con base en Atlanta, el DJ y locutor de radio parisino residente en Londres Kensaye, el multiinstrumentista estadounidense y gran conocedor de la música de Colombia y Centroamérica Biomigrant y el dúo argentino de cumbias extraterrestres Frikstailers. Entre todos demuestran que los ritmos ancestrales del Pacífico están vivos, dialogan con el presente y, lo más importante, están cargados de futuro.

José Fajardo.

Cochemea – Vol. II: Baca Sewa (Daptone Records, 2021)

Thu, 02 Sep 2021 08:47:45 +0200

Ponerle sonido a su árbol genealógico. Eso es lo que ha hecho Cochemea Gastelum en su segundo álbum en solitario; algo así como la continuación del rupturista “All My Relations” de hace dos años, pero en el que el artista estadounidense da un paso más allá.

Y es que por mucho que haya nacido en California, al que fuera durante quince años saxofonista de los Dap-Kings y que haya formado parte de sesiones de grabaciones o giras de artistas como Amy Winehouse o Antibalas, entre otros, corre sangre india apache yaqui y mescalera por las venas de Cochemea.

Ya desde su propio nombre, que significa “todos fueron asesinados mientras dormían”, la identidad de Cochemea late. Y más aún desde que haya conseguido articular un proyecto en solitario que tiene mucho de trabajo arqueológico, de investigación ancestral y, a la vez, de fusión impredecible.

Así vuelve a quedar claro en “Baca Sewa”, este segundo volumen que lleva como título el apellido original de Cochemea antes de la colonización española de los territorios donde nacería siglos después. Un álbum en donde dedica canciones al poder curativo de las curanderas pero en donde también recuerda a su bisabuelo, heredero de un legado de pueblos indígenas esclavizados como buceadores de perlas, o donde incluso cuenta instrumentalmente con varias generaciones de familiares para hacer coros.

Así es que es un álbum que suena tan cerca del jazz y el soul que ha mamado durante lustros como uno de los instrumentistas de viento más importantes del mundo, pero entremezclado con ritmos tribales, guiños ancestrales, instrumentaciones de cuero, sonido a madera pero una arquitectura de canción donde incluso los cables de la electrónica consiguen articular un ejercicio tan cerca del pasado como del futuro.

Devendra Banhart & Noah Georgeson - Refuge (Friends Of / Dead Oceans, 2021)

Thu, 09 Sep 2021 14:57:01 +0200

Fue el Mesías intocable de los hípsters cuando salió con Natalie Portman circa 2008. Fue el icono ideal del freak folk al saltar de los antros subterráneos de la Costa Oeste a las revistas de tendencias. Fue el bohemio errante que conectó la aristocracia indie estadounidense con la escena alternativa de América Latina a través de su sangre venezolana y su pasión por el tropicalismo brasileño. Hoy, poco queda de todo eso en Devendra Banhart; o al menos, no hay ni rastro de ello en este disco.

Frente a la crisis de los 40, el autor de mega éxitos arty como ‘Carmensita’, ‘Baby’ y ‘Mi Negrita’ ha grabado su obra más bizarra. Posiblemente animado por la atmósfera opresiva de la pandemia y sus cuarentenas, aliado con su antiguo colaborador, el productor californiano Noah Georgeson, firman juntos un disco que redefine el concepto de new age o música ambient. Dice adiós a la psicodelia electrificada de Syd Barrett, a las melodías arrulladoras de Caetano Veloso, a la pose a la contra de Lou Reed: ‘Refuge’ está más cerca de Brian Eno o de unos Sigur Rós enmudecidos (no hay voces en estas canciones).

Un trabajo raro atravesado por pasajes hipnóticos que atrapan y otros más planos que invitan a una siestecita, ideal para perderse en un bosque con alguna sustancia alucinógena o emprender un trekking por el desierto en busca de uno mismo.

José Fajardo.

Ezmeralda – Patrimonio Inmaterial de la Nada (También, 2021)

Thu, 02 Sep 2021 09:14:34 +0200

¿Qué oímos cuando no oímos nada? La teoría de que el silencio no existe, de que incluso los ultrasonidos se manifiestan en sus fases más espectrales cobra más sentido cuando aparecen materiales altamente sensitivos e hipnóticos como el álbum debut de Ezmeralda. Y es que el nuevo álter ego del artista colombiano Nicolás Vallejo, que durante antes capitaneó la banda de cumbia gótica La MiniTK del Miedo, ha encontrado en las visiones del inconsciente su luz más nítida.

Ese es el espacio que ocupan los casi tres cuartos de hora que dura el “Patrimonio Inmaterial de la Nada”: un espacio hipnagógico, ambiental pero, sobre todo, espectral. Esa es la palabra que mejor define las texturas con las que juega Ezmeralda en este disco; pero espectros autóctonos. Y es que, aunque el tratamiento y la producción juegue con esa música ambient, drone y lowercase orgánica, lo cierto es que los ritmos que se manifiestan detrás aluden a cierta música ritual, tribal, que se acerca a una cumbia fantasmal en algunas canciones, a cantos tribales, a folclore ancestral.

Se habla de “peregrinaciones al sol, marchas oscuras de espíritus cumbieros, estados de éxtasis místico alcanzados a través de meditaciones de YouTube, ascensos al cielo de leyendas vallenatas” y mil alegatos que sí, son ciertos. Pero la realidad es que Ezmeralda ha alcanzado este nivel de consciencia sonora cazando no solo su ‘yo’ interior, sino también desarrollando una imaginación tan poderosa que nos lleva de viaje a través de una suerte de post-mundo alegórico, tan cierto como ficticio.

Alan Queipo.

J Balvin - Jose (Universal Music Latino / Sueños Globales, 2021)

Fri, 10 Sep 2021 10:43:48 +0200

Antes que artista, J Balvin es empresario. Sabe que la pregunta ahora mismo a la que debe responder para mantener su popularidad es: ¿hacia dónde va el reggaetón? Tras los años de la explosión global del sonido, durante los que puso a medio planeta a bailar con sus ritmos calientes desde Medellín, la pandemia está reconfigurando un nuevo escenario. La juventud (cualquiera menor de 40 años) necesita causas que abrazar en estos tiempos inciertos. Pero el colombiano no es como Bad Bunny, no se siente tan cómodo mojándose en política o en causas sociales. Entonces, ¿cuál es la bandera de Jose?

La ansiedad, hablar de los problemas mentales… Ahí es donde el autor de ‘Colores’ ha encontrado su propio espacio, una seña de identidad. Desde que lanzó a principios de 2020 el documental en formato podcast para Spotify ‘Made in Medellín’ el artista de 36 años ha ido construyendo un nuevo discurso en el que se mira hacia dentro con una inseguridad pocas veces vista en el reggaetón y explora el reverso oscuro de la fama. Consigue conectar así con las nuevas generaciones (desde los primero millennial hasta los nuevos Z), para quienes la salud mental es prioritaria. ¿Significa eso un cambio brusco en su música? De ninguna manera. J Balvin sabe que su público quiere seguir bailando, cerrar los ojos y olvidar toda esa frustración que se ha ido acumulando desde febrero de 2020.

Es cierto que en canciones como ‘7 de mayo’ (muy similar al ‘René’ de Residente, a modo de repaso autobiográfico íntimo) o ‘Querido Río’ (sobre su primer hijo, que nació en julio de este año) aborda un tono más confesional, pero ahí siguen sus pelotazos para reventar pistas de baile: junto a Skrillex mira hacia la Ibiza más destroyer, con María Becerra le tira al rollo romántico, a Tokischa se la lleva a las raves de los bajos fondos y, al fin, reúne al Olimpo de los reggaetoneros (Karol G, Nicky Jam, Bad Bunny y Tainy, junto a la estrella pop Dua Lipa) para los dos cañonazos que cierran el disco.

José Fajardo

La Delio Valdez – El Tiempo y La Serenata (Autoeditado, 2021)

Thu, 02 Sep 2021 09:23:36 +0200

Una orquesta de quince músicos que no se puede ver, ¿cómo consigue crear colectivamente? Ese era el reto que la orquesta argentina La Delio Valdez tuvo a lo largo de 2020 en uno de los países con medidas más estrictas durante el año pasado en lo que a reuniones sociales se refiere: sonar a orquesta creando individualmente en un contexto especialmente raro, que se prestaba a la melancolía, a la soledad, a lo impredecible.

El resultado, un año después, es “El Tiempo y La Serenata”, el álbum más introspectivo de la orquesta argentina, pero no por eso menos bailongo y cumbiero. Un álbum que representa, ya desde el título, esos dos climas aparentemente antagónicos: el de la quietud y el movimiento, el de la soledad y la unión colectiva, el de la distancia y la cercanía. Un álbum en el que Dr. Jekyll y Mr. Hyde se acaban manifestando a su manera, y en el que la banda argentina descubre un nuevo costado y una nueva forma de hacer.

La Delio Valdez continúa manteniendo su genética de orquesta heredera del sonido y el espíritu tanto de las de la costa caribeña colombiana como de la cadencia recta de la cumbia argentina de proyectos como Los Palmeras, Amar Azul o Los Charros, aunque incluso con ciertos aires murgueros y carnavaleros.

Aunque está claro que se percibe ese aire no solo de melancólica nostalgia, sino de ese trabajo solitario que ha tenido cada uno de los miembros en esta nueva forma de componer; el álbum transita, para bien y para mal, los espacios sonoros comunes que una orquesta del perfil de La Delio Valdez lleva en sí misma. Quizá hubiera sido una buena oportunidad para, ya que han producido una nueva generación de canciones en un punto de partida diferente, que el acabado final se permita ciertas licencias y poder explorar otra sonoridad, dada la riqueza y calidad de los músicos que la conforman.

Alan Queipo.

Bomba Estéreo - Deja (Sony Music Latin, 2021)

Thu, 16 Sep 2021 10:15:41 +0200

Muchas voces advirtieron al empezar las cuarentenas de una amenaza que ya es una realidad: una de las consecuencias más devastadoras de la pandemia va a ser el deterioro global de la salud mental. Frente a la ansiedad, la crisis nerviosa, la depresión y el miedo, desde el arte empiezan a surgir las primeras respuestas. Bomba Estéreo fueron unos de aquellos Nostradamus que ya predecían desde hace tiempo el colapso: estos últimos meses les han servido para concentrar un ideario que venía gestándose desde casi sus inicios, hace ya 15 años.

Este álbum es un canto a la conexión espiritual con la tierra y el respeto por el medio ambiente inspirado por el paisaje de las montañas sagradas de Santa Marta, en el Caribe colombiano, y las interminables playas de esta región hermosa y apartada donde desde hace años encontró su hogar Li Saumet, cantante y letrista del grupo, una de sus mitades junto al productor y compositor Simón Mejía. A la vez, en canciones como ‘Deja’ y ‘Ahora’ el dúo -acompañado por el guitarrista José Castillo y el percusionista Efraín ‘Pacho Carnaval’ Cuadrado- reflexiona sobre la autoestima, la empatía y la paz interior.

A nivel sonoro Bomba Estéreo demuestra por qué sigue siendo, pese a llevar cuatro años sin sacar disco, una de las bandas más importantes del país donde ahora mismo se hace la música más excitante del planeta. Su diversidad es la de Colombia: caben cumbias, sonidos de baile modernos, percusiones africanas y trucos vocales inspirados en las escenas subterráneas; un festín para quien busque profundizar en esta tendencia contemporánea que mezcla la música de raíz y la electrónica.

Detrás está la presencia invisible pero constante de una antigua amiga y colaboradora: Lido Pimienta, quien participó en el proceso de grabación e invitó al dúo afro-futurista cubano Okan. Ésta es música que actualiza la invencible resiliencia de los esclavos negros en América Latina, que bailaban y cantaban ritmos alegres cuando todo lo que les rodeaba era el horror: las canciones como medicinas sabrosas para el alma.

José Fajardo.

Gal Costa – Nenhuma Dor (Biscoito Fino, 2021)

Thu, 02 Sep 2021 09:35:50 +0200

No se trata de aceptar que “cualquier tiempo pasado fue mejor”; sino de entender que hay cosas de antes de ayer que nos ayudan a resolver conflictos presentes y alumbrar un mejor mañana.

Así lo ha entendido también Gal Costa, una de las indiscutibles e incombustibles damas de la canción brasileña, que con la excusa de su cumpleaños número 75 decidió revisar parte de su cancionero más ilustres, especialmente el comprendido en el último lustro de la década de los ’60, para firmar un álbum de duetos que se ha convertido, sorpresivamente -incluso para ella- en otra cosa.

“Nenhuma Dor” es un álbum de celebración de su carrera y un álbum de duetos junto a ilustres artistas de mayoría brasileña de las últimas generaciones, como Rodrigo Amarante, Silva, Seu Jorge, Zeca Veloso o Tim Bernardes, entre otros, y el uruguayo Jorge Drexler como visita hispana. Pero la selección de las canciones, gestadas en un Brasil casi utópico, poseedor de un imaginario de libertad exploradora absolutamente frontal, se ha encontrado rehaciéndolas y resignificándolas en un momento en el que el Brasil que tiene enfrente es el de Bolsonaro, el de la confrontación, la pérdida de libertades, la imprudencia social, los ataúdes de Manaos, la desigualdad.

A todo eso parece cantarle en un repertorio luminoso al que alude ya desde el título del álbum la necesidad de “seguir firmes en la carretera hasta estar sin dolor”. Y lo hace con un acabado que se debate entre la bossa nova y el tropicalismo que mamó décadas atrás y que posee esa genética en la base de las canciones, pero con arreglos casi de sinfonía de jazz: a veces más cerca del lounge, otras veces de la levedad, pero siempre desde la verdad cristalina que ha ido cantando al mundo la inconfundible e infinita voz de Gal Costa.

Alan Queipo.

Ortiga - Sabes el camino que elegí (Ernie Records, 2021)

Mon, 20 Sep 2021 08:44:05 +0200

Entre todos los artistas que han surgido durante los últimos años en la efervescente escena alternativa de Galicia, Ortiga es irrepetible. Anárquico, imprevisible, con ese espíritu verbenero que lleva inyectado en la sangre y un sentido del ritmo inusual que se sumerge en las aguas del Atlántico para empaparse de sabor latino, ya es uno de los nombres más importantes de la música contemporánea.

Su aventura compartida como Esteban y Manuel dejó algunos conciertos épicos y un puñado de canciones refrescantes atiborradas de melodías pegadizas. Su debut en solitario ‘Chicho y sus Chichas’ (2019) le situó como el apóstol del buen rollo y el inventor del género de las neocumbias con acento gallego.

Este debut lleva un pasito adelante todas esas locas ideas: el autotune y la producción experimental (detrás hay talentos como Hevi, de Malandrómeda) se cruzan con ritmos de merengue y salsa para ambientar unas historias costumbristas donde Chicho do Funk (su alter ego en su tierra natal) se inspira tanto en Héctor Lavoe como en las orquestas populares para contar historias costumbristas con una actitud que, pese al frío, la niebla y las lluvias de Santiago de Compostela, es puro Caribe.

José Fajardo.

Llevólu'l Sumiciu - Entaína (Samain Music, 2021)

Fri, 24 Sep 2021 08:06:43 +0200

Llevólu'l Sumiciu ya forma parte de una escena que no cesa de crecer con propuestas excitantes, que tiene en el gallego Baiuca a uno de sus referentes en España, y que se inspira en la obra seminal de productores latinoamericanos como Nicola Cruz y Chancha Via Circuito. Este dúo de Asturias recupera los cantares ancestrales de su tierra (una de las comunidades más hermosas de España, al norte del país, entre prados verdes y montañas) y los mezcla con bases de electrónica moderna.

En su propuesta juega un papel destacado el aspecto visual: su labor, más allá del sonido, se acerca a la antropología para hurgar en las costumbres, tradiciones y leyendas de Asturias. Su nombre se inspira en el Sumiciu, un duende de la mitología local que se divierte haciendo travesuras y escondiendo objetos para incordiar a sus dueños. Todo ese fascinante imaginario se traslada a la música con ritmos que sugieren paisajes y atmósferas y voces tradicionales que actualizan la obra de formaciones veteranas como Nuberu, D’Urria, Xaréu Folk y Grupu Trasgu.

Un trabajo diferente e hipnótico, que invita a conocer más de la riquísima cultura asturiana, bajo la garantía del sello afincado en Berlín Samain Music, especializado en fusionar folclore con electrónica en una suerte de folktrónica ibérica en la onda de otros jóvenes productores como Idoipe.

José Fajardo.

Caloncho - Malvadisco (Universal Music México, 2021)

Fri, 24 Sep 2021 07:51:52 +0200

El rutilante éxito que Caloncho tuvo con “Fruta”, y además la gran extensión que tuvo en el tiempo al re-editarse a través de una multinacional y extender la vida de las canciones hasta el hartazgo, propició que el compositor mexicano le pillase cierta tirria y distancia a ese registro de cantautor playero, naif y buenrollero que proyectaba en aquel infalible repertorio.

Se notó en “Bálsamo”, un álbum en el que parecía querer dispararse en el pie, coqueteando más con sintetizadores y buscando un empaque menos orgánico y más secuenciado. Ni con esas: su segundo álbum, a pesar de mostrar una cara aparentemente distanciada del sonido a madera de su debut, también se convirtió en un rotundo éxito, a la vez que quitó varios sambenitos que se le habían impuesto.

Ahora, y tras haber puesto en marcha un proyecto paralelo como Vacación junto a su amigo El David Aguilar y tras regarnos de canciones durante estos últimos cuatro años, muchas de las últimas convergen en el flamante “Malvadisco”, un ejercicio surgido al calor del encierro obligatorio de 2020 y de la sensación de soledad y aislamiento que se ha vivido globalmente en el último año y medio.

Curiosamente, “Malvadisco” parece un ejercicio de quórum entre sus dos anteriores placas. Si bien el grueso de las canciones suenan abrigadas al calor de la guitarra y de la canción doméstica (“Malvado”, “Magento”, “Luna Completa”, “Esfera”), hay otras que parecen más conectadas con una idea de canción de autor alternativa, por momentos más eléctrica y casi indie-rockeras (“Adolescentes”, “Medio Oriente” y “Bombones”) y hasta otras que recuperan el espíritu de la canción popular latinoamericana con el grano vaporoso de mediados del siglo XX (“Sensei”, “Shulaguapa”).

Si bien por momentos es difícil diferenciar la sonoridad de las canciones con perfil más cantautoril, y se echa de menos algo más de ritmo; la sensación de melancolía y la de haber encontrado a todos los Calonchos que habitan en Caloncho en este “Malvadisco” es más que evidente.

Alan Queipo.

Isla de Caras – Una caricia (Costa Futuro, 2021)

Fri, 24 Sep 2021 07:44:42 +0200

Hay una nueva elegancia en el pop alternativo argentino. La lleva habiendo unos cuantos años: canciones de traje, con el bigote ondulado y el cepillo quitando la pelusa. Artistas que han conseguido modelar canciones con empaque de pop de autor de corte lánguido, resbaladizo, pero que, sin embargo y contra aparentemente todo pronóstico, se adhieren al córtex desde la primera escucha.

Me refiero a esa generación que vio crecer a Conociendo Rusia, Salvapantallas, Luca Bocci, El Zar o, sí, Isla de Caras: un proyecto que sorprendió al circuito tres años atrás con un repertorio redondo como el de “Chango”, que los colocaba en una órbita en donde la psicodelia de autor se entremezclaba con el cantautorismo indie, dejando una legión de hits que son ahora refrendados e incluso superados por “Una caricia”, un álbum que es un bálsamo pop generacional.

En el segundo álbum del cuarteto argentino que capitanea Lautaro Cura el armazón pop sigue siendo el que gobierna en las diez canciones, pero también hay arreglos que los acercan al jazz (como se demuestra en la casi dub “Un planeta aparte”) e incluso a la bossa nova (en esas flautas endemoniadas del hit “Partenaire”); pero también hay excursiones a la lisergia intimista (“Los dientes”), hits para apretar con ecos a los 70s (“Una caricia”) y melodías pop redondas que recuerdan al Gustavo Cerati de “Siempre es hoy” (“Tan cerca” o “Todo el universo”).

Alan Queipo.

Los Aptos - Lluvia y sol (VPS Music, 2021)

Fri, 24 Sep 2021 08:00:10 +0200

El sad sierreño y los corridos tumbados se han convertido en el reggaetón de la juventud mexicana (o chicana). Estos sonidos que parten de la tradición (recuperan la música que suena en las rancherías de la frontera con Estados Unidos y usan instrumentos acústicos) y se mezclan con la actitud y forma de cantar del hip hop y la pose emo de los sad boys de la Generación Z, ya son un fenómeno aspiracional.

Cada semana surgen bandas nuevas que aspiran a alcanzar el estrellato siguiendo el ejemplo de nombres como Natanael Cano, Junior H y Eslabón Armado. Los Aptos es una de las formaciones más jóvenes que están logrando hacer ruido en esta gigantesca industria. Su éxito ‘Enamorado’ suma más de 15 millones de visualizaciones en YouTube en menos de un año, ¡pese a que no tiene videoclip!

Su segundo disco, recién editado (este año ya publicaron otro, ‘Del Corazón’), demuestra por qué comienza a abrirse un hueco en una escena furiosamente competitiva: en lugar de repetir los tics del género (el rollo depresivo en la forma de cantar, las melodías pegadizas, el choque entre la raíz y la modernidad) se acerca a otras escenas como la del bedroom pop lo-fi en la línea de Cuco y Ed Maverick.

José Fajardo.

Elvis Crespo – Regresó el Jefe 2.0 (Flash Music, 2021)

Thu, 30 Sep 2021 10:59:44 +0200

Es curioso que, a pesar de tener un ritmo de publicaciones de álbumes, giras, grabaciones de directos y de ser uno de los pilares absolutos del pop latino de finales de los ’90, sea difícil enterarse de los movimientos de un artista de la talla de Elvis Crespo, pilar del merengue tardo-noventero.

Sin embargo, el puertorriqueño, aunque nunca superó el éxito fulminante de sus dos primeros discos (“Suavemente” y “Píntame”, dos colecciones definitivas de éxitos merengueros fusión de finales del siglo XX), no ha parado quieto, especialmente en los últimos seis años: ocho discos publicados, entre repertorio nuevo, directos, recopilatorios o curiosos experimentos como el que ahora nos trae: una especie de rework de uno de sus mejores repertorios y, sin embargo, uno de esos discos que no hizo todo el ruido que merecía.

Nos referimos a “Regresó el jefe”, un álbum publicado en 2007, en un momento en el que la popularidad de Crespo ya dejaba de ser lo que fue unos años antes, y en el que intentaba revolucionar el sonido del merengue comercial a través de varios movimientos. El único que sonó un poco fue el hit “La foto se me borró”, donde se acercaba a la bachata; pero, por lo general, el repertorio pasó sin pena ni gloria.

De ahí que “Regresó el Jefe 2.0” sea una reivindicación no solo de aquellas canciones, que regrabó y en la que aprovechó parte de las grabaciones y colaboraciones originales, sino de sus orígenes (recuperando dos formaciones como el Grupo Manía o Los Hermanos Rosario, en los que militó antes de su carrera en solitario) y, en medio de la omnipresencia del reggaetón, reivindicar el merengue fusión, ese que bebe de la bachata, del mambo, del reggaetón antiguo y del pop latino con ese Sonido Miami que expandió la Miami Sound Machine y Gloria Estefan desde finales de los años ’80.

Ahí aparecen auténticos hits en clave bachatera y merenguera como “La foto se me borró”, versiones en clave merengue acelerado como el de “Los caminos de la vida”, duetos para bailar apretado como el “Te veo triste” junto a Gisselle, tics folclóricos como el del “Bambaribiri” junto a Ñejo o un “Así es la vida” que bien podría cantar un Rubén Blades posmoderno.

Cristina Vilallonga & Víctor Hugo Villena - Al Final (Ruta Records, 2021)

Fri, 01 Oct 2021 08:22:25 +0200

Cada día surgen nuevos estudios en el campo de la psicología que tan sólo confirman lo que ya todos sabíamos: que la música tiene un poder sanador para las almas heridas. En una época donde la ansiedad y la frustración se asoman por cada rendija a causa de pandemias e interminables crisis globales, hay algunos discos que salvan vidas. Podría ser el caso de este ‘Al final’, una colección de canciones sensibles y bellas, que llegan a lo profundo.

Cristina Vilallonga parece haber encontrado en el bandeonista argentino Víctor Hugo Villena un aliado ideal para su visión de la creación musical. Poseedora de una voz que se amolda a distintas sonoridades (desde el jazz hasta la canción latinoamericana), la artista barcelonesa, que es letrista y compositora además de cantante, se sumerge aquí en las aguas del tango sin más artificios que su garganta.

Tras una portentosa carrera que incluye el paso por el prestigioso Berklee College of Music de Boston, y un sinfín de colaboraciones (junto al grupo de tango electrónico Gotan Project o con el pianista Albert Bover), Cristina Vilallonga reúne en este álbum canciones suyas originales junto a textos clásicos que van de Borges a Homero Manzi. Y así, ofrecen una ventana por la que asomarse a un mundo mucho más bonito que el que nos ha tocado vivir este último año y medio.

José Fajardo.

Natti Natasha - Nattividad (Pina Records/Sony Music Latin, 2021)

Mon, 04 Oct 2021 07:41:11 +0200

Qué pereza el beef entre Residente y J Balvin: el Bono de la música latina, experto en mojar en todas las salsas de las causas justas, le critica al reggaetonero colombiano ser comercial. Pues vaya novedad. Es una escena que ya hemos visto demasiadas veces: dos hombres compitiendo por ver quién tiene la razón. Mientras tanto Natti Natasha ha publicado el que debería ser uno de los discos del año del pop en español. Y, por desgracia, todavía apenas se ha hablado de eso.

‘Nattividad’ tiene tantos (si no más) pelotazos que los últimos discos del propio Balvin o Bad Bunny. ‘Ram Pam Pam’ y ‘Las Nenas’, con colaboradoras estelares (todas mujeres: Becky G, Cazzu, Farina y La Duraca) son de las canciones más rotundas de reggaetón que se han grabado en los últimos años. Se enmarcan en esa tendencia creciente de mujeres cantando para mujeres y celebrando que no necesitan a nadie más para pasárselo bien.

Pero el verdadero talento de la dominicana es su habilidad para picotear en distintos géneros (bachata, baladas, pop, dancehall o hip hop además de reggaetón) y salir airosa de esos ambientes tan cambiantes, que lo mismo invitan a perrear hasta perder el conocimiento que a echarse un bailecito lento y agarrado. De fondo, queda un poderoso mensaje de empoderamiento a través del hedonismo. A ver si Residente se atreve a decir que esto también es una fábrica de hot dogs.

José Fajardo.

Solo en busca de un lugar: Homenaje a Los Estómagos (Little Butterfly Records / Bizarro, 2021)

Mon, 04 Oct 2021 07:49:35 +0200

Haciendo caso al lema de “vive rápido y deja un bonito cadáver”, la banda uruguaya de punk-rock Los Estómagos dejó un legado breve y urgente, pero lo suficientemente sustancioso como para convertirse en uno de los pilares eléctricos del ‘paisito’. Apenas seis años y cuatro álbumes de estudio publicados entre 1983 y 1989 fueron suficientes para que el combo pandense marcase para siempre el sonido del rock uruguayo, que alcanzaría su clímax de masividad a principios del corriente siglo, con estandartes del rock latinoamericano de las últimas décadas como No Te Va Gustar o La Vela Puerca, entre otros.

Aquel legado especialmente versátil y con entidad de repertorio de culto que labraron Los Estómagos en aquellos seis años de vida son revisados ahora por un serial de grupos y artistas los cuales muchos no se entendería su existencia de no haber habido un grupo que definiera el sonido del punk-rock sudamericano como fueron Los Estómagos.

De ahí que bandas elementales del punk argentino como Attaque 77 o Boom Boom Kid se mezclen con tótems de la música uruguaya como el icónico Hugo Fattoruso, compañeros generacionales de Los Estómagos como La Tabaré o los mentados La Vela Puerca, pero también grupos muy conocidos como los españoles Seguridad Social, se dediquen en “Solo en busca de un lugar” a hacer una suerte de rework repleta de matices de un repertorio que supera ya de largo la treintena.

Lo que más llama la atención, es la capacidad que aquel cancionero urgente de Los Estómagos, en un momento en el que el punk y el rock en Uruguay era algo casi testimonial, sea capaz, más de tres décadas después, de acercarse a géneros como el metal (como la versión que Reytoro hacen de “Frío oscuro”), la música experimental electrónica (como el “Fuera de control” de Fattoruso y Albana Barrocas), el pop corte new wave (como “En la noche” de Hablan por la espalda), el dub-ska blando (“Ningún lugar” de Exilio Psíquico) y hasta el folk alternativo (como “Areanistán” de Ojos del cielo). Incombustibles a casi cuarenta años de su nacimiento.

Lucha Amada 3 - A Luta Continua! (JumpUp, 2021)

Fri, 08 Oct 2021 07:16:11 +0200

La pandemia ha sido una época fértil para los recopilatorios, como ya decíamos en el programa ¿Qué Onda? Vale la pena colaborar a través de Bandcamp con esta tercera entrega de la saga Lucha Amada, editada por el colectivo de agitación con el mismo nombre y sede en Berlín y Bonn, que cumple 20 años organizando conciertos y sesiones, además de apoyar causas sociales. En este caso los beneficios irán destinados a la comunidad zapatista en Chiapas (México) y a JINWAR, un proyecto feminista que opera en Rojava, entre el Kurdistán y Siria.

Igual que en los dos primeros capítulos, este recopilatorio es un festín para los amantes del punk, el ska, el reggae, la cumbia digital, el dub y otros ritmos mestizos y rebeldes. Además de la versión online está editado en formato físico (cuatro LP y tres CD, con jugosos libretos) y cuenta con 46 canciones de otros tantos proyectos y artistas, en especial desde Europa y Latinoamérica; hay de todo, desde temas inéditos hasta éxitos antiguos y alguna sorpresa en formato remix o colaboraciones inesperadas.

En este quién es quién de la música combativa hay auténticas joyas: arranca con Fermín Muguruza y salta mucho más adelante a Manu Chao (ambos, veteranos de la escena internacionalista, colaboran con el productor de dub barcelonés Chalart58); resuenan algunas de las voces más poderosas de la resistencia en América Latina (la argentina Sara Hebe o la guatemalteca Rebeca Lane); combos de neo punk y ritmos latinos fusionados con electrónica (Kumbia Queers, Tremenda Jauría) y artistas tan interesantes como la cubana La Dame Blanche y la rapera chilena Ana Tijoux.

José Fajardo

El Kuelgue - Cuentito (Discos Crack, 2021)

Fri, 08 Oct 2021 08:08:49 +0200

Entre el anterior disco de El Kuelgue y el nuevo han pasado muchas cosas. Lo de los seis años y la pandemia casi es lo de menos. En este lustro y pico que el combo argentino se tomó entre un disco y otro pasó también un EP, un puñado de singles (entre ellos, “Parque Acuático”, una de sus mejores y más escuchadas canciones) y, sobre todo, llegó la confirmación definitiva de la banda como un proyecto de masas y de calado internacional en América Latina.

En este “Cuentito”, El Kuelgue no son los mismos que en “Cariño Reptil”: son mejores, y entienden también su nuevo lugar en el ecosistema del nuevo rock argentino, de los que son un indudable símbolo generacional, pero también hay casi una postura de política de banda en la manera de hacer canciones.

Y si siempre los ha acompañado cierta mística tanto por esa capacidad de acometer géneros casi radicalmente opuestos como pueden ser la bossa nova, el funk-rock o el rock alterlatino como por esas letras surrealistas que entona y escriba su líder, el carismático actor y cantante Julián Kartun; este “Cuentito” es una historia breve que reivindica esa manera de hacer, pero incluso encontrando nuevos registros nunca antes explorados por El Kuelgue.

Ya se venía vislumbrando desde que comenzasen a presentar adelantos a finales del 2020, cuando “Soda” proyectaba una suerte de rock disco-funk, “View Master” los acercaba a una suerte de neo-chacarera alternativa; “Roma” los encontraba en una balada urgente a lo Alejandro Lerner; o “La Mirada” en una especie de bolero milonguero con aires de orquesta decadente con colabo estrella (la de Julieta Venegas).

El repertorio que mantenían oculto, desarrolla aún más esa mirada de nuevo rock argentino líquido y polifónico, con el piano con casi mayor protagonismo que la guitarra, cuando suenan más rioplatenses que nunca en un candombe-rock (“Altos vuelos”) o en una suerte de paso de murga hablada (“Galope”); o incluso cuando sacan a pasear sus aires de estándar jazz-rock en “Bondi” y “Volcán” para abrir y cerrar un telón que lo único que consigue es extender la magia de orquesta impredecible que compone El Kuelgue.

Alan Queipo

Pachyman – The Return of… (ATO Records, 2021)

Fri, 08 Oct 2021 09:07:44 +0200

Lo del dub parece fácil, pero no lo es. Que se lo digan si no a Pachy García, una de las mayores referencias contemporáneas de un género que, con sus mayores años de expansión entre la década de los 70 y los 80 del siglo pasado, parece haber encontrado un avezado un pupilo en este puertorriqueño que abandera una nueva generación de practicantes del dub.

Con la mirada puesta en iconos jamaicanos del género como King Tubby o Scientist, Pachyman lleva unos cuantos años modelando un repertorio obsesionado con esa idea de “retorno a” aquellas bases del género, como demostró en sus dos primeros álbumes (“In Dub” y “At 333 House”) que no solo refrenda, sino que consolida en el explícito “The Return of…”, con esos puntos suspensivos que invitan a completar si se trata el regreso del propio artista, el regreso de las bases a estos tiempos de urgencia y perreo o el necesario regreso a las bases que todos necesitamos alguna vez.

No vamos a negar que existe cierta monotonía sonora en un álbum de dub instrumental. Pero lo cierto es que a lo largo de las doce canciones y casi 45 minutos de duración del tercer álbum del puertorriqueño, no solo se escucha ese regreso a ciertos orígenes autóctonos del género jamaicano, sino también exploraciones electrónicas (“Champion Sound”), una asimilación de percusiones como el güiro o cadencias de géneros como la cumbia (“Big Energy”), una suerte de exploitation casi rocksteady de vocación política (“Destroy the Empire”), viajes espaciales hacia una psicodelia dub-champetera (“Space Station”) o guiños a orquestas latinas desde la mirada de un condensador de fluzo (“Ruben Durazo”).

Un álbum para reasimilar un género nicho y adoptar los matices y estéticas que alimentan este repertorio desde la salsa, la psicodelia, la cumbia, la electrónica y el juego de delays, ecos y reverberaciones para una nueva música tropical posible.

Alan Queipo.

Susana Baca - Palabras Urgentes (Real World Records, 2021)

Mon, 11 Oct 2021 14:03:30 +0200

No es descabellado afirmar que Susana Baca, a sus 77 años, se encuentra en el mejor momento de su (ya de por sí portentosa) carrera. Durante la cuarentena grabó en 2020 desde su casa un disco a capella precioso e importante, donde escarbó entre los clásicos que le han marcado. Ahora, con este ‘Palabras urgentes’, la peruana lanza un poderoso alegato en defensa de los derechos humanos, contra el racismo y por la igualdad.

En un periodo turbulento en la política de su país, y cuando se cumplen 50 años desde que comenzó a hacer música, la artista, investigadora y activista (tuvo un cargo fugaz como Ministra de Cultura hace una década, mirándose en el espejo de Gilberto Gil y Paula Marcela Moreno, además de otros cargos destacados en instituciones) arroja un puñado de canciones rotundas que traspasan lo más profundo del alma.

A partir del sonido de raíz que ha explorado durante su carrera (la tradición latinoamericana y la cultura afroperuana, conectando con los tambores del Pacífico negro y otros ritmos liberadores), la limeña sigue mirándose en el espejo de su predecesora Chabuca Granda, y deja un puñado de canciones/alegatos urgentes que no pueden sonar más contemporáneas y necesarias.

Susana Baca suena en 2021 tan transgresora e invencible como sonaba Nina Simone en los 60, su música se dirige a los desposeídos, a los que han sido escondidos, recupera las melodías de las culturas que el poder ha querido ocultar; dialoga con los viejitos que cantan de forma anónima en los pueblos y en las calles de los arrabales. Ella sigue siendo un emblema vigente pese a que, como dice en el tema ‘Cambalache’: “Que el mundo fue y será una porquería, ya lo sé”.

José Fajardo.

Silvio Rodríguez – Silvio Rodríguez con Diákara (Ojalá, 2021)

Wed, 13 Oct 2021 08:03:22 +0200

Del mismo modo que pasa con los tesoros ocultos o con los trasteros que se subastan en el reality show “Storage Wars”, hay colecciones y archivos que tienen más valor que otras, y no me refiero solo a lo cuantitativo económicamente. Una de ellas es la nuestra, la magna Colección Gladys Palmera; y otro archivo que parece atesorar magia es el de, contra todo pronóstico, Silvio Rodríguez.

El cantautor cubano más importante de la Nueva Trova ha decidido desempolvar una maravilla que comenzaba a peinar canas: el de un disco perdido y grabado a medias junto al grupo Diákara, un supergrupo integrado por los miembros más destacados de las agrupaciones de jazz cubano Irakere y Afrocuba, con músicos de la talla de Chucho Valdés entre sus filas, y con quienes emprendió una gira por México en 1991.

Aquella gira iba a culminar con una serie de sesiones de grabaciones en los estudios del sello PolyGram de Ciudad México. Sesiones que encontraron a los cubanos algo cansados tras una larga gira por varias ciudades pero que, sin embargo, dejó registradas en apenas tres o cuatro mañanas diez temas sin acabar.

El regreso a una Cuba con serias limitaciones técnicas en sus estudios de grabación tras el inicio del “período especial”, y el inicio que Silvio emprendió en una trilogía que lo mantuvo toda la década de los ’90 ocupado (la de “Silvio”, “Rodríguez” y “Domínguez”), llevó a encajonar un cancionero al que comenzó a quitar el polvo hace una década, y que ahora llega a nuestros oídos.

Dentro de los “peros” que se le pueden poner se encuentra esa sensación de producción desactualizada, propia de 1991: un sonido de un jazz latino progresivo, a medio camino entre Yes y Pat Metheny, que suena a antiguo, con arreglos que no son propios de 2021 ni del Silvio de hoy día. Sin embargo, las canciones brillan por esa originalidad y ese carácter impredecible de la alianza de un supergrupo de jazz latino en su punto más alto y uno de los mejores cantautores de todos los tiempos.

Ahí encontramos maravillas de blues-folk como “Flores Nocturnas”; una suerte de ópera de autor como “Variaciones sobre un viejo tema”; cadencias de latin jazz aplicadas al cantautorismo como “Emilia”; guiños al mejor Silvio como en “El Güije”; una reversión mística de “El Necio” en clave casi de teatro musical; sinfonías del tumbao como en “Mira”; o fantasías de encuentro progresivo casi a lo Carlos Santana meets Chucho Valdés en “Venga la esperanza”.

Alan Queipo.

Prietto viaja al cosmos con Mariano – Crónicas (Alto Valle, 2021)

Wed, 13 Oct 2021 08:11:22 +0200

Antes de que Los Espíritus se convirtiesen en uno de los proyectos del underground argentino con mayor proyección mundial, y en un grupo considerado como una suerte de “The Doors argentinos”, Maxi Prietto era conocido por formar parte de un proyecto de una mística psicodélica con uno de los mejores nombres posibles: Prietto viaja al cosmos con Mariano.

La expansión de Los Espíritus hizo que Maxi Prietto se dedicase más a su segundo proyecto que al primero, y que el dúo que conformaba junto a Mariano Castro entrase en una fase diferente: casi el de proyecto de culto, ofreciendo uno o dos shows en Buenos Aires al año, sin publicar música nueva casi desde hace una década (apenas un single, “Los puedo viajar”, hace siete años) y convirtiéndose en un proyecto cuya genética cósmica y mística se elevó hacia el terreno de lo inimaginable.

Por suerte, la hiperactividad creativa de Maxi Prietto, que en los últimos dos años lo encontró publicando un álbum largo y cuatro EPs con Los Espíritus y dos álbumes y un serial de EPs y singles como Prietto; también lo encuentra ahora resucitando discográficamente a Prietto viaja al cosmos con Mariano, quienes se han vuelto a encontrar en un estudio recuperando esa química despojada.

Se trata de canciones tocadas mirándose a la cara, solo batería, guitarra y voz, con el rock anguloso como vaso comunicante de un repertorio urgente: nueve cortes y poco más de veinte minutos, en los que es inevitable pensar en el sonido de aquel rock argentino cósmico de los años ’70 como Pescado Rabioso, Manal, Vox Dei o Aquelarre, pero también a ese sonido del underground porteño de los ’90 y principios de los 2000 con estandartes de un nuevo rock líquido como Pez o Pequeña Orquesta Reincidentes.

Canciones que, a diferencia del que fue su ambicioso e inabarcable último álbum, el doble “Le Prièt Vaha-chosmos E-ba Con maourian!!!”, de 28 temas y múltiples capas; en este se desplazan sin grandes vértigos, acabadas en el momento de tocar, cargadas de una poética cósmica, de una suerte de jam jazz-rockera, elemental, elevada. Urgente, como la necesidad que teníamos de que volviesen.

Alan Queipo.

Cimafunk - El Alimento (Terapia Productions/Thirty Tigers, 2021)

Wed, 13 Oct 2021 13:56:40 +0200

Cimafunk se convirtió en la joven promesa de la música cubana al publicar su debut ‘Terapia’ (2017). Desde entonces su propuesta ha crecido poquito a poco, guisándose con paciencia y mucha sazón, como los buenos caldos. Durante la cuarentena se arrancó con un EP que dejó a sus fans con ganas de más. Gracias a este nuevo disco deja atrás la etiqueta “revelación” y pasa a engrosar la privilegiada lista de artistas consagrados que han salido de la isla del Caribe en los últimos años.

Su propuesta es ajena a las modas: fusiona la herencia del funk desde una perspectiva contemporánea impregnada del inconfundible sabor de Cuba. El bullicio de La Habana y la jerga local se mezclan con un tremendo sentido rítmico y toneladas de vacile y espíritu rumbero. Frente a la compleja actualidad política y social de su país, Erick Iglesias responde con inapelables descargas para bailar y gozar. Su música no es política, sino más bien hedonista y liberadora.

No esconde sus referentes, más bien se enorgullece de ellos. En ‘Funk Aspirin’ aparece George Clinton, a sus 80 años, icono inmortal por su trabajo en las bandas seminales de p-funk Funkadelic y Parliament. También abraza la cultura afro cuya huella se extiende por toda América, desde la leyenda cubana Chucho Valdés hasta el jamaicano Stylo G, los colombianos ChocQuibTown o los estadounidenses Lupe Fiasco y CeeLo Green.

Ahí sí hay un mensaje potente que va implícito desde su propio nombre (los cimarrones eran los esclavos negros que se rebelaron para ser libres): la reivindicación de la cultura afro. Esa apertura de miras y la búsqueda de una identidad propia quedan reflejadas en la riquísima marea de géneros musicales que el artista navega: hay mucho funk pero también hip hop, dancehall, afrobeat, soul… y hasta jazz y mambo.

Una prodigiosa trituradora de ritmos ideal para el directo; según vayan abriendo las salas de conciertos en todo el planeta Cimafunk va a convertirse en un referente de su época.

Sus próximos conciertos serán en noviembre; 11 Barcelona, 12 Las Palmas y 14 Madrid.
José Fajardo.

Meridian Brothers & Conjunto Media Luna - Paz en la tierra (Bongo Joe, 2021)

Mon, 18 Oct 2021 07:49:20 +0200

Dicen Meridian Brothers que éste es un álbum hecho “desde nuestro gusto por el socialmente degradado vallenato y ciertos otros formatos de acordeón, llenos de prejuicios de clase, regionales o de tragedia humana y rechazos estéticos”. El combo liderado por Eblis Álvarez, un personaje esencial en la escena alternativa de Bogotá del nuevo siglo, se compincha aquí junto al Conjunto Media Luna de Iván Medellín para reivindicar la música de raíz de Colombia.

“En los últimos 20 años habíamos recurrido a tener que fusionar las músicas tradicionales con elementos del glamour internacional (como la electrónica, el rock o e hip hop), o trabajar solamente ritmos y aires avalados por ‘autoridades internacionales’ como lo es la cumbia”, explican los Meridian. Frente a esas “cadenas del inconsciente colonial”, ambas formaciones proponen una poderosa reivindicación de su herencia musical alejada de las tendencias globalizadas.

Más que un álbum es un artefacto de agitación frente “a los centros industriales hegemónicos de la industria musical”, una banda sonora para la disidencia con los habituales títulos geniales de Meridian Brothers y esas progresiones rítmicas endemoniadas que invitan al baile combativo.

Son parte de un movimiento cada vez más nutrido y diverso: los sellos In-Correcto o Discos Cabeza, Edson Velandia, Pedro Ojeda, Mario Galeano, Frente Cumbiero, Los Pirañas, La Perla, Mateo Rivano, Andrés Gualdrón… Un colectivo libertario de creadores al que rinden homenaje en la canción ‘El profesionalismo es importante’ y que se reúne por los barrios de Teusaquillo y Chapinero de la capital colombiana y en antros como el ‘Matik Matik’ o ‘Latino Power’.

José Fajardo.

Santiago Motorizado – Canciones sobre una casa, cuatro amigos y un perro (Autoeditado, 2021)

Thu, 21 Oct 2021 14:18:12 +0200

Del mismo modo que cambió la dimensión, el alcance y la influencia de Él mató a un policía motorizado, también lo ha hecho la de su indiscutible líder, Santiago Barrionuevo, más conocido como Santiago Motorizado. Ya no se lo percibe solamente como el líder de una de las bandas más influyentes del rock argentino de la última década larga, sino como un icono de la independencia, como un productor capaz de trabajar con artistas de la talla de Amaia, componer bandas sonoras o, ahora ya formalmente, bifurcar su carrera buscando nuevos horizontes expresivos.

Y lo encuentra en “Canciones sobre una casa, cuatro amigos y un perro”, una suerte de banda sonora paralela a la banda sonora que publicó hace unas semanas con Él mató, titulada “Unas vacaciones raras”, ambas para la icónica serie argentina “Okupas”, un fenómeno del audiovisual argentino del año 2000 que se remasterizó y se convirtió en un fenómeno póstumo y global en Netflix estos últimos meses.

Está claro que no eran necesarias dos bandas sonoras para una serie que, además, ya tenía parte de su banda sonora heredada de su emisión original hace algo más de dos décadas; pero está claro que Santiago Motorizado sí se alimentó de ese universo de amistad, marginalidad, presión social y fraternidad de la serie “Okupas”; y el resultado es una vorágine creativa que acabó plasmando ahora en un nuevo álbum en solitario que, como ya sucediera con la banda sonora “La muerte no existe y el amor tampoco” que supuso su primer ejercicio en solitario, en éste se percibe un margen de libertad y cancionismo más elevado.

Y es que, si con su banda madre se caracterizan por apelar a un rock de corte cósmico, a medio camino entre la psicodelia y la boutade física; en este nuevo álbum en solitario, excepto fugas muy puntuales como “Buena suerte”, “El Negro Pablo” o “Una casa”, Santiago se permite licencias que serían, ahora mismo, imposibles bajo el manto de Él mató a un policía motorizado.

Desde colaboraciones con iconos del rock argentino como Vicentico, Jorge Serrano, Daniel Melingo o Sergio Rotman, entre otros; hasta, y sobre todo, una variable de estilos que rompen la mátrix de lo que tenemos pensado que sabe hacer Santiago: desde ejercicios de canción melódico al estilo Leonardo Favio actualizado (“Polvo de estrellas”) hasta canciones que hacen guiños al rock rollinga de Viejas Locas (“No puedo parar”) o al rock barrial noventero (“Tanto tonto”), al dub místico (“El Pollo”), folclore argentino que va de la zamba (“Muchacha de los ojos negros” o “Un día no vas a estar”) a la chacarera (“Hacia el norte”), cumbia (“Tonto corazón”, “Bandera blanca”, “No hay lugar para nadie más” o “El fuego cálido”) y hasta tango (“La Juventud”).

Alan Queipo.

N. Hardem - Verdor (Autoeditado, 2021)

Thu, 21 Oct 2021 14:54:03 +0200

Tras el estallido de la híper inflada burbuja del trap hace ya unos años, que ha dejado por el camino a muchos artistas que se subieron a la ola por pura tendencia, los cauces de la música urbana (el hip hop de toda la vida) han vuelto a reordenarse. Existen escenas subterráneas que beben de otros géneros (la colisión con ritmos latinos de baile o la vía oscura, fría y violenta del drill) pero hay una clara apuesta por regresar a los orígenes, al sonido clásico de la era dorada del rap de Estados Unidos, el que hacían los pioneros a finales de los 80 y durante los 90.

Esa es la liga donde siempre jugó N. Hardem. Este bogotano del 93 jamás ha sentido la necesidad de apuntarse a ninguna moda. Es ya un icono del hip hop en Colombia, una de las escenas más potentes del planeta ahora mismo. Frente a las rimas callejeras y sociales que predominan en Medellín, él propone desde la capital un rapeado poético y filosófico, una suerte de costumbrismo introspectivo. Su flow es imparable y magnético pero es en las bases donde realmente se distingue entre su generación.

Si J Dilla hubiera nacido en Bogotá, probablemente se habría cruzado con N. Hardem. Como el de Detroit, autor de obras seminales como ‘Donuts’ (2006), el bogotano se inspira con sonidos que beben del funk y el free jazz, convirtiendo sus rapeados en cuasi ejercicios de spoken word atiborrados de humo verde. Lo extraño es que todavía no haya trascendido apenas la escena de Colombia. ‘Verdor’ tiene que ser la obra que le haga internacional; es un trabajo valiente donde se mezcla con algunos de los talentos de la música colombiana, no necesariamente del rap: Edson Velandia, Lianna, Briela Ojeda…

Kelman Durán – Night in Tijuana (Scorpio Red, 2021)

Fri, 22 Oct 2021 08:56:42 +0200

Capaz de ponernos a perrear en un futuro muy lejano pero también de, cuando quiere, boicotear ese propio baile; el dominicano Kelman Durán es una de esas figuras absolutamente necesarias, kamikazes e impredecibles de la nueva electrónica urbana de vanguardia.

Ya lo ha demostrado en los sencillos, EPs y directos que lleva protagonizando estos últimos tres años, pero es ahora, con la publicación de su esperado álbum debut, que se certifica como una figura imprescindible en el imaginario del nuevo baile mundial.

Manteniendo una óptica de texturas oscuras en prácticamente toda la música que ha publicado hasta la fecha, es curioso cómo Durán consigue imprimir en ritmos aparentemente festivos, de herencia latina, un manto críptico y místico en sus canciones, que nos llevan invariablemente del dancehall (“Dancehall, Subudon Ballroom”) al jazz, del folclore árabe (“Lower Nile”) al trip-hop (“South London”), del reggae de aires UK Garage (“Night in Tijuana”), del drone sinfónico (“For Whitney”) a la spoken Word after-rap (“Mankind”).

Como si de una banda sonora de un baile imaginado y en blanco y negro se tratase, Kelman Durán se desplaza por un clima de electrónica sórdida, envenenada, espástica, impredecible; y va deconstruyendo ritmos y tradiciones, generando nuevos espacios para el baile y nuevos folclores para el beat.

Alan Queipo.

Helado Negro - Far In (Private Energy / 4AD, 2021)

Mon, 25 Oct 2021 08:25:25 +0200

Por qué sonará tan especial la música de Helado Negro. Unas veces recuerda a las atmósferas espaciales cargadas de nostalgia de Beach House. Otras, es LCD Soundystem ralentizado, como si James Murphy estuviera ciego de una marihuana relajante. Entre el pop lisérgico, la electrónica acuosa y el folk acústico de la tradición latinoamericana bascula una obra tan fascinante como original.

Tras la pandemia y cumplir los 40, el autor del himno anti-Trump ‘Young, Latin & Proud’ (2015), quien nació en Florida de padres ecuatorianos y en la última década se ha convertido en un artista de culto en la escena bohemia de Nueva York, entrega su disco más bailongo. Pero en el universo de Helado Negro todo sucede a una velocidad más suave: es como esos deportistas que hacen florituras a cámara lenta, a través de coreografías.

Eso son sus canciones: coreografías del día a día de un artista de origen latino en Estados Unidos, recuerdos de fiestas en el salón de casa con la familia, amigos y vecinos bailando los clásicos de Héctor Lavoe y Willie Colón, el descubrimiento de adolescente del indie y de la electrónica experimental, y así hasta encontrar un camino propio, una suerte de soul latino con espíritu pop guiado por bases de electrónica mestiza.

El videoclip de ‘Outside The Outside’ resume a la perfección el choque entre esos dos universos que habitan dentro de él y lo hacen tan especial.

José Fajardo.

Juçara Marçal – Delta Estácio Blues (QTV Selo / Mais Um Discos, 2021)

Wed, 03 Nov 2021 15:23:45 +0100

Tiene Brasil tantas damas universales de la canción (Maria Bethania, Gal Costa, Marisa Monte, Rita Lee, Elza Soares…) que hay nombres que, para el gran público, pasan desapercibidos. Es el caso de Juçara Marçal, una experimentada cantora de casi sesenta años que se dio a conocer por formar parte de proyectos como Vésper, A Barca o, sobre todo, Metá Metá, el verdadero germen que consiguió perfilar la personalidad de la carioca residente en Sao Paulo.

Y es que, tras varias décadas formando parte de cierta ala de música vocal y coral, en Metá Metá consiguió derribar, desde un monolito de free jazz indescifrable y desprejuiciado, una identidad que extendió de manera aún más libre y empoderada a su proyecto en solitario. Una vía en solitario que la llevó a gestar un álbum (“Encarnado”) completamente en solitario y otros tres en sociedades diferentes (uno con Kiko Dinucci, otro con Cadu Tenório y otro con Rodrigo Campos & Gui Amabis); pero que parece alcanzar el cénit creativo en su flamante “Dela Estación Blues”.

Casi como si de una estación de un espacio indeterminado se tratase, Juçara Marçal se desplaza a lo largo de las once canciones de su nuevo álbum proyectando un imaginario de canción brasileña futurista.

Como si de un encuentro entre Björk, PJ Harvey y Elza Soares se tratase, la brasileña tira de electrónica industrial para crear una nueva samba (“Sem casi”), reinventa el blues transfronterizo como si sonase a mezcla entre Beck, Elis Regina y Jimi Hendrix (“Dela Estació Blues”), estalla en una suerte de deconstrucción punk carnavalesca (“Crash”), se pone sexy y mística en una suerte de rock industrial a madera (“Ladra”), cuela riffs metaleros en una suerte de circo psicodélico (“La Femme à barbe”), firma una oda del minimalismo vocal futurista (“Lembranças”) y hasta hace espacio para el free jazz afrocarioca (“Iyalode Mbé Mbé”). Indefinible e inabarcable, pero sobre todo, necesaria.

Alan Queipo.

Nidia Góngora & Quantic - Almas conectadas (Tru Thoughts, 2021)

Fri, 05 Nov 2021 08:43:42 +0100

Las almas conectadas a las que hace referencia el título de este álbum tan hermoso que pareciera de otra época son las de sus dos autores: la cantaora emblema del Pacífico colombiano Nidia Góngora y el inquieto productor británico Will Holland, alias Quantic. Ambos, según me cuenta Nidia en una entrevista que pronto se podrá escuchar en Gladys Palmera, mantienen una relación de hermandad creativa desde hace una década, cuando él vivía en Cali y se conocieron. También, el título sirve como metáfora más amplia: el poder de la música para conectar almas a priori muy distintas.

Tras varias colaboraciones juntos que han ido marcando el paso de una tendencia que ya es global (la recuperación de las tradiciones desde una óptica moderna, de la que ellos son pioneros), desde el seminal ‘Muévelo negro’ (2013) hasta el referencial ‘Curao’ (2017), con esta obra muestran la inabarcable diversidad de dos artistas que trascienden etiquetas sonoras y reducciones geográficas; su música, aunque nazca en las selvas y ríos de Timbiquí (el lugar de origen de Nidia Góngora, en la costa del Pacífico colombiano), y se haya grabado en el estudio de Quantic en Brooklyn, en realidad abarca todo el universo conocido.

Estas canciones resumen lo que el dúo ha ido aprendiendo (la una del otro, y viceversa) durante estos años de complicidad compartida, y muestran su habilidad para adaptarse juntos a un sinfín de registros, desde la electrónica más sutil y paisajista al ritmo en trance de los tambores afro. Para Nidia, además, es un alegato por la vida y la dignidad, por su confianza en un futuro mejor para las nuevas generaciones en su país, en una época donde la sombra de la violencia se ha vuelto a apoderar de Colombia, mientras en Cali (la ciudad donde vive) se ha convertido en el epicentro de las protestas ciudadanas por el cambio.

José Fajardo.

Nicki Nicole – Parte de mí (DALE PLAY Records / Sony Music, 2021)

Mon, 08 Nov 2021 08:40:49 +0100

¿Qué artista debería ser Nicki Nicole? Supongo que es la pregunta natural que se han hecho en su equipo, y que ella misma se llevará haciendo desde que expansión global se elevó como un globo sonda tras su colaboración con Bizarrap en 2019. No se recuerda un momento de mayor concentración de artistas argentinos en los charts globales, con nombres como los de Duki, Bizarrap, María Becerra, TINI, KHEA, Lit Killah, L-Gante, Nathye Peluso, Trueno o Tiago PZK, por mencionar solo algunos y algunas, capitaneando el nuevo pop en castellano.

Entre todos ellos, Nicki Nicole es una de las candidatas a hacerse con un peculiar trono. Ese que pilla seguidores de la facción urbana más ortodoxa, pero que parte de una base r&b y de pop 90s que recuerda a Christina Aguilera (con quien acaba de colaborar), Aaliyah, Sugababes, Janet Jackson o las Destiny’s Child.

Y es precisamente en ese registro en donde la personalidad de Nicki Nicole recoge su mejor registro y, de algún modo, se distancia del veneno del reggaetón global al que parecen estar exigidos todos los artistas del nuevo pop, especialmente si son latinoamericanos. Hay momentos en los que las garras de la industria no le permiten escapar de ello (como en “Sabe”, junto a Rauw Alejandro o “Toa la vida” junto a Mora) pero, por lo general, la argentina sí consigue armar un repertorio que, aunque no todo lo sólido que debería ser un álbum que podría haberse visto como fundamental, sí deja algunas de las mejores perlas del pop negro en español de los últimos años.

Especialmente cuando parece trasladarnos a las producciones de finales de los ’90, con ecos que van desde las producciones de la factoría sueca a las boy bands o a Britney Spears, pero también a registros que nos pueden recordar al Diddy productor. Me refiero a temazos como “Darling”, “Baby”, “Mala vida” o “Me has dejado” o incluso cuando se acerca a medios tiempos con ecos a D’Angelo o Christina Aguilera como “Si vos me lo pedís”, “Parte de mí” (su propio “Beautiful”) o “Dangerous” o cuando se descarga a tientas entre el trap y el neosoul que la dio a conocer en canciones como las explosivas “Tengo to” o ”Colocao”.

Un álbum que debería situar a Nicki Nicole como una de esas reinas del revival pop 90s pero asimilado por una artista nacida en el siglo XXI; y no como una artista más en la insondable bolsa del “movimiento urbano”.

Alan Queipo.

Chico Blanco & Soto Asa - Blanco y Nueve Mix (Mareo, 2021)

Mon, 08 Nov 2021 08:48:30 +0100

La nueva música que hace la juventud está atravesada por una paradoja: no cesa de mutar, triturando a su paso a quien no logre vislumbrar el futuro; es una maquinaria engrasada para ofrecer novedades frescas sin descanso. A ese ritmo absurdo y fascinante, sólo los más vanguardistas son capaces de sumarse. Chico Blanco y Soto Asa son dos de esos artistas con un tercer ojo que ve el mañana. No necesitan apuntarse a ninguna moda: ellos mismos las crean y las destrozan a su antojo.

La colisión de estos dos profetas sonoros tenía que ser, a la fuerza, disruptiva. Estas cuatro canciones avanzan como el magma incandescente del volcán de La Palma, son chorros de lava que destrozan las etiquetas que existían hasta ahora para describir los sonidos contemporáneos. Ya no tiene sentido hablar de house o de trap cuando lo que está sonando es la banda sonora de la película que Tarantino nunca grabará.

Ritmos de baile dislocados, efectos vocales distorsionados y mutantes, melodías intergalácticas, una suerte de reggaetón experimental en la onda de Kelman Durán triturado con las rimas secas y cortantes del drill. El combo formado por el granadino Chico Blanco y el ceutí Soto Asa engrosa las filas del flamante sello Mareo que el primero fundó este año junto al productor 8kitoo y que ya cuenta con un primer recopilatorio de lo más sabroso, auténtico quién es quién de la electrónica que bailaremos en 2022.

José Fajardo.

Xenia Rubinos - Una rosa (Everlasting Records / ANTI, 2021)

Thu, 11 Nov 2021 14:49:24 +0100

Existe una diáspora latina que al fin ha logrado una representación ya no sólo en los medios de comunicación sino en los sueños de la juventud. Hartxs de ser encasillados como “latin music” sólo por sus orígenes (o su color de piel, o su acento), artistas como Helado Negro, Lido Pimienta o la propia Xenia Rubinos han ido construyendo una escena que era invisible: ritmos contemporáneos que exploran con complejidad y matices las contradicciones, la riqueza y la exuberante diversidad de la comunidad de origen latinx en Estados Unidos.

En el caso de esta artista de madre puertorriqueña y padre cubano, que pasó por la prestigiosa Berklee College of Music de Boston y siempre ha tenido una mirada adelantada a su tiempo, su música no es más que la herramienta que usa para expresar todo ese cóctel de influencias tan variadas que habitan dentro de ella: los clásicos de la salsa como Héctor Lavoe, conjuntos de música tradicional como Los Muñequitos de Matanzas, productores de vanguardia como el canario El Guincho, electrónica experimental con alma nu-jazz, r&b futurista, hip hop combativo…

Este disco llega tras un parón creativo y un bache emocional: un curandero le advirtió de que sufría una “pérdida de espíritu”. Conectada con los ritos de la santería y con una visión espiritual de la realidad, Xenia Rubinos decidió frenar la velocidad absurda a la que nos obliga el turbo capitalismo y fue tejiendo estas canciones donde (re)conecta con sus orígenes, con el idioma del español que usaba de pequeña en casa. De paso, deja un buen puñado de canciones memorables, tan originales como siempre ha sido su obra.

José Fajardo.

CA7RIEL – EL DISKO (Clix / DALE PLAY, 2021)

Thu, 11 Nov 2021 14:42:44 +0100

A quienes sigan intentando limitar la frecuencia sonora que corre por las venas de CA7RIEL definiéndolo como “trapero”, dejadme deciros algo: JAJAJAJAJAAJAJAJAJAJAJA.

No va a hacer falta que lo diga nadie más que el propio Catriel Guerreiro, que, tras un álbum (“xCVE7Ex”) y dos EPs (“POVRE” y “LIVRE”) iniciáticos que nos presentaba a una rara avis que acabó absorbiendo el circuito urbano con la expansión global que tuvo su alianza con Paco Amoroso con canciones tan amorfas como líquidas tanto para la música urbana como para el nuevo pop (desde “OUKE” o “Cono hielo” a “Ola mina XD” o “Jala jala”), presenta un álbum en donde condensa todos los CA7RIEL que caben en CA7RIEL.

“EL DISKO” toma cierta distancia de todo lo que ha hecho hasta ahora. Él mismo lo dijo en sus redes sociales cuando anunció la publicación del álbum, pero en la poco más de media hora que dura su nuevo repertorio queda claro que CA7RIEL se distancia prácticamente de cualquier circuito, a la vez que consigue condensar un marco de referencias que lo han acompañado a lo largo de los años. Desde el funk al metal, del jazz-soul al trap, de la cultura rock al nuevo pop. CA7RIEL suena como un solo de Rata Blanca con una línea de bajo de Faith No More y a Serú Girán haciendo versiones de King Krule.

Tanto cuando se acerca al future funk de Prince o los Illya Kuryaki & the Valderramas a los que tanto se los ha comparado a él y a Paco Amoroso (queda bastante clara esta influencia en canciones como “U.U” o “BAD BITCH”, pero con unos bajos ultra endemoniados), como cuando parece capturar ecos del Luis Alberto Spinetta de Invisible (en “Nunca me atiende”), cuando se acerca a una suerte de rave industrial de conexión ñumetalera (“KEYHOLE”), suena único.

Pero también lo es cuando samplea el “Lucy in the sky with diamonds” de The Beatles como intro inesperada (“MUY BIEN”) como recupera el espíritu del groove de las jam sessions de corte jazz-soul desde el lado más amorfo del pop (“SHIPEA2” o “Souvenir” son sus ‘lentos’) o cuando firma casi micro-operetas de sonido progresivo, a medio camino entre Frank Zappa, Young Thug, Tool y The Weeknd (“SIN SUBLOW” o “POLVO”). Una máquina imposible de parar en movimiento. Un dinamitador y multiplicador de personalidades tan inabarcable como necesario para el nuevo sonido pop.

Alan Queipo.

Peyote Asesino – Serial (Bizarro, 2021)

Thu, 11 Nov 2021 14:33:40 +0100

En los ’90, antes del estallido de masividad y globalidad que tomó el rock uruguayo con bandas como La Vela Puerca, No Te Va Gustar o El Cuarteto de Nos, hubo un grupo que se llamaba El Peyote Asesino, que se convirtió en el representante uruguayo en aquellos años del rock alterlatino que integraban bandas como Molotov, Bersuit Vergarabat, IKV, Control Machete, Aterciopelados, Café Tacvba y un largo etcétera.

Publicaron apenas dos pero fundamentales álbumes para construir la identidad de lo que sería el rock uruguayo de años venideros (el homónimo “El Peyote Asesino” y “Terraja”) y dejaron un bonito y joven cadáver que recoger en 1999, y al que solo exhumaron del cajón en ocasiones puntuales a lo largo del siglo XXI.

Sus músicos, sobre todo Santullo y Juan Campodónico, se dedicaron a dar a luz algunos proyectos elementales del nuevo sonido rioplatense como Bajofondo, o en el caso de Campodónico, convertirse en un célebre productor artístico de algunos de los álbumes elementales de Jorge Drexler, Ximena Sariñana, Zoe Gotusso o de los proyectos más importantes del rock uruguayo, antes mencionados: La Vela Puerca, El Cuarteto de Nos y No Te Va Gustar.

Por eso es especialmente curioso que, tras más de dos décadas sabiéndose un grupo de culto en el rock de su país y en unas figuras a las que rendir culto y pleitesía por aquel repertorio urgente que basculaba entre el rock musculoso, el rap-rock noventero y un marco de referencias especialmente oligofrénico; despertarnos en los últimos compases con un álbum nuevo del Peyote Asesino es pura ambrosía.

Y es que “Serial” lo es. Es un disco que suena a los Peyote de siempre, pero distintos. Quizá más directos y explícitos (literalmente: más de la mitad del disco tiene la etiqueta de “explícito” por “lenguaje malsonante o violento”) manteniendo su incorrección política y ese sonido mixto a tientas entre el rock, el funk, la electrónica y el rap más angulosos; dejando nuevos clásicos como “La Tumba de los Crá”, “Vos no me llamaste” o “En la B”; incluso suenan ñu metaleros en “Flor de gil”, neomilongueros en “Es lo que hay”, trap-rockeros “Tierra derretida” y rocktrónicos en el “Pump Up the Parla” que rehace el clásico de Technotronics. No nos volváis a hacer esto: quedaos para siempre.

Alan Queipo.

Bawrut – In the Middle (Ransom Note Records, 2021)

Wed, 17 Nov 2021 15:24:12 +0100

Va siendo hora de que cambiemos la idea que teníamos de “electrónica mediterránea”. Los tiempos de aquel Sonido Ibiza que abanderaron estandartes como el fallecido José Padilla en los años ’90 a través de espacios como Café del Mar quedaron atrás. Y aunque sigue habiendo cosas comunes con aquel espíritu, la música electrónica es el género que más ha avanzado en las últimas décadas, sobre todo en lo que a conexiones con música orgánica y tendencias de otros géneros, raíces y tradiciones.

Como muestra, Bawrut, un productor italiano residente en la capital. Ya esa misma genética es la que pone de manifiesto el espacio geográfico en el que bascula su música: la del Mediterráneo. Eso es lo que se respira en “In the Middle”, un sobresaliente debut publicado por el prestigioso sello londinense Ransom Note Records que se mueve a gusto entre el house, el breakbeat y el techno más orgánico, pero íntimamente conectado con tradiciones que van desde Marruecos a Italia, de Andalucía al clubbing madrileño, del Sonido Ibiza a la Ruta del Bakalao posmoderna.

Por encima, “In the Middle” proyecta un mensaje de alto compromiso sociopolítico: el de la crisis migratoria que sucede precisamente en el Mediterráneo. Una crisis de sobra conocida en su Italia natal, pero que también vivimos en España. Bawrut crea un relato, una narración, en la que se van generando esos climas de nuestras geografías, pero donde también habitan los dramas del tránsito migratorio. Por eso mismo es que el 5% de los beneficios de este disco se donarán a Open Arms.

Sus colaboraciones con el neoravero granadino Chico Blanco, un icono del italopop como Cosmo, un alquimista del bakalao marroquí como el de Glitterºº, un pope de la música urbana italiana como LIBERATO o acercamientos que van desde el breakbeat andaluz (“de Amor de Dios a Candela” y “Alfredo and Ricardo brought me here” beben del espíritu de proyectos como Califato ¾ o Canastéreo) hasta un ambient que sirve como inicio de la travesía en patera (“Tisno memoriae” o un tech-house donde resuena el drama de las pateras (“Crossing for a Golden Blanket” proyecta grabaciones de gente rescatada en alta mar). Un álbum que es mucho más que eso, pero que, sobre todo, es necesario.

Alan Queipo.

Mas Aya – Máscaras (Telephone Explosion Records LTD, 2021)

Wed, 17 Nov 2021 15:32:23 +0100

Conceptos como los de “electrónica orgánica”, “folktrónica”, “electrónica mística” o similares ya empiezan a chirriar incluso a los propios artistas a los que se trataba de encuadrar en dichos movimientos. Hay una especie de fórmula que se empezó a replicar en algunos nombres de manera poco elegante que ha generado cierta distancia en quienes tienen una mirada más amplia hacia su propia música, e incluso hacia los orígenes del movimiento.

Por eso, es de agradecer que se comience a dar una vuelta a esos conceptos. Uno de ellos es el proyecto en solitario de Brandon Valdivia, artista nicaragüense-canadiense que ha formado parte de proyectos del ecosistema alternativo norteamericano más variopinto: desde US Girls a John Oswald, Laraaji o Tanya Tagaq. Esa misma mirada plural es la que se percibe en la genética de Mas Aya, su nuevo álter ego, en donde pretende recuperar el espíritu de la música ancestral y de raíz de Nicaragua pero desde una óptima amplísima.

Utilizando diferentes instrumentos de viento como la quena, el llamador o el bansuri, el trabajo que Mas Aya firma en “Máscaras”, su debut, evita caer en los tópicos de las tendencias antes mencionadas y algo manoseadas por el paso del tiempo. Su trabajo sí que se acoge a cierta mística ritual, sin duda, y a cierta exacerbación del naturalismo más salvaje; pero las conexiones entre instrumentación de viento orgánica, tribalismo mecánico y electrónica magnética va por un derrotero más cercano al ambient e incluso a la new age que a la música de club o las variables pop.

En canciones como “Key” o “Villanueva”, dos de las más largas de un álbum corto en canciones (apenas seis) pero relativamente largo en minutos (más de cuarenta), proyecta una idea de ambient sincopado, ultranaturalista pero conectado con el carácter magnético de la electrónica modular. Incluso cuando consigue conectar tradición ancestral con variaciones más cerca de bases del rap (“18 de abril”) o cuando Lido Pimienta se suma a una suerte de canción-rezo (“Tiempo ahora”) de vocación ritual o cuando los vientos generan una psicodelia de un caos súper ordenado (“Momento presente” o “Quiescence”), Mas Aya se distancia de todo para generar un espacio propio.

Alan Queipo.

Nubya García - Source: We Move (Concord Jazz, 2021)

Thu, 18 Nov 2021 09:22:41 +0100

‘Source’ fue uno de los discos más inspiradores de 2020. Con su debut, Nubya García logró esbozar los márgenes inabarcables de una escena aún por nacer: la de la jazztronica, esa frontera invisible donde los ritmos del jazz se confunden con las bases de electrónica. A esa receta ya explorada por otros tantos artistas, esta saxofonista y compositora (con sangre de Guyana y Trinidad) formada en el barrio multicultural londinense por excelencia, Camden Town, añadió inspiradoras cucharadas de r&b futurista, hip hop cósmico y sonidos de la tradición latinoamericana. Ahora, con este álbum de remixes, expande aún más un universo tan fascinante como inabarcable.

Al festín acuden productores y músicos (Dengue Dengue Dengue, Kaidi Tatham, Georgia Anne Muldrow y Moses Boyd, entre otros) que vienen de galaxias diversas (del rap al house, de la folktrónica con sabor latino al free jazz) y logran, con la suma de todas esas visiones tan dispares moldear un artefacto que suena a puro futuro. No hay fronteras en la música de esta visionaria artista que cita entre sus influencias a mujeres libres como Erykah Badu, Petrona Martínez y Aretha Franklin. Si existe un cielo allá arriba, ahora mismo estará sonando la música de Nubya García.

José Fajardo.

Fito Páez – Los Años Salvajes (Sony Music Argentina, 2021)

Fri, 26 Nov 2021 09:19:44 +0100

Cualquier álbum de una leyenda del rock que se titule “Los años salvajes” seguramente generaría la asociación automática de que estamos ante un devocionario de tiempos pasados de excesos, sexo, drogas y rock and roll. En el caso de Fito Páez, quizás sus años más salvajes creativamente sean estos.
No debe ser fácil para un artista de su trayectoria, con algunos de los álbumes en castellano más importantes y fundamentales escritos nunca (desde “El amor después del amor” o “Circo Beat” a “Tercer Mundo”, “Giros” o álbumes junto a Luis Alberto Spinetta o Joaquín Sabina; o habiendo participado de discos fundamentales de Charly García, Fabiana Cantilo, Juan Carlos Baglietto o Andrés Calamaro; por mencionar solo algunos) seguir adelante con ganas de seguir escribiendo canciones con esa cuesta arriba.
Pero Fito parece hacerlo fácil. No ha parado nunca de seguir publicando álbumes con una regularidad pasmosa; siendo absolutamente consciente de la cantidad de himnos acumulados en su haber, pero también de que es dueño de un estilo marcado tanto en la manera de edificar canciones como de interpretarlas.
En los últimos 25 años, después de haber tocado el Olimpo y compartir terna entre los cuatro o cinco nombres fundamentales del rock argentino, en Fito Páez parece haber una huida hacia adelante: la búsqueda de una nueva obra maestra. En todo este tiempo ha publicado discazos bestiales como “Abre”, “Naturaleza Sangre”, “Rock & Roll Revolution” o “La Ciudad Liberada”, que aunque no llegue al nivel olímpico de varios de los antes mencionados, son álbumes de madurez y reencuentro con sus puntos elementales.
A eso parece querer apelar en la trilogía conceptual que dice iniciar con “Los años salvajes”: unas primeras diez canciones con momentos en donde parece versionarse fallidamente a sí mismo (“Sin mí en vos” o “Lili and Drake”) o donde parece darse un caprichito de melómano (“Beer Blues” junto a Elvis Costello solo interesa por el encuentro entre ambos); pero, donde afortunadamente, son más los momentos brillantes y donde demuestra no solo que no está oxidado, sino que sigue siendo capaz de seguir brillando con regularidad.
Especialmente interesantes son los alegatos más rockeros del disco, como las tres canciones que abren el disco, en donde se recupera al Fito de “Rock & Roll Yo” o, mirando más atrás, de “Ciudad de pobres corazones” o “Ey!” en temazos como las positivas “Vamos a lograrlo” y “Lo mejor de nuestras vidas” o la guerrera “Shut Up”. Pero también brilla cuando se encuentra canciones como “Caballo de Troya” o “La música de los sueños de tu juventud”, que bien podrían haber formado parte del repertorio del mítico electroacústico en directo “Euforia”; o cuando tira de Fabiana Cantilo en una suerte de suite pop con aires a los Beatles pero de una narración que recuerda “Al lado del camino” o “El jardín donde vuelan los mares”.

Alan Queipo

Lorena Álvarez - Y Los Rondadores de la Val d’Echo (El Volcán, 2021)

Fri, 26 Nov 2021 09:36:08 +0100

Lorena Álvarez ya estaba allí antes de que una generación un poco más joven que ella (nació en el 83, en San Antolín de Ibias) pusiera de moda eso de recuperar las tradiciones musicales regionales desde una óptica contemporánea. Ahora que es tendencia lo que ya apuntaba en su seminal debut en largo junto a Su Banda Municipal (2012), la asturiana graba un EP sin concesiones al algoritmo, fruto de una residencia artística durante agosto de 2020 en los valles de los Pirineos de Huesca junto a músicos amateurs de la zona: tañedores de laúdes, bandurrias y guitarras.

“Para mí la música tradicional es la esencia y no el adorno, es la raíz y no la rama y es la casa del misterio más primigenio, con muchas puertas disponibles para que las abramos y exploremos en qué consiste ese misterio”, dice la autora. Sin artificios, como esa corriente de agua imperceptible que arrastra todo a su paso y sin la cual no habría vida alrededor, sus canciones llegan a lo más profundo porque están cargadas de emoción y verdad.

Hay algo radical en la carrera de Lorena Álvarez, un idealismo que no entiende de épocas ni de fronteras. Tan pronto conoce a un conjunto de danzas folclóricas del Perú durante un paseo por el parque del Retiro y les invita a subir al escenario de uno de sus conciertos más importantes al inicio de su carrera en Madrid (sucedió a finales de 2012) que se alía con el coro del centro social Ladinamo o, como ahora, acude a la esencia misma de la tierra para inspirarse. Haga lo que haga, Lorena Álvarez nunca deja de ser sí misma, y eso, hoy, es todo un hallazgo.

José Fajardo

WOS – OSCURO ÉXTASIS (Doguito Records, 2021)

Fri, 26 Nov 2021 10:02:51 +0100

Hace algo más de dos años, cuando todo esto no era pandemia, estábamos encantados de disfrutar del WOS freestyler: el que se paseaba por las Batallas de Gallos más importantes del mundo pasándole el cepillo a quien se plantase frente a él con un micrófono.

Pero no veíamos el WOS que había por encima de aquel improvisador veloz y feroz hasta que, sin que nadie lo esperase, publicó “CARAVANA”, un álbum rupturista para la escena musical argentina, pero no solo la urbana: tomó cosas de la cultura rock en sus canciones, reivindicó a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, se significó políticamente y reventó las cifras de oyentes y convocatoria, culminando aquel año con dos Estadios Luna Park repletos.

En estos dos años la escena urbana argentina le ha hecho sorpasso a todas las escenas de habla hispana con la mayor corte de artistas de vocación global (Duki, Bizarrap, KHEA, Trueno, Cazzu, Nicki Nicole, L-Gante, Neo Pistea, Thiago PZK, Lit Killah, CA7RIEL, Paco Amoroso…), pero WOS, fiel a su librillo, ha trazado su propio camino, sin caer en tópicos de género ni obligándose a alimentar a la máquina del streaming constantemente.

Apenas publicó un EP introspectivo de tres canciones (“TRES PUNTOS SUSPENSIVOS”) y unos pocos adelantos de lo que es “OSCURO ÉXTASIS”, un álbum conceptual que se divide en dos facciones: la mitad del disco (llamémosla “OSCURO”) apela a una sonoridad más oscura e introspectiva, como su anterior EP; la otra mitad (llamémosla “ÉXTASIS”) se acerca a ritmos más luminosos y menos densos.

Esa primera mitad nos presenta a un alquimista entre el rock argentino y el rap old school, con un sonido que se mueve entre La Renga y Wu-Tang Clan tanto cuando se pone crítico sociopolíticamente hablando (“BUITRES” y “QUE SE MEJOREN”), cuando mira hacia adentro en las canciones más melancólicas y autoreflexivas del álbum (“MIRÁ MAMÁ” y “PARED DE CRISTAL”) o cuando se alía con un icono del rock argentino como Ricardo Mollo para acercarse tanto al rock como al folclore patrio en un rap imprevisible (“CULPA”).

La segunda mitad se abre a sampleos a Fatboy Slim en una declaración de una urbantrónica luminosa (“NIÑO GORDO FLACO”, junto a CA7RIEL) o de un acercamiento al funk-pop junto a Nicki Nicole, la reina del urban-pop argento (“CAMBIANDO LA PIEL”). Pero incluso firma canciones que desarrollan la idea que inició en “CARAVANA”, dejando algunas de sus mejores frases y canciones más infalibles hasta la fecha (“CONVOY JARANA” y “MUGRE”). Aún así, y por suerte y aunque haya firmado dos de los álbumes más importantes del movimiento urbano argentino de estos últimos años, da la sensación de que aún no hemos visto al mejor WOS.

Alan Queipo

Alizzz - Tiene que haber algo más (Whoa / Warner Music, 2021)

Mon, 29 Nov 2021 14:33:45 +0100

Ha pasado más de un año desde que Alizzz presentó en Madrid su proyecto como cantante ante un reducido grupo de gente de la industria. El ambiente era de expectación, esa sensación de estar asistiendo a algo importante. ‘El encuentro’, su colaboración junto a Amaia con melodías pegadizas y voces con autotune a lo Sen Senra, sonó esa primera vez como un tema que iba a marcar el devenir del nuevo pop. Ahora que al fin sale su disco es el momento de preguntar: ¿lo ha conseguido?

Para responder, es importante la perspectiva. Más allá de El Guincho, Alizzz es ahora mismo el productor más influyente en España, no sólo por su papel esencial en el despegue global de C. Tangana, sino por sus colaboraciones con Lola Indigo o Feid. Desde esa posición, atreverse a dar el salto al frente de un proyecto en solitario como cantante es una jugada valiente y muy arriesgada. El balance es muy positivo, aunque no satisfaga las previsiones más optimistas que le situaban a la altura de su colega ‘Puchito’, en una especie de rivalidad amistosa Madrid-Barcelona.

Aún necesita tiempo para desarrollar su visión privilegiada, capaz de ver antes que los demás las tendencias que irán marcando la música juvenil. La nostalgia atraviesa este conjunto de canciones guiadas por una electrónica sutil y elegante (ese neo r&b por el que está apostando desde su propio sello, Whoa) y una recuperación de las guitarras melódicas que arrasaron a principios de siglo. Pese a su ambición comercial, conserva un espíritu indie (no es casual el guiño a Jota de Los Planetas y a los mexicanos Little Jesus) y un don para aliarse con voces femeninas: más que en el tema con Tangana, brilla en el de Amaia y el de Rigoberta Bandini.

Sólo dos cuestiones por resolver: ¿descuidará Alizzz su carrera como productor para apostar por este proyecto? ¿y será capaz de asumir el protagonismo sobre el escenario tras permanecer en la sombra en toda su carrera en la música?

José Fajardo.

Soleá Morente - Aurora y Enrique (Elefant Records, 2021)

Thu, 02 Dec 2021 10:16:35 +0100

Soleá Morente entra junto a Aurora Carbonell, su madre, en la casa familiar de Granada. Suena ‘Aurora’, la canción con la que arranca este álbum que radiografía la historia de amor de sus padres: la bailaora junto al cantaor Enrique Morente, fallecido hace una década y a quien ambas guardan muy cerca en la memoria. Soleá mira los retratos de la leyenda, parece hablar con su espíritu, mientras Aurora se concentra en la música, casi se diría que entra en trance. Es una escena bellísima, cargada de emoción, con la que arranca el corto documental de Jonás Trueba ‘Aurora y ayer’. Ya ha ido dando pistas de que en ella habita un aura especial, la de una artista que avanza a un paso alejado de lo convencional, por donde la intuición le guía. Tras el emocionante proyecto junto a Los Evangelistas (músicos de Los Planetas y Lagartija Nick con los que recuperó el espíritu de ‘Omega’ al morir su padre), comenzó a encontrar su voz con ‘Tendrá que haber un camino’; ‘Ole Lorelei’ fue su liberación, conectando con el espíritu fiestero y despreocupado de Camela pero con un mensaje cargado de ironía y actitud que amplió en ‘Lo que te falta’ y, entre tanto, ese fascinante proyecto poético que firmó como Prado Negro. Todo para alcanzar la madurez creativa que le ha permitido zambullirse en sus propios recuerdos, mirar al pasado y encarar con decisión lo que viene. Con Manuel Cabezalí a la producción (y un grupo de músicos estupendos, como Nieves Lázaro a los teclados y los coros y Juan Manuel Padilla a la batería y percusión), Soleá se adentra en las atmósferas soñadoras del dream pop y el shoegaze sin perder ese espíritu flamenco que lleva impreso a fuego en la sangre. La han comparado con Beach House o The War On Drugs pero a estas alturas Soleá Morente sólo suena a sí misma. Y que así sea por mucho tiempo.

José Fajardo.

Ritmo Fantasía: Balearic Spanish Synth-Pop, Boogie and House (1982-1992) (Soundway Records, 2021)

Thu, 02 Dec 2021 16:35:25 +0100

La Movida, La Movida, La Movida. Solo de eso se habla cuando se piensa en la música española de los años ’80: la omnipresente Movida madrileña con, si acaso, alguna excursión a la Movida viguesa. Pero Movida, Movida y Movida. Y parece que no hubiera pasado absolutamente nada más en la década de apertura y regreso a la democracia de un país que llevaba reprimido culturalmente durante cuatro décadas y que, en la década de los años ’80, acogió y resignificó tendencias.

Así lo deja claro Ritmo Fantasía, el magno recopilatorio en el que el coleccionista venezolano y productor musical residente en Berlín, DJ Trujillo, rescata del olvido hasta 21 canciones que no pertenecen a ningún imaginario icónico ni a ninguna tendencia al alza, pero que sí que proyecta un relato: el del germen de varios movimientos musicales que, sin ser tendencia en aquella época, estaban germinando lo que serían escenas importantes en la música pop de vanguardia de las siguientes décadas.

Nombres absolutamente desconocidos y que formaron parte del underground español entre los años 1982 y 1992 que exploran en las cavilaciones de un disco de corte funk, un groove del boogie electrónico, un proto-chill-out que luego se exportaría a las sesiones de Café del Mar en Ibiza y hasta tics que coqueteaban con el rap o la folktrónica.

Músicas sensuales y para hacer petting en una puesta de sol (I Love My Body o Costa verde), hits que se debaten entre la inocencia y la sexualidad explícita (Suave, Rebelde silueta o Me vas cantidad), bajos y estructuras que renovaban los elegantes postulados de La Mode o Golpes Bajos (Amor en el cielo o Jamás me casaría con un pirata), música de ascensor en diálogo directo tanto con Kenny G como con Semen Up (Divorcio o Ciutat), contracciones folktrónicas impensables en aquellos años (las explícitamente descriptivas Arabian, Tango? o Flamenco Rap) o música disco para proto-bakalas (Tabu o No estás).

Pura magia encajonada en un baúl que menos mal que alguien ha abierto de una vez y que ayuda a entender de dónde vienen varias de las derivas sonoras de los últimos treinta años en nuestro país.

Alan Queipo.

ÌFÉ – 0000+0000 (Discos Ifá, 2021)

Fri, 03 Dec 2021 09:45:35 +0100

No hay mejor conjuro que el de la música. Bien lo sabe una de las personalidades más curiosas de la música afrolatina de las últimas dos décadas largas: el afroamericano Otura Mun, sacerdote del ifá o babalawo en la religión yoruba, y a la vez, una de las piezas fundamentales de la música puertorriqueña de vanguardia, cuando a finales de la década de los años ’90 se implicó en la producción de álbumes de artistas esenciales de la isla como Cultura Profética, Calma Carmona o Mima.

Pero todo cambió cuando hace algo más de un lustro se puso la toga de artista en solitario bajo el nombre de ÌFÉ, una suerte de extensión de la vida espiritual que marca su activismo religioso, pero también curiosamente inspirado en la facción tanto tribal de los rituales ancestrales yorubas, como también por una idea absolutamente vanguardista, muy apegada a las producciones electrónicas, utilizando herramientas como el auto-tune y texturas propias de artistas de corte avant-garde.

Así lo había dejado claro hace cuatro años en el aclamado “IIII+IIII”, que ya desde el título, que aunque no lo creáis se pronuncia “Edgy-Og-Bay”, descubre la inspiración yoruba de los símbolos de la religión Ifá. Por el mismo camino va “0000+0000”, que se pronuncia “Yay-koon May-yee”, y que da incluso un paso adelante con respecto al debut: se sigue jugando a la polirritmia ancestral, con cantos rituales y plegarias sonoras que rinden pleitesía a dioses; pero íntimamente conectado también con las tradiciones de la cultura afroamericana de Nueva Orleans.

El repertorio se antoja como una suerte de manifestación híbrida entre la cultura yoruba de Cuba y Puerto Rico y la cultura religiosa afroamericana de zonas como Nueva Orleans, pero manifestado a través de ÌFÉ como un médium que las conecta y que las expulsa de su cuerpo a través de guiños que van desde el soul (“Voodoo Economics”), el groove afrocaribeño (“Tu sabes k si”), una suerte de post-salsa tecnotrónica (“Fake Blood”), el góspel yoruba (“Closing Prayer”) o un ritual religioso para festivales como el Sónar (“Fireflies”). No sé cuál será vuestro Papa, pero el mío es ÌFÉ.

Alan Queipo.

Arca - kIck ii-iii-iiii-iiiii (XL Recordings, 2021)

Fri, 10 Dec 2021 09:11:58 +0100

Bad Bunny puso patas arriba la industria de la música al publicar tres discos a lo largo de 2020. Arca le ha superado sacando del tirón cuatro álbumes, y ni siquiera ha necesitado un año, tan sólo cinco días. Entre el 30 de noviembre (fecha de salida de ‘KICK ii’) y el 3 de diciembre (cuando sacó ‘kiCk iiiii’, precedido entre tanto por la tercera y la cuarta entregas) la venezolana residente en Barcelona Alejandra Ghersi ha dinamitado los restos que aún quedaban de un universo discográfico ya obsoleto.

Fuimos legión los que nos equivocamos al usar adjetivos como “extraterrestre” para definir durante los primeros pasos de su carrera (circa 2015, cuando debutó en el festival Sónar junto a Jesse Kanda) a una artista que, en realidad, no ha hecho más que adelantarse al futuro. Su propuesta no puede ser más visionaria: la destrucción del género, la conexión con la realidad virtual, la tecnología implantada en los cuerpos… Su arte es pura confusión, encuentra la belleza en el caos, destruye las convenciones sociales con ironía brutal y talento.

En esta monumental saga teje conexiones con el hyperpop y el reggaetón digital (cruce imposible entre Alice Longyu Gao y Kelman Duran), con la electrónica gorda y oscura de Fuck Buttons, con el arte experimental y el sonido abstracto, con las pelis de Cronenberg… una amalgama de referencias que ella convierte en algo único, una suerte de neo ciberpunk queer. Ahí está su mensaje más poderoso: el orgullo de ser diferente ante los ojos de una sociedad que aún habita el pasado; ella es una de las voces que ya están construyendo el presente.

José Fajardo.

Vetusta Morla – Cable a tierra (Pequeño Salto Mortal / Sony Music, 2021)

Fri, 10 Dec 2021 09:25:31 +0100

“Acumulamos folclores y acentos que nunca mamamos de niños en nuestro colchón”, canta Pucho en “La Virgen de la Humanidad”, uno de los sencillos más celebrados del nuevo disco de Vetusta Morla. Y no un disco cualquiera: un nuevo intento de la banda alternativa más masiva de España de moverse de su sitio. Y una manera de que aquello que acumularon sin expresar, ahora lo vomiten en uno de sus mejores discos hasta la fecha.

Ya lo habían intentado en el irregular “Mismo sitio, distinto lugar”, un álbum producido por el célebre Dave Fridmann (productor de Tame Impala) que sirvió para sacarlos de su zona de confort sonora y tratar de revolucionarse a sí mismos para revolucionar a los demás, pero cuyo repertorio no los acompañaba del todo. La recepción de la crítica fue algo fría, y para su público, que siguió creciendo en número (el álbum lo presentaron ante casi 40.000 personas en La Caja Mágica: un hito histórico), no es un disco que se antoje como básico en su discografía.

Con “Cable a tierra”, y parafraseando la frase con la que empezaba el artículo, se nos presenta el nuevo registro del combo tricantino como “su disco folclórico”. Una suerte de apellido con vocación de clickbait que no busca la literalidad, pero sí la evidente intención que tienen en su cancionero: la influencia tanto de ritmos tradicionales de diferentes territorios de España, como de la influencia que el rock y los ritmos latinoamericanos han ido marcando el devenir sonoro de la banda.

Ya habían hecho gestos en discos anteriores a esa influencia tanto folclórica como latinófila en canciones como “Maldita dulzura”, “¡Alto!”, “23 de junio” o “En el río”, entre otras; pero lo cierto es que, aunque Vetusta Morla no pierden esa épica y esa intensidad in crescendo que los caracteriza y que los ha convertido en una de las bandas más importantes de la historia de la música española y del movimiento mal llamado ‘indie’; sí que se nota el ejercicio de estilo de acercar su registro a texturas, ritmos y cadencias propios de la música tradicional. Desde el título, en alusión a la conexión con la tierra pero también con un clásico de Fito Páez del mismo título (“Cable a tierra”) dejan entrever ese juego de tics y referencias.

Algo que se hace canción tanto cuando en “Finisterre” tiran de panderetas y de un ritmo que se debate entre una zamba argentina y una muiñeira gallega; como cuando en “La Virgen de la Humanidad” parafrasean a Charly García en un armazón casi de tumbao arrancherado; cuando en “Puñalada trapera” deconstruyen un carnavalito andino; cuando en “La Diana” resuena una inspiración fronteriza y tex-mex; cuando cantan una suerte de neo-serenata en “Si te quiebras”; o cuando en “No seré yo” crean un edificio de ritmos y armonías que rehacen la idea de canción popular iberoamericana; Vetusta Morla consiguen moverse de su sitio y resignificar los códigos de las tradiciones latinas y hacer de la música de antes de ayer una vía de acceso directa al pasado mañana.

Alan Queipo.

Terror/Cactus & Guazú - Simbiosis (Earthly Measures, 2021)

Fri, 10 Dec 2021 09:56:07 +0100

La escena de la electrónica andina se fue desmoronando casi con el mismo ímpetu con el que se puso de moda. Quizá ese fue el problema: muchos de los productores que participaron en su nacimiento no aspiraban a ser tendencia global, más bien rechazaban esa concepción mercantilista de la música. Así fue como Nicola Cruz se fue escorando hacia un sonido mucho más árido cercano al techno o Chancha Via Circuito se zambulló en lo experimental.

Por suerte, la llama sigue viva gracias a otros artistas que han seguido transitando en el circuito, reinventando un sonido que es infinito como lo son las selvas, montañas y ríos que atraviesan Latinoamérica. Desde El Búho hasta Quantic o Cerrero, quien está explorando la fusión de la cumbia y la electrónica contemporánea junto a sonidos del Pacífico colombiano en una propuesta realmente fascinante y novedosa.

En esa lista hay que sumar a Terror/Cactus, alter ego de Martín Selasco, nacido en Buenos Aires, criado en Miami y con base de operaciones en Seattle. Como Cerrero, explora una mezcla inédita: en su caso, suena a Los Straitjackets mezclados con psicodelia de club, chicha peruana y cumbias andinas. Es ese espíritu del surf rock que bebe de iconos como Dick Dale lo que hace tan refrescante su propuesta.

En este trabajo se alía junto a su compatriota, el polifacético músico argentino Lucas Page (alias Guazú) y además participa el productor experimental hondureño Abi Lean, que remezcla dos de los cortes al final del disco. Es música instrumental pensada para el club, atiborrada de atmósferas lisérgicas y pasajes para dejar volar la mente y soñar que uno tiene las alas del cóndor y vuela cada vez más alto.

José Fajardo.

Dillom – POST MORTEM (Bohemian Groove, 2021)

Fri, 10 Dec 2021 10:05:59 +0100

Dillom muere cuando quiere y renace como le dé la gana. Esa es un poco la idea de uno de los artistas urbanos más singulares de Argentina (el mayor semillero de artistas del género de estos últimos años) y líder del colectivo RIP Gang. Hay algo en la muerte que siempre ha orbitado en el universo del colectivo y, de algún modo, Dylan León Masa, el ser humano que habita (dentro o fuera) de Dillom ha decidido organizar el funeral de, al menos, una parte del Dillom que creemos que existe.

“POST MORTEM” se despide deja atrás al Dillom que creíamos conocer y al que identificábamos en una órbita formalmente trap, para presentarnos a un Dillom que resurge casi como renacido. Él mismo confesó que no le gusta escuchar sus canciones antiguas, y este año, en medio de la vorágine de lanzamientos sin cesar, él lleva dos años dedicado a armar el repertorio de un álbum que lo ayude a reiniciarse en el marco de un movimiento en el que cada uno de los símbolos que forman parte de ello están tratando de resaltar sus singularidades y de sobresalir por su personalidad.

La de Dillom se encuentra, por un lado, en una lírica sarcásticamente frontal, con un registro vocal entre aniñado y amorfo, que conecta con un sonido en el que el universo del cyberpop colinda con el del trap estándar, a la vez que, en este álbum debut, le hace ojitos a géneros que van desde el pop o el metal hasta la cumbia villera o sonidos más electrónicos. En el marco de artistas que utilizan los códigos de la cultura rock (WOS), del pop alternativo (Paco Amoroso), del funk alterlatino (CA7RIEL) o del trap-rock (Duki), Dillom destaca por su carácter impredecible, casi como si su álbum fuese una coctelera de géneros en las que las decisiones las toma alguien con Síndrome de Tourette.

De ahí que sea curioso que nos encontremos con canciones que parecen hechas por el Marilyn Manson de “Mechanical Animals” (“REALITY”); deslice hits generacionales en el que caben en la misma frase “mis opps son medio opa, lo fumo con falopa” y “quiero revivir a mi perro” (“OPA”); utilice la estética del indie pop (“BICICLETA” o “220”), del cyberpop (“POST MORTEM”), del rap-rock pesado (“PISO 13” o “RILI RILI”) o del RKT junto al fenómeno L-Gante (“HEGEMÓNICA”), a la vez que manda un saludo al Fito Páez de solo piano (“TODA LA GENTE”) o a blink-182 (“ROCKETPOWERS”).

Alan Queipo.

ODDLIQUOR – 4x4 (Autoeditado, 2021)

Thu, 16 Dec 2021 08:58:29 +0100

En política se suele hablar mucho de ser dueño del “relato”. Una palabra y un concepto que ha ido mutando de significado con el correr de los años, pero que básicamente viene a decirnos que quien sea dueño del relato es dueño de su propia historia.

Esa es la gran conquista que le obsesiona a Marcos Terrones, más conocido como ODDLIQUOR, uno de esos secretos a voces del circuito alternativo estatal, y que tras dos álbumes en solitario y colaboraciones fundamentales en repertorios como los de Nathy Peluso, Cruz Cafuné, Natalia Lacunza o DEVA, por mencionar solo una pequeña muestra de artistas con los que trabajó el madrileño, en “4x4” parece poder explicar mejor que nunca su propia historia.

Una historia que desde los inicios viene marcada por el sonido del r&b americano de los primeros dosmiles: ese que Timbaland heredó de las producciones de Diddy pero que, en manos del artista de Parla, ha encontrado cierto acento autóctono dentro del imaginario del nuevo pop español.

Es natural que, a pesar de que él lleva teniendo voz propia desde hace más de un lustro, al escuchar su nuevo álbum se nos marquen referencias como las de Sen Senra, Alizzz o el C. Tangana menos rumbero; pero lo cierto es que en “4x4” da un paso de gigante a la hora de resaltar sus marcas personales más reconocibles. A pesar de ser un álbum especialmente largo (16 canciones y casi 50 minutos) en una era en donde el concepto del disco cotiza a la baja y la inmediatez marca el minuto, la escucha es especialmente fluida.

Cierto es que hay algunas canciones que resultan demasiado hermanas de las otras, y que el álbum podría haber ido algo más ligero de peso; pero se nos pasa cuando escuchamos giros que van desde el r&b sinfónico (“No se lo digas a mamá” podría haber sido un hit de One Republic), cuando encuentra el groove del soul en medio de bajos funkys (“Tiro el micro”), cuando sale a la caza del Justin Bieber más baladista (“Feliz con poco, aunque quiera más”), cuando coquetea con el funk-rock junto al argentino CA7RIEL (“No voy patrás”), cuando le duele la cara de ser tan guapo (“Hoy me he levantado pibón”, “Chulo sin querer” o “Nadie me va a joder el mood”), cuando deconstruye un reggaetón (“Tengo la cara cansada”) o cuando deshace el trap desde el pop amorfo más vanguardista (“Idiota”). El nuevo pop suena de diferentes maneras en este “4x4”. Sube a darte un paseo.

Alan Queipo.

Sara Curruchich - Mujer indígena (Mamita Records, 2021)

Fri, 17 Dec 2021 11:08:43 +0100

Son muchx lxs artistas que en los últimos años han reivindicado sus orígenes ancestrales, mezclando la tradición indígena con sonidos contemporáneos como el hip hop (Renata Flores), la electrónica (Lido Pimienta) y el rock (Los Cogelones). La guatemalteca Sara Curruchich tan sólo necesita su voz y su guitarra para lanzar un poderoso grito por la dignidad y la justicia.

Nacida en 1993 en la comunidad maya kaqchikel de San Juan Comalapa, su música se acerca a otras creadoras contemporáneas que usan las lenguas originarias como la soprano mixe originaria de Oaxaca (México) María Reyna, las cantautoras kichwa Tamya Morán y Mariela Condo en Ecuador o la cantante mapuche Daniela Millaleo en Chile.

La autora del prometedor debut ‘Somos’ (2019) recupera la tradición de la canción protesta latinoamericana, cita a Lila Downs (quien colabora en ‘Pueblos’, el gran himno de este disco) pero también a leyendas del folclore como las colombianas Totó La Momposina y Petrona Martínez. Su música resuena en un mundo globalizado con toda la fuerza de quien sabe que lleva la razón. Estas canciones son valientes y tocan el alma.

José Fajardo.

Leiva – Cuando te muerdes el labio (Sony Music España, 2021)

Mon, 20 Dec 2021 09:54:45 +0100

Aunque no ha parado de facturar éxitos y de labrar una carrera en solitario permanentemente ascendente con cada uno de sus nuevos trabajos, estaba empezando a versionarse a sí mismo Leiva. Había algo que se percibía en “Nuclear” que ya sonaba en un registro muy similar a, sobre todo, “Monstruos” y “Pólvora”, los álbumes que, después del debut “Diciembre”, marcó el registro del ex Pereza, convirtiéndolo en uno de los más convocantes y populares del país.

Estaba cayendo en una espiral en la que es habitual caer (que se lo digan a Fito & Fitipaldis, si no): la de un registro funcional, que en el caso de Leiva estaba marcado por un rock de autor que bebe tanto del espíritu de Andrés Calamaro con la vocación de Joaquín Sabina y el sonido a big band rockera de Tom Petty & The Heartbreakers. Bueno, pues eso no sucede en “Cuando te muerdes el labio”, un álbum que rompe con esa mirada serial que había definido la carrera en solitario del que fuera una de las mitades de Pereza.

Más allá de ese punto casi genético marcado por duetos con artistas mujeres iberoamericanas en absolutamente todas y cada una de las catorce canciones del disco; más allá de algunas canciones de registro relativamente continuista (“A medio centímetro”); hay algo en el sonido e incluso en la propuesta conceptual del nuevo álbum del de la Alameda de Osuna.

Suena especialmente interesante y diferente a sus anteriores álbumes cuando sale a la caza del groove, en un tratamiento cercano incluso al de Parcels: tanto cuando tira de una base disco-folk con variaciones casi de tango (“Flecha”) como cuando deja aire en una especie de r&b a lo Amy Winehouse (“Premio de consolación”, “Infinitos”) o cuando firma una suerte de indie de autor con un ritmo pesado y airoso (“Histéricos” o “Inertes” con sus bajos gordísimos).

Pero también brilla cuando se acerca a tradiciones ajenas desde su mirada: cuando firma una especie de bolero indietrónico (“Con el pañuelo en los ojos”), cuando compone una serenata de dormitorio (“Diazepam”), cuando suena casi góspel (“Blancos fáciles”) o bluegrass (“Stranger Things”). Un paso adelante en un artista que comenzaba peligrosamente a caer en la repetición y en la versión de sí mismo y que ha conseguido hacer más líquido su registro.

Alan Queipo

Cristian de Moret - Supernova (Spyro Music, 2021)

Mon, 20 Dec 2021 10:11:03 +0100

Tras esa generación de artistas que empezó a construir una idea de nuevo flamenco (Soleá Morente, Rocío Márquez) ya se ha consolidado un grupo más joven que no cesa de innovar. Más allá de Rosalía (cabeza más visible de un movimiento diverso que sigue creciendo) voces como las de Rosario La Tremendita, Kiki Morente y Lucía Fernanda siguen construyendo un camino por donde avanzar al futuro sin repetir lo que había antes.

Cristian de Moret se ha convertido este año con su debut en uno de los nombres más prometedores en esta efervescente escena. Su mezcla de rock guitarrero con un punto lisérgico, un quejío impecable y una versatilidad instrumental apabullante (domina la guitarra, la voz, el piano y además compone) le acercan a referentes tan diversos como Tinariwen (ese blues del desierto) o los Derby Motoreta’s Burrito Kachimba en versión desenchufada. Hasta con Radiohead le han comparado, por esas atmósferas que alcanza a través de detalles electrónicos.

‘Supernova’ es un álbum que apunta a muchos lados y no falla un solo disparo, tanto como cuando se alía con referentes absolutos del flamenco libre como Jorge Pardo como en experimentos tan arriesgados como es versionar ‘La Leyenda del tiempo’ de Camarón. Este onubense del 88, afincado en Sevilla, no sólo sale ileso sino fortalecido de este álbum primerizo tan arriesgado. Tras colaborar con iconos como Carmen Linares, habrá que seguirle de cerca en este nuevo camino en solitario.

José Fajardo

Lucía Fernanda - Yelem (Sony Music, 2021)

Thu, 23 Dec 2021 14:32:48 +0100

Las mujeres han marcado el paso de la renovación del flamenco durante el último cuarto de siglo. Desde Rocío Márquez y Soleá Morente hasta Rosalía y María José Llergo, son ellas las que con su talento y valentía, con su visión transversal y su capacidad para emocionar, han agitado los cimientos del género. La última en llegar es Lucía Fernanda pero es tal la fuerza con la que ha abierto la puerta, que su lugar ya está entre las grandes.

A medio camino entre el alcance pop y el espíritu desenfadado de Camela, la fusión con alma y los raudales de carisma de Queralt Lahoz y la autenticidad de Rosario La Tremendita, ‘Yelem’ es uno de los debuts más importantes del nuevo flamenco. Hija de Antonio Carmona y Mariola Orellana (nieta de Pepe Habichuela, a quien reivindica en este álbum junto a otros referentes como Parrita), Lucía Fernanda se despoja de su apellido para no deber nada a nadie.

Su singularidad es esa habilidad como productora (estuvo en Cambridge aprendiendo los secretos del sonido) y su versatilidad estilística: brilla junto a Moncho Chavea en el flamenco urbano tan popular entre los jóvenes de extrarradio pero también en las baladas tecno pop, en los pasajes de r&b contemporáneo y hasta en los intervalos de flamenco más ortodoxo. El futuro del cante jondo ya está aquí.

José Fajardo.

Rosario La Tremendita – Tremenda (Autoeditado, 2021)

Mon, 27 Dec 2021 09:39:04 +0100

Acabemos de una vez con medir a toda la nueva generación de artistas flamencos con Rosalía y “El Mal Querer”. Habrá artistas que sí que tengan parentesco musical o una conexión con la evolución que la catalana planteó del flamenco en los últimos años; pero muchos y muchas otras, como es el caso de Rosario La Tremendita, llevan articulando un discurso propio muchos años, abriendo caminos diferentes y firmando algunos álbumes que deberían entenderse como fundamentales en el género. “Tremenda” debería ser uno de esos caminos que inicien una bifurcación nueva para el flamenco.

No sabemos si era la intención de Rosario dejar esa metáfora en el título, pero todo indica que es una afirmación de la sevillana de su transformación de Tremendita en Tremenda. Y es que, aunque en su anterior placa (“Delirium Tremens”, de 2018) ya dejaba patente un estilo en el que su conexión tanto con la tradición como con sonidos que van del jazz y el funk a una suerte de quejío progresivo; su ya cuarto álbum de estudio es su punto de equilibrio más logrado y una manera perfecta para poner por delante sus propias credenciales, más allá de referentes y tendencias.

La fusión de la tradición con la vanguardia es absoluta en un álbum que cocinó junto al multiinstrumentista Pablo Martín Jones (un nombre indispensable en la canción ibérica del siglo XXI), con quien salta a un vacío en donde las texturas electrónicas se mezclan con una suerte de flamenco fusión progresivo (“Serneta”), parece forjar una identidad a tientas entre el Bowie más espacial y el espíritu del Mario Pacheco más flamen-jazz (“Un mundo nuevo”), se erige levitante en una especie de taranta voladora (“Mi voz”), genera un encuentro entre Chambao y Morente (“Oye mi voz”), entre Niña Pastori y Holly Herndon (“Dime”), entre Lola Flores y Caetano Veloso (“Abuelería”) o sale a la caza de un groove casi funk en medio de la deconstrucción del quejío (“Tremenda Valeriana”), entre otros saltos al vacío que deberían celebrarse como icónicos ante una gran dama del flamenco contemporáneo. Tan enorme como tremenda.

Alan Queipo.

Sangre Nueva - Goteo (Club Romántico, 2021)

Thu, 30 Dec 2021 10:15:24 +0100

2021 queda como el año en que las corrientes subterráneas del reggaetón emergieron a la superficie para reclamar su altavoz. Desde todas partes del mundo, la diáspora latina mostró la diversidad de un género inabarcable y con una infinita capacidad de reinvención. Otro reggaetón distinto al que suena en las radios comerciales es posible, por mucho que los talibanes sigan blandiendo sus banderas anti-perreo: un reggaetón subversivo que expresa la voz de las calles mientras invita al baile y a la acción comunitaria.

Kelman Durán es uno de los referentes de esta escena: desde 2017 imagina nuevos caminos para los ritmos de baile con propuestas tan fascinantes como su seminal ‘6 de la mañana’, una canción hoy casi imposible de encontrar en plataformas (desapareció en Spotify, apenas se encuentra en vídeos subidos a YouTube por fans), que un par de años después el artista dominicano afincado en Los Ángeles recuperó en formato álbum (con el mismo nombre). Su propuesta ha sido bautizada como “reggaetón psicodélico, cerebral y político”, en un intento absurdo de describir con palabras algo que todavía no existe.

Sangre Nueva es su nuevo proyecto junto a otros dos vanguardistas del circuito: por un lado, el DJ colombiano Florentino, icono del llamado “reggaetón romántico”, en realidad uno de los productores más inquietos, que ha triturado el sonido más calenturiento con los nuevo ritmos que suenan en los clubes underground del Reino Unido, donde vive desde hace tiempo; por otro, DJ Python, ecuatoriano afincado en Nueva York, que lleva varios años mezclando reggaetón, dancehall y dembow con las últimas corrientes del deep house.

Este EP de sólo cuatro temas muestra el futuro de un sonido al que muchos quisieron colgarle el sambenito reduccionista de “tendencia” cuando en realidad lleva décadas resonando en las fiestas periféricas de todo el planeta. La explosión global de la música de origen latina y cantada en español sólo ha supuesto su apertura a públicos más masivos, pero lo cierto es que bajo la superficie este sonido siempre ha estado ardiendo. Abran paso a la sangre nueva del reggaetón.

José Fajardo.

Lisandro Aristimuño & Fernando Kabusacki – =EP8 (Viento Azul, 2021)

Thu, 30 Dec 2021 10:04:41 +0100

Más allá de que parece que el grueso de la música popular se tiene que construir de una manera formal (estrofa, puente y estribillo) y respondiendo a ciertos tics tendenciosos para que funcione; existen otras grietas que abren camino a miradas mucho más angulosas: una música casi de accidentes, que se construye casi en un work in progress impredecible.

Es el caso de “=EP8”, un álbum con título de personaje de Star Wars pero que genera una coalición, por un lado, de dos prestigiosos músicos argentinos de raíces diferentes, pero, sobre todo, es un ejercicio de construcción de un imaginario sonoro paisajista, accidental e incidental, que bascula entre la indietrónica experimental, el free jazz digital y la banda sonora de una película imaginaria.

Los culpables son, por un lado y a las programaciones electrónicas, el patagónico Lisandro Aristimuño, uno de los cantautores argentinos más importantes de lo que llevamos de siglo; con un código que siempre ha sabido combinar la tecnología con la mirada de autor, en un registro que siempre se lo ha comparado con artistas como Thom Yorke, Bon Iver o Jorge Drexler. Por otro lado y a las guitarras mutantes, el rosarino Fernando Kabusacki, uno de los grandes popes de la guitarra argentina más experimental y jazzera; además de ser un músico que ha tocado con iconos como Charly García, Tricky, Juana Molina, Robert Fripp o Jim O’Rourke, entre otros.

Juntos, firman un álbum que es un imaginario de constelaciones paisajísticas. Con momentos en los que coquetean con cierta mirada de raíz (“Paisaje”), con otros en donde rescatan psicofonías digitales para componer ritmos (“Noctámbulos”), otros en donde desarrollan la vis más “Kid A” del álbum (“Astronautas”), otros en donde firman una suerte de viaje vaporosamente orgánico (“Aire”), otros en donde rehacen el ruidismo incidental (“Moléculas”) o donde juegan a la suite operística (“TV”). Un viaje por las profundidades de los cables y la posibilidad absolutamente libre de que la música orgánica y los fallos de sistema se abracen en el momento justo.

Alan Queipo.

Pablo Dacal – Cancionero Federal (Discos Crack, 2021)

Fri, 07 Jan 2022 08:55:24 +0100

A veces pasa que tiene que venir alguien de fuera a entender y transmitir mejor la idiosincrasia de los países que habitan. Esa mirada casi exótica y de visitante que acaba jugando de local es la que tuvo el siciliano Andrea Corsini, conocido popularmente como Ignacio Corsini, cuando llegó a Buenos Aires en 1901, a los diez años de edad, en un buque transatlántico.

Los años le hicieron entender mejor la idiosincrasia bonaerense y porteña, viviendo y trabajando en ciudades como Carlos Tejedor o el barrio de Almagro, donde conoció al payador José Luis Betinotti, que se convertiría en un modelo a seguir. Un modelo que le inyectó la pasión por canciones de tinte campero, folclórico o los géneros que mejor definieron su perfil artístico: el tango y la milonga guitarrera.

Para bien o para mal, coincidió en tiempo y lugar con Carlos Gardel, la omnipresente figura y casi logotipo del tango en todo el mundo, que eclipsó figuras como las de Corsini que, sin embargo, dejó un repertorio indeleble de clásicos populares que forman parte de la genética de la canción federal argentina, que ayudaron a construir un proto-lunfardo de tango-canción elemental.

De ahí que un trovador contemporáneo como Pablo Dacal haya decidido reivindicar la figura del trovador italo-argentino que compuso clásicos como “La Pulpera de Santa Lucía”, “La China de la Mazorca” o “La Bordadora de San Telmo”, entre otras. La reivindicó en el ensayo “Por qué escuchamos a Ignacio Corsini”, que editó Gourmet Musical; y, mejor y más gráfico aún, lo revindica en este “Cancionero Federal” en el que versiona varias de las canciones más populares de Corsini, especialmente las que escribieron iconos olvidados como Héctor Pedro Blomberg y Enrique Maciel.

Un cancionero en crudo y casi en directo, en el que Dacal se rodea de tres guitarristas que llevan estas milongas, valses y el clásico formato de tango-canción a un nivel de transparencia y frontalidad que es la mejor manera de entender cómo repertorios que empiezan a contar sus años en siglos sigan floreciendo atemporales y absolutamente necesarios de recuperar.

Alan Queipo.

Revueltas - Vol. 1 y 2 (New Latam Beats)

Fri, 07 Jan 2022 09:52:54 +0100

Hay discos que logran capturar el fogonazo creativo de un episodio histórico. Es lo que hace Revueltas con la imparable explosión de talento entre las mujeres de Chile. Este recopilatorio bebe de la Primavera Latinoamericana que sacudió la región en la segunda parte de 2019, de las protestas de lxs estudiantes chilenxs que han desembocado en un cambio político, de las movilizaciones feministas y de otras tantas transformaciones impulsadas por ciudadanos que al fin han dicho basta.

Más aún que todo eso, estos dos volúmenes editados por la plataforma local New Latam Beats confirman un rumor cada vez más ensordecedor: la música alternativa en Chile es una de las más excitantes ahora mismo. Y, en ese movimiento cultural, son las mujeres las que marcan el paso. Aquí hay 28 canciones inéditas grabadas exclusivamente por mujeres que exploran todas las aristas de la electrónica contemporánea: house mestizo, neo tropicalismos, techno selvático, trance futurista…

“Cada track tiene su esencia y estilo particular. Siento que cada productora me habla mucho en sus tracks, escucho y siento sobre política, amor, baile, emoción, etc., y siempre se siente un poco de Latinoamérica, que es lo que yo también buscaba en este compilado, que tuviera, de alguna forma, el sonido de nuestra parte del mundo”, explica Carla Valenti, una de las impulsoras. Junto a ella, participan artistas y colectivos tan fascinantes como Cholita Sound, Fernanda Arrau, Entrópica, Brava, Valentina Peralta, Madela…

José Fajardo.

Agustín Guerrero – Estupidez (Club del Disco, 2021)

Fri, 07 Jan 2022 10:21:31 +0100

En tiempos de cancelación y corrección política, lo primero que suena en “Estupidez” es: “con laburo hasta la pija, medio croto, dije: “¡Tío! ¡Él nunca me falló! ¡Si me caga lo cuelgo del escroto!”. ¿Y no va el hijo de puta y me cagó? Pensé: “soy un sorete, entonces floto, qué bronca…”. Y la hemorroide explotó. ¿Y vos? Garca, concheto, forro, choto, ¿qué mirás? ¡La puta que te parió!”. No es casualidad que este lunfardo actualizado, de una violencia verbal callejera evidente, abra el inabarcable disco-libro de un Agustín Guerrero que juega a la disidencia de los disidentes en un magno ejercicio de tango zappatista.

Así es como se ha definido el sonido del quinteto que capitanea Agustín Guerrero: el tango que tocaría el Frank Zappa más endemoniado. Hay algo de psicodelia y mucho de free jazz, pero la base tanguera y neo-lunfarda comanda un barco que juega a estar siempre en la deriva para allanar nuevos horizontes sonoros desde un concepto incendiario: aniquilar la solemnidad y los libros de estilo.

Lo consigue en “Estupidez”, un disco que es otra cosa: una hora en la que se intercalan quince poemas en soneto escritos y leídos por el periodista y escritor Pablo Marchetti con quince canciones instrumentales del mismo título que los poemas en las que colinda ese tango amorfo, caótico y fuera de todas las formalidades y protocolos respetuosos de un género que, en este álbum, se vuelve líquidamente viscoso. Un tango con mucha conexión con el universo Zappa, sí, pero también con el del verso libre de Luis Alberto Spinetta, el caos pianístico de Leo Maslíah, la policromía de Animal Collective, el after-jazz de Charles Mingus o la deconstrucción automática de Eduardo Mateo.

El formato casi de ensayo sonoro poético y cáustico, libre y desprejuiciado, rompiendo cánones sonoros pero también formales, demuestra la grandeza inabarcable de “Estupidez”: un objeto que se transforma en una cosa diferente cada vez que se toca, se lee o se escucha. Un ejercicio de nueva percepción sonora que lleva el tango a nuevos precipicios, que es algo que nunca debió haber perdido el género y logotipo cultural porteño en el mundo por antonomasia.

Alan Queipo.

Las Ninyas del Corro - Onna Bugeisha (Autoeditado)

Mon, 10 Jan 2022 09:39:36 +0100

Una segunda edad dorada del hip hop se abre paso en España. Nunca este sonido había gozado de tanta popularidad, alcanzado el mainstream desde lo subterráneo. Con un discurso nuevo y toda la frescura de la juventud, proyectos como Las Ninyas del Corro recuerdan a los inicios de referentes de los 90, en su caso a Mala Rodríguez.

El debut de estas catalanas, como el de la andaluza, va sobrado de chulería y flow, de barras memorables y una mirada desprejuiciada. Laüra Bonsai y Felinna Vallejo aseguran representar en sus letras “a las charnegas de periferia”, pero en realidad se han convertido sin quererlo en símbolo de todas esas jóvenes que sólo han conocido las crisis económicas.

Su imaginario es singular, recuerda más bien a clásicos de Estados Unidos como Wu-Tang Clan (toda esa fantasía de referencias a las artes marciales y a la estética anime de sus videoclips). Lo mismo sucede con las bases (detrás están productores como Yeke Boy y Esse Delgado): elegantes y rotundas, le tiran al free jazz y huyen de las tendencias de moda.

Las Ninyas del Corro ocupa un vacío clamoroso: la escasa visibilidad de las mujeres en el rap en español, una injusticia que por suerte está cambiando gracias a nombres como Anier, Machete En Boca, IRA, Santa Salut, Sara Socas y tantas otras. Ellas le han dado la vuelta a la situación y ahora los hombres, en sus videoclips, son mero atrezo.

José Fajardo.

Pedro Sá – Um (Balaclava Records, 2021)

Thu, 13 Jan 2022 14:16:04 +0100

Quien no lo conozca y se deje llevar solo por su música publicada con su propio nombre podrá pensar que es un recién llegado… pero nada más lejos de la realidad. Pedro Sá ha formado parte de las bandas de Gal Costa, Maria Bethania o Adriana Calcanhotto; pero, sobre todo, se dio a conocer por formar durante varios años de la Banda Cê de Caetano Veloso, en la que no sólo fue guitarrista, sino el productor de álbumes elementales del repertorio del bahiano en este siglo como “Cê”, “Zii e Zie” y “Abraçaço”.

Pero ha sido hace tan solo unas semanas que las canciones de “Um”, casi una especie de onomatopeya que define el universo sonoro que convive en su cabeza, se han puesto en circulación.

Un cancionero centrado en la guitarra y voz, pero completamente alejado de los estereotipos cantautoriles: se acerca a la bossa por la vía digital, trata la guitarra como si fuese un bajo, se inspira en un marco de referencias que conecta con el espíritu de Arto Lindsay, John Frusciante o Eduardo Mateo y construye las canciones desde el reverso psicodélico de la tropicália posmoderna.

Tanto cuando entra en una barrena de loops monotonales para edificar una canción impredeciblemente imperativa (“Pare de correr”) como cuando firma una suerte de canción de autor en clave jazz y suite psicodélica (“Dia”), como cuando se arranca con una pieza incidentalmente funky a lo Red Hot Chili Peppers de su era ácida (“Colapso”), como cuando deconstruye la bossa nova desde las inyecciones digitales (“Um Conselho”), cuando se acerca al blues brasileño (“Quem”), cuando suena a una suerte de Jorge Drexler de la vía láctea (“Ha Úm”) o cuando compone un hit-antihit (“Maior”), Pedro Sá está dando con algo que desconocíamos, pero que ahora vive para siempre.

Alan Queipo.

Berwyn - Tape 2 / Fomalhaut (Sony Music)

Thu, 13 Jan 2022 14:52:35 +0100

La historia de Berwyn podría haber sido la de tantos otros hijos de la diáspora latinoamericana perdidos en el anonimato de una gran ciudad europea: el desarraigo, la falta de oportunidades, la pobreza, la áspera realidad de la vida en la calle. Y así fue, hasta que en 2020 este artista que nació en las islas caribeñas de Trinidad y Tobago y se mudó con nueve años a Londres, apostó todas las cartas de su futuro a la música. Al año siguiente, con el fascinante ‘Demotape/Vega’ como carta de presentación, se coló en la influyente lista de BBC Sound Of entre las grandes promesas de 2011. Y no defraudó.

Con este ambicioso segundo álbum, editado por Sony, deja atrás las comparaciones de sus inicios (Sampha, James Blake) para ganarse un nombre propio en la nueva escena del híper competitivo hip hop británico. Su propuesta se sostiene sobre unas letras confesionales, puro intimismo y desgarro, que crecen con unas bases hipnóticas y sobrecogedoras, inspiradas en las últimas corrientes del soul y el r&b.

Su música suena tan rota como estos tiempos heridos, su alma en añicos flota entre brumas sintéticas mientras su voz (poderosa, melódica, especial) recorre estampas de una vida como tantas otras que logró salirse de la rueda y marcar su propio camino. Ese camino llevará pronto a Berwyn a galaxias sólo al alcance de unos pocos privilegiados.

José Fajardo

Ivana - Ausente (Honey)

Fri, 14 Jan 2022 11:47:58 +0100

“Perdón, acabó de ver tu llamada, sé que he estado algo alejada / Es que ya van varios meses en los que no siento nada / Sólo a veces algo triste, se me olvida que otro sentimiento existe / Perdón, es que no sé qué me pasa, no he salido de mi casa”… Así arranca ‘Perdón (acabo de ver tu llamada)’, el tema más popular de Ivana.Un poema íntimo y sobrecogedor (por su desnudez) sobre la soledad, la tristeza, la depresión, la ansiedad y todos esos sentimientos amplificados por la pandemia.

Ivana es una joven de México pero podría ser de cualquier lugar del mundo: de Billie Eilish a Bratty, de Albany a Babi. Sus letras son universales, hablan de sentimientos que siempre han atravesado a la juventud (la incomprensión, la angustia por el futuro, la búsqueda de un hueco, la dificultad de encajar) pero que en estos dos últimos años se han convertido en norma entre crisis económicas y encierros masivos.

Su debut en largo se enmarca en una cada vez más nutrida corriente global de pop casero construido en el dormitorio con las herramientas que estos creadores tienen a mano (con un ordenador, un pequeño micrófono y programas de producción sonora como Ableton les basta) y avalanchas de sentimientos reprimidos. Sad girl, bedroom pop, emo core… se le puede llamar de muchas formas, pero Ivana tiene la fuerza de las cantantes populares de toda la vida, las que llegan adentro sin avisar.

José Fajardo.

Divididos & Gillespi – Experiencia 432 (Bulín Finoli) (La Calandria / 300 Producciones, 2022)

Mon, 17 Jan 2022 09:02:35 +0100

No es lo más habitual, pero no hay mayor ejercicio de honestidad para un artista que decir algo cuando realmente hay que decirlo. Eso es algo que Divididos, una de las bandas de rock argentino más importante de los últimos treinta años, asimiló hace ya muchos años. No solo consolidándose como el grupo con el directo más indiscutible y arrollador del circuito desde hace décadas, sino también asimilando su repertorio.

Hace ya veinte años que, tras publicar su séptimo disco de estudio (“Vengo del placard de otro”, de 2002), dio la sensación de que asimilaron la potencia de su repertorio, y rompieron con la dictadura crónica que ellos también de llevaban de publicar un álbum con canciones nuevas cada dos años. No es que esté mal hacerlo, pero Divididos, con uno de los repertorios más sólidos de cualquier artista argentino nunca, decidieron aplicar su creatividad hacia uno de los repertorios en donde más a gusto están: el directo.

Desde 2002 sólo publicaron un álbum con canciones nuevas (“Amapola del 66”, en 2010), pero, sin embargo, regrabaron las canciones de su debut “40 Dibujos Ahí en el Piso” renombrándolo ”Haciendo cosas raras” y, sobre todo, publicaron seis álbumes en directo (especialmente impresionantes “Vivo Acá” y “Audio y Agua”) que se suman a “Viveza Criolla”, publicado en el año 2000.

Ahora, rompiendo con la preponderancia de sus directos de músculo rockero y de una intensidad avasalladora que les colgó hace décadas el rótulo de “la aplanadora del rock argentino”, Divididos se reunieron en su local de ensayo con su amigo Gillespi (músico de vientos ligado a Divididos desde la banda anterior en la que militaban, Sumo, pero, además, amigo personal de la banda desde hace casi cuarenta años) con motivo de la grabación del programa “La Hora Líquida” que presenta el saxofonista en la emisora Nacional Rock; y aprovecharon y grabaron una jam session que se ha convertido, desde ya, en uno de los directos más impredecibles y singulares de la banda.

Y es que precisamente ese aire de jazz-rock libre, de sonoridad aérea, de trip envenando, de psicodelia de líneas absolutamente abiertas, de suite en la que prácticamente todas las canciones son una sola; nos lleva al costado de Divididos menos testosterónico y más líquido: ese que recuerda a las canciones de Sumo menos definidas o a la influencia que artistas como The Doors o Jimi Hendrix han tenido desde siempre en la banda.

Un directo con matices casi tribales (“Paraguay”), más cerca de un reggae aéreo (“Gárgara larga”), del jazz-rock zappatista (“Los hombres huecos”) o del funk a la contra (“Dame un limón”) que es casi una performance de improvisación y entendimiento musical, en la que recuperan repertorio de todas sus épocas e incluso de su etapa con Sumo. Una muestra más (y van…) de que Divididos es el grupo más libre y menos ortodoxo del rock argento.

Alan Queipo.

Nacho Vegas – Mundos inmóviles derrumbándose (Oso Polita, 2022)

Thu, 20 Jan 2022 11:37:08 +0100

“Se ha desplazado tu propio dolor y, en su lugar, algo inmenso”. No lo digo yo, lo dice Nacho Vegas en la canción que abre su nuevo álbum, y es una manera de explicar el mundo estos últimos dos años, pero también la situación en la que estuvo sumido él a título personal.

Y es que, tras pasar el tramo duro del confinamiento de 2020 relativamente bien, aunque solo, replanteándose cómo sería el siguiente paso en su carrera, tras el fin de gira de “Violética” y tras saber que tendría que rearmar la banda que lo acompañe en directo debido a la incompatibilidad de agenda de León Benavente, donde militaban el grueso de sus músicos; esa soledad e incertidumbre propiciaron que el inmenso dolor global eclipsase su propio dolor, enquistando una situación que estaba haciendo su vida insostenible y llevándolo a un bloqueo y un bucle de tristeza del que no conseguía salir.

Esos precipicios y esos mundos inmóviles lo llevaron a una situación límite que se saldó con dos soluciones preventivas: trasladarse de Gijón al pueblo pesquero asturiano Ortiguera; y una terapia que acabó derivando en “Mundos inmóviles derrumbándose”, una de las mejores generaciones de canciones del asturiano desde, posiblemente, “La Zona Sucia”, hace casi una década. Un cancionero que, a diferencia del grueso de sus últimos álbumes, con una mirada política más explícita que aquí solo se manifiesta en “Big Crunch” y “La flor de la manzana”, aquí profundiza en la soledad y en el dolor desde una crudeza y una frontalidad avasalladora.

De ahí que nos encontremos con canciones maravillosas en la que se abre en canal para hablar de sus propios infiernos y del límite de la soledad y la tristeza, como se manifiesta en “El don de la ternura” con unas cuerdas que nos llevan a un universo casi cinemascópico, el vals “Esta noche nunca acaba”, la casi premonitoria “La séptima ola” con aires casi country o la alabarda que le escribe a un amigo que se suicidó en una “Ramón In” con algunos de los versos más personales y explícitos de su carrera. Un Nacho Vegas abierto en canal y que decide deshacerse para poder rehacerse nuevamente.

Alan Queipo.

Paco Amoroso – SAETA (Clix / DALE PLAY, 2021)

Fri, 21 Jan 2022 14:51:38 +0100

Si bien la pandemia detuvo (o más bien encerró) el ascenso imparable que CA7RIEL y Paco Amoroso estaban teniendo en todo el mundo, en estos últimos casi dos años no se puede decir que los argentinos hayan caído en barbecho o no dieran continuidad a un momento creativo especialmente dulce de dos de las voces y cerebros más versátiles de la movida urbana argenta.

Y aunque en un inicio CA7RIEL es el que acaparó mayor presencia mediática y su proyecto tiene más tiempo de desarrollo, y su música lo ha movido en un territorio en el que el trap colinda con el funk, el pop amorfo o la imaginería impredecible de Frank Zappa; lo cierto es que Paco Amoroso consiguió que su registro sea el que capitanee las lindes de un nuevo pop que bebe tanto de la música disco, la indietrónica o la música urbana pero con un objetivo central: las melodías redondas y las letras de un sarcasmo romántico fantástico.

Eso es lo que ya dejaba entrever en sencillos que fue presentando el último año y medio como “Fatal”, “Sabe” o “Mi deseo”, declaraciones de una movilidad que lo distanciaba del trap duro y lo acercaba al pop más elegante; y eso es, precisamente, lo que se certifica en “SAETA”, un álbum debut en solitario en el que pasea por diez climas de un nuevo pop tan sexy como ultramelódico.

Desde hits para un baile ácido como “Viuda negra” hasta atajos hacia un nuevo pop (“Imán” o “Ángel de la noche”) que incluso generan alianzas con iconos como Adrián Dárgelos, líder de Babasónicos (“Switch”); alegatos de un urban para hacer petting (“Chinga Sport”) o pogo (“Cerebro”); miradas más cerca de un ñu-disco (“Suite 605”), una suite ibicenca (“Da igual”), un house-pop al estilo del Gustaco Verati de “Siempre es hoy” (“Pistola desnuda”) o un r&b electrónico (“Aire”, junto a Lara91k). El mundo novopop de Paco Amoroso es tan necesario como su descarga verborreico-trapera.

Alan Queipo.

Feid - Inter Shibuya – La Mafia (Universal Music Latino)

Mon, 24 Jan 2022 09:22:10 +0100

Medellín fue una vez una ciudad asediada por el narco. Pero ese relato hace tiempo que cambió: desde hace por lo menos un lustro Medellín es la ciudad que puso a bailar al mundo. Ahí sigue la inseguridad como consecuencia de una brutal desigualdad pero hoy es la cuna de una de las industrias más potentes de la música global. En las comunas que trepan por sus montañas los jóvenes sueñan con llegar a ser cantantes o productores de reggaetón.

Figuras como J Balvin han sido responsables de esa expansión masiva del sonido. Ahora algo empieza a cambiar: una de esas tormentas que a veces azotan a la ciudad de la eterna primavera está transformando desde dentro la industria, renovando los nombres que marcan el paso de la escena. Feid es uno de los mejor situados para arrebatar el trono al autor de ‘Vibras’ (2018), el disco que introdujo al reggaetón en los círculos cool de todo el planeta.

Salomón Villada Hoyos (Feid) está logrando con canciones como ‘Chimbita’ (junto al productor Sky Rompiendo, habitual cómplice de J Balvin) sonar tan fresco como éste en sus inicios. Quizá no tenga esa faceta ‘arty’ pero con un menú que le tira al valor seguro (ritmos pegadizos, historias de amor, flow a borbotones) ya es la cabeza de un circuito que no para de crecer con nombres como Blessd o Ryan Castro (ambos han sido apadrinados por Karol G) y otros como Nath, Philip Ariaz, Kapla y Miky, Flako Gallego y Totoy El Frío.

José Fajardo.

BADSISTA – Gueto Elegance (Autoeditado, 2021)

Thu, 27 Jan 2022 14:27:04 +0100

Hoy se baila en el metaverso. En tiempos en donde las discotecas son espacios de ciencia ficción en donde uno puede salir de noche sin convertirse en calabaza, quitarse la mascarilla para hablar con colegas o beberse una copa y bailar hasta abajo, álbumes como el de BADSISTA sirven como la banda sonora de un sueño imaginado que, esperemos, en algún omento se convierta en realidad.

Su “Gueto Elegance” es la isla de un baile futurista en un momento en donde, dos años después del inicio de la pandemia, aún seguimos usando más el pijama que el vestido o la camisa chula que nos poníamos para salir. Pero el álbum debut de la artista brasileña es bastante más que eso: es la proyección de una nueva vía para la música de baile que no cae ni en los tópicos contemporáneos de “lo urbano” ni tampoco replica los modelos nacionales habituales de “favela funk”.

Conviven ambas vertientes en “Gueto Elegance”, pero hay una mirada absolutamente futurista, casi como de un avatar sonoro que se expande en un cosmos de nocturnidad y alevosía, pero también donde la electrónica industrial, el funk más atlético y un código afro-paulista absolutamente único. Sobre todo esto último se manifiesta en las colaboraciones y el interés explorador de BADSISTA con artistas no solo de su Brasil natal, sino también de Uganda, la República Democrática del Congo o Kenya, tres de los puntos que están marcando, como sucede en Sudáfrica con el sonido de Amapiano.

Todo eso se aterriza en un álbum que es un auténtico cóctel de baile futurista, de manifestaciones físicas con mirada virtual, de expresividad de una nueva mátrix de baile: tanto cuando se inventa una nueva facción house (“A Brava do Jaca”) como cuando ilumina un hyperpop casi after-soul (“Sem Compromiso”), una música disco contemporánea (“VSNF”), un poco de música industrial para el metaverso (“Bandida”) o de drum’n’bass favelero (“Chora Na Minha Frente”), BADSISTA nos está invitando a una discoteca imaginativamente viva.

Alan Queipo.

Silvana Estrada - Marchita (Altafonte / Glassnote Music)

Wed, 26 Jan 2022 14:51:49 +0100

‘Marchita’ es uno de esos acontecimientos memorables que comienzan apenas como un murmullo y crecen hasta resonar en todo el planeta. Hace tiempo que se habla de Silvana Estrada como la heredera no ya de esa trilogía de cantoras latinoamericanas de la anterior generación a la suya (Natalia Lafourcade, Julieta Venegas y Mon Laferte) sino de iconos ya inmortales como Chavela Vargas. La comparación no es tan descabellada.

Sólo hay que escuchar a esta artista nacida hace 24 años en Coatepec (Veracruz) desdoblar su voz y jugar con ella a su antojo en ‘Carta’, una canción que ya es himno. Sus letras son poesías que le cantan al desamor: esa idea guía su debut, pero no desde el rencor sino desde la luz que se asoma tras la ruptura, de la autoafirmación y la valentía para mirar hacia delante y abrazar el cambio.

Hija de una familia de lutieres, armada sólo con su garganta y el cuatro venezolano (además de sutiles arreglos de cuerdas y otros ritmos oníricos), Silvana Estrada ya es la cabeza de una nueva generación de mujeres (Las Áñez, Briela Ojeda, La Muchacha y tantas otras) que están recuperando la música de raíces en Latinoamérica desde una perspectiva contemporánea.

Ella considera que su arte es experimental y es que no hay mayor riesgo que el de la música que sale de las entrañas. Ya esperamos con ansia el anunciado próximo EP con los descartes más alegres de este portentoso debut, el reverso luminoso de esta obra que celebra el derecho a la tristeza.

José Fajardo.

Carolina Durante – Cuatro Chavales (Sonido Muchacho / Universal Music Spain, 2022)

Mon, 31 Jan 2022 09:20:27 +0100

Es una putada cuando a un grupo que a un grupo que empieza a dar sus primeros pasos con el objetivo de divertirse se le empiezan a poner objetivos desde fuera. A Carolina Durante les pasó eso casi desde la primera nota de la primera canción: que si eran el grupo que representaba a una generación; que si iban a ser los que salvarían el rock y la música de guitarras en tiempos de expansión de la música urbana; que si cada uno de sus singles era infalible; que su debut era un álbum de culto instantáneo…

Una losa pesada la de ese tonel de sambenitos que es normal que la banda en algún momento se creyese, y que se viesen obligados a trazar grandes objetivos, dada la expansión acelerada que estaba teniendo el proyecto. La pandemia, por un lado, no les vino bien, porque las canciones que publicaron en 2020 pasaron algo desapercibidas y el foco dejó de estar tanto en ellos y la capacidad de venta del grupo se estabilizó; pero, por otro, es una suerte que Carolina Durante no sean esos superhombres a los que aludía Nietzsche: eran una banda de cuatro chavales cuyo objetivo inicial era divertirse y cantar sobre las cosas que les interpelaban.

Casi como reivindicación y como la mejor manera de autodefinirse más allá de géneros, hypes y tendencias, Carolina Durante son esos “Cuatro Chavales” que hacen música de guitarras: rock eléctrico, con un marco de referencias que sigue basculando en el rock ochentero de la Movida pero que también guarda relación con el sonido de bandas como Crocodiles, TPOBPAH o Cloud Nothings.

No escucharéis ningún experimento vanguardista, ningún cambio de tercio con lo que conocíamos de su sonido, ni ningún giro de guion que nos haga pensar en “los nuevos Carolina Durante”. No los hay porque no los tiene por qué haber: hay una banda de rock haciendo canciones en la misma línea que todas y cada una de las canciones que fueron presentando desde sus primeros singles a finales de 2017. Un grupo que hace acopio de una sencillez sin presiones ni megalomanías innecesarias.

Lo que sí hay es un repertorio de una frontalidad avasalladora, con un Diego Ibáñez en su mejor momento como letrista. Tanto cuando hace una radiografía sarcástica y autocrítica de lo vivido en estos años como banda (“Tu nuevo grupo favorito”) como cuando le tira un dardo envenenado a algún habitante de la Malasaña cool (“Famoso en tres calles”), cuando berrea desde la esquina más ultraviolenta de su registro (“Aaaaaa#$!&”), cuando canta desde la tristeza más bajonera en un guiño casi-emo (“Yo soy el problema”) o cuando lanza una metáfora sobre la deriva de las relaciones estancadas (“La planta que muere en la esquina”), estos cuatro chavales suenan más honestos y necesarios que cuando se les intentó tatuar la frase “salvadores del rock” en la jeta.

Alan Queipo.

Los Planetas - Las canciones del agua (El Ejército Rojo)

Wed, 26 Jan 2022 14:36:26 +0100

Lejos de apoltronarse en la comodidad que otorga el éxito, Los Planetas han seguido autoexigiéndose y explorando hasta llegar a su décimo álbum. Iconos indiscutibles de la explosión indie en los 90, desde hace un tiempo se han ido despegando de esa fascinación por lo anglosajón en favor de una mirada hacia sus raíces: el flamenco y el bullicio creativo en torno a Granada.

Esta última idea (su ciudad como avanzadilla cultural, de Lorca al Carlos Cano de los 70 y de ahí al trapero Khaled) es el sustento de la cara A de este atípico disco, que se completa con los singles cargados de crítica a la realidad social que han ido sacando estos dos últimos años pandémicos.

Desde Fuerza Nueva (su proyecto junto a Niño de Elche), Jota se muestra mucho más directo en las letras, dejando atrás su ironía y los dobles sentidos que fueron marca de la casa. Es una decisión consciente pero que va en detrimento del proyecto: canciones como ‘El Rey de España’ o ‘El Negacionista’ resultan demasiado obvias, pese a que el mensaje pueda ser pertinente.

Es la primera parte de ‘Las canciones del agua’, esos cuatro primeros temas de referencias granadinas que arrancan con la canción-río de más de 12 minutos de ‘El Manantial’ sobre un poema de Lorca (con la voz desnuda de Jota, junto a la guitarra de Florent y el piano de David Montañés, una nueva formación adaptada a las circunstancias) lo más interesante del conjunto y donde muestran algo nuevo. ‘Se quiere venir’ (versión de Khaled) queda ya como uno más de los grandes retratos costumbristas ‘planeteros’ sobre la idiosincrasia granadina y ‘Alegrías de Graná’ como una de sus exploraciones flamencas más resultonas.

José Fajardo.

Tony Gallardo – Tony Gallardo: Selected Works (Hakuna Kulala, 2022)

Thu, 03 Feb 2022 15:04:48 +0100

Son muy pocos los artistas que, rastreando entre algunas de sus publicaciones de hace diez o quince años, pueden recopilarlas en un trabajo que sigue sonando futurista y fuera de tiempo y de foco perpetuamente.

El mexicano Tony Gallardo es uno de esos seres de un inframundo sonoro que habita múltiples personalidades: es bakala oscuro cuando se hace llamar Boi Patrol, es un divo electropop destartalado cuando se hace llamar María y José, es surf-rockero experimental con El Capricho o pionero del dembow alternativo como La Fiebre X y, sobre todo, es un kamikaze autoboicoteador como Tony Gallardo.

Figura capital de aquel movimiento conocido como “ruidosón” en el Los Ángeles que hacía ojitos al sello Cocobass que dirigió, Gallardo es un enigma y una rara avis ultra-místico cuando se pone el chándal y el pijama de su propio álter ego. Así lo demuestran estos trabajos seleccionados: una recopilación de algunas de las joyas más impredecibles y caóticas que produjo entre 2008 y 2013, en un imaginario en el que Rosa Pistola, Frank Zappa, OutKast, el primer Joe Crepúsculo y un Daniel Johnston del baile campan a sus anchas para forjar la identidad de un nuevo sonido latino.

A veces destartalado y a veces ultra prolijo, Tony Gallardo rehace la idea de downtempo (“Kibosé”), articula una cumbia acelerada para sonideros marginales y neo-bakalas (“Violentao”), juega a la atonalidad bailonga (“Club Negro”), bascula entre la deconstrucción reggaetonera y la psicodelia (“La Conquista”), se pone after-trap (“Plata o Plomo”), proyecta a unos Euryhtmics de los suburbios de CDMX (“Mi pesa”) y hasta articula un himno para un antihéroe del Juanchito (“Líder juvenil”). Nada es lo que parece porque todo es constantemente nuevo en Tony Gallardo.

Alan Queipo.

Christina Aguilera - La Fuerza (Sony Music Latin)

Fri, 04 Feb 2022 08:54:18 +0100

‘Mi reflejo’ (2000) era hasta ahora el único disco (y el segundo de su discografía) en el que Christina Aguilera había reivindicado su origen latino cantando en español. Nacida en Nueva York en 1980 de padre ecuatoriano, ha sido 22 años después cuando ha decidido recuperar su lengua paterna. El momento no es casual, con una ‘latinización’ de la industria del entretenimiento en Estados Unidos durante los últimos cinco años, coincidiendo con la irrupción del terremoto ‘Despacito’ a principios de 2017.

“La música latina siempre ha estado en mis raíces desde mi infancia, cuando esa conexión existe se queda contigo para siempre. La Fuerza es un proyecto para mí misma, mis raíces y mis hijos, para que puedan conocer en profundidad quiénes son”, explica la artista, que tras navegar durante dos décadas entre el pop y el r&b al fin se sumerge en las aguas más cálidas del reggaetón, la ranchera, la guaracha y hasta el trap latino.

Éste es el primer EP de una trilogía en español que saldrá a lo largo de 2022, un movimiento con el que Christina Aguilera se apunta a ese cambio de paradigma que está transformando la industria cultural, recuperando lo latino como un marcador cool. En su caso, es cierto que no chirría, pero tampoco logra competir en un universo donde mandan voces más jóvenes como las de Nicki Nicole, Nathy Peluso y Becky G (todas ellas reunidas en el himno ‘Pa mis muchachas’).

José Fajardo.

Tambino - Sin Miedo (El Niño, 2022)

Mon, 07 Feb 2022 09:06:46 +0100

Ciertas personas que habitan el pasado siguen lamentándose porque “la música que hace la juventud es basura”. Pero es una suerte estar vivos en esta época, si te gusta la música. La destrucción de las etiquetas es tal, el mestizaje entre géneros ha llegado a tal punto de promiscuidad, que ya nadie se extraña si de repente Tambino dice que lo que él hace se llama “cumbiagaze”. Es una palabra preciosa para describir algo que no existía, que es sólo suyo, aunque use ingredientes que ya conocemos.

El sonido de Tambino es un espejo de su biografía: nacido hace unos 30 y pico en Lima como Kam Tambini, pasó su infancia en Bogotá y a los 10 años se mudó por el trabajo de su madre a Washington; poco antes de cumplir la mayoría de edad, se independizó por su cuenta en Brooklyn. Así es cómo se fue empapando de la cumbia vía Los Mirlos, más tarde del hardcore-punk en la onda de Fugazi y, al fin, del multiculturalismo más radical: en Nueva York, dice, en un mismo día puede escuchar reggaetón, pop desenchufado, rock grasiento y shoegaze.

En una lista que se ha currado en Spotify suenan Ed Maverick, Sen Senra, Park Hye Jin, Sofia Kourtesis, Perfume Genius, Lous And The Yakuza y Los Saicos, y bien podría ser esa amalgama de influencias una buena muestra del banco de ritmos que maneja Tambino. En este EP concebido como “un collage sónico” lo mismo salta de la electrónica atmosférica a la distorsión guitarrera y de ahí al bedroom pop o al reggaetón futurista en la onda del proyecto de Kelman Duran, DJ Python y Florentino en Sangre Nueva.

José Fajardo.

Dani Umpi & Coghlan – Umpi/Coghlan (Papito Remix, 2021)

Mon, 07 Feb 2022 09:11:16 +0100

Dos iconoclastas del nuevo pop rioplatense, unidos por una misión que se ha convertido en ciencia ficción y pecado en los últimos dos años: hacer bailar a la gente. Eso es lo que se han propuesto el uruguayo Dani Umpi y el argentino Coghlan en un EP largo o LP corto que se han sacado de la manga en los últimos días de 2021, a modo de pistoletazo de salida del verano sudamericano: un cóctel de piezas de corte electropop deconstruido por los imaginarios amplísimos de ambos artistas.

Y es que Dani Umpi lleva casi dos décadas siendo una de las voces más vanguardistas del pop electrónico sudamericano, con excursiones a Europa y una idea de performance y de expresividad pop fuera de todos los cánones. Pero Coghlan, que lleva apenas cinco años perfilando un álter ego que toma el nombre de un barrio porteño, tiene un imaginario de una abstracción absolutamente voladora, quizás hyperpop, quizá neopsicodélica.

Ambas miradas confluyen a la perfección en este breve pero intenso ejercicio colaborativo que si bien mantiene esa genética abstracta, iconoclasta y excéntrica que define a ambos proyectos, la pista de baile se convierte en una suerte de “límite positivo”: el objetivo de hacer bailar al personal los obliga a que la excentricidad expresiva y de producción a la que están acostumbrados tenga una misión casi física, apoyada también en el trabajo de los productores Hembro.

De ahí que firmen hits bestiales de house-pop arremangado (“Descontrola”), a una pista algo más opaca, sexy e intromisiva (“Europa”), a una deconstrucción reggaetonera casi synthpopera (“Fabi”), a una coalición de autotune extremo e himno discotequero (“Ku”) y hasta un absoluto hit tecnopopero tan cerca del urban-pop de mirada ravera como de Fangoria (“Llama y llora”). Ojalá este monstruo de baile de dos cabezas se quede para siempre.

Alan Queipo.

Desierto Incierto (Quiero Recordings, 2022)

Tue, 08 Feb 2022 10:33:58 +0100

Una fascinante escena electrónica de marcado acento iberoamericano, con alma mística y mirada futurista, se abre paso a través de los cauces subterráneos. Desde México, el proyecto de Quiero Recordings, un sello con vocación agitadora que funciona de facto como un colectivo que agrupa a creadores que comparten su espíritu transversal y diverso, cumple su décimo aniversario y lo celebra con este imprescindible recopilatorio.

“Para nosotros la música es la herramienta que permite crear espacios de extrañeza (…) La música como estímulo para este viaje llamado vida y la búsqueda de claridad en la incertidumbre”, explican los responsables de un trabajo que funciona como un auténtico quién es quién de la electrónica contemporánea.

Son más de una decena de artistas de Latinoamérica, además de invitados especiales desde Portugal y España, como Andy Grey, DJ residente de Gladys Palmera (que apoya este recopilatorio) y una de las productoras que está llamada a explotar en 2022, con remixes para la mexicana Pahua o el venezolano Tiraya y residencias en fiestas de culto en la noche madrileña como Aventuras Tropicales, y quien aquí sorprende con su primer tema propio, un trance que te agarra y te lleva por caminos tan insospechados como placenteros.

Además brillan el mexicano Jiony, cofundador del sello de electrónica VVA, quien ha actuado junto a tótems de la escena (desde Nicola Cruz a El Búho, pasando por Nicolas Jaar) y que es capaz de mezclar jazz cósmico con ritmos tradicionales latinos, entre otras muchas influencias. Maravilla, también, la cumbia expansiva de MoOom y las propuestas de Nillo desde Costa Rica o de otros nombres como Donlagrima. Un viaje iniciático para asomarse al futuro.

José Fajardo.

Erik Urano & Merca Bae – QUBITS (Sonido Muchacho, 2022)

Thu, 10 Feb 2022 09:08:41 +0100

Se van a cumplir dos años del inicio de una distopía que se hizo realidad. Una distopía que antes que cualquier vidente, la vio Erik Urano y la plasmó en “Neovalladolor”, un álbum que vio la luz un 20 de marzo de 2020 y que fue un presagio de lo que viviríamos desde aquellos días de oscuridad, incertidumbre, encierro y virtualización de la realidad; pero que también salía a la caza de un sonido diferente: el reinicio de ciertas maneras de bailar, de rapear, de cantar, de narrar, de ver el mundo a través de la música.

No es necesario que por aquello le pongamos un programa de futurología y tarot en las madrugadas de alguna cadena de la TDT española. Lo que sí es necesario es asumir que el vallisoletano es una de las mentes más avezadas de la música estatal, y más concretamente de una música urbana que lleva unos cuantos años cayendo en patrones repetitivos y poco arriesgados.

Por suerte, no está solo. Ya en “Neovalladolor” destacaba especialmente el trabajo que había conseguido con Merca Bae en la canción “Molecular”. Aquella pieza se ha convertido en una suerte de piedra filosofal de lo que puede ser un rap cósmico, a la caza de suburbios sonoros que habitan en un metaverso sonoro inexplorado pero que, ambos, consiguen ver por una mirilla inédita en “Qubits”, un álbum que caza un código en el que la electrónica futurista se funde con una suerte de predicaciones líricas que viven en un código binario hiperrealista.

Merca Bae deconstruye el ritmo: está más interesado en partir del jungle, del dancehall, del drum’n’bass, del footwork, de una electrónica de club oscurantista que forma parte del clubbing británico donde se forjaron artistas de la talla de Actress, Benga, The Bug o Coki. Erik Urano aterriza discursos casi extraterrestres: consigue hacer una suerte de crítica de las derivas de la vida moderna desde la electricidad, desde la asimilación de la vida virtual que tenemos, de los ceros y unos, de la conexión. Juntos, consiguen condensar todo lo que no sabemos y necesitamos de nosotros mismos. El futuro llegó hace rato.

Alan Queipo.

Lara91k – Como Antes (Clix, 2022)

Mon, 14 Feb 2022 09:42:18 +0100

Existe cierta trampa contemporánea de alabar la nostalgia, el tiempo pasado como algo insuperable. Si bien en el debut de la argentina Lara91k se respira esa melancolía del pasado, de su adolescencia, de la relación con su familia, de las primeras salidas a discotecas, de los desencantos e iluminaciones; da la sensación de que las veinte canciones que componen “Como Antes” ayudan no a trasladarnos a tiempos pasados, sino a admirar el presente de la artista.

La que fuera vocalista de la banda indie Coral Casino lleva un tiempo haciendo ruido en la escena urbana: forma parte de la misma crew que CA7RIEL, Paco Amoroso, Taichu y Chita; ha colaborado con artistas de la talla de Duki, Cazzu o 0-600; y es una habitual cuando se piensa en quiénes son los nombres candidatos a consolidar una carrera sólida en la escena del nuevo pop latinoamericano. Su debut es una manera de refrendar no solo el estatus de una artista que debería dejar de considerarse emergente, sino que en su repertorio convive ese espíritu mixto de nostalgia adolescente y pop futuro.

De ahí que en los tres cuartos de hora y veinte tracks que componen “Como Antes”, Lara Arteso coquetee con géneros que van desde el grunge-trap (“Blu”) al punk-pop tipo Avril Lavigne (“En mi cuarto”), el reggaetón de mirada amplia (“Eres para mí” o “Pegaíta”), la melancólica balada justinbiebera (“Fuckgurl” o “Rihanna”), el urban-house más popero (“Fuera de foco” o “Besándote”), el hyperpop (“Par de modelos” o “murdeR”) o el urban cortavenas (“Isla”). Una coctelera de tradiciones que han atravesado y atraviesan a una Lara91k que es la médium y el filtro de géneros y generaciones para edificar una nueva mirada pop en el ecosistema latinoamericano.

Alan Queipo.

Blanco Palamera - Intimidade (Raso Estudio)

Mon, 14 Feb 2022 09:50:16 +0100

Un novísimo pop se abre camino por el territorio español haciendo viejo lo que hace no tanto era tan nuevo. Con ‘Intimidade’ los Blanco Palamera empuñan orgullosos la bandera de un circuito de jóvenes artistas que, si bien llevan unos años avisando de su talento, es en 2022 cuando deben dar el definitivo paso adelante. En el caso de estos gallegos, más bien ha sido un gran salto adelante que les debe situar en las grandes ligas donde ya juega su colega Sen Senra.

En esas mismas coordenadas se mueve su música, un pop que bebe del r&b sofisticado en la línea de The Weeknd o Frank Ocean pero con sabor y coordenadas propias. Su propuesta es cinematográfica (vale la pena ver sus nuevos videoclips), sus letras sugieren imágenes y estados de ánimo, su música es tan chill como hot, por decirlo en lenguaje Spotify, es decir: invita a fumar alguna sustancia relajante, pero también a dejarse llevar por la pasión en una de esas noches de discoteca loca.

Todavía en sus 20 y pico, el dúo de Santiago Compostela formado por Manuel Blanco y Xoán Domínguez marca el paso de esta generación diversa y rupturista, que ha triturado las etiquetas consagrándose a la promiscuidad entre géneros, y que integran otrxs talentxs como Rojuu, Babi, Dora, Rusowsky, Mori, Chico Blanco, rebe, dani y Luna Ki con lxs que a priori no tienen mucho que ver pero sí comparten esa ambición por dar forma a un nuevo (novísimo ya) concepto de pop.

José Fajardo.

Francisco Victoria – Herida (Autoeditado, 2022)

Thu, 17 Feb 2022 16:02:48 +0100

Antes de que iconos del mainstream mundial como The Weeknd asimilasen el sonido del pop comercial de los años ’80 y lo actualicen desde una mirada contemporánea, en Chile hubo hace en torno a una década una factoría bestial de proyectos que convirtieron el synth-pop más anguloso y melódico casi en una especie de folclor adaptado.

Nombres como Javiera Mena, Gepe, Astro o Alex Anwandter se convirtieron en un fenómeno pop en castellano que, la mayoría de ellos desde entornos alternativos, ayudaron a incorporar aquella tendencia de más de dos décadas atrás en algo contemporáneo. El género fue evolucionando hasta tal punto que el gran futuro del pop de radiofórmula latinoamericana debería intentar dar un respiro a las bases de reggaetón y encontrar en artistas como Francisco Victoria un presente especialmente excitante.

Y lo es porque en el imaginario del joven artista chileno caben des Kylie Minogue a Charly García, de Robyn a Supertramp. Así lo confiesa habitualmente, y no hay más que escuchar el breve e intenso confesionario abierto que canta en “Herida”, una especie de carta autobiográfica en las que habla del dolor y la decepción que le generó el desamor, pero en la que también hay una suerte de apología empoderadora del hacerse fuerte desde la vulnerabilidad que le da su propia fragilidad.

No llega ni a la media hora el nuevo repertorio de Francisco Victoria, pero son gemas pop absolutamente infalibles. Con momentos de producción que pueden recordar a Eurythmics (“Perder la vida”), al funk-pop de los últimos Daft Punk (“Mi corazón me dice la verdad”), al sonido más clásico de los Pet Shops Boys (“Tírame al fondo del mar”), al elegante groove de The Weeknd (“Te lo pido por favor”) o al pop melódico y telenovelero de los argentinos Miranda! (“Maletas del viaje”), escuchando el flamante segundo álbum de Francisco Victoria está claro: tenemos a un nuevo divo incombustible del nuevo pop ultramelódico latinoamericano.

Alan Queipo.

Marina Sorin - Marina Sorin (Autoeditado)

Thu, 17 Feb 2022 10:29:58 +0100

En una conversación para Gladys Palmera en plena pandemia, a mediados de 2020, Marina Sorin ya adelantaba que estaba preparando un nuevo disco en solitario, donde quería dar más espacio a la voz (sin descuidar esa fantasiosa instrumentación que siempre le ha acompañado), en busca de nuevos horizontes sonoros y de una libertad que ha sido innegociable desde el inicio de su carrera. “Soy una música libre y, en esa libertad, puede suceder de todo”, confesaba quien navega entre los océanos del jazz libre y el pop de autora.

Y así suena este álbum homónimo, que reúne algunas canciones que ya habíamos escuchado como ‘Todos gustan de mí’ (con esas frases geniales, entre la ironía de Astrud y la sensibilidad de Single: “Vivo de fiesta, todos gustan de mí: reyes y reinas, todos gustan de mí. Sueño despierta, todos gustan de mí”) o ‘Me equivoco’, donde recrea una escena costumbrista con humor: “Me equivoco, me confundo, tropiezo cada segundo, a todo el mundo le pido perdón, discúlpeme, y cuando siento su mirada, siendo yo tan delicada, me van a deslumbrar”.

Esta argentina afincada en Madrid desde el comienzo del nuevo siglo se trasladó hace unos años a la sierra de la capital, donde ha conectado con una comunidad de músicos que van de Javier Colina a Nacho Mastretta, cómplice este último en la composición y producción del disco. Virtuosa chelista y referente del fonofiddle (un instrumento de cuerda que se toca con un arco mientras el sonido sale de un fonógrafo), Marina Sorin demuestra que además es una imaginativa y sugerente cantante.

José Fajardo

Los Bitchos - Let The Festivities Begin! (City Slang)

Mon, 21 Feb 2022 08:59:01 +0100

Hace ahora cinco años empezó a escucharse en los círculos subterráneos del Londres multicultural el nombre de Los Bitchos. Fue en 2019 cuando confirmaron fuera del Reino Unido su pegada gracias a su presencia en citas influyentes como el Trans Musicales de Rennes, uno de los festivales europeos con mayor olfato para descubrir a los nuevos talentos. Tras cierto parón (pandemia mediante) al fin llega su debut. Y no desmerece las altísimas expectativas.

Los Bitchos son cuatro mujeres de Uruguay, Suecia y Australia que hacen surf-rock instrumental con fogonazos de cumbia psicodélica. Su propuesta rinde homenaje a Los Mirlos pero conecta con el lisérgico virtuosismo con ritmos turcos de Altin Gün (con los que colaboraron el año pasado en el single ‘Erkilet Güzeli’) mientras mira de reojo a las guitarras soleadas y fumetas californianas vía The Oh Sees, Ty Segall y Wooden Shjips.

Su gran atractivo radica en la inesperada genialidad de sus ritmos (nunca te lo ves venir), en canciones que crecen sin fin como ‘Las Panteras’ y en un entramado estético que es pura fantasía: en sus videoclips logran mezclar el espíritu naif de los dibujos antiguos rollo Scooby-Doo con el pulp de Tarantino o series de los 70 con heroínas femeninas como ‘Los Ángeles de Charlie’.

José Fajardo.

Juan Cirerol – Folky Songs (Autoeditado, 2022)

Mon, 21 Feb 2022 09:32:20 +0100

En su momento, hace algo más de un lustro, la figura de Juan Cirerol se coló desde los márgenes en un circuito alternativo mainstream que lo pretendía aupar como un héroe antifolk; como esas rara avis que, de vez en cuando, la prensa y la industria refrendan en busca de alguna figura outsider, casi apropiándosela y justificando luego el repetitivo y hastiado modus operandi con el que suelen funcionar.

Pero le vino algo grande a Cirerol. Se creyó el personaje inimputable de marginal permitido, y dijo algunas tonterías, como cuando se rió de los afectados por el terremoto en Ciudad de México hace cinco años. El héroe antifolk que recuperaba la idea de canción fronteriza, como una suerte de vehículo destartalado entre el country americano y la música norteña, como si Johnny Cash fuese uno de Los Tigres del Norte; comenzó un proceso de cancelación del que aún no se recuperó del todo.

Quizás ese sino es el que lo sumió en cierta autoreflexión y melancolía. Sus números bajaron, toda la aceptación de la prensa y la industria se moderó y, curiosamente, no solo ahora suena como un artista experimentado, aunque sin perder la crudeza y frontalidad de sus canciones, sino que también hay varios movimientos musicales a los que se le puede adjudicar haber sido un precursor: tanto el de los corridos tumbados (Natanael Cano, Junior H, Ovi…) como el de cierta canción de autor latinoamericana cruda (La Muchacha, Briela Ojeda, Edson Velandia…) e, incluso, el de un indie-folk mexicano despojado de producción (Ed Maverick, Dromedarios Mágicos, Mi Sobrino Memo…).

En sus “Folky Songs” mantiene esa aura de melancolía tristona, de romanticismo errado, de corazón abierto; y con un sonido a madera que se mueve recto y con cierta desaceleración, con respecto a algunos de sus trabajos más conocidos. Apenas se pone frenético en contadas canciones (“Darle otro poco” o “Píntate una vida”), a la vez que reflexiona sobre el personaje que se ha creado en torno a su figura (“La vida de un bohemio” o “No soy un buen Bukowsky”) y encuentra su mejor registro cuando canta sobre la redención que le da el amor (“Mentes enfermas”, “Sí, estoy sentado a tu lado”, “Enamorado de tu sonrisa”…).

Juan Cirerol ya no es más un héroe de otros: es un cantautor frontal que se sincera despojado y abre vías sonoras que se convierten en tendencia. Y es bastante.

Alan Queipo.

Ptazeta & Juacko – The Party en la Casa (Real Key Music, 2022)

Tue, 22 Feb 2022 16:21:00 +0100

“Con Ptazeta la casa loca” es la muletilla (como el “Bad Bunny be be be” del Conejo Malo, el “eso es” de C. Tangana o el “así sí” de Rosalía) que la artista canaria utiliza en todas sus canciones a modo de presentación. Y lleva razón.

La casa de la que nos abre las puertas de par en par en su primer álbum largo luego de colar durante dos años ininterrumpidos está realmente loca: no solo lleva el sonido del pop urbano a un espacio multiusos, tan cerca del bakalao ravero como del medio tiempo romántico, a la vez que introduce en el mainstream español géneros como el dembow o el techno urbano, al que los referentes del nuevo pop español (llámese Bad Gyal, Rels B o los mentados C. Tangana o Rosalía, entre otros) aún no se han animado del todo; sino que es el primer referente del nuevo mainstream que rompe con el estándar heteronormativo: con Ptazeta se acabó el chica-canta-a-chico: y ya era hora.

Para articular un discurso sonoro diferente a todo es importantísimo encontrar un aliado que sepa leer a la perfección tus intenciones, como le pasó a J Balvin con Sky Rompiendo, a Karol G con Ovy On the Drums, a Rosalía con El Guincho o a C. Tangana con Alizzz. A Ptazeta le sucede eso con Juacko, su productor, con el que consiguió colar hits globales como “Trakatá”, “Ri Ri” o “Mami”, entre otros, y cuya coalición sonora a tientas entre la electrónica de club y un aterrizaje de lo urbano absolutamente transversal llamó la atención de Bizarrap o Nicki Nicole, entre otros.

Si bien hay algo en el registro de la canaria que puede recordar en algunos tramos a Snow Tha Product o a Nathy Peluso, lo cierto es que Ptazeta ha sabido encontrar en esta sociedad con Juacko un registro propio y absolutamente suyo. No solo en lo interpretativo, sino en un discurso sonoro que parte desde el pop urbano para disparar hacia el dembow (“Azúcar” o “Tilín”), a la balada reggaetonera para radiofórmulas (“Cae la noche” o “Dime”), al disco-funk al estilo Dua Lipa (“Qué voy a hacer”), el techno-trap nathypelusero (“Input”), al trapatón que la dio a conocer (“Rompe”) y hasta se permite licencias que la acercan con cierta influencia de una España con aroma a Miami (“Fin de fiesta (Mujer)”). La nueva reina del pop urbano más perreador estalla en tu boca.

Alan Queipo.

Big Menu – IDO (Autoeditado)

Wed, 23 Feb 2022 10:25:31 +0100

Barcelona fue, es y será una ciudad abierta e integradora, que abraza la diversidad y se reconoce en su multiculturalidad. Por mucho que le pese a los políticos de distintos bandos, Barcelona sigue siendo una avanzadilla cultural que muestra lo que está por venir. Big Menu representa a la perfección ese espíritu: tras una exitosa carrera como banda de acompañamiento de algunas de las grandes figuras de la nueva música urbana, al fin este trío debuta en largo con sus propias canciones.

Hasta ahora Big Menu se había asociado a nombres como Nathy Peluso, Dano, Bejo, Foyone y Rels B, una muestra de su habilidad para saltar entre géneros: del hip hop clásico con aromas a 7 Notas 7 Colores al rollo funk, el free jazz e incluso la electrónica (en 2018 arrasaron en Valencia en las sesiones de Boiler Room junto a la cantante Kyne). No desentonan en una jam session pero tampoco en las batallas de gallos, le tiran a la música negra y a la tradición latinoamericana.

Citan influencias como The Internet, el grupo de culto de neo-r&b surgido de las cenizas de Odd Future con Syd tha Kyd al frente, pero en realidad sus registros son tan variados, su pericia instrumental tan despampanante (a los teclados, las maquinitas, la percusión, la guitarra o lo que se les ponga por delante), que Big Menu sólo suena a Big Menu. Su debut es una carta de presentación muy prometedora con temas contagiosos como ‘Bongo Mondongo’ o ‘Mansión’, donde colabora Ca7riel, uno de los capos de la súper potente escena urban en Argentina.

José Fajardo.

Rojuu – KOR KOR LAKE (Sonido Muchacho, 2022)

Mon, 28 Feb 2022 09:09:38 +0100

Qué putada ser el director de LOS40 o de Cadena 100 y tomar la decisión de que “A San Fernando, un ratito a pie y otro caminando” de Manolo García o “Torn” de Natalie Imbruglia es lo más pop que puede sonar ahora mismo en la radiofórmula.

Más que putada es una pena, porque hay una generación inmensa de artistas nacidos en los últimos compases del siglo XX o en los primeros del XXI que son el nuevo pop: uno que en ocasiones, como es el caso de Rojuu, se toma excusiones hacia márgenes alternativos; y, en otros muchos, como es el caso de Rojuu, también, también se acerca como prácticamente nadie desde la generación de Pereza y El Canto del Loco a un registro ultramelódico que podría reiniciar la cultura de radiofórmula con un cancionero formado por canciones de ahora, y no de cuando los artistas de ahora nacieron.

Eso es lo que pasa al escuchar el maravilloso “KOR KOR LAKE”, una especie de refrenda pop de un Rojuu que, hasta el momento, se había presentado casi como un avatar humanoide: una rara avis, un artista de internet que comenzó a saberse un líder generacional a la hora de construir producciones de un pop que podía ser capaz de disparar a los márgenes menos amables del nuevo pop y a los más digeribles.

Y precisamente esa es la convivencia que proyecta en su nuevo álbum, y primero sacado bajo el amparo de Sonido Muchacho, un sello absolutamente generacional, donde conviven propuestas como las de Sen Senra, Carolina Durante, Natalia Lacunza, Cupido o Rojuu, todos ellos paladines de una nueva, valga la redundancia, generación de referentes en el ecosistema pop estatal.

Hay dos climas muy diferenciados en el disco. Uno de ellos, cuando se pone declaradamente pop, con canciones que parecen plagiar libremente “Las de la intuición” de Shakira (“FANTASÍA PLACEBO”), mejorar la propuesta solista de Alizzz (“NEZUKO”), jugar con baladas punk-pop otaku (“¿CUÁNTO TIEMPO NOS QUEDA?”) o apelar al registro más dulce y melódico de Julieta Venegas (“NADA ME LEVANTA”).

El otro, cuando se inventa un bakalao digital para habitantes de internet (“NANA” o “100XRE A TU LADO STARE”), cuando recupera el drum’n’bass para discotecas que pueden ser videojuegos o stramings en Twitch (“POST VELADA”), cuando tira de guitarras podridas en clave post-grunge para hablar de la melancolía de su generación (“REHAB BOYS 2020”), cuando se inventa un trip-hop para un emo del futuro (“COLD AMSTERDAM”), cuando proyecta un emo-trap para disparar contra los adultos y reivindicar a la juventud infinita (“ADULTOS DOWN BAD”). Un ídolo para una nueva pop: y sí, este tiene pelo.

Alan Queipo.

Baco Exu do Blues - QVVJFA? (999)

Mon, 28 Feb 2022 09:17:17 +0100

Es un tópico ya demasiado manido hablar de Brasil como “un continente aparte dentro de América del Sur” pero, como la mayoría de los tópicos, no puede ser más acertado. Imposible acercarse a la música contemporánea brasileña sin asumir que es inabarcable y no se puede comparar con el resto de la región. Sin embargo, vale la pena sumergirse en este universo porque hay (siempre las hubo) auténticas fantasías que por desgracia (¿será el idioma?) apenas nos llegan.

Baco Exu do Blues es quizá el artista más importante del nuevo rap en Brasil. Su música sí destroza los tópicos: bebe del nu jazz, de la tradición, de las bases pausadas e introspectivas… No es exagerado compararle con referentes de las rimas del nuevo siglo como Kendrick Lamar. En trabajos anteriores como ‘Bluesman’ (2018), una obra crucial, ha apuntalado una propuesta que tiene mucho de crítica social, con una mirada hacia lo que significa ser negro en una sociedad racista y drásticamente desigual.

Con ‘QVVJFA? (Quantas Vezes Você Já Foi Amado?)’ debería trascender el mercado en portugués y explotar en la escena internacional: en colaboración con iconos de la música brasileña como Vinícius de Moraes y Gal Costa y talentos de las nuevas generaciones como Gloria Groove y Muse Maya muestra hacia donde va el hip hop del futuro, desdibujando el género para hacerlo volar.

José Fajardo.

Gabriele Poso – Tamburo Infinito (Wonderwheel Recordings, 2021)

Wed, 02 Mar 2022 16:12:25 +0100

¿Y si el nuevo Tito Puente es italiano? Gabriele Poso es uno de los nombres fundamentales para entender las derivas de la percusión afrolatina; y mucho tiene que ver que su mirada tiene esa bifurcación de base: nacido en Lecce pero formado desde finales del siglo XX tanto en prestigiosas escuelas de música y percusión de la capital italiana como de Puerto Rico o Cuba, su idiosincrasia sonora transmite una genética mixta entre aires mediterráneos y una suerte de afrobeat encendido que parece tocado por un habanero.

Lo lleva demostrando en los sucesivos discos que ha ido publicando en prestigiosos sellos orientados a las músicas latinoamericanas y del mundo como Yoruba Records o Soundway Records, y es ahora con “Tamburo Infinito”, publicado por el neoyorquino Wonderwheel Recordings, que consigue su mayor cohesión sonora: un repertorio en donde la percusión arocaribeña colinda con atmósferas baleáricas, una arquitectura electrónica y ciertos aires de un mestizaje mediterráneo que distancia sus canciones de esa mirada salvaje y ritual de las percusiones tradicionales centroamericanas.

Hay momentos en donde incluso la referencia a músicas como el highlife o la new wave (como en “Party People”, que bien podría ser una colaboración de Fela Kuti con Talking Heads o Happy Mondays), el tech-house (“Tamburo Infinito”) o el downtempo tribal (“Vodoo Therapy”); pero lo que realmente define el sonido del nuevo álbum de Gabriele Poso es esa mirada tribalista mestiza, como si Zucchero y Ray Barretto tuviesen más en común de lo que imaginábamos.

Alan Queipo.

Bendriss - Keanu Reeves (La Vendición Records)

Thu, 03 Mar 2022 16:08:59 +0100

Lo más importante que está pasando en la música española ahora mismo es la fusión de ritmos y miradas entre los hijos de la migración (desde Latinoamérica, pero también desde Marruecos, Senegal y otros países de África, incluso desde algunos focos asiáticos como China) y los jóvenes españoles en los barrios de las periferias de las grandes ciudades. Frente al virus del racismo, el nacionalismo y la xenofobia, es importante repetir esta idea las veces que hagan falta.

La que ahora tiene entre 16 a 20 y pocos años es la primera generación que ha logrado integrarse saltándose las barreras invisibles de origen y raza y eso ha sido posible a través de la cultura, en especial de la música. Como antes el reggaetón, ahora el drill y otras vertientes del hip hop están canalizando este movimiento juvenil tan integrador y diverso como fascinante.

La música de Bendriss es fruto de todo esto. “Un álbum de techno raï, ritmo europeo con sentimiento norteafricano”, describen desde La Vendición Records el sonido de su debut. Este sello es uno de los que está agitando este circuito subterráneo (junto a las agencias Montebello o Polar, o el propio sello de Morad M.D.L.R.) donde no hay límite para la fusión de sonidos: el neo bakalao se funde con el flamenco ‘autotunizado’, los ritmos del Magreb colisionan con dembow… Una panorámica de lo que se está cociendo en las periferias geográficas y estéticas de Madrid.

José Fajardo

Ritmo Salvaje - Música Original de la Serie (Sony Music/Netflix)

Fri, 04 Mar 2022 14:56:43 +0100

Estamos viviendo un cambio de paradigma brutal, donde por fin desde España la juventud no mira hacia Estados Unidos o Inglaterra; en lugar de la cultura anglosajona ahora el faro es la cultura latinoamericana, lo que antes era minoritario, incluso estigmatizado y reducido al cliché, ahora no sólo es visible sino que se ha convertido en lo más guay. Y eso no sólo ha pasado en España: Hollywood y la cultura del entretenimiento en Estados Unidos está desde hace tiempo mirando hacia Latinoamérica en un proceso de 'latinización', desde las películas de Disney-Pixar (‘Coco’ y ‘Encanto’) hasta la nueva versión de ‘West Side Story’ por Steven Spielberg.

De repente, al fin, la representación en las pantallas de la comunidad latina es de vital importancia. Este movimiento nuevo trasciende la música, va más allá: es una cuestión estética, una postura vital de hedonismo y resiliencia frente a las crisis, conlleva unos valores de integración y de respeto por la diversidad.

‘Ritmo Salvaje’ es sólo una más de las producciones audiovisuales (en este caso para Netflix) que tratan de mostrar esta nueva realidad. Al margen de su calidad como producto para la televisión (el error recurrente hasta ahora de estas obras está siendo el de perpetuar los clichés), sí ha acertado en su selección musical, con una panorámica amplia de la diversidad de la música nueva en Colombia.

Destaca el dúo Dawer X Damper, una de las grandes promesas del circuito urbano, quienes aún todavía sin disco (llevan soltando singles desde 2019) ya son el gran secreto a voces con su mezcla de afro futurismo y hip hop combativo. No podía faltar el reggaetón más comercial (de eso va la serie, del advenimiento “de un nuevo sonido global”) vía el productor Sky Rompiendo (colaborador de J Balvin), pero también hay espacio para géneros minoritarios como la champeta (el baile de los barrios afro del Caribe, con Charles King) y artistas jóvenes del nuevo pop como Sara Jaramillo.

José Fajardo.

Rosario Alfonso – De canciones tristes y otras sutilezas (Uva Robot, 2022)

Wed, 02 Mar 2022 16:01:51 +0100

Si hay algo que converge en la última gran generación de cantautoras latinoamericanas es la frontalidad y la crudeza. Compositoras que no solo desnudan su alma en un cancionero sangrante que recuerda a los nombres más icónicos de la canción popular (Chavela Vargas, Violeta Parra, Chabuca Granda…), sino que se sienten especialmente atraídas por producciones minimalistas: pocos elementos muy bien ordenados y expuestos equilibradamente.

Me refiero a artistas como las mexicanas Silvana Estrada o Laura Itandehui o las colombianas La Muchacha y Briela Ojeda, entre muchas otras a las que, claro está, hay que añadir el nombre de la chilena Rosario Alfonso. Una artista que ya había sorprendido hace cuatro años con “Lo primero”, un debut en el que ya se abrazaba al sonido de la madera del cuatro venezolano en consonancia con su voz, pero que en su flamante segundo álbum da un irrebatible paso adelante.

“De canciones tristezas y otras sutilezas” prosigue con esa idea de canción despojada de grandes artificios y producciones: el sonido a madera y a nylon de una instrumentación que se debate entre el cuatro venezolano, el charango, la guitarra o el ukelele, y la voz de la propia Rosario Alfonso, que nos invita a una suerte de confesionario abierto sobre desamor y desencuentros amorosos.

Pero la huella latinoamericana encuentra mayor cohesión que en su anterior disco gracias a la participación de una corta de músicos que aportan percusiones, vientos, chasquidos, cuerdas y voces, como es el caso de nombres propios conocidos como los de Benjamín Walker o Yaima Cat, entre otros. Eso es lo que este cancionero aporte canciones que reivindiquen el bolero (“Negación”), la chacarera (“A la primera”), el carnavalito (“Qué más quieres de mí”) o la nana (“Canción para acunar”), a la vez que también sale a la caza del groove (“Chamullento”), el canto apunado (“Alcohuaz”) o el jazz.folk (“Nochevieja”).

Alan Queipo.

Lil Supa - YEYO (Autoeditado)

Fri, 11 Mar 2022 08:50:30 +0100

Hablar de Lil Supa es hacerlo de la historia del hip hop en Latinoamérica. El grafiti, el breakdance y las primeras rimas a finales de los 90, su amistad y alianza con Canserbero (quizá uno de los raperos más influyentes en español), su vinculación con colectivos como CMS o Yoyodojo y el sello VinilH Records… Marlon Morales (Caracas, 1985) lleva más de 20 años apuntalando las bases de una obra inusual y fascinante, siempre al margen de las tendencias.

Este nuevo álbum sirve como un tratado de los matices de su hip hop con sabor añejo, que bebe de los clásicos del rap francés y de iconos como J Dilla, triturado con bases funky y ritmos experimentales (en una entrevista reciente confesaba que desea colaborar con su compatriota Arca). La mirada de Lil Supa (a quien también se conoce con otros alias como Lou Fresco) está cargada de reflexiones sociales, sin pasar de lado por la profunda crisis en su país.

Pero su obra va más allá de la potente tradición del rap en Venezuela (el mencionado Canserbero pero también Apache, Akapellah o McKlopedia) y conecta con otros artistas que suenan a la época dorada del género y riman en español como N. Hardem, Elio Toffana, Dano o Tote King inspirando a su vez a las nuevas generaciones que van de Ha$lopablito a Las Ninyas del Corro. Muy recomendable su grabación en vivo de 2017 en Madrid (disponible en Spotify) junto a la estupenda banda Big Menu.

José Fajardo.

Augusto Bracho – Música Moderna (Autoeditado, 2022)

Thu, 10 Mar 2022 09:41:13 +0100

Vivimos tiempos en los que parece que las canciones tienen que tener otra misión, otro subtexto, convertirse en artefactos que, aunque cada vez más perecederos, tengan otro “uso”. Las derivas de la vida moderna cambiaron el consumo y, por ende, el método de distribución y de llegada al oyente. Los artistas han cambiado. Todos, todos. Bueno, casi todos: Augusto Bracho no.

Si acaso, lo que ha cambiado Augusto Bracho ha sido su nombre. El venezolano, de nombre Gustavo Guerrero, es uno de los orfebres elementales de la nueva canción latinoamericana. Aliado en álbumes fundamentales de artistas como Natalia Lafourcade o Silvana Estrada, entre otros, Augusto Bracho es una especie de Dr. Jekyll (o Mr. Hyde) del nuevo cancionismo: un minimalista del formato canción, solo se abriga de su cálida voz y del sonido a madera y a nylon de la guitarra que toca y que arrastra con el antebrazo cada sonido que se cuela desde la frontalidad más absoluta y despojada.

A diferencia de su “Mercado de los Corotos” que sentó su debut formal con este álter ego hace cuatro años o el álbum que publicó con su proyecto El Conjunto (que comparte con el percusionista argentino Martín Bruhn) donde recuperaba clásicos marginados del cancionero latinoamericano popular; en “Música Moderna” no hay más instrumentación que la soledad del corredor de fondo.

Cerca del registro de los milongueros o boleristas de mediados del siglo XX, pero también del canto libre sudamericano y de cancionistas imperecederos, Bracho dedica las nueve canciones a cierto halo de nostalgia romántica de sus años de juventud en su Caracas natal, pero también hay cierta reflexión melancólica, derivada del nacimiento de un repertorio con el eco del confinamiento y la desazón general y humana que vivimos en los meses más duro de la pandemia. En cualquier caso, estamos ante un repertorio clásico, que se debate entre Agustín Lara, Ignacio Corsini, Víctor Jara o la crudeza de cancionistas contemporáneos como La Muchacha o Briela Ojeda.

Una maravilla sin siquiera mechero para encender fuegos artificiales absolutamente innecesarios cuando se tiene algo más que una canción: una canción despojada, frontal y sincera, que eso sí que escasea.

Alan Queipo.

Fruela 757 – FABRIL (Autoeditado, 2022)

Mon, 14 Mar 2022 09:08:51 +0100

En tiempos en los que la palabra y concepto de “resistencia” se han manoseado hasta límites inimaginables, está bien encontrarse de vez en cuando con artistas que no solo resisten desde las trincheras más marginales del underground musical, sino que también nos ayudan a adivinar por qué algunas de las derivas de la música popular refrendadas por el circuito han sucedido.

Uno de esos ejemplos es el de Fruela 757, el proyecto del productor y artista gijonés Javier Suárez Rodríguez, que ha bautizado a su álter ego como el que fuera rey de Asturias entre los años 757 (de ahí el ‘apellido’ de su proyecto artístico) y 768 e hijo de Alfonso I y la reina Ermesinda, y que desde este tan mítico como mitológico e historiográfico nombres nos va dando información de la genética de su propuesta: proyectar el contexto cultural y sonoro histórico de su Asturias natal pero visto por las derivas de la música contemporánea.

Es algo que lleva haciendo desde 2008, cuando comenzó a imaginar conceptos como el de “reggaetoná”, “tonadub”, “hip folk” o “electrad”, que quizá en su momento sonaban a chino pero que, con el correr de los años y la expansión de proyectos en América Latina y España de la talla de Nicola Cruz, Baiuca, Chancha Vía Circuito, El Búho o Tremor, entre muchos otros, han ayudado a perfilar la etiqueta común de “folktrónica” a la vez que refrendar esta fusión posmodernista y, a la vez, reivindicadora de las raíces ancestrales y los códigos más identitarios de los pueblos.

Eso es lo que ha hecho Fruela 757 en sus casi diez álbumes y en sus decenas de singles que únicamente podemos escuchar en plataformas como Bandcamp y Soundcloud, fuera de las plataformas digitales habituales, pero manteniéndose al margen de ser refrendado por el circuito y de verlo siendo un habitual de carteles de festivales y eventos, lamentablemente. Y es una pena precisamente porque su propuesta es una de las más vanguardistas e impredecibles del circuito, como vuelve a demostrar en su flamante nueva producción.

“FABRIL” sigue buceando entre esas fronteras imaginadas entre jota y tonada asturiana y acercamientos al dub, a la electrónica de club, al footwork, al reggaetón o al synthpop, entre otros géneros que se funden en las catorce nuevas canciones y casi una hora de duración. Un artista que es contracultural hasta para mover su proyecto, pero, y sobre todo, para armar un repertorio con ecos a una suerte de nu-disco por la oficialidá (“SXGAR_CON_XEITO”), al bakalao jotero (“XOTX_211”), a la cumbia-dub con aroma a sidra (“RXMX”), al tecnopop moroderiano y rondero (“TRAX (DANZE GIORGIO)”) o a la ronda por el footwork astur (“MEDIX_VUELTX”) por una vía que esquiva la elegancia y la finura y apela a la frontalidad más cruenta. Un artista imprescindible que, ojalá, empecemos a ver más en el circuito.

Alan Queipo.

Hidrogenesse - Jo Jo Bo Bo (Austrohúngaro)

Mon, 14 Mar 2022 09:04:21 +0100

Cuando daban sus primeros pasos artísticos a finales del siglo pasado, Hidrogenesse ya eran unos marcianos que se vanagloriaban de formar parte de una “anti-escena” junto a proyectos como Astrud o Chico y Chica. En 2022 siguen teniendo el mérito de que sea imposible encasillarles. Como muestra de ello este trabajo desdibuja y amplía las posibilidades un disco ya de por sí singular: ‘Joterías bobas’ (2019), inspirado por un viaje a México y la época dorada del cine de ese país entre los años 40 y 50.

A través de “nuevas versiones, secuelas, alargamientos, improvisaciones, reflejos, reverberaciones, disecciones y síntesis” de canciones geniales como ‘La carta exagerada’ y ‘La cita’, el dúo formado por Carlos Ballesteros y Genís Segarra ofrece una panorámica de la diversidad de universos que habita: deudor de la estética y del sonido de Kraftwerk pero con un sentido del humor y un paladar personalísimo que tan pronto reivindica a ‘La empanadilla de Móstoles’ de Martes y 13 como a divas como Sara Montiel.

El resultado es un trabajo que salta, como ellos mismos explican, “de la electrónica al dub, de lo tropical al pop orquestal, del reggae al paisajismo ambiental”, sin sonar forzado en ningún momento, con la elegancia del que no necesita la impostura para saberse diferente y único. Quizá sea el disco menos pop de dos artistas que sueñan con las melodías inmortales de The Smiths y Pulp (en este trabajo colabora Jarvis Cocker), pero uno de los más fascinantes por los recovecos que abre junto a colaboradores habituales como Elsa de Alfonso y Teresa Iturrioz e Ibon Errazkin (Single).

José Fajardo.

Chano Domínguez & Rubem Dantas & Hamilton de Holanda – Chabem (Altafonte, 2022)

Fri, 18 Mar 2022 09:12:56 +0100

No son demasiados, pero de vez en cuando aparecen algunos discos fundamentales como para entender las fusiones desde una perspectiva absolutamente rupturista a la vez que conectora. Como cuando Ketama se acercaron a la música africana de Toumani Diabaté en el “Songhai” o cuando Diego El Cigala hizo flamencas a las músicas cubanas con Bebo Valdés al piano.

Ahora, Chano Domínguez, uno de los pilares del jazz-flamenco y uno de los pianistas más prestigiosos de las fusiones musicales y un artista acostumbrado a mezclarse con todo tipo de músicos de procedencias, géneros y generaciones diferentes (de Martirio o Jorge Pardo a Antonio Lizana o Niño Josele, entre otros nombres), ha mezclado su sonido con el del prestigioso mandolinista brasileño Hamilton de Holanda y con el también percusionista brasileño Rubem Dantas (pionero en introducir el cajón peruano en álbumes de flamenco como los de Paco de Lucía) en un ejercicio que impone un diálogo entre las músicas populares de España y Brasil. Cada uno agarrado a su instrumento, en “Chabem” el diálogo que imponen los brasileños y el gaditano es el de un latin-jazz que, aunque abra la mano hacia distintas tendencias de la música latina, busca los puntos comunes y líquidos del flamenco y el choro brasileño.

Con momentos en los que salen a la caza de un groove casi soul-jazz (“Chumbulum”), de un casi-blues (“Chumbulum”) o a la facción más oriental del proto-flamenco (“Zyryab”), lo cierto es que es un repertorio en el que los encuentros entre las tradiciones hispánico-brasileñas parecen más naturales de lo que los corsés de los géneros suelen imponer.

Los mejores ejemplos sean, quizá, “Em Nome Da Esperança”, “Afro Flamenco”, “Capricho de Espanha” o “Santa Morena”, canciones que pueden comunicar una genética diferente a lo que luego acaba sonando: la armonía de las fronteras y las venas abiertas de la conquista de nuevos territorios musicales absolutamente apátridas y globales.

Alan Queipo.

Rauw Alejandro - Trap Cake, Vol.2 (Sony Music)

Thu, 17 Mar 2022 09:45:50 +0100

Rauw Alejandro es el símbolo del cambio tan profundo que estamos viviendo no sólo en la música sino en la industria de la cultura y el entretenimiento. 2021 le encumbró con la etiqueta del “artista latino” del año y 2022 será el de su consolidación como nuevo icono del pop global. Ni popetón ni trap ni “soul robot” (como dice Pitchfork): qué tontería seguir inventando palabras para algo que es nuevo y a la vez ya existe: lo suyo es pop, porque llega a audiencias masivas a través de melodías pegadizas y estribillos fácilmente coreables.

Sus canciones trascienden géneros y a la vez nos gritan, desde hace tiempo, que otro reggaetón es posible, que este movimiento sigue transformándose porque está vivo y abierto a enriquecerse con los sonidos y las miradas de las nuevas generaciones en una renovación frenética y fascinante. Como él, otros nombres como Eladio Carrión, Verraco, Kelman Durán, Florentino o DJ Python están ensanchando un camino que nadie sabe a dónde lleva.

En su nuevo trabajo lo mismo recuerda a Coldplay producido por un Diplo en sus mejores tiempos que se adentra en los barrios periféricos de Londres, juega con sonoridades caribeñas o se entrega a una de sus grandes fortalezas: las grandes baladas pop con bases de neo r&b y ritmos latinos. A sus 29 años, el puertorriqueño ya está preparado para entrar en el olimpo del pop.

José Fajardo.

Rosalía – Motomami (Columbia Records/Sony Music, 2022)

Mon, 21 Mar 2022 09:07:40 +0100

A estas alturas ya está todo inundado de reflexiones, rumores, críticas y comentarios de lo más variopintos sobre ‘Motomami’. Pese a esa saturación informativa, nadie se ha preguntado una cosa: ¿cómo es posible que tantas personas escuchen a Rosalía? Su propuesta tiene mucho más que ver con el arte de vanguardia que con el pop masivo y, sin embargo, alcanza a una audiencia transversal y diversa. Es una noticia maravillosa y tremendamente inspiradora que la barcelonesa de 28 años consiga que millones escuchen una música tan original, arriesgada y repleta de matices, en absoluto de consumo fácil.

Pongamos como ejemplo uno de los singles, ‘Saoko’: bajo esa apariencia frugal y juguetona (“Saoko, papi, Saoko”) hay detrás un complejísimo entramado en la producción, que incluye pasajes de free jazz, techno fantasmagórico, bases como cuchillazos… Vamos ahora con ‘Hentai’, auto parodiada por su autora en un admirable ejercicio de humor e inteligencia tras las críticas que despertó la letra (“te quiero ride como a mi bike”): como si fuera un chef de Estrella Michelín hilando en un mismo plato un cochinillo con caviar, ella es capaz de mezclar una ráfaga de ametralladora junto a un piano y hacer que suene coherente a través del milagro de su voz.

Más allá de los temas diseñados para reventar cifras, en los recovecos menos mediáticos del álbum hay canciones con una sensibilidad tan acongojante como ‘G3 N15’, una preciosidad que recuerda a su época intimista junto a Refree circa ‘Los Ángeles’, su debut de 2017. O ‘Delirio de grandeza’, su respuesta a ‘Un veneno’ de C. Tangana, en la que demuestra que su gran cualidad es su faceta de esponja que absorbe e integra en su discurso (en su arte) todo lo que le gusta sin perder su esencia: en este caso esa doble realidad que se respira en ciudades en las que ha pasado los últimos años como Miami o Los Ángeles: la música latinoamericana pero también la cultura popular estadounidense, como el hip hop.

Quienes pensaban que éste sería un disco consagrado al reggaetón no podían estar más equivocados. Rosalía, como las grandes estrellas del arte, se adelanta a lo que va a suceder, ve venir las tendencias antes de que lo sean, y muestra aquí un compendio de cómo será la música del futuro: sin etiquetas, sensible a la diversidad, con un giro en el foco hacia lo que antes eran las periferias, y en una continua búsqueda de la diferenciación, de lo que nos hace auténticos, que en su caso es a través del flamenco.

Como ya decía en una entrevista con Vanity Fair en 2017, antes de que explotara con ‘El mal querer’ (2018): “Me siento flamenca y es algo que no va a desparecer nunca. Significa tener este amor tan profundo por el género y sentir que forma parte de mí. Seguiré profundizando pero no voy a dejar de probar otras cosas, aunque no sea lo que haría una cantaora habitualmente. No me importa romper esas ataduras”. Y vaya si las está rompiendo, está machacando las ataduras junto a los prejuicios de los que todavía se niegan a aceptar que las cosas están cambiando.

José Fajardo

Marilina Bertoldi – Mojigata (Pelo Music S.A., 2022)

Mon, 21 Mar 2022 09:11:59 +0100

El rock argentino llevaba años sin nuevos referentes de peso. Tras unas décadas en donde el llamado “rock nacional” se convirtió en folclore argento, y en donde cada década hasta los ’90 y principios de los 2000 inclusive renovaban códigos y se adaptaban al contexto; los últimos diez o quince años sirvieron para la expansión de otras músicas en Argentina (la urbana, la electrónica, el pop alternativo, la fabricación de estrellas comerciales globales…), dejando en un segundo o tercer o cuarto plano al rock. Hasta que llegó ella.

Marilina Bertoldi apareció como un salmón, nadando a contracorriente de las tendencias, y reivindicando no solo la música de guitarras, sino poniendo una narrativa de empoderamiento feminista y de activismo LGTBIQ+ en un momento en donde la crítica y el público estaban más preocupados en asimilar a sus nuevas estrellas globales y el sonido del eternamente rechazado registro urbano.

La santafesina llevaba años siendo un secreto a voces del circuito under desde la puesta en marcha de Conor Questa y de sus primeros movimientos en solitario. Ya en 2016 su álbum “Sexo con modelos” sentó las bases de un discurso que se amplificaría y refrendaría con “Prender un fuego”, uno de los mejores álbumes de rock argentino de lo que llevamos de siglo y un disco que sirvió para proyectar nuevos códigos y relatos en un rock argentino especialmente testostórico y macho-dominante.

Varios premios, decenas de conciertos y millones de reproducciones después, la pequeña de las Bertoldi (su hermana Lula es la líder de Eruca Sativa) regresa con “Mojigata”, un álbum que tiene la presión de ser el sucesor de un disco aupado al olimpo del rock sudamericano. Y da la sensación de que esta cuarta placa servirá como asentamiento de una identidad sonora para la argentina: un rock que sigue bebiendo mucho del funk (ese sonido del primer Lenny Kravitz, de los Faith No More más grooveros o de los Red Hot Chili Peppers menos anfetamínicos y más aéreos) pero que, además, consigue sonar macarra, sensual y sarcástica a la vez.

Ahí encontramos atajos a un rock and roll repleto de aire y groove (“Cosa mía” o “La Cena” se presentan como unos hits anómalos, calenturientos y muy melódicos), así como también hace ojitos a cierta facción del rock and roll americano de los Black Crowes más acústicos (“Es poderoso”), a una especie de jam a tientas entre el jazz y en la balada rocanrolera (“Vivo pensando en ayer”) y hasta toma permisos para sonar especialmente Funky (“Sushi en lata” o “Claro Ma”) o sexualmente explícita (tanto en la balada “Amuleto” como en la rockera y macarra “Beso Beso Beso”).

La reina del nuevo rock argentino estrena el trono dando una patada de puntín a los que querían subir a usurpar un espacio en el que está especialmente cómoda. Brindo por varias décadas más mirándonos desde arriba.

Alan Queipo.

Meth Math - Mortal (In Real Life Music / AWAL Recordings)

Thu, 24 Mar 2022 14:37:08 +0100

La escena musical en México es ese videojuego de mundo abierto inabarcable y fascinante, lleno de recovecos y escenas ocultas, que jamás terminas de controlar del todo. Siempre hay algo que te sorprende en cada partida. Hay tantas subculturas transformándose ahí dentro sin cesar que, al asomarte, sientes vértigo y un irrefrenable impulso de saltar, a ver qué onda. De dónde si no iba a salir un proyecto tan marciano y genial como el de Meth Math: la artista Ángel Ballesteros a las voces y los profesores de matemáticas (de ahí el nombre del grupo) error.error (Efrén Coronado) y Bonsai Babies (To Robles).

Aunque en sus inicios en 2020 con grabaciones como ‘Perreando y llorando’ surgieron al calor de la escena del neo perreo en Ciudad de México (vía corrientes alternativas como el perreo pesado de Rosa Pistola o la efervescente escena nocturna de DJ con nombres como Cachorra), ha sido el regresar a su lugar de origen en Hermosilla (en Sonora, al norte del país) cuando han encontrado su lugar.

Sega Bodega produce el single ‘Tambaleo’ y es una buena muestra de hacia dónde apunta Meth Math: hacia la deconstrucción del reggaetón y el estiramiento de los límites de la música de baile en la línea del trabajo que hacen otrxs visionarixs como Kamixlo, Endgame, Shygirl, Soto Asa, Arca, Sangre Nueva y Verraco, una no-escena que teje conexiones invisibles con otros universos que habitan el futuro, como el hyperpop.

En mayo visitan España de la mano de los siempre fiables Giradiscos: Madrid (El Sótano, 19 de mayo), San Sebastián (Dabadaba, 20 de mayo) y Barcelona (Sala Taro, 21 de mayo). Avisadxs estáis: no os lxs perdáis.

José Fajardo.

Kiko el Crazy – Llegó el Domi (Rimas Entertainment LLC, 2022)

Wed, 23 Mar 2022 09:44:38 +0100

De todos los nacionalismos, el nacionalismo musical es el que más me interesa. Y es que hay artistas cuyo discurso está profundamente cimentado en la cultura con la que han crecido y que han ayudado a modelar, pero también es una reivindicación de la idiosincrasia artística que puede existir en escenas absolutamente apegadas al territorio del que pertenecen.

No es casualidad que Kiko el Crazy, uno de los iconos de la música urbana dominicana del último lustro, decida titular “Llegó el Domi” su álbum debut (bueno, hay un álbum anterior, pero que era más una recopilación de sus primeros singles) y lo primero que suelte por la boca sea: “dominicano soy: no ando en esa, hago mi dili’ adonde voy, atrá’ de lo’ cualto’”.

Sabiéndose un embajador cultural de la República Domincana del siglo XXI, Kiko el Crazy ha decidido que su debut rebose dominicanismo por todos los poros: prácticamente todas las canciones hacen referencia a su país, y varios de los títulos hacen alusión a frases o conceptos identificados con la jerga de su país; pero a lo largo de las dieciocho canciones y casi una hora de duración del disco, también sirve como manifiesto de las distintas sensibilidades sonoras que la escena urbana de su país representa y como termómetro del estatus que el artista oriundo de Santiago de los Caballeros tiene en la actualidad, al contar con una corte de nombres propios de infarto: desde El Alfa, Darell y Farruko a will.i.am, Jowell & Randy o Zion & Lennox.

Evidentemente, el dembow está presente en varias de las canciones de “Llegó el Domi” (en “Comandante”, “Háblale de Cualto”, “Busca un culo”, “La Pámpara” o “La Popi”, entre otras), así como géneros como el electrolatino (“Mi 3 Pana”) o el dancehall-house (“La Pasamo” o “Latina”, junto a will.i.am, líder de los Black Eyed Peas), pero hay un universo de los sonidos caribeños, imponiendo diálogos entre el reggaetón con el merengue, el guaguancó, la champeta o el calipso en canciones como “La vida mía", “Nube negra”, “Te doblaste” o “Chukiteo”, entre otras.

Igual va llegando la hora de cambiar la mirada de epicentros urbanos como Puerto Rico, Colombia o Argentina y mirar más a Dominicana, que ya replicó.

Alan Queipo.

El David Aguilar – Agendas Vencidas (Universal Music México, 2022)

Wed, 23 Mar 2022 15:42:29 +0100

Si alguien nos cuela el nuevo disco de El David Aguilar en una pila de vinilos de la llamada por entonces “nueva trova cubana”, entre discos de Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Amaury Pérez o Noel Nicola, da el pego.

Y es que el nuevo ejercicio discográfico del artista mexicano recupera no solo el espíritu de esa frontalidad que deja a guitarra y voz al descubierto al cantautor, apenas acompañado en algunos tramos del repertorio por arreglos de cuerdas, sino también la dulzura confesional y tan mínima como minimalista recuerda el sonido casi de nanas para adultos que aquellos trovadores de la Cuba revolucionaria marcaron a hierro para siempre una línea en la canción de autor.

Eso es lo que resuena en “Agendas vencidas”, el sexto álbum del sinaloense, y sucesor de “Reciente”, un disco publicado en el corazón del confinamiento global y en el que abría la mano a un ramillete de estilos y una producción que continuaba la línea ya presentada en su álbum homónimo de 2014 o en “Siguiente”. En este nuevo álbum, hay mucho del sonido de aquellos cantautores cubanos, sí, pero también de un halo de misticismo minimalista, casi en tono de secreto, que puede recordarnos a los álbumes más crudos de Nick Drake, Elliott Smith o el Neil Young del “Harvest”, entre otros, o del reciente álbum del venezolano Augusto Bracho.

Grabado en apenas dos días en el estudio Sonic Ranch de Texas, e impulsado por Adán Jodorowsky de regresar al sonido crudo y frontal de sus primeros pasos en la música, de álbumes que no se encuentran siquiera en plataformas; todas las canciones están cortadas por ese mismo patrón de sonido acústico, voz susurrada, melodías redondas y unas letras que narran un punto ciego entre la nostalgia y la euforia, entre el romanticismo y el naturalismo. La búsqueda de la belleza y de la paz en tiempos de guerra y sobreinformación.

Alan Queipo.

Mundo Livre S/A - Walking Dead Folia: Sorria Você Teve Alta! (Estelita, 2022)

Thu, 24 Mar 2022 15:42:28 +0100

Es buen momento para reivindicar a Mundo Livre S/A ahora que se volvió tendencia eso de hacer música local con ingredientes globales. Desde Recife, al noreste de Brasil, este grupo enarboló en los 90 el manifiesto del “mangue beat” para dar visibilidad a una escena contracultural en esta ciudad profundamente diversa. Su sonido bebe de la música popular brasileña pero también del rock alternativo anglosajón, el hip hop y la electrónica, un genial experimento que se podría bautizar como “samba punk”. “Un puente entre Johnny Rotten, Jorge Ben y Moreira da Silva”, según su carismático líder Fred Zeroquatro.

Son ya 30 años de una carrera sin comparación posible, guiada por el instinto del propio colectivo y a la contra de la industria. Mundo Livre S/A es una banda de culto que en 2022 suena a pura modernidad y cuya visión crítica de la sociedad (no exenta de sentido del humor) es más pertinente que nunca: en el Brasil de Bolsonaro, negacionista de la pandemia, su metáfora de un pueblo guiado por zombis y abocado al desastre es potente y funciona. Si The Clash hubieran nacido en Brasil y hoy siguieran activos estarían sin duda hermanados con Mundo Livre S/A.

José Fajardo.

Twanguero – Carreteras Secundarias, Vol. 2 (Cosmica Artists, 2022)

Thu, 31 Mar 2022 08:24:12 +0200

Plantarse en un claro de la jungla costarricense y ponerse a construir canciones de un trance evocador y una conexión con el entorno que convierte a las chicharras, los monos aulladores, los pájaros, los vientos y el rugido de los árboles y la naturaleza más salvaje en una especie de sinfonía, de base rítmica.

Eso es lo que ha hecho Diego García, más conocido como el Twanguero, uno de los mejores guitarristas del mundo, en medio de la pandemia más profunda. El guitarrista español que lleva años establecido en Estados Unidos había hecho un ejercicio de inmersión parecido pero diferente hace cinco años, cuando dio a luz el primer volumen de “Carreteras Secundarias”, sumiéndose en el sonido de las carreteras norteamericanas y los albores sonoros del blues, el country o las ragas.

Ahora, la idea era que la atmósfera de la selva centroamericana sirva como vaso comunicante de las venas abiertas y el nylon de las guitarras españolas y criollas de Latinoamérica a través de un cancionero que proyecte esas sonoridades. Y allí mismo, en una jungla de Costa Rica permaneció tres meses aclimatando su guitarra a la humedad extrema, y buscando la sonoridad que esa sinfonía de sonidos naturalistas imponía en el tono de unas piezas que bailan entre diferentes tradiciones de guitarreo latinoamericanista.

Tanto cuando se acerca a la milonga argentina (“Pampa”), a la samba brasileña (“Samba de la jungla”), a una suerte de bolero repleto de aire y groove (“Náufrago”), a los trópicos utópicos de trance naturalista (“Iguazú”) o a una suerte de rumba latina que rinde pleitesía a uno de los reyes de la jungla americana, de Texas a Argentina (“Jaguar”), entre otros personajes sonoros que habitan este segundo volumen de “Carreteras Secundarias”.

Alan Queipo.

Tremenda Jauría - Todxs Igual (Motmo.pro / Mauka Musikagintza, 2022)

Thu, 31 Mar 2022 09:03:54 +0200

Del camino que separa a Skaparrapid de Tremenda Jauría se podría explicar no sólo la evolución de la música festiva de combate en español sino de los cambios tan profundos que han transformado la sociedad. Ambas propuestas tienen mucho en común pero a la vez representan dos épocas diferentes. Cuando el grupo valenciano de ska-punk gozaba de su etapa de mayor popularidad hacia finales de los 90 era impensable que una propuesta que tuviera el autotune y el reggaetón por bandera funcionara en ciertos círculos anti-sistema.

Hoy, por suerte, la mirada hacia los ritmos de Latinoamérica ha cambiado superando un prejuicio que tiene mucho de racismo y cierto clasismo. También se ha normalizado el uso del autotune como una herramienta musical más. Ese respeto por la diversidad que caracteriza a las nuevas generaciones ha aupado a un proyecto que sale del corazón de Madrid (Tremenda Jauría se ha dado a conocer en centros sociales como La Casika o El Patio Maravillas y en barrios como Lavapiés, Carabanchel y Vallecas) y ha sabido enganchar con ese hedonismo juvenil no reñido con la conciencia social.

Su nuevo disco es más intimista y oscuro que su debut ‘Mordiendo’ (2016), según reconocen ellxs, pero sigue representando bien su mirada amplia y libre: hay ecos a la época de Manu Chao con la Radio Bemba Sound System o a los proyectos de electrónica internacionalista de Fermín Muguruza, al punk acelerado con cierto espíritu pop en la onda de 37 Hostias, al desfase con mensaje de Kumbia Queers y a propuestas jóvenes lideradas por mujeres como Machete En Boca, I.R.A. Rap y Las Ninyas del Corro. Un poderoso cóctel para bailar y luchar.

José Fajardo.

Hermetics – Brujo Wayuu (Multi Culti, 2022)

Fri, 01 Apr 2022 14:36:31 +0200

Cada uno tenemos en nuestra mente tanto la imagen como la música que se baila en rituales tribales en medio de la selva. En el caso de Hermetics, da la sensación de que lleva teniendo claro a qué suenan los rituales del futuro desde hace tiempo, y tras varios años firmando remixes, singles y colaboraciones con artistas de la talla de Nicola Cruz, Chancha Vía Circuito o Fran di Gianni, ha decidido plasmarlo en lo más parecido a un álbum debut que ha presentado hasta la fecha.

“Brujo Wayuu” es una especie de EP largo (seis temas + un remix de Nicola Cruz) o de álbum corto, aunque la duración del ejercicio supera de largo a muchos álbumes con más cortes. En cualquier caso, estamos ante un trabajo absolutamente redondo, que introduce el nombre del productor colombiano residente en Buenos Aires como uno de esos nombres propios esenciales en el circuito de la electrónica orgánica, folktrónica o como queramos llamarlo.

Lo cierto es que el cancionero que firma para el prestigioso sello canadiense Multi Culti asienta las marcas de agua que Santiago Niño quiere que sean más reconocibles en su obra: cierto aire de trance psicodélico, de tech-house edificado con percusiones orgánicas, un trabajo desde un acid-house lisérgico que nos sume en micro-rituales de entre cinco y ocho minutos y que saca a relucir una capacidad innata para jugar con texturas sin perder la cadencia del ritmo recto.

Y es que, si en caso como los de Nicola Cruz nos encontramos arquitecturas imposibles, en Baiuca una edificación casi pop de la electrónica experimental y en Chancha Vía Circuito atmósferas más chill y espirituales; en Hermetics se trabaja desde el trance y los mantras techno. No es raro que la única vez que abre la boca (en “Serpiente de los cielos” e “Imagen cruda de la noche”) sea para clamar una suerte de manifiesto espiritual para que uno siga bailando con los ojos cerrados.

Sin embargo, donde realmente uno se rinde a su obra es en piezas como “Brujo Wayuu” o “Pandora”, tracks que ayudan a explicar el singular universo selvático y orgánicamente techno de un productor que ha llegado para hacer cosas grandiosas.

Alan Queipo.

Pipo Romero - Ikigai (BMG, 2022)

Mon, 04 Apr 2022 07:52:36 +0200

Para Pipo Romero la guitarra acústica es una orquesta: con ella traza las melodías y marca el ritmo, emula las percusiones y hasta moldea voces que no suenan pero se sienten. En directo tiene tres formaciones: una con banda al completo y otra con una versión reducida, pero es al estar él solo con su guitarra cuando alcanza el clímax porque ahí están todos los matices de su propuesta al desnudo.

Lo mismo sucede con este disco, el tercero de su carrera, donde este gaditano adoptado desde hace años por Madrid amplía una propuesta que experimenta en torno al folclore (su debut de 2015 se llamaba, precisamente, ‘Folklórico’, un término que se ha vuelto tendencia); la bahía de Cádiz, su tierra natal, no es más que una metáfora, con sus múltiples influencias, de un artista que construye puentes con la cultura celta (de Galicia a Irlanda) y los ritmos iberoamericanos a través del Atlántico.

Así es como en ‘Ikigai’ (un concepto japonés que se refiere a encontrar una meta vital), este virtuoso compositor e instrumentista que ha grabado discos y girado con bandas de pop súper éxitos (El Canto del Loco, El Sueño de Morfeo) entrelaza con sutileza, tan sólo armado con su guitarra acústica (de cuerdas de acero, para darle un toque de distinción) y apenas algún colaborador (sólo hay voces en ‘Privo di Luce’, las de Manuel Pilas), flamenco libre con tango, rumba con folk americano, coplas y chotis con acentos varios. Una gozada que dibuja con sonidos el mapa de Iberoamérica.

José Fajardo.

Spinettango – Spinettango (Nacional Records, 2022)

Thu, 07 Apr 2022 08:45:30 +0200

A lo largo de toda su trayectoria, siempre se ha hablado de la obra de Luis Alberto Spinetta con lo conectada que estaba con el universo del jazz, precisamente por los márgenes de libertad con los que trabajaba una canción que siempre formó parte de la militancia del rock más libre. Spinetta era el del jazz-rock y Charly García el de sus conexiones con la música clásica.

Pero pocas veces se ha hablado de las grandísimas conexiones que los grandes referentes del rock argentino han tenido con el tango. A ese juego es al que han querido jugar Los Altiyeros, confirmados por el cantor Santiago Muñiz y por el quinteto que capitanea el bandoneonista Damián Torres al dar forma a “Spinettango”, un disco y un proyecto que sacara a relucir las enormes conexiones entre la obra del ‘Flaco’ y el universo del tango.

Centrándose sobre todo en la obra del Spinetta de sus primeros años (el grueso del repertorio forma parte de sus etapas en Almendra, Pescado Rabioso e Invisible) y contando con una corte de invitados ilustres (Litto Nebbia, Melingo, Mimi Maura y el comando murguero Falta y Resto), “Spinettango” lleva al territorio de la milonga y del tango-canción (el de la herencia gardeliana) la obra de un Spinetta que, a cada revisión ajena, demuestra que ha forjado un repertorio lo suficientemente líquido como para que se vea la transversalidad de su cancionero y el universo absolutamente libre con el que las construyó.

Con algunas versiones más conseguidas y en otras menos, el gran reto de este ejercicio era no caer en la caricatura o en la parodia. Si bien hay algunas canciones en donde se roza ese espacio medio confuso, lo cierto es que el trabajo de Los Altiyeros es impecable a la hora de aclimatar un repertorio icónico en una clave y un código aparentemente diferente.

Alan Queipo.

Susy Shock & Carlos Gianni - Crianzas, El Musical (440 Producciones Musicales, 2022)

Thu, 07 Apr 2022 08:22:08 +0200

“Reivindico mi derecho a ser un monstruo. ¡Que otros sean lo normal!”, dice Susy Shock, argentina y activista trans de 53 años, pionera absoluta antes de que el colectivo de las travas (como se dice en su país) tuviera la visibilidad de hoy gracias a obras culturales de alcance global como la serie ‘Pose’. La historia de esta poeta, cantante y performer, que se autodefine como “trans piradax” o “trans sudaca”, bien podría ser el próximo bombazo de HBO.

“¿Qué soy? ¿Importa? (…) Soy arte”, reflexiona Susy Shock en un completísimo perfil en ‘Página 12’ de hace unos años donde se habla de su conexión temprana con el teatro alternativo (con incursiones en lo “grotesco criollo, el expresionismo, el surrealismo y el esperpento”) y que ha dedicado su vida, en efecto, al arte y a la expresión última de la libertad.

En 2016 publicó el libro ‘Crianzas’, relatos cotidianos de “una tía trava” y su bonita relación con su sobrino. De las páginas saltó al musical con la colaboración de Carlos Gianni, un veterano y reconocido productor y director musical de obras teatrales y este año ha salido en formato disco. Son apenas 15 minutos pero muestra toda esa fantasía del universo de Susy Shock, capaz de saltar de la ternura al vómito punk, y de pervertir géneros tradicionales como la milonga, el tango o la copla haciéndolos fabulosamente suyos.

Susy Shock es emblema de esta nueva generación de artistas (de Linn da Quebrada a Gad Yola) que están destrozando la anquilosada concepción patriarcal de los géneros binarios (ella habla de “heterowincapatriarcado”). Será una de las invitadas de BIME Bogotá, que se celebra en la capital colombiana entre el 5 y el 7 de mayo de 2022.

José Fajardo.

Flor de Toloache - Florecita Rock-ERA (Autoeditado, 2022)

Mon, 11 Apr 2022 07:52:29 +0200

Igual que sucedió con el reggaetón, la ceremonia de los Grammy Latinos ha sido el escaparate donde el regional mexicano (un término muy amplio, que va de la ranchera a la música mariachi y propuestas modernas como los corridos tumbados) ha confirmado su alcance global. Allí triunfó Flor de Toloache en 2020 llevando el género a un paso más allá, compitiendo ya no sólo en los premios especializados sino también junto a Rosalía o Bad Bunny por el mejor disco alternativo con ‘Indestructible’.

Vivimos en la era donde se sublima lo local por su alcance universal y los artistas se esfuerzan por encontrar lo que les hace diferentes. Todo esto juega a favor de Flor de Toloache, una banda veterana que en los últimos cinco años, coincidiendo con la explosión de los sonidos latinos y en español, se ha convertido en un icono transversal que lo mismo gira por Europa de telonera del pope indie Dan Auerbach que aparece en el disco de Bertín Osborne ‘Yo debí enamorarme de tu madre’, protagoniza los Tiny Desk de la NPR o pone patas arriba el programa de Jools Holland.

Hoy Flor de Toloache es mucho más que ese titular que le pusieron en sus inicios allá por 2008: “la primera banda íntegra de mujeres mariachi”. Desde su base de operaciones en Nueva York, este combo multicultural (por el que corre sangre de México, Estados Unidos, República Dominicana, Puerto Rico, Colombia, Cuba, Alemania, Italia y hasta Australia) es el de unas auténticas súper estrellas.

En su nuevo álbum parten de la tradición mexicana (mantienen la estética, la forma de cantar e instrumentos como el guitarrón, la trompeta, el violín y la vihuela) y se atreven con versiones desprejuiciadas de himnos rock como ‘Clandestino’ (Manu Chao), ‘Florecita rockera’ (Aterciopelados), ‘La tierra’ (Ekhymosis) y ‘De música ligera’ (Soda Stereo) trazando, de paso, un camino que recorre las venas de la música latinoamericana.

José Fajardo.

Juan Perro – Libertad (La Huella Sonora SL, 2022)

Mon, 11 Apr 2022 08:00:40 +0200

A diferencia de lo que representa para el neoliberalismo salvaje español (y especialmente el madrileño), la palabra y el concepto de “libertad” al que alude Santiago Auserón no es al de poder tomar cerveza en los bares en tiempos de peligro sanitario global. La libertad para el que fuera líder de Radio Futura se lleva manifestando de forma absolutamente explícita en todas y cada una de las decisiones que tomó en sus más de cuarenta años de trayectoria, sobre todo cuando es su Mr. Hyde quien alza la voz.

Su Mr. Hyde es Juan Perro, el proyecto con el que inició hace justo tres décadas una carrera en solitario en la que se buscó dicho álter ego para volar especialmente libre por los campos de experimentación menos previsibles y cómodos para una de las estrellas menos dóciles y más inquietas de la música española más popular de los años ’80.

Su papel de músico y creador colindó con el de investigador y divulgador, casi un arqueólogo que ha ido persiguiendo no solo “la huella sonora” que han dejado las músicas latinas y occidentales en sus caminos de ida y vuelta, sino la propia huella sonora que ha ido imprimiendo él en el formato canción-rock en toda su carrera. Es nuestro David Byrne o Paul Simon.

Quizá su flamante “Libertad”, la última generación de canciones que pone a disposición del respetable, sea su mejor álbum en mucho tiempo, desde al menos “Río Negro”, de hace más de una década. Concebidas después del confinamiento duro y sucesor de los “Cantos de Ultramar” que cavilaba en una órbita más jazzy, su nuevo álbum modela piezas de estructura canción-rock que hacen ojitos a las dos vertientes negras que más se ha acercado en su obra: la latina y la afroamericana.

La facción afroamericana se manifiesta especialmente cuando se acerca al swing (“La libertad”), al funk (“Extraños deseos”), al rock and roll (“La ley del camino”) o al blues-rock (“Gibara”); y la latina, cuando mira de cerca al son en clave rock (“Quemando caña”), el bolero croonerista (“La última rosa”) o la bossa-swing (“Magnolia”). Pero siempre, Auserón suena como una suerte de prestidigitador que baila a su propio son y su propia huella sonora.

Alan Queipo.

Sara Hebe - Sucia Estrella (Autoeditado, 2022)

Mon, 18 Apr 2022 07:46:42 +0200

“Aquí no pasamos de moda, porque nunca fuimos una moda”, canta Sara Hebe (junto a Ana Tijoux) en ‘Almacén de datos’. A sus 38 años, esta pionera que abrió paso en el hip hop de Argentina podría sentirse desplazada por esa talentosa nueva generación (de Cazzu a Ysy A, a quien reivindica en este álbum) que está renovando las rimas de su país cruzando el sonido original del rap con trap y ritmos modernos de baile.

Sucede todo lo contrario: Sara Hebe siempre fue una artista libre y valiente, que ha navegado al margen de las tendencias con los oídos abiertos para seguir evolucionando y ahora abraza con entusiasmo esta nueva era que está transformando la música juvenil sin perder su propia esencia.

‘Sucia Estrella’ es su disco de ruptura, el de una mutación que da la bienvenida a una nueva época, con rimas a un ritmo más reposado que nunca antes (las de ‘México’, que ya es uno de sus grandes éxitos) y sonidos electrónicos que ocupan un lugar central. Sigue a su lado Ramiro Jota, su productor habitual desde que empezó a hacer aquel rap punki y crudo con coletazos de cumbia villera, pero además incorpora a otros como Don Peligro, Punga, Manuel Calmet y Río del Pari.

La esencia es la misma que la ha llevado a convertirse en referente de formaciones más jóvenes como Tremenda Jauría: rap a mordiscos con el alma ardiendo, estribillos coreables y un ingrediente secreto para mezclar lucha y celebración.

José Fajardo.

Rosin de Palo – Lo que dura un recreo (Lago/Cráter, 2022)

Mon, 18 Apr 2022 07:40:49 +0200

He estado en recreos más cortos y más largos, pero, creo, en ninguno tan lisérgico como el que plantea el dúo aragonés Rosin de Palo en su álbum debut. Un ejercicio de una libertad ciclotímica, imprevisible, hiperactiva, indefinible.

Como sucede con los jóvenes que se vuelven ateos tras haber ido a colegios de curas, Samuel Azorín y Mario Vidal, tras años de estudios en el Conservatorio Profesional de Música de Zaragoza, rompen con la ortodoxia de la formación más hermética que, a buen seguro, mamaron en partituras y clases sobre Bach y Beethoven, y plantean en su música una ensalada de sabores imposibles, rompiendo su propia mátrix y abriendo túneles que conectan el jazz de vanguardia, la actitud punk, los guiños al dub o a la música incidental, a la caza de un groove con Síndrome de Tourette.

Con apenas un contrabajo y una batería, Rosin de Palo se presentan como los herederos menos fieles del legado reciente y aún vivo de los catalanes Za!, aunque también hay mucha conexión con aquella escena de finales de los años ’80 y principios de los ’90 que, heredada de la no wave, dio a luz a proyectos como Mar Otra Vez, Mil Dolores Pequeños, Demonios Tus Ojos o 713avo Amor, entre otros.

Mucho de ello hay en este cancionero urgente en donde se inventan un tribalismo de un indigenismo imaginario (“TXÁ TXÁ UNBE UMBÓ”), una oda pseudo-sacra para meditaciones psicodélicas (“Trilo”), una música incidental para pitufos maquineros (“Chúpalagambalamosca”), un hard-rock casi asiático (“Aquí está tus Satoshis”), un bakalao jazzero de vocación rasta (“Un trifásico (Cortito de café y con poca leche)”) o un funk vocal (“Hardineros del Funk”).

Alan Queipo.

Jesse Báez – Amor en español (Universal Music México, 2022)

Wed, 20 Apr 2022 14:38:48 +0200

Se puede llorar apretando. Es básicamente el estado de ánimo general que se percibe en “Amor en español”, un álbum que bucea por las cavilaciones del concepto de “chilling”, con todo lo que ello conlleva: romanticismo de nueva masculinidad, BSO para hacer petting, melancolía y nostalgia y empoderamiento de la fragilidad.

Es un campo de texturas que el guatemalteco (bueno, nació en Chicago, pero se crió en Guatemala desde los seis años) Jesse Báez ha dominado a la perfección desde sus primeros temas, cuando se convirtió en el mascarón de proa del sello Finesse Records, uno de los sellos-plataforma que acogió algunas de las propuestas más interesantes de la nueva ola de r&b en castellano que expandió ese sonido hasta convertirlo en el nuevo pop, con el propio Báez como uno de los embajadores más sonados en el underground.

Los pasos de Báez siempre han sido muy pulcros y tímidos: no hay temas malos en su discografía ni, aunque tenga canciones relativamente conocidas y con cifras millonarias como “Malibú”, “Fácil” o “Apaga la luz”, no es que tenga hits que lo conviertan en un esclavo de determinadas canciones. Y da la sensación de que su tercer álbum es un auténtico devocionario de todas sus sensibilidades pop, con su mejor repertorio hasta la fecha, con muy poco que envidiar a artistas de su órbita como Álvaro Díaz o Sen Senra.

Tanto cuando se pone vaporoso en una canción de romanticismo de dormitorio (“Monte Carlo”) como cuando reescribe el lo-fi negroide (“No Jaló”), pero también cuando suena con un groove bestial (“Tú”) o future funk (“Triple H”), cuando se hace pequeñito a lo Justin Bieber baladista (“Típico”), cuando saca a pasear los ritmos 808 como el primer The Weeknd (“Limo”) o cuando deconstruye el reggaetón (“Podemos intentar”), da la sensación de que este Jesse Báez se ha convertido en un género en sí mismo.

Alan Queipo.

Anitta - Versions of Me (Warner Records, 2022)

Thu, 21 Apr 2022 14:12:03 +0200

En el ultra competitivo universo del nuevo pop, cada unx hace lo que puede con lo que tiene. Mientras el madrileño C. Tangana se inventa un nuevo tipo de directo-velada canalla donde lo de menos en realidad es su voz, la carioca Anitta arrasa en Coachella con una propuesta que recorre los tópicos de Brasil sin desentonar y desde el hedonismo más abierto y disfrutable: baile sin freno basado en el movimiento hiperbólico de nalgas, estética colorida de Carnaval, imágenes de fondo de las favelas, ritmos de samba y funk carioca…

Ha sido la consagración de la brasileña de 29 años como estrella global, un ascenso al Olimpo musical refrendado por su súper éxito ‘Envolver’, número uno planetario tanto en Spotify como en YouTube, las dos plataformas (con permiso de TikTok) que mejor miden ahora mismo el impacto de una canción. Todo esto no es más que el decorado en el que se ha presentado su nuevo disco, este ‘Versions of Me’ que ha ido mutando durante la pandemia hasta convertirse en un caleidoscopio de lo que Anitta es capaz de hacer.

¿Y qué es eso que ella puede hacer? Pues de todo: cantar en español, sumándose a la imparable ola latina en ese idioma que ya ha conquistado la industria del entretenimiento en Estados Unidos, y mezclar sonidos punteros entre la juventud en Latinoamérica como el dembow y el dancehall junto al pop híper producido con guiños al neo r&b que arrasa en el mercado anglosajón (en sus letras desde hace tiempo mezcla con naturalidad su idioma natal con español e inglés para conectar con todas las audiencias).

Tan sólo han pasado cinco años desde que Anitta se coló en las pantallas de medio planeta con su single ‘Vai Malandra’ y en este tiempo la brasileña ha firmado uno de los ascensos más espectaculares de la música contemporánea. Quizá este disco no tenga cohesión y parezca un batiburrillo de ideas pero funciona como el producto pop perfecto: disfrutable, pegadizo y para todos los públicos. Y, además, ella acaba de pedir el voto contra el tirano Bolsonaro en las elecciones de octubre de este año en Brasil. ¿Quién da más?

José Fajardo

Juanita Euka – Mabanzo (Strut Records, 2022)

Wed, 20 Apr 2022 14:50:27 +0200

¿Qué música debería hacer una artista nacida en la República Democrática del Congo que creció en Buenos Aires, cuyas mayores inspiraciones son iconos de la música afrocubana como Celia Cruz y La Lupe, que a los 14 años se fue a vivir a Londres, que ha formado parte de la banda afroperuana Malambo y de la banda afrocubana Wara, que ha protagonizado algunos de los espectáculos musicales más importantes de la London Afrobeat Collective y que acaba de fichar por Strut, un sello británica especializado en músicas del mundo?

Imposible delimitar el campo de acción sonora de una artista tan babélica, inquieta y poliédrica como Juanita Euka. El párrafo anterior sirve como introducción y muestreo del alcance que habita en el registro artístico de la congoleña, y así lo plasma en su primer álbum enteramente en solitario, cuatro años después de firmar junto a la banda de música fusión Animanz un álbum de título bastante premonitorio: “Exotic Other”.

Ahora, con “Mabanzo” abraza la música de sus raíces africanas, pero pasada por una coctelera de inspiraciones afrolatinas e incluso del folclore sudamericano que ayuda a explicar no solo su música, sino el origen de prácticamente todas las músicas latinas, rompiendo precisamente con la idea de que lo “exótico” es lo africano.

Tanto cuando firma canciones de clara inspiración sudamericana (“Sueños de libertad”) como cuando encuentra el groove tanto del funk (“Alma seca”) como de una orquesta de salsa fusión (“For All It’s Worth”). Lo cierto es que los momentos más lúcidos e interesantes es donde esa mezcla de raíces y tradiciones sonoras se funden en un artefacto nuevo, como sucede en “Nalingi Mobali Te”, “Mboko Moko”, “Motema” o “Baño de Oro”, como si sonase a una suerte de Fela Kuti del Siglo XXI.

Alan Queipo.

Baiuca - Embruxo Reworks (Raso Estudio, 2022)

Mon, 25 Apr 2022 07:49:04 +0200

‘Embruxo’ se publicó en mayo de 2021 mostrando un nuevo camino donde colisionan la música electrónica contemporánea y las tradiciones (en su caso, las de su tierra, Galicia). Ha sido un año crucial en la carrera de Baiuca, pero lo más importante está por llegar. Este EP de remixes y versiones es el punto de partida para una nueva era que ha de ser la de su consolidación en el circuito internacional y el reconocimiento que merece en España como referente de un sonido.

La suya es una de las propuestas que más han sufrido en directo por los conciertos pandémicos con el público sentado. Su propuesta tiene un componente de baile muy fuerte que nace desde lo orgánico. En ese sentido, su ambiciosa gira para esta primavera-verano (con fechas en ferias, ciclos y festivales como Womad, Portamérica, Mallorca Live, Paraíso, Vida, Canela Party y Cara-B) servirá para hacer crecer canciones con la pegada de ‘Meigallo’ y ‘Veleno’.

Precisamente estos ‘Reworks’ ponen en valor esa faceta hedonista y clubera con la colaboración, además del asturiano Rodrigo Cuevas y el grupo folclórico de su tierra Lilaina, del productor de origen chileno Matías Aguayo, el suizo Pablo Nouvelle, el venezolano Tiraya, el colombiano Hermetics, el andaluz GAZZI y el entente galaico-portugués formado entre Néboa y sús. Como dice el mismo Baiuca, una lista que mapea con precisión sus coordenadas actuales en la música.

José Fajardo.

Jorge Drexler – Tinta y Tiempo (Sony Music, 2022)

Thu, 28 Apr 2022 14:27:06 +0200

No sé cuántas veces puede reiniciarse un artista y seguir sonando a él. El modus operandi que lleva imprimiendo Jorge Drexler desde hace casi tres décadas, cuando compatibilizaba su trabajo como médico y como cantautor en pequeños garitos de Montevideo, ha sido el de patear su propio tablero disco a disco: ponerse una serie de límites que parten siempre desde el reseteo, de ver qué piezas quedan en pie de su idiosincrasia artística para reconstruirla y seguir siendo él.

Sucede una vez más en “Tinta y tiempo”, el regreso del uruguayo residente en Madrid, un lustro después del exitoso “Salvavidas de hielo”. Si en aquel álbum se había impuesto el límite de que el único instrumento que suene sea una guitarra (ejerciendo de todo: de percusión, de bajo, exigiendo la sonoridad de cada milímetro del nylon y el diapasón), en su flamante regreso discográfico hay dos claros afanes: acercarse a ciertos yeites de la música sinfónica, a la vez que también lo hay por mantenerse joven y conectando con las nuevas derivas de las músicas populares.

En relación a esto último, su colaboración con C. Tangana y su universo (que ya se había plasmado en “Nominao”, en el disco del madrileño; y que generó también relaciones con Víctor Martínez o Alizzz), con la joven estrella del pop israelí Noga Erez o con su propio hijo, Pablo Drexler, que tras años estudiando producción y sonido en Londres ha arrancado una carrera en solitario como pablopablo. Ahí quedan canciones como “Tocarte” (una de sus canciones más explícitamente sexuales), “¡Oh, algoritmo!” (en la que lanza una fiera crítica a la manera de consumir y asimilar la música en la actualidad) o “Bendito desconcierto” (una oda de la asimilación del desconcierto al que están acostumbrados a habitar tanto él como su compatriota Martín Buscaglia, que colabora en el tema), por poner solo algunos ejemplos.

Sin embargo, y más allá de estas colaboraciones que abren el universo y el registro de producción del álbum, su aliado ha sido una vez más Campi Campón, con quien en varios de sus discos ha conseguido articular un registro en donde Drexler se debate entre una producción minimalistamente modernista, una canción de autor casi hablada que roza la spoken word y un universo íntimamente conectado con ritmos populares, como se demuestra en canciones como “Amor al arte”, “Tinta y tiempo”, “Corazón impar” o piezas como “El plan maestro”, con colaboraciones como la de Rubén Blades.

Pero resulta especialmente estimulante ver esos acercamientos cuasi sinfónicos, en una línea relativamente similar a la de trabajos de Coque Malla como “El último hombre en la tierra” que plasma en canciones como “Cinturón blanco”, “El día que estrenaste el mundo” o en tramos de “Bendito desconcierto” o “El plan maestro”, en la que habitan varias canciones dentro de esas mismas canciones. Veremos dónde lo lleva el próximo reseteo a uno de los compositores y cantores más importantes de las últimas décadas.

Alan Queipo.

Daddy Yankee - Legendaddy (El Cartel Records, 2022)

Thu, 28 Apr 2022 15:03:58 +0200

“Soy una leyenda (…) Juré que nadie me iba a parar / invictos seguimos hasta el final / ya estoy hecho, me puedo retirar”, advierte Daddy Yankee en ‘Campeón’, en los primeros pasajes del que ha sido anunciado como su disco de despedida tras una carrera de casi tres décadas (él tiene 46 años) que ha avanzado paralela a la expansión global del reggaetón. Es paradójico que el puertorriqueño decida dejarlo justo cuando el sonido que él contribuyó a moldear haya alcanzado su máxima cuota de popularidad y penetrando como nunca antes en la industria del entretenimiento de Estados Unidos.

En una entrevista reciente en el popular programa de la televisión española ‘La Resistencia’ Daddy Yankee explicaba que prefiere, como los deportistas, retirarse antes de que el físico empiece a fallarle: “me imaginas perreando con 60 en el escenario, mejor que no”, decía bromeando. También, de fondo, hay otra causa: la brutal ruptura generacional de la música urbana en español durante el último lustro durante el que se ha renovado por completo el ecosistema consolidándose nuevas estrellas más jóvenes que él.

Pero lo que dice en ‘Campeón’ es cierto: hay pocos nombres hoy que puedan presumir de ser referentes absolutos y respetados por esa nueva aristocracia del reggaetón que precisamente colabora en su disco de despedida: Bad Bunny, Rauw Alejandro, Natti Natasha, Becky G, El Alfa, Mike Towers, Sech…

Con su adiós, deja el camino a esta nueva generación para que sigan ensanchando los cauces del reggaetón, un sonido vivo que sigue transformándose. Y mientras este disco (y su gira, que pasará por España este verano) queda como un legado de ese reverso comercial y pop que el visionario Daddy Yankee supo imprimir a sus canciones y que sigue funcionando en temas como ‘Remix’ y ‘Rumbatón’.

José Fajardo.

Ibeyi - Spell 31(XL Recordings/Popstock, 2022)

Thu, 05 May 2022 09:58:23 +0200

Cuando surgió en 2015 con su debut homónimo, el impacto de Ibeyi fue el de un relámpago que caía desde un lugar imposible de ubicar. Lisa-Kaindé y Naomi Díaz, dos hermanas francesas de origen cubano, hacían una música que por entonces no existía, anticipándose a la ahora tan en boga revisión de las tradiciones desde una óptica contemporánea. Pero no sólo eso: ya entonces empuñaban orgullosas la bandera de la diversidad, el concepto que emerge poderoso con este esperadísimo álbum tras cinco años de espera desde ‘Ash’.

“Ser parte de distintas culturas nos enriquece”, dice Lisa-Kaindé en una entrevista con Gladys Palmera que pronto se podrá escuchar. Hacen suya la idea de la interacción positiva: frente al auge de la xenofobia y el racismo, ellas abrazan al diferente como un igual del que aprender y construir juntxs. No es casual la lista de colaboradores de ‘Spell 31’: Pa Salieu (británico con sangre de Gambia), Berwyn (nacido en Trinidad, con residencia en Londres) o Jorja Smith (nacida en las West Midlands inglesas de origen jamaicano). Puro mestizaje del que enriquecerse.

De fondo arde ese mensaje espiritual que siempre ha acompañado a Ibeyi, donde las creencias en la santería como herencia de su cultura yoruba resuenan al ritmo de los tambores sagrados batá. Las percusiones son tan poderosas como lo han sido en sus grandes himnos del pasado, es algo que llevan en la sangre (su padre era el percusionista Miguel 'Angá' Díaz, de Buenavista Social Club) y se mezclan con naturalidad con bases modernas de hip hop, electrónica y r&b futurista y cósmico.

La guinda final, con ese bellísimo poema dedicado a los muertos (su padre y una de sus hermanas murieron cuando ellas apenas entraban en la adolescencia), pone el broche a un trabajo del que seguiremos hablando en los próximos años, que crece con las escuchas y se queda dentro de uno como si siempre hubiera estado ahí. La suya es una voz propia y poderosa frente al caos, la inspiración cuando la oscuridad amenaza con vencer.

José Fajardo.

Omar Apollo - Ivory (Warner Records, 2022)

Thu, 05 May 2022 10:46:31 +0200

Omar Apollo encarna un nuevo sueño americano que nada tiene que ver con el que nos vendieron desde Hollywood y el turbo-capitalismo. Hijo de mexicanos que emigraron huyendo de la inseguridad y la falta de oportunidades en su país, y nacido en 1997 en Indiana (ese medio oeste de Estados Unidos donde no brilla precisamente la variedad cromática en la piel), su historia está impregnada por el racismo y el esfuerzo sobrehumano de sus padres por sacar adelante a él y a sus hermanos.

Su música conecta con la que ahora mismo hacen Cuco, Boy Pablo o Sen Senra (y la que una década antes comenzaron a practicar Frank Ocean, Ty Segall, The Internet o Helado Negro): un nuevo pop alérgico a las etiquetas, que bebe de la música negra (r&b, soul, funk) y usa los códigos del bedroom pop (espíritu DIY, letras intimistas y confesionales con su punto romántico) y que, en su caso, está enriquecido por un gusto por la psicodelia y la herencia de la música latinoamericana que escucha desde pequeño (‘En el olvido’ es un precioso homenaje a esa herencia).

‘Ivory’ confirma a su autor, cuatro años después de irrumpir en plataformas como SoundCloud y Spotify con su himno grabado de forma casera ‘Ugotme’, como uno de los cantautores modernos más influyentes de su generación. Saltando con naturalidad del inglés al español, picoteando con una envidiable versatilidad entre distintos ritmos y acompañado de estrellas con sangre latina en Estados Unidos como Kali Uchis, Omar Apollo brilla en este disco que debería confirmar su éxito más allá de América.

José Fajardo

Feli Colina – El Valle Encantado (Popartdiscos Internacional SAS, 2022)

Wed, 04 May 2022 10:06:06 +0200

La falta de interacción social, el encierro en nosotros mismos, la distancia de un día que nos interpele, nos dejó absolutamente vaciados y perdidos. En tiempos de extrema soledad, Feli Colina rezó-sin-rezar una plegaria necesaria: la de que aparezca una musa que la salve, que le abra los ojos a un estado de conciencia que sirva también de presencia invisible, y la acompañe. La musa apareció.

Y vaya si apareció. “El Valle Encantado” es un paseo por ese páramo inspirador, por esa fosa poco común que ha conseguido habitar la artista salteña y que, casi como médium de esa inspiración superior, ha articulado un álbum que es casi un manifiesto de los sentidos, pero también del empoderamiento desde la vulnerabilidad y, sobre todo, un repertorio importantísimo para una música argentina que encuentra en Colina a un nuevo icono que conecte la música tradicional de las Argentinas federales silenciadas y la de la vanguardia de una generación atravesada por los movimientos sociales y la vida virtual.

Tras dos álbumes en los que Feli Colina se acerca a una suerte de cantautorismo alternativo (el iniciático “Amores Gatos”) y de atajo jazz-rock alternativo (“Feroza”) que ya invitaba a pensar en una construcción superior, todo ello se traduce ahora en una absoluta obra maestra, porque no hay otra manera de definir ni hablar de “El Valle Encantado”. No solo porque las canciones son inapelables, sino porque el discurso que consigue habitar es un manifiesto definitivo de cómo la musa puede llegar a atravesarnos, aún a sabiendas de que, como ella misma dice, “los estados más divinos se pierden cuando se buscan”.

Tanto cuando se desnuda a capella en una canción en la que solo suena el caudal de una fuente (“Caballo”) como cuando traza un puente entre el candombe, el tango, la cumbia y una spoken word de poesía pirotécnica (“Diablo”), cuando compone una chacarera tangolpeada (“Chakatrunka”), cuando la zamba se abre en una recepción de la musa madre (“El valle encantado”), cuando el carnavalito se hace corajudamente pop (“Aguatera”), cuando el jazz se funde con una percusión folktrónica en una confesión abierta en canal (“La Entrega”), cuando juega al ASMR folk-pop (“La Llave Maestra”) o cuando el corso norteño transmuta en una fiesta de hadas y duendes (“La Gracia”), siempre nos encontramos con una Feli Colina que nos descubre un territorio virgen mil veces habitado pero millones de veces por descubrir.

Alan Queipo.

El Alfa – Sabiduría (El Jefe Records, 2022)

Mon, 09 May 2022 08:20:02 +0200

Hace un par de años, cuando el único árbol que parecía dar fruto era un limonero que nos agrió las vidas en la profundidad de la pandemia, El Alfa salió al rescate. Lo recuerdo casi como un superhéroe entrando por las ventanas tanto de los pisos interiores más infectos como de las mansiones más pijas a obligarnos a todos a un bien común: escupir la limonada y bailar hasta el suelo un dembow absolutamente adictivo, que nos invitaba a desvelar las claves de cómo sería la evolución de las músicas urbanas y latinas de baile en los siguientes años.

Aquel álbum fue el aquí reseñado “El Androide”, que nos voló la peluca y nos invitó a cambiar el sabor de las cosas; y “Sabiduría”, el sucesor del que fue uno de los mejores y más importantes álbumes de uno de los peores y más impredecibles años de la historia de la humanidad reciente, resuena casi como un manifiesto de lo que el rey del dembow quiere que sea su registro.

Da la sensación de que, tras haber hecho un álbum repleto de clásicos del género que parecían inventar una discoteca en tiempos de amargura y encierro, El Alfa en su nueva producción decide divertirse, abrir nuevas vías y, además de asentar sus marcas de agua más reconocibles (la doble interpretación de sus letras; el dembow eléctrico y machacón pero con vocación de hit comercial; y su absolutamente reconocible voz, con interpretaciones cada vez más excéntricas), sí, también firmar clásicos automáticos que, además, resuenan importantes para proyectar cómo perrearemos en los próximos meses y años.

Ahí es donde, además de firmar absolutos hits de dembow machacón, malhablado y adictivo (“Bendecido”, “Gogo Dance” o “El Jablador”), resuena especialmente interesante cuando invita a convivencias con la bachata (precisamente en “La Bachata”), el hip-hop hardcore (“GALAPIN”), el trap & soul (“Yo no cambio lo pana”), el trap americano más psicodélico (“Goyard”), la rave panameña (“Panamá”), el electro latino de feria municipal (“Rumba y fiesta”), el groove del dembow de aire r&b (“Bayketaki”), la rocktrónica 808 (“Parra sin doncon”) y hasta se permite un troleo a la cultura del sreaming (“Pa cobrar streamings”). El agua del limonero, a las zanjas: aquí se bebe dulce.

Alan Queipo.

Babasónicos – Trinchera (Popartdiscos Internacional, 2022)

Thu, 12 May 2022 09:21:15 +0200

En tiempos en los que los fogonazos parecen marcar la agenda mediática y de consumo de la era actual de la música, Babasónicos apelan a la territorialidad como refugio. No por independentistas, sino porque con tres décadas de carrera a sus espaldas y ya trece álbumes de estudio, han demostrado que la única marca que conecta todos sus álbumes ha sido siempre hacer lo que les dé la real gana, incluso antes de que Bad Bunny naciese.

Vuelve a suceder en “Trinchera”, donde marcan una distancia de su álbum anterior (el brutal “Discutible”) y, a la vez, intentan generar un hábitat autóctono, tanto en clima como en sonido. Marcado por cierta nocturnidad y minimalismo, el combo argentino no se obsesiona por firmar canciones de una efectividad comercial evidente; sino que bucea por cierto aire existencialista, de una levedad evidente.

Sí, hay un tramo, el inicial, en el que, como sucediese en álbumes como “Anoche”, las canciones parecen estar hermanadas, creando un conglomerado pop de tintes funk y de una pegada melódica evidente (me refiero a “Mimos son mimos”, “Paradoja” y “Bye Bye”, lo más cerca a hit que hay en el disco); pero, por lo general, Babasónicos juega con algunas de las líneas más abiertas y experimentales de su repertorio hasta la fecha.

Casi como micro-performances sonoras de una sutilidad y un expresionismo especialmente acuciante, canciones como “Vacío”, “Mentira ideológica”, “Viento y marea” o “Capital afectivo”, entre otras, tensan tanto la cuerda que nos hace preguntarnos si realmente están jugando con la posible pérdida de atención del oyente en un momento global de evidente déficit de atención; o si, en realidad, estamos tan cómodos en la trinchera que han creado que la sentimos nuestra casa. Sea como fuera, casa es donde Babasónicos estén.

Alan Queipo.

Calexico - El Mirador (City Slang, 2022)

Thu, 12 May 2022 09:27:22 +0200

Cuando Calexico nació en los 90 la mirada hacia Latinoamérica desde Estados Unidos era muy diferente a la de ahora, cuando asistimos a una vorágine de “latinización” del mainstream. Entonces eran pocos los que, como ellos, mezclaban universos como la americana y el indie rock junto a las cumbias, la cultura mariachi o la tradición cubana. Por tanto, pocos pueden alardear de llevar ya tres décadas apostando por lo que hoy se volvió tendencia.

Pero resulta que Calexico no necesita apuntarse a ninguna moda. Su décimo disco es, ciertamente, uno de los más latinos de su carrera (no sólo por la mezcla de inglés y español en las canciones sino por su propio esqueleto sonoro), pero esa decisión es ajena a la industria. El combo liderado por Joey Burns y John Convertino siempre ha funcionado por sensaciones, sus canciones se construyen como si fueran jams guiadas por el instinto.

Y así es como (con la ayuda de colaboradores habituales como el español Jairo Zavala de Depedro y el estadounidense Sam Bean de Iron & Wine, además de la guatemalteca Gaby Moreno) han ido construyendo, en su regreso a Tucson -la ciudad fronteriza emblema de Calexico de la que se mudaron recientemente y a la que volvieron en el verano de 2021 para reunirse de nuevo a grabar tras lo peor de la pandemia- un álbum con el que reivindican un concepto integrador de América y celebran su diversidad a través de un festín sonoro.

Calexico estará de gira este verano por España con paradas en Barcelona (20 de julio, en la Sala Apolo, dentro del muy recomendable ciclo Piñata), San Sebastián (21 de julio, Kursaal) y Madrid (22 de julio, Noches del Botánico).

José Fajardo

Guitarricadelafuente – La Cantera (Sony Music España, 2022)

Thu, 19 May 2022 08:01:04 +0200

Podría haber hecho un disco repleto de “Guantanameras”; podría haber aprovechado el hype de su irrupción en 2018; podría haber buscado un carácter más instantáneo. Pero Guitarricadelafuente se tomó su tiempo no solo para preparar su álbum debut, sino para firmar un manual que sea trascendente para él, pero también para los demás, sin depender de derivas comerciales ni oportunismos industriales.

Si bien los números de Álvaro Lafuente son absolutamente bestiales, con millones de reproducciones en absolutamente todos sus singles; lo cierto es que “La Cantera” es prácticamente un tratado de folclore experimental, de canción minimalista, de performance sonora. Boicoteándose sin boicotearse, siempre con sus raíces (concretamente las Cuevas de Cañart, en Teruel) como punto de conexión y de apoyo, Guitarricadelafuente se presenta casi como una suerte de neo-Labordeta, aunque con mayor vocación de penetración en los circuitos comerciales.

Con “La Cantera”, apela a convertirse en un artista respetado por la crítica, con un álbum especialmente arriesgado y kamikaze en muchas de las canciones; aunque no está exento de canciones de pegada evidente, como puede ser el caso de “Caballito”, “Ya mi mama me decía”, “Quien encendió la luz”, “Flor de caramelo” o “La Filipina”, sus acercamientos más evidente a los ritmos de rumba y de canción popular española.

Pero es en su facción más experimental, en canciones como “Mil y una noches”, “Amanita”, “Antes de que quieras olvidar”, “La Algarabía” o “A carta cabal”, por ejemplo, en donde Guitarricadelafuente define su identidad mixta: de deconstructor de canciones, de alternativa futurista para la supervivencia de la canción popular y de reconstructor del sonido de la guitarra.

Alan Queipo.

Myuné – Fuera de Lugar (Devil in the Woods, 2022)

Fri, 20 May 2022 10:34:09 +0200

Como si una hija putativa de Nico y PJ Harvey se hubiera perdido en un ritual de Ayahuasca en la selva de Costa Rica. Ese es el clima que instala Myuné, proyecto en solitario de la artista tijuanense Amor Amezcua, en su imponente nuevo álbum, “Fuera de Lugar”: un atajo por la vía del rock más viscoso, ácido y chamánico hacia un nuevo estado de conciencia.

El título del álbum ya nos da ciertas claves del espacio que la artista mexicana considera que ocupa su registro: fuera de todos los lugares, especialmente los lugares comunes y estandarizados que el rock parece haber decidido habitar los últimos años. Afortunadamente, esta suerte de mantra rockero psicodélico de aristas rituales y tántricas, como si de un orgasmo expandido se tratase.

Es inevitable pensar que Myuné ha dado con ciertas claves que quitan el polvo al registro de rock alternativo de líneas abiertas, casi como desde una construcción free jazzera, que comenzó a forjar la Velvet Underground (canciones como “Emociones anticipadas” son un claro ejemplo) y que en las décadas siguientes continuaron proyectos como Sonic Youth, Wire o Yo La Tengo.

Existe cierto espíritu común, para qué negarlo, pero hay algo casi folclórico en canciones como “Cabalgando por la realidad” o “Boni Naitó”, por ejemplo, que pueden encontrar cierto parentesco con proyectos como Los Cogelones; pero también hay guiños explícitos al “Come Together” de The Beatles en “Todo a mi alrededor”, acercamientos al registro de Triángulo de Amor Bizarro en “¿Dónde está el verano?”, gestos que podemos asociar con Juana Molina en canciones como en “Disfrútalo mientras puedes” o un clima de happening inabarcable en ese espacio poco nítido, de humo vaporoso y casi de rock envenenado que expande Myuné en este espectacular segundo disco.

Alan Queipo.

Trueno – BIEN O MAL (Sur Capital, 2022)

Thu, 26 May 2022 09:19:51 +0200

Las dos opciones que plantea Trueno retóricamente en el título de su nuevo álbum lo son para algunas cosas y para otras, no. De hecho, para la valoración del álbum, como mínimo sobran las dos últimas palabras de “BIEN O MAL”.

Y es que el argentino ha conseguido publicar un álbum que, aunque de momento incompleto (hay dos canciones ‘ocultas’ en las plataformas que se publicarán en los próximos meses, e incluso una de ellas se rumorea que puede llegar a ser con el reggaetonero más odiado del mundo: J Balvin), sirve casi como un manifiesto alternativo de lo que es la música urbana de su país, sin lugar a dudas uno de los semilleros más importantes de artistas urbanos como mínimo de habla hispana en todo el mundo.

Hay algo que conecta a toda esa generación, y es un nacionalismo empoderado. Quien lea esta reseña desde España y vea la palabra ‘nacionalismo’ quizás se eche las manos a la cabeza; pero la coyuntura nacional de Argentina es bastante diferente a la española. Si bien hay un nacionalismo pésimamente entendido allí (el libertario o ultraliberalista, tan en boga últimamente), hay otro, que es el que abanderan artistas como Trueno, que se plasma a la perfección en este nuevo cancionero, que sirve como complemento de lo que fue “CARAVANA” de WOS: un argentinismo reconstructor, que denuncie y rescate, pero que parte incluso del barrionalismo que tiene Trueno por el sitio donde creció: el porteño barrio de La Boca.

Y eso es lo que se plasma en el grueso de canciones del álbum. Ya desde la introducción que hace su padre, el célebre MC Pedro Peligro, suelta perlas como “exportando al mundo el sonido del Riachuelo: levántate de esa esquina y mostrales cómo lo hacemos”, Trueno recoge el guante para componer un repertorio imbatible.

Se percibe especialmente en canciones como “ARGENTINA” junto a Nathy Peluso, que suena a himno alternativo para la Generación Z; se asocia con el icono del folclore y la canción protesta argentina Víctor Heredia para cantar un himno latinoamericanista de acento argentino en “TIERRA ZANTA”; denuncia la violencia policial en todo el mundo, y especialmente por la Policía Federal Argentina, en “FUCK EL POLICE”; cuando milita las calles de su ciudad en “BUENOS AIRES EN LLAMAS”; y hasta cuando se autopercibe un referente nacional para los jóvenes de su generación en “DANCE CRIP”; Trueno está abanderando una Argentina reflexiva, autocrítica, empoderada y joven: una Argentina mejor.

Alan Queipo.

María de la Flor – Hilanderas (Autoeditado, 2022)

Mon, 30 May 2022 07:48:04 +0200

Lo que más me gusta de María de la Flor es que tiene en su voz un quejío que no lo es: un sonido entre vulnerable y transversal, que se abre frondoso en un campo que va desde la canción española de primera mitad de siglo XX y una vocación pop de artistas como Ana Belén o María Dolores Pradera.

Eso de “demasiada vieja para ser tan joven” es un elogio a la hora de asimilar a una artista cuya identidad, más allá de cierta comparación, más por coincidencia generacional que por similitud de propuestas, que se ha hecho con el registro de Rozalén o Sílvia Pérez Cruz; siempre ha ido por otro sitio.

Y aunque su EP debut “Temple” de hace un año servía para asentar algunas de sus marcas de agua más reconocibles, lo cierto es que con “Hilanderas” no solo da un paso adelante en la manera de acercar su formación clásica-tradicional (ella es violinista) y su manera de construir y estructurar melodías con una base íntegramente hecha con instrumentos de cuerda (bueno, y algún que otro instrumento de percusión tradicional en canciones como “El enemigo”), sino que asevera esa distancia con las comparaciones de su alrededor, como un ente que impone un diálogo entre raíces, tradiciones, géneros y generaciones.

Ya lo habíamos visto en algún directo que dio con el formato de cuarteto de cuerdas. Y precisamente eso mismo, grabado en directo, es lo que imprime junto a tres violinistas y una cellista, con las que consigue articular un repertorio que pasa de efectismos, y se afirma sobre un colchón de cuerdas que recoge matices y giros que van desde la canción popular española a la música de cámara, del folclore castellano más profundo a la canción pop de altos vuelos, del cancionismo empoderado a la oda a la madera. Uno de los álbumes estatales del año. Ojalá se escuche bien alto la voz de María de la Flor.

Alan Queipo.

Perrate – Tres golpes (Lovemonk / El Volcán, 2022)

Fri, 03 Jun 2022 08:02:11 +0200

Hay cierta tendencia a intentar atornillar el “flamenco clásico”, cuando no “flamenco puro” o “flamenco original”, como si de unas bases mínimas se tratase, en los cantes de Antonio Mairena, Manolo Caracol, Antonio Chacón o Manuel Vallejo, por mentar sólo a algunos. Qué pérdida de tiempo más grande asentar unas bases que no existen para absolutamente ningún género musical de ningún país del mundo: el flamenco, como con todas las músicas, ha sido siempre un género supeditado al movimiento, al ida y vuelta, a los encuentros y desencuentros, a los reinicios y debates.

A ese juego es al que ha decidido jugar el cantaor gitano Tomás de Perrate que, llevando toda su vida sobre los escenarios y viniendo de una familia artística donde encontramos a nombres tan diversos en el género como Gaspar de Utrera, El Lebrijano, Pedro Peña o Dorantes; se ha pasado los últimos cuatro años haciendo un trabajo de arqueología flamenca junto a Raül Fernández “Refree”, que se encarga de ayudarlo a modelar un repertorio en el que ya no es que recupera cantes clásicos: es que va incluso más allá.

Recuperando cantes del siglo XVII, de un proto-flamenco imaginario en el que caben desde la chacona de Juan Aranés, la jácara “No hay que decir el primor” o la folía de Henry le Bailly; e incluso rindiendo tributo al concepto de “fandango callejero” que acuñaron hace casi 35 años Los Gaiteros de San Jacinto, mítica agrupación folclórica colombiana, en los “Tres golpes”, un cante de ida y vuelta que atravesó todos los océanos posibles; buceando por las tradiciones sefardíes o las seguidillas mitológicas; e incluso utilizando la fonética primitiva en la transparente y casi doom-metal “Los fonemas”; Perrate y Refree no es que inventan algo: es que viajan al pasado para allanar el futuro.

Algo que ha hecho también el músico Abraham Cupeiro con instrumentos de la prehistórica folclórica gallega, y que Tomás de Perrate hace con un álbum fundamental, que eleva tanto la vanguardia como el culto a la tradición: desdeña ambas visiones porque decide horizontalizar un género que, en las últimas décadas, la crítica se ha empeñado en arrinconar y señalar como herejes a artistas como Camarón de la Isla, Enrique Morente, Diego El Cigala, Niño de Elche, Rosalía o Rocío Márquez. ¿Ahora qué vais a hacer?

Alan Queipo.

Bandalos Chinos – El Big Blue (Lovemonk / El Volcán, 2022)

Mon, 06 Jun 2022 07:42:28 +0200

Hay un afán en la nueva generación de pop alternativo en español por abrazar el formato canción. Lo vemos en artistas como Ed Maverick, Conociendo Rusia, El Zar, Cuco, Omar Apollo, Caloncho pero también en bandas como Bandalos Chinos, con un discurso más de colectivo y no tanto de solista. No pierden la elegancia del groove que ha marcado todos y cada uno de sus registros, pero sobre todo no pierden la dirección de quien manda y ordena hacia dónde tiene que virar cada uno de sus discos: la canción.

No es raro que trabajen con un artista como Adán Jodorowsky en sus álbumes, casi un séptimo miembro invisible que se va manifestando según las inquietudes que el sexteto argentino tenga en cada uno de sus discos. Y si en sus exitosos “BACH” y “Paranoia Pop” se creaban una suerte de armazón donde exploraban las cavilaciones del pop-canción tanto desde la mirada de un indie evolucionado (en “BACH”) y de una parodia cuasi-funk (en “Paranoia Pop”), en “El Big Blue” vuelven a la cáscara de la canción, con un minimalismo y una manera de abrigar los temas especialmente cálido y sin artificios de ningún tipo.

Hay algo de universo compartido entre los Babasónicos de “Infame”, los Zoé de “Programaton” o el Emmanuel Horvilleur de “Mordisco” y el culto a la canción melódica de los años ’60 y ’70, de artistas como Leo Dan, Sandro o Leonardo Favio. Se percibe cuando se desatan libremente en medios tiempos casi disco-funk como “Mi fiesta” o en odas casi beat como “Cállame”, “La última vez” o “Una propuesta”, que suenan como himnos perfectos para una fiesta de 15 (popular celebración de la adolescencia femenina en Argentina).

Por poner un ‘pero’, hay cierta monotonía de registro, de cadencia, de ritmo, incluso de melodía, que hermana demasiado algunas canciones. ¿Es eso un hándicap? Si se escucha el disco del tirón, da la sensación de que han creado un clima, en donde el concepto de “big blue”, entre cálido y nuboso, representa muy bien ese hábitat. Y quien dice “clima” también podría decir un sonido propio: que todos los problemas sean ese.

Alan Queipo.

Emilia – Tú crees en mí? (Sony Music Entertainment US Latin, 2022)

Thu, 09 Jun 2022 14:23:33 +0200

¿Cuándo va a parar esto? Nunca antes Argentina estuvo tan presente en el mapa global de la música contemporánea como en estos últimos años en la que sus artistas urbanos se han colocado en un lugar de privilegio, serpenteando entre los booms del trap y el reggaetón, pero articulando un discurso de nuevo pop que han ayudado a modelar de tal manera que se han colado en los charts de todo el mundo.

Puede que solo falte algún nombre que se anime a plantarle cara a Bad Bunny, J Balvin y similares, pero lo cierto es que la factoría no se ha detenido en ningún momento. Y a los Duki, Bizarrap, Nicki Nicole, Trueno, María Becerra, Paulo Londra, KHEA, Ysy A, L-Gante, TINI, Lali, Tiago PZK, Nathy Peluso, Lit Killah o Rusherking, por mencionar solo una pequeña muestra, hay que añadir otro de los nombres omnipresentes y en constante ascenso de los últimos meses: el de Emilia Mernes.

Si bien se dio a conocer algo más de cinco años, cuando entre 2016 y 2018 formó parte de la exitosa banda uruguaya Rombai; lo cierto es que Emilia comenzó a labrar su propia identidad sonora y estética desde 2019, cuando no solo puso de moda entre la juventud los brillos en los ojos (algo que parece menor pero que ayudó a convertirla en un icono pop), sino que sus colaboraciones con artistas como Darell, Ana Mena, Sebastián Yatra, Boza o MYA encendieron la mecha de una artista que con su flamante debut en largo está llamada a convertirse en uno de los nombres fundamentales de la nueva radiofórmula latinoamericana.

La culpa la tienen las canciones infalibles, hits omnipresentes como los ya presentados “cuatro veinte”, “como si no importara” o “rápido lento”; pero también otras jotas que nos descubre en este “Tú crees en mí?”, como el urban mecánico “intoxicao”, donde hace alianza con Nicki Nicole y recuerda el sonido de la Britney Spears de finales de los años ’90; la oda de empoderamiento feminista y latino “latin girl” que recuerda a la “Lambada”; o un himno de reivindicación del lugar que se ha ganado en el circuito como “cielo en la mente”, donde suelta cosas como: “Pa’ los que dijeron que yo no brillaría y ahora no me apagan ni de noche ni de día: si me sostienen la mirada, se encandilan”. Poco más que añadir.

Alan Queipo.

Moneo & Sherry Fino – 25 Madrugadas (Autoeditado, 2022)

Fri, 10 Jun 2022 13:08:59 +0200

Hay a quien le pesa el apellido e intenta esconderlo detrás de un álter ego, y hay quien lo pone por delante, no solo orgulloso de la estirpe a la que pertenece, sino para que, también, sirva como clave de la idiosincrasia artística que porta. Es el caso de José Agarrado Moneo, más conocido como Moneo, así como es conocida una de las familias y sagas cantaoras más importantes de Jerez de la Frontera, con nombres como los del fallecido Juan Moneo ‘El Torta’, entre otros.

Ahora, Moneo porta esta suerte de apellido-marca para demostrar la transversalidad y liquidez del flamenco que lleva años viviendo en su cabeza. Y es que, tras años colaborando con artistas como Dellafuente, Lola Indigo, Maka, Space Surimi, Foyone o Las Ninyas del Corro, entre muchos otros nombres conocidos del circuito urbano estatal; el jerezano ha decidido poner la voz y la cara a un proyecto que condense todas sus inquietudes musicales y ayude a proyectar su particular mirada del nuevo flamenco.

De ahí que hable de referentes que van desde Pink Floyd y Triana hasta Tool o Pendulum, de Camarón y Alameda a Woodkid o Tool. Una mirada heterogénea y repleta de matices en el que el rock andaluz (en el proyecto Taifa Yallah que tuvo con Dellafuente él fue uno de los principales compositores, y se nota en temas como “Mares”) y los tics urbanos se mezclan con canciones que pueden recordar a artistas de vocación pop como Antonio Orozco (como se escucha en “Marzo” o “Alcohol y Hostelería”), así como la búsqueda de texturas del flamenco de Mairena (“Exilio”), acercamientos a un flamenco progresivo que renueva los postulados de Elbicho (“Diáspora”) o tics donde la electrónica oriental (como en “Enero”) o el rap (“Memento Mori” es la más evidente) ayudan a construir este crisol de estilos.

Aunque tenga que resolver cuestiones como el equilibrio de esas inquietudes sonoras y tratar de encontrar un sonido más cohesionado y que vadee menos entre las tradiciones, lo cierto es que como ejercicio de multi-estilo, este debut de Moneo solo es la primera piedra de un artista inclasificable y que va a la búsqueda de su propio sonido.

Alan Queipo.

Chiquita Magic – Mexico Sexi Time (Minaret Records / Oris, 2022)

Thu, 16 Jun 2022 11:11:12 +0200

Se puede hacer música de baile en pijama, recién levantada de la cama, con las legañas y la voz que le falta un café. Una especie de reggaetón lo-fi, para perrear en pantuflas, pero que a la vez nos traslade a un universo vaporoso, ácido, nocturno. Al menos es la interpretación absolutamente subjetiva y nada vinculante que hago del sexto álbum de Chiquita Magic.

“Mexico Sexi Time” es un clima en sí mismo, pero también un trabajo que se antoja revolucionario y que adivina las derivas que las músicas latinas de baile (no solo reggaetón: también cumbia, funk, músicas negras) están cogiendo en los últimos años. Al menos, en el caso del sexto trabajo de la artista colombiana residente en Canadá, hay un minimalismo y una economía de medios que se lleva a un límite que, si bien en algunos momentos puede sonar monocorde, la propia artista se encarga de sacudir para encontrar otros espacios que habitar.

Un sintetizador microtonal, una caja de ritmos y una voz que parece venir, a la vez, del vaporwave, el dream pop y la música coral. Con esos elementos, y trabajando especialmente el bucle, Chiquita Magic consigue crear desde armonías vocales que resuenan como una orquesta desde la pecera (“A tu lado (up)” y “A tu lado (down)”) a la vez que propone una deconstrucción del reggaetón de baja fidelidad (“Ganas de bailar”), se acerca al registro synth-dark de Molly Nilsson desde una diáspora latin-house (“Monday Mexico”) o al de una Juana Molina que imita a Robert De Niro en “Taxi Driver” (“Let Me Hab-it”), propone un jazz cósmico y electrónico, casi neo-spinetteano (“Burgundy”) o se inventa un perreo urban-funk amorfo y sexy a la vez (“Keep Me Fresh”). Una fantasía, oye.

Alan Queipo.

Cimarrón – La Recia (Autoeditado, 2022)

Mon, 20 Jun 2022 08:32:14 +0200

“Este álbum nace para cuestionar la idea del mestizaje como un encuentro feliz de personas, culturas y sonidos, porque ese supuesto baile colorido es lo que se está usando para hacer negocio con el folclor desde las grandes disqueras y se está desconociendo una historia de dolor y pérdidas. Como artistas de región, lo que nos queda es mostrar con honestidad las transferencias espirituales que han marcado nuestras músicas”.

Era necesario empezar con las declaraciones de Ana Veydó, la cantora que capitanea desde hace más de dos décadas a Cimarrón, uno de los grupos más importantes del llano colombiano y de la región de la Orinoquía: un proyecto que siempre ha mantenido en su identidad musical el folclor llanero que han mamado desde que tienen uso de razón, pero que también han servido como altavoz para revolucionar las bases del folclore.

Sin embargo, es evidente que el boom de la reivindicación del folclore lleva, en algunos casos, a analizar conceptos como el de “apropiación cultural” o, como mínimo, sospechar de algunos movimientos que vienen apoyados por una industria que utiliza algunos géneros casi como masilla descartable: cuando deja de pegar, ya no les interesa.

No es el caso de Cimarrón que, tres años después del celebradísimo “Orinoco” que los llevó a estar nominados tanto en los Grammy Latinos como en los Grammy anglo, regresan con un álbum que es un absoluto manifiesto de las bases de las músicas tradicionales de su zona, así también como esa transmisión cultural que existe entre las músicas afrodescendientes, los cantes de ida y vuelta entre España y América Latina y la raíz indígena.

“La Recia”, cuyo nombre tiene que ver con esa imposición social que se le atribuye a las mujeres llaneras para demostrar su fortaleza, dialoga directamente con esta caza de discurso propio que Veydó y sus compañeros imponen en este nuevo cancionero. Con temas que recuperan romances antiguos pasados por el filtro de la música amazónica (“Velorio”), géneros llaneros como el numerao (“Agüita Fresca”) o el cunavichero (“Recia como el Orinoco”) o clásicos universales (“El Gavilán”); también se permiten licencias instrumentales que los acerca incluso al jazz-swing de Django Reinhardt (“Cimarroneando” o la “Parranda Quitapesares con Zapateo”) o a poner por delante el sonido folclórico del arpa (“Cuco en el Arpa”). Indispensable para escuchar con honestidad la música que representa el llano colombiano.

Alan Queipo.

La Vela Puerca – Discopático (Mi Semilla / Popartdiscos, 2022)

Wed, 22 Jun 2022 13:43:43 +0200

“Para seguir, hay que parar y resolver”, es lo primero que se le escucha decir a Sebastián Teysera, a capella, sin instrumentación detrás, casi como una especie de predicador autorreflexivo y analítico de la deriva de la vida en general y, quizás y solo quizás, también de la deriva de La Vela Puerca. Casi resuelve unos segundos después, cuando dice: “El tiempo nunca va a perdonar: no sabe distinguir si lo que hacés aquí vale la pena”.

Lo que llevan casi tres décadas haciendo los uruguayos sí vale la pena. Y aunque es evidente que da la sensación de que el momento en el que sus canciones más populares ya están escritas y adheridas al córtex de dos generaciones (la de sus primeros cuatro discos, sobre todo); lo cierto es que el combo montevideano ha seguido fiel a su estilo, pero da la sensación de que, tras un periplo en el que los álbumes de estudio se les habían dejado de dar bien, ahora vuelven a sumar clásicos que pueden llegar a ser indispensables en sus directos.

Es su octavo álbum de estudio, este “Discopático” que acaba de ver la luz, y que reivindica el concepto de disco, a la vez que, de alguna manera, también lo hace de una manera de hacer, pensar, consumir y vomitar música. Hay a quienes se les ha dado bien adaptarse a los nuevos tiempos, pero no es el caso de La Vela. No es casualidad que dejen versos como “por favor, solo quiero chocar contra un libro enorme, pero tengo que hacerme viral, aunque me deformen” en canciones como “Tesoro”.

Hay nervio en la primera parte del álbum: un nervio analítico y eléctrico, que deja algunos nuevos clásicos (“Contra el viento”, “Plan de fuga”, “Tesoro”) de ese rock rioplatense que tan bien han sabido imprimir en sus primeros álbumes; también bajadas de tempo (como en “En tu suelo”, que es la “Zafar” o la “Mi semilla” de este disco); y hasta licencias que los acercan al rap-rock (cuentan con el rapero Arquero en “La Pastilla”) o la reivindicación de un nuevo rock alterlatino de acento dylaniano (en su colaboración con Aterciopelados en “Tormenta”). Parecían cansados y rendidos, pero alguien ha vuelto a encender a La Vela Puerca, y aún les queda mucho por alumbrar.

Alan Queipo.

Luis Salinas & Lito Vitale – Salinas Vitale: Desde el Alma (Ciclo 3, 2022)

Thu, 23 Jun 2022 09:52:46 +0200

Llevan años encontrándose en escenarios o en los platós de televisión donde Lito Vitale lleva décadas siendo una especie de receptor de invitados musicales que se hermanan con su piano; pero, hasta ahora, EL guitarrista y EL pianista, ambos en mayúsculas, no se habían encontrado en un estudio de grabación para producir juntos un álbum.

“Salinas Vitale: Desde el Alma” es bastante transparente ya desde el título: la guitarra de Salinas y el piano de Vitale, dos leyendas absolutas de la música instrumental argentina y de los vasos comunicantes que existen entre la música incidental, la folclórica, la cultura rock y la vanguardia, se hermanan en un ejercicio casi esencial, donde bucean por un cancionero popular de especial acento argentino (y, concretamente, tanguero), pero con algunas excursiones a otros estilos.

De ahí que tangos como “Malena” o “Nunca tuvo novio” se mezclen con canciones de corte tradicional como “La Pomeña” o “Alfonsina y el Mar”; a la vez que se acercan al jazz de dormitorio (con “Estate”) o al pop comercial con “Mi persona favorita” (canción de Alejandro Sanz y Camila Cabello), en la única canción con voz, precisamente de Juan Salinas, hijo de Luis.

En cualquier caso, lo más interesante del álbum, más allá de cómo es la selección del repertorio o de ciertos caprichos o permisos públicos, es esa innata capacidad de ensamblarse de dos artistas a los que no se les ve el ego en ninguno de los 50 minutos que dura el álbum: hay algo que habita en esa conexión, de tocar sin mirarse o mirándose demasiado, algo que va naciendo en el encuentro de dos iconos incombustibles de la música popular y el instrumentismo argentino.

Alan Queipo.

Duki – Desde el fin del mundo (SSJ de Atuanorinos / DALE PLAY Records, 2021)

Wed, 29 Jun 2022 13:51:37 +0200

pablopablo – pablopablo (Autoeditado, 2022)

Wed, 29 Jun 2022 14:04:13 +0200

¿Cuánto pesan los apellidos que pesan? En el caso de Pablo Drexler, en cuanto decidió que también quería ser músico, como su padre Jorge y su tío Daniel, entiendo que más que peso lo que habrá (sic) “pesado” es una reflexión: si su apellido iba a ser visible, lo que se iba a esperar de él iba a ir en la dirección estilística que ha definido a su familia.

Dos veces Pablo, pues: pablopablo, casi como que quede claro que el nombre de pila va por delante del apellido en el inicio de un proyecto con aristas muy diferentes a las de su padre, aunque haya puntos en común.

Partiendo de que estamos hablando también de música de autor, los materiales y la sensibilidad que pablopablo proyecta en su homónimo álbum debut suena casi a una especie de crooner de una fragilidad nuevopopera más cerca de compañeros generacionales ya refrendados por el público, como Sen Senra o Rusowsky, con el piano como instrumento central desde el que parte la sonoridad, las armonías y melodías de su repertorio, con más puntos comunes con Bon Iver o Nils Frahm que con su padre.

Hay un clima de levedad y de tensión controlado en los poco más de 25 minutos y nueve canciones por las que transita el cancionero debut del artista madrileño. Tanto cuando se planta frente al piano en una especie de simulacro que conecta a Ólafur Arnalds y a Drake (“Agua y arena” o “Azul zafiro”, al borde del quiebre), cuando tiembla para cantar sobre excesos en una oda de indietrónica clásica (“París”), cuando deconstruye una especie de rumba mecánica (“Números rojos” y “Perfume”, quizá influenciados incluso por la deriva de C. Tangana, a quien acompaña en directo en la gira de “El Madrileño”) y hasta cuando recupera el espíritu de sus vivencias londinenses (“Mandela Place” y “The Mask”), estamos ante un artista que no va a la caza: ya ha cazado un estilo propio, muy lejos de patrones preestablecidos.

Alan Queipo.

Bad Bunny - Un verano sin ti (Rimas Entertainment, 2022)

Mon, 04 Jul 2022 08:41:05 +0200

Han pasado dos meses desde que Bad Bunny publicó ‘Un verano sin ti’. ¿Y entonces, qué sentido tiene hablar ahora sobre ello? Nos hemos acostumbrado al vértigo de Los Grandes Acontecimientos Históricos que se olvidan de forma tan drástica como irrumpieron. Éste es un álbum largo: tiene 23 canciones, dura 1 hora y 21 minutos y, sin embargo, la crítica, los fans, las redes, los que pasaban por allí… y en fin, La Trituradora que Opina sobre Todo ya lanzó su veredicto el mismo día (¡incluso antes!) de su fecha de publicación.

Hay tantos recovecos en estas canciones que vale la pena escucharlo como se hacía antes, abordarlo con tiempo, degustando poco a poco sus detalles y saltos estilísticos. Está planteado como un compendio de las sonoridades del Caribe en 2022, la banda sonora cotidiana para un grupo de amigos de Puerto Rico. En YouTube se pueden escuchar varias de las canciones mientras vemos en los vídeos precisamente eso: un día de playa de Bad Bunny con sus colegas.

Cada corte es un universo: suenan dembow frenético, neo mambo, bachata punk, trap latino, baladas pop, reggaetón, cumbias bastardas… Sucede lo mismo con las colaboraciones, donde se repite esa amplitud de miras: desde Bomba Estéreo (icono de la explosión de la electro cumbia en Colombia hace una década) hasta Buscabulla (referentes del nuevo indie boricua), pasando por algunos de los reggaetoneros de moda (Tainy, Jhay Cortez, Rauw Alejandro) y hasta The Marías (una banda de pop alternativo con sangre latina y sede en Los Ángeles).

El tan ansiado veredicto no es tan blanco o negro como se ha dicho: ni es una obra maestra ni es desde luego un bluf. Está lejos de la genialidad de sus inicios (esa cumbre insuperable que todavía hoy es ‘X100PRE’, de 2018), es cierto, pero después de reventar la industria de la música global durante los dos últimos años Bad Bunny conserva intacto el mojo, su flow sigue afilado y su olfato melódico garantiza, al menos, un buen puñado de canciones memorables (y muy disfrutables con una cervecita fresca en la playa este verano).

José Fajardo.

Rocío Márquez y Bronquio - Tercer cielo (Universal Music, 2022)

Mon, 11 Jul 2022 07:49:45 +0200

Contaban Rocío Márquez y Bronquio en una entrevista reciente con Gladys Palmera que este álbum es hijo de la pandemia pues nunca antes habían podido trabajar con tanta libertad. No había conciertos y tenían tiempo así que se pusieron a experimentar. Surgió así un diálogo enriquecedor y valiente, donde cada uno aprendió del otro: la onubense se adentró en los recovecos de la electrónica de vanguardia, mientras el jerezano aprendió los secretos del arte del flamenco.

El resultado de ese experimento libérrimo es un disco al que ya se ha comparado con ‘Omega’, por su trascendencia al mostrar nuevos caminos del cante jondo, pero en realidad no es necesario buscarle analogías. ‘Tercer cielo’ captura el sonido de 2022: alejado de la pretenciosidad de otros artistas que se han apuntado a la moda de mezclar tradición y electrónica, Rocío Márquez encuentra aquí el punto culminante de una carrera que siempre ha habitado en lo contemporáneo de forma natural.

Su aliado es otra alma libre en la creación: como para Rocío Márquez el flamenco, para Bronquio la electrónica no es una jaula sino una ventana para asomarse y conectar con otros universos. Este productor inquieto y de olfato portentoso, sabe que hoy toda la música (desde el pop al reggaetón o el hip hop) está atravesada por ritmos electrónicos. Así es como ambos han logrado, divirtiéndose juntos, procrear seres vivos tan únicos e irrepetibles como ‘Niña de sangre (verdiales)’, inesperada colisión de planetas lejanos que anuncia un nuevo universo sonoro.

José Fajardo.

Nicola Cruz – Self Oscillation (Rhythm Section International, 2022)

Mon, 11 Jul 2022 10:57:39 +0200

Quien haya asistido estos últimos años a algún directo de Nicola Cruz sabe perfectamente que la propuesta del franco-ecuatoriano va por lugares muy diferentes a los que lo dieron a conocer a partir de 2015 con la publicación de “Prender el alma”, que encontró en 2019, con la publicación de “Siku”, casi un ejercicio de despedida de esa electrónica orgánica y esa reivindicación de los ritmos tradicionales andinos.

Muy lejos de todo aquello, Nicola Cruz lleva tiempo más sumido en una construcción experimental de la música de club, más cerca del techno o el tech-house o de géneros como el UK Garage que del abrazo fraterno a los sikus, las quenas o las percusiones de cuero. No es este “Self Oscillation” el primer ejercicio en el que hace patente sus intereses sonoros actuales (en “Subtropique” y “Sentimientos encontrados” ya quedaba bastante claro), pero quizá sí el que certifica el nuevo espacio que consigue habitar la electrónica del ecuatoriano.

No es que se haya mudado de barrio o de país y que aquel Nicola Cruz más interesado en hibridar música orgánica y tradicional andina con electrónica de vanguardia no tenga nada que ver con el actual Nicola Cruz más clubbero y de beat experimental. De hecho, hay vasos comunicantes evidentes con la batería y la deconstrucción del ritmo como nexo más directo.

Si acaso, en “Self Oscillation” pone más por delante el tratamiento de unas voces deformadas que se convierten casi en un instrumento y, sobre todo, el protagonismo del sonido de la batería (no nos olvidemos que, además de ingeniero de sonido, es baterista), iniciando conexiones casi de jazztrónica en algunas canciones (“Surface Tension” o “Neo Costeno” son las más claras), pero también edificando un ritmo electrónico a partir de un tribalismo envenenado casi psicótico (“Pulso Invisible”) o tirando más que nunca que el de inyecciones de sintetizadores de los años 80 y 90 (se hace más patente en “Cadera” y “Residual Heart”).

Alan Queipo.

Tim Bernardes – Mil Coisas Invisíveis (Spin Music / Coala Records, 2022)

Thu, 14 Jul 2022 14:44:35 +0200

Aunque haya infinitas cosas que no vemos, aunque seamos conscientes de que forman parte de nuestro todo, en ocasiones hay algunas que percibimos. Tim Bernardes consigue iluminar, al menos “Mil Coisas Invisíveis” en su nuevo álbum en solitario, un lustro, un álbum con su otro proyecto musical, varias giras y colaboraciones y una pandemia global mediante.

Precisamente antes de la crisis sanitaria global, al regreso de una maratoniana gira con su banda O Terno, el artista brasileño decidió bajar varias marchas, profundizar en su espiritualidad y apelar a la intimidad, sin saber que los meses que vendrían por delante nos obligarían a todos a pasar por ese trance. El resultado es un álbum absolutamente mayúsculo, posiblemente una de las mejores colecciones de CANCIONES (en mayúscula, porque lo son) de lo que llevamos de 2022.

Un ejercicio de intimidad feroz, pero expansiva. Si bien es cierto que el clima que se genera en los casi 60 minutos de duración y 15 canciones que atraviesan el nuevo repertorio del paulista es de intimidad y minimalismo, como de hacerse pequeño y susurrarnos melodías casi en un ultrasonido cancionista; hay un diálogo directo tanto con la raíz de la MPB y un registro que va desde Caetano Veloso o Toquinho hasta inyecciones casi cinematográficas de arreglos de cuerdas o esa facción de pop casi espiritual del John Lennon del (álbum) “Imagine” o el Nick Drake de “Pink Moon”.

Canciones de una levedad intensa e inmensa, que tanto cuando decide sonar a madera desnuda casi folk-blues (“Velha Amiga”) como cuando allana un tropicalismo expansivo (“Realmente Lindo”), cuando se pone luminoso en un tono casi beat (“A balada de Tim Bernardes”), cuando se pone cinemascópico (“Mistificar”), cuando caza un groove casi rioplatense (“Falta”), cuando se pone casi jazz (“Última vez”) o cuando recuerda al Cazuza de “O tempo nao para” en “Meus 26”, Tim Bernardes suena clásico y contemporáneo, pero, sobre todo, necesario. Bravioli para él.

Alan Queipo.

Exili a Elba - Amb poca llum es trenca la foscor (Satélite K, 2022)

Thu, 14 Jul 2022 14:32:13 +0200

Corrían los últimos suspiros de la primera década del nuevo siglo, cuando Manel puso de moda en toda la Península Ibérica lo que por entonces se llamó “el indie catalán”. Su concierto mítico en la ya desaparecida Nasti de Madrid, cuando apenas habían publicado su debut ‘Els Millors Professors Europeus’ (2008), generó tal expectación que el barrio de Malasaña se llenó de fans sin entrada haciendo cola por si aparecía un milagro.

En realidad no era ninguna moda, venía de antiguo: desde Antonia Fònt y Joan Miquel Oliver a propuestas como las de Mishima, Joan Colomo, Sanjosex y Mazoni. Coincidiendo con Manel aparecieron otros grupos, de El Petit de Cal Eril a Els Amics de Les Arts, que recordaban a ese folk pop con aires teatrales. Fue unos años después, hace ahora una década, cuando desde Barcelona surgió Exili a Alba, una banda que en cierto modo supo distanciarse de esa tendencia mirando hacia un sonido más anglosajón.

“Partimos del indie-rock para explorar terrenos como el synth-pop, el rock progresivo y el shoegaze”, explica el propio grupo en su perfil de Spotify. En efecto, estas canciones evocan a los pasajes más introspectivos (y melódicos) de Bon Iver pero también a los arranques guitarreros y oscuros de Interpol o los ritmos de baile de Bloc Party, todo ello con un aroma propio al lugar al que pertenecen. Este último trabajo debe posicionarles como uno de los grupos que está retomando esa escena indie que causó furor hace más de una década.

José Fajardo.

El Gran Poder de Diosa – Te Vamo’ a Eperá’ (FAMA, 2022)

Sun, 24 Jul 2022 19:40:09 +0200

De todos los poderes que tiene la música, la de ejercer de médium es uno de los más importantes: generar una manifestación que sea más fuerte que cualquier cosa terrenal, casi como un grito que viaja desde lo ancestral a lo espiritual, y que encuentra en la música su manera de contarnos cosas.

No sabemos si a eso alude el nombre de la banda dominicana El Gran Poder de Diosa, que justo cuando cumplen su décimo aniversario se sacan de la manga un álbum absolutamente fundamental para entender las derivas de las músicas rurales afrocaribeñas desde una mirada contemporáneamente futurista.

Resignificando los códigos de la música rural de países como Haití, República Dominicana y el Caribe continental en general; el septeto de Santo Domingo, fogueado en mil batallas y en proyectos como Rita Indiana y los Misterios, Kampo, Las Chican, Batey Cero o Cheche Abreu, entre muchos otros, consigue llevar el espíritu del “merengue del alambre” a una perspectiva moderna, invitando a coaliciones entre los diversos géneros musicales afrocaribeños con estructuras más occidentales, que van desde el indie-rock a la electrónica más transversal.

“Te Vamo’ a Eperá’”, que es a la vez una amenaza y una promesa, y que bien gráficamente lo proyectan en una portada en la que conviven esos ingredientes ancestrales y espirituales, pero en donde también se cristaliza a la perfección la sana convivencia que juega el paso del tiempo en las músicas de ayer con las de mañana, como se proyecta en el viaje sonoro en el que nos llevan a lo largo de las nueve canciones del disco.

Ganan cuando se ponen tribales sacando a pasear percusiones menores, tamboras y timbales en alianza con batería y una sonoridad eléctrica occidental (“Gracias Corazón”, “Te Vamo’ a Eperá’” o “El Remedio”), pero sin perder de vista los espacios comunes que habitan en Centroamérica entre la bachata y el reggae (“Plátano de la Ciudad”), la electricidad que se le puede imprimir al merengue menos ortodoxo (“Reloj de Arena”), la bachata sintética (“Nada me hace falta”) o la dimensión casi de dub espacial que consiguen darle a la cumbia (“La Mar de Santo Domingo”), entre otros colores que allanan.

Alan Queipo

Síntesis & X Alfonso & Eme Alfonso ‘Ancestros Sinfónico’ (FAC Music / El Cerrito Records, 2022)

Sun, 24 Jul 2022 19:47:01 +0200

Una semanas atrás decíamos en estas líneas, a propósito del más reciente disco de Bad Bunny, que todo es tan vertiginoso en la industria cultural hoy en día que apenas hay tiempo para la escucha reposada; los lanzamientos duran lo mismo que su capacidad de sorpresa, y así, la nueva música parece destinada a caducarse al poco como esos dulces sintéticos tan irresistibles pero artificiales. Por suerte, no todo es así: valga como ejemplo este álbum, del que apenas se ha hablado fuera de Cuba, y que ya es uno de los trabajos más importantes de 2022.

Síntesis no es sólo uno de los grupos más influyentes en la historia de la música cubana contemporánea, sino un referente absoluto a la hora de mezclar la herencia ancestral de los ritmos (y cánticos) afro junto a la tradición popular de la isla y otros sonidos como el jazz, la electrónica y el rock. Hace más de cuatro décadas fue pionero desde la vanguardia y eludiendo clichés.

“Aquellos cantos litúrgicos de nuestros ancestros africanos traídos a la contemporaneidad, con el uso intencional de herramientas musicales muy novedosas en ese momento, dio lugar a una música de una potencia deslumbrante”, dice sobre lo que supuso Síntesis la cubana Darsi Fernández en el ‘Magazine AM:PM’.

Este álbum actualiza su legado cuatro décadas después de su aparición, impulsado por el genio creativo de X Alfonso. Artista total desde los 90 y cerebro detrás de centros neurálgicos de la cultura cubana moderna como la Fábrica de Arte Cubano, autor de obras tan fascinantes como su reciente ‘Inside’ (2020) que ya comentamos en Gladys Palmera, X Alfonso rinde homenaje aquí a sus padres Carlos Alfonso y Ele Valdés, artífices de Síntesis desde sus inicios, y junto a su hermana Eme (otro portento creativo en lo musical, además de impulsora del festival Havana World Music) ensancha estas canciones en las que la espiritualidad yoruba se funde con la pericia instrumental y vocal.

Una obra imprescindible para acercarse, desde una óptica que es puro 2022, a ese fascinante universo de la santería cubana (cada canción está dedicada a uno de los orishas (los espíritus de la religión yoruba), a través de los tambores sagrados batá que se usan en los rituales, otras contagiosas percusiones, coros góspel y ritmos contemporáneos. Otro de esos frutos de la pandemia (la cuarentena pilló a X Alfonso en Portugal, y desde allí intercambió pistas sonoras con el resto de artistas desde La Habana) que perdurarán en el tiempo como recuerdo de una época extrañamente fructífera en lo creativo.

José Fajardo

Paul Higgs – Tridimensional (Queruza / Little Butterfly Records, 2022)

Mon, 05 Sep 2022 08:13:02 +0200

Si Paul Higgs se coloca de perfil, las auras artísticas que se exponen son infinitas. Verlo en tres dimensiones es un milagro cuando se consigue: es una manera de entender un código en constante movimiento, adrenalínico, esquivo y urgente.

Lo lleva demostrando años, tanto en su militancia en proyectos como Algodón como en aquel “Astucia”, primer ejercicio en solitario en donde se proyectaba como una figura de un pop progresivo y casi surrealista, como un cruce imposible entre Frank Zappa y Fito Páez. Ahora, el uruguayo residente en Buenos Aires revalida el título de cantor rioplatense amorfo y necesario con “Tridimensional”, o los cruces de espejos que un joven compositor que bebe tanto de los ritmos rioplatenses como del hippie-rock o el funk más anguloso.

Su alianza con su compatriota Martín Buscaglia buscaba allanar más su facción cancionista que su facción progresiva, plasmada en su álbum anterior. Mantiene cierta cota de surrealismo y de boicot contra los estándares del ‘rock canción’, pero “Tridimensional” es un paso adelante a la hora de asentar las marcas de agua básicas de Paul Higgs.

Tanto cuando abre las puertas de una zapada funk-rock (“Ni ahí”) como cuando parece recoger el espíritu del Tanguito menos melancólico (“Adoquines”), cuando combina croonerismo y registro fitopaeziano (“Diluvia”), cuando compone una suerte de blues de interior que recuerda la escritura infinita del Moris de “De nada sirve” (“Sufro”), cuando se pone beat (“Jazzie”), cuando hace un atajo spinetteano al jazz-rock de corte lounge (“Proximidad”) o cuando se pone desnudo y frontal en plan Sui Géneris (“Música del azar”) o The Moldy Peaches (“Lo mismo vimos”); Paul Higgs es uno de los compositores más impredecibles y necesarios, lo veamos desde la dimensión que nuestro ojo alcance.

Alan Queipo.

Ruca y El Quinde de Barbacoas - ¡Dale duro al bombo! (Discos Pacífico, 2022)

Mon, 05 Sep 2022 08:31:20 +0200

Chigualos, jugas, currulao, pasión, caramba, bunde, bambuco viejo, rumba… Son tantos los ritmos que resuenan en este fascinante álbum; algunos de ellos, como la tambarria, sólo pueden escucharse en Barbacoas, la región al sur del Pacífico colombiano donde viven Ruca y su formación El Quinde de Barbacoas. Este trabajo muestra la fuerza de una música que, por desgracia, muchas veces desaparece porque las canciones originales jamás se grabaron.

Ése es el objetivo de Discos Pacífico: un laboratorio creativo para conectar el talento de las comunidades de esta región con las industrias creativas, dando visibilidad y empoderando a sus artistas, evitando que su saber quede en el olvido. Tras una celebrada primera etapa trabajando con formaciones como Bejuco, Afro Legends, la Agrupación Changó y Semblanzas del Río Guapi, con este disco rinden un merecido tributo a la figura de La Ruca, una lideresa y cantaora de la que se dice que ha compuesto más de 1.000 canciones (que hasta hoy habían permanecido inéditas).

Como antes hicieran sus antepasados, La Ruca transmite de forma oral su sabiduría a través de la música, haciendo pervivir un legado ancestral entre las nuevas generaciones. Sus canciones hablan del territorio que habita, de las selvas y ríos del Pacífico colombiano, son cánticos orgullosos donde las creencias espirituales se mezclan con llamadas al baile y a la celebración de la cultura negra al ritmo de la marimba, las percusiones afro y los cánticos. Puro goce de vivir.

José Fajardo.

Romeo Santos - Fórmula, Vol. 3 (Sony Music, 2022)

Wed, 07 Sep 2022 10:55:27 +0200

Y, de repente, la bachata se convirtió en el sonido global de moda. Durante el último año, y triturándola con ritmos contemporáneos (r&b, hip hop, electrónica y hasta trap), artistas masivos como Rosalía junto a The Weeknd (‘La fama’) y C. Tangana con Nathy Peluso (‘Ateo’) han aprovechado el tirón de la música latinoamericana para reivindicar este género que no siempre estuvo tan bien visto entre cierta modernidad. Mucho antes, allá por finales de los 90, el estadounidense de origen dominicano Romeo Santos junto a su grupo Aventura, desde el barrio neoyorquino del Bronx, ya mostraron el extraordinario poder contagioso de este endiablado ritmo que invita al baile sin freno.

Más de dos décadas después de aquello, cuando se cumple precisamente el 20º aniversario del influyente segundo disco de Aventura ‘We Broke The Rules’ (2002), Romeo Santos regresa con este lanzamiento que confirma su incuestionable vigencia. Una influencia entre la música contemporánea que lleva demostrando estos últimos años, ya sea con colaboraciones junto al actual rey de la música urbana global, el puertorriqueño Bad Bunny (‘Volví’, de 2021), o en los careos junto a otras de las grandes nuevas estrellas como Rosalía u otras más veteranas en el circuito, como es el caso de Justin Timberlake (ambos participan en este nuevo álbum).

‘Fórmula Vol. 3’ es una obra ambiciosa que muestra todos los universos que es capaz de habitar Romeo Santos sin llegar nunca a distanciarse de las armas que le convirtieron en un icono: su inimitable voz y su prodigioso sentido del ritmo; tanto es así, que en ‘El Pañuelo’ es Rosalía quien se amolda a su estilo (es decir, se nota que es un tema de Romeo Santos, y no al contrario), mientras que en ‘Sexo con ropa’ (el corte favorito del álbum para Andy Grey, nuestra DJ residente en Gladys Palmera y todo un éxito en sus sesiones) invita a hacer lo propio: contornearse lascivamente en la pista de baile por el puro disfrute de la música.

José Fajardo

Meridian Brothers & Grupo El Renacimiento – Meridian Brothers & Grupo El Renacimiento (Ansonia Records, 2022)

Thu, 08 Sep 2022 13:54:02 +0200

¿Os acordáis del Grupo El Renacimiento? Mítico grupo de la salsa underground colombiana de los años ’70, que exploraba las fronteras entre el soul y la música latina, y que se convirtió en un grupo de culto entre la juventud bogotana de hace cinco décadas hasta que la droga los llevó a una espirar de autodestrucción que derivó en el olvido más sangrante; además de formar parte de la escudería de Ansonia Records, icónico sello que desde finales de los años ’40 hasta 1990 publicó algunos de los álbumes fundamentales de la salsa y la música latina, haciendo las veces de contrapunto de la expansión comercial de la factoría de la Fania.

¿No os acordáis? Normal. Esa historia nunca existió. O sí, bueno: en la imaginación del combo bogotano Meridian Brothers, que se inventan a esos Spinal Tap salseros para componer esta suerte de ejercicio de pasado futurista: el de un simulacro de tributo a la música espiritual progresiva latinoamericana de los años ’70 (la de grupos como Los Jaivas, La Columna de Fuego, Vox Dei, Arco Iris), a la vez que es una deconstrucción de la salsa de ayer, hoy y mañana.

Con momentos en los que parece que hacen ojitos al Rubén Blades más elemental y otros en los que entran en una vorágine de salsa mecánica de serie b (“Descarga profética”), imitando la voz de Los Hermanos Lebrón por la vía del ordenador, casi recordando al Germán Coppini de los Golpes Bajos de “Fiesta de los maniquíes” para jugar a la astrología cristiana por la vía del rock progresivo más salsero (“hermano del futuro, vengo buscando iluminación”, cantan en “Metamorfosis”), cuando suenan espectacularmente retro, como una sinfonía de salsa beat (“Bomba Atómica”) o poniéndose antirrománticos (“La mujer sin corazón”), los colombianos nos sumen en una película de ficción retrofuturista al mejor estilo “Blade Runner”.

Meridian Brothers demuestran que no necesitan el metaverso para dar vidas a mundos imaginados: ellos son todas las dimensiones musicales que existen, y unas cuantas más.

Alan Queipo

Recopilatorio - Sin Mapa (Polen Records, 2022)

Fri, 09 Sep 2022 08:44:48 +0200

La historia de Polen Records discurre paralela a la expansión internacional de la nueva música en Colombia. Mientras el país se convertía durante los últimos 15 años en una de las grandes potencias sonoras globales, el sello iba sumando lanzamientos clave para comprender el alcance de sonidos como la electro cumbia, la champeta, la escena alternativa tropical y andina, los nuevos ritmos afro del Pacífico…

Este recopilatorio recoge precisamente algunos de los temas más emblemáticos de su catálogo desde 2006 y hasta 2021, un viaje sonoro que también lo es sentimental y hasta sociológico, pues en este periodo Colombia ha experimentado el que quizá sea su cambio más profundo en la historia reciente, con la apuesta por la paz tras más de medio siglo de guerra y, desde este año, su primer gobierno de izquierdas con una vicepresidenta como Francia Márquez con una gran sensibilidad por las minorías y un apoyo masivo de artistas y músicos de todo el país.

Títulos como ‘Fuego’ (Bomba Estéreo), ‘Somos Pacífico’ (ChocQuibTown) y ‘Rumbera’ (Systema Solar) ya son himnos no solo en Colombia, sino en Iberoamérica y más allá (es tremenda la proyección de la música colombiana en mercados periféricos como el Fuji Rock japonés, por ejemplo). Este compilatorio sirve ya no sólo como un bonito ejercicio nostálgico para quienes escucharon estos temas cuando salieron, sino como una ventana a la que asomarse (en algunos casos, con remixes de artistas como Richard Blair) a esta escena que hoy sigue vigente y mutando hacia nuevos caminos.

José Fajardo

YUNG PRADO – Yung Pradito (Young Ethics, 2022)

Thu, 08 Sep 2022 14:50:37 +0200

La fórmula de YUNG PRADO la conocemos desde hace años, sobre todo desde el primer house cantadito que puso en el mapa melódico global la música de club; pero, tras varios años sonando sus canciones por el clubbing subterráneo barcelonés y de expandirse como performance ritual neobakala junto a sus compañeros en Mainline Magic Orchestra, el debut de YUNG PRADO llega especialmente en un buen momento.

Tras dos años de encierro y de prohibición de bailes, excesos y afters, “Yung Pradito” es casi un manifiesto de la vuelta al antro mañanero tras una noche de internamiento en los baños. “Yo quiero estar contigo otra vez, los dos, pasándolo bien”, escribe, en la apología extrema de la sencillez, en una de las canciones, y básicamente ese es el clima que se recorre en todo el álbum: el de que la vida en el after, es la vida mejor.

No sabemos si es la mejor, pero, como mínimo, fue una vida prohibida, casi de ciencia ficción durante el metaverso real que nos tocó vivir los últimos dos años; y YUNG PRADO viene a remediarlo con canciones que, por momentos, hacen ojitos a los Pet Shop Boys (“Quiero ver amanecer” o “Lucky”); en otros momentos a las bases del primer hip-hop español, el de DNI o Sindicato del Crimen (“Segundo After”); en otros al Alejandro Paz de “El House” (“Chill Out” o “Nuevo Planeta”); en otros al petardeo de Putilatex o Sarassas Music (“Sin final”).

Alan Queipo.

Famasloop – Lo más seguro es que quién sabe (Pararrayos Records, 2022)

Thu, 15 Sep 2022 16:24:31 +0200

Tras tres discos y más de una década sintiéndose una rara avis en los territorios del pop alternativo, de la electrónica latinoamericana y de la música fusión, Famasloop han decidido definirse a sí mismos, ya que desde fuera es muy difícil hacerlo. Denominan a su música “Cucú Pop”: demasiado rara para ser pop, demasiado pop para ser rara.

Y por ahí van los tiros de uno de los proyectos más estimulantes y eléctricos del circuito venezolano en lo que llevamos de siglo. Y si ya lo habían demostrado con sus anteriores álbumes, que les han valido cuatro nominaciones al Grammy Latino, con “Lo más seguro es que quién sabe” basculan una delgada línea entre la electrónica más ácida, el mambo más impulsivo y las derivas alternativas de la diáspora latinoamericana y la diáspora indie, por qué no.

Todo eso converge en un repertorio que, por momentos, impone un diálogo entre Rita Indiana y Nine Inch Nails (“Resistencia”), entre Bomba Estéreo y los Café Tacvba del “Re” (“Nadie”), entre el groove de Khruangbin y el electro sensible de Hot Chip (“Caníbal”), entre la deconstrucción del reggaetón por la vía del afro-western (“Dengue”), entre el tribalismo de Safri Duo y Swedish Mafia (“Goxcila”) o entre el electro-pop de Icona Pop y el electro-alterlatino (“Balcón”).

Un proyecto en donde las derivas del baile indie que se impuso en las discotecas occidentales de flequillo y gafas de sol por la noche hace aproximadamente una década, se lleva a un estado mental en el que los ritmos latinoamericanos comienzan a sonar como nuevos palos de la electrónica de baile.

Alan Queipo

Cuco - Fantasy Gateway (Walk The Trail / Interscope, 2022)

Wed, 07 Sep 2022 10:58:23 +0200

A estas alturas de 2022 el bedroom pop ya no es sólo el sonido de una generación sino un contenedor multiusos donde cabe todo eso que abarca el pop; no hay más que bucear un poco por Spotify, el gran termómetro de las tendencias, para encontrar playlist masivas donde suenan, bajo esa etiqueta, desde Billie Eilish hasta Willow. Cuco fue uno de los primeros artistas en abanderar este movimiento de entre aquellos con ascendencia latina (nació en California de padres mexicanos) y que usan el español en sus letras (en su caso, sólo en unas pocas canciones).

Es música producida por (y dirigida a) los conocidos como Generación Z, aquella que nació a partir del cambio de siglo, a quienes la primera crisis económica de 2008 les pilló siendo unos críos y la pandemia les llegó en el peor momento posible: en los años salvajes de la juventud. Refugiados en sus dormitorios, conectados a la red global y expuestos a la depresión y a la ansiedad como respuesta orgánica a un presente congelado y un futuro incierto (nunca antes se había hablado tanto de “salud mental” como entre este segmento poblacional), encontraron en esta música delicada, bonita, pegadiza, intimista y confesional una vía de escape frente a la realidad.

Para su segundo álbum de larga duración Cuco se trasladó a Ciudad de México durante estos dos últimos años de pandemia en busca de sus orígenes, en una búsqueda existencial de un pasado entre idealizado y fantasmagórico; así suenan sus canciones, hilos musicales donde hay ecos de la música que debió escuchar de fondo cuando era pequeño en casa (boleros, pop en español, rancheras) y de sonidos actuales ensoñadores como el dreamcore.

Su música podría parecer de otra época (conceptos como “retro” y “nostalgia” siempre aparecen al hablar de su obra, incluso en palabras del mismo autor) pero no hay nada que defina mejor estos tiempos que canciones como ‘Heaven is Lucid Dreaming’ o ‘Fin del Mundo’.

José Fajardo.

Marina Herlop – Pripyat (PAN, 2022)

Mon, 19 Sep 2022 10:19:47 +0200

Supongo que a Melendi o a Camilo, cuando empieza a sonar en su cabeza un conato de la sinfonía de lo que acabará siendo una de sus nuevas canciones, el viaje entre esa idea y el acabado final no dista demasiado. No creo que la sinfonía que habita en la cabeza de Marina Herlop sea tan sencilla de aterrizar como la de aquellos.

Marina Herlop canta en el idioma de un país que no existe; estructura las canciones en base a un género que ella misma construye y deconstruye; utiliza unos materiales que habitualmente se usan en otros términos; imagina la música desde un lugar en el que el metaverso es, incluso, un sitio demasiado cercano y conocido para nosotros.

“Pripyat” es la, de momento, sublimación de la artista catalana (a la que se sigue catalogando como ‘pianista’): una coral de cables y pequeños cortes digitales en las que la onomatopeya resuena pop, pero en donde el único marco de referencias en el que se la puede ubicar, habitan otros incatalogables: desde la comparación evidente con Björk hasta el trabajo de producción de El Guincho en “Alegranza”, la manera de trabajar las voces de artistas como Juana Molina o Wildbirds & Peacedrums o la belleza del caos ordenado de artistas como Hyperpotamus o Animal Collective.

Aunque haya pasajes en los que resuene casi a música sacra (“Kaddisch”) y hasta haya tramos de algunas canciones (“ubuntu”) que parece que nos quiere invitar a bailar en algunos segundos; nada de lo que habita en “Pripyat” forma parte de los cánones de la música ortodoxa: hay atajos constantes, injertos digitales en lo orgánico y viceversa, arquitecturas imposibles en donde las líneas de voz, los sonidos metálicos de las programaciones y los embistes a un piano que se vuelve rugoso y neoclásico, virtual y de madera, proyectan en un álbum que puede ser el inicio de una nueva civilización sonora.

Alan Queipo.

International Dub Ambassadors - La Calor (Autoeditado, 2022)

Thu, 22 Sep 2022 14:35:21 +0200

“Intergalactic dub from the roots” es el eslogan de International Dub Embassadors, un referente de los sonidos de inspiración jamaicana no sólo en Puerto Rico sino en todos los rincones de Latinoamérica. Con su nuevo trabajo (íntegramente en español) demuestra que Puerto Rico es mucho más que “la isla del reggaetón”, en sintonía con lo que nos contaba Raquel Berrios (Buscabulla) en una entrevista en 2020 con Gladys Palmera.

Y es que, mientras el reggaetón y el trap latino explotaban en las ondas comerciales de Puerto Rico al calor del éxito de Bad Bunny, una escena subterránea diversa y muy talentosa comenzaba a echar raíces en el circuito alternativo de la isla con una sola bandera: su absoluta falta de prejuicios a la hora de abordar las tradiciones locales con géneros como el rock, la electrónica y la psicodelia. Junto a nombres como los propios Buscabulla, mima, ÌFÉ, Alegría Rampante, Circo, Andrea Cruz, iLe, Skeptic Música y Ani Cordero (entre muchxs otrxs), International Dub Embassadors hacen de avanzadilla de un movimiento indie con resonancias globales.

Su nueva música, además, y especialmente en canciones como el single ‘Te crees tú’, entronca con un hartazgo social creciente en la sociedad boricua por una serie de catástrofes medioambientales (huracanes, terremotos), la corrupción de las elites locales (allí prendió la chispa de la ola de protestas ciudadanas que agita Latinoamérica desde la segunda mitad de 2019) y el maltrato desde Estados Unidos por su estatus de colonia del imperio. Una obra muy recomendable para los entusiastas de los sonidos reggae, roots, vintage, psicodelia, soul y, cómo no, dub desde el corazón de San Juan.

José Fajardo.

BARIRI – Aupa Carajo (Autoeditado, 2022)

Thu, 22 Sep 2022 14:38:31 +0200

BARIRI está armando su propia religión, pero si decidiese armar una secta, que cuente conmigo. Lleva tiempo haciendo un ruido de baja intensidad en un circuito que, de ser justos, debería estar siendo trending topic musical tanto en España como en Argentina, como mínimo. Pero la propuesta del vasco debería servir como nexo entre el rock barrial argentino, el lo-fi trap y un rap-pop deslavazado que recoge, desde el cariño y no desde el exceso, el espíritu de Pity Álvarez y Cecilio G.

Tras varios años formando parte como batería de proyectos como Joe La Reina o La Tripleta Picante, Iñaki Oro ha decidido sacar la voz y desarrollar como BARIRI un álter ego con una genética sonora especialmente minimalista: canciones trabajadas con un tecladito y un ordenador en su casa, y con una voz especialmente expresiva que marca absolutamente el proyecto: o la amas o la odias.

Ya imaginaréis que el que firma es de la primera facción. Es que esa manera desenfadada al extremo que tiene de proyectar la voz BARIRI, debatiéndose entre el “rock cabeza” argentino y el trap ininteligible de la “Generación PXXR GVNG” nos muestra a un BARIRI que, sin embargo, musicalmente no encaja en ninguno de esos dos círculos.

Su música es en base electrónica, sus melodías son pop, se permite acercamientos a un reggaetón punk (“Volver a eso” o “Paseíto con los perros”), canciones que hablan con absoluta frontalidad del amor que siente por su familia (“Gracias hermano”, “Mi vieja” o “Volver a eso”), ecos que nos lleva a recordar “Una vela” de Intoxicados (“No sé”), al antifolk con referencias a Rosario Flores (“Cómo quieres que te quiera”) o a una electrónica lo suficientemente elemental como para identificarlo más con Daniel Johnston, Juan Wauters o Adam Green que con Jeff Mills o Tiësto (“La salí corriendo a buscar”, “No fuimo” o “Mi propia religión”). Salid corriendo a buscarlo.

Alan Queipo.

Saturno 2000 – La Rebajada de los Sonideros 1962-1983 (Analog Africa, 2022)

Fri, 23 Sep 2022 14:16:30 +0200

Suele suceder: es mejor tomarse las cosas con calma para poder identificar mejor todos los matices de lo que nos rodea. No alterarse y tener horizontalidad para percibir cada movimiento. Eso es lo que permite la “cumbia rebajada”, uno de los subgéneros tropicales más descriptivos desde su propio nombre: cumbias bajadas de tempo, llevadas a ritmos más lentos, casi psicodélicos, con líneas muy abiertas.

Un concepto con el que dieron dos familias de hermanos mexicanos, los Perea y los Ortega, que viajaron por toda América Latina con una buena cantidad de discos para vender a los diversos sonideros para pinchar nuevas melodías. Los ritmos colombianos eran perfectos para la cultura del sonidero, pero eran demasiado rápidos.

Eso lo solucionó, por un lado, Marco Antonio Cedillo, de Sonido Imperial, que llevaba tiempo experimentando con los equipos de sonido, y creó un revolucionario sistema que permitía ralentizar las canciones; y por otro, Gabriel Dueñez, que casi se electrocuta por un cortocircuito en su sonidero, pero dicho cortocircuito hizo que el plato comenzase a girar en cámara lenta, despertando el fervor de los asistentes a ese sonidero, pidiéndole que grabase casetes con esos ritmos a los que denominó “rebajada”. Como una cumbia emporrada, vaya.

Aquellas cintas se convirtieron en un objeto de culto, a la vez que en un subgénero surgido de la azarosa casualidad y de la necesidad de expandir otros ritmos latinoamericanos ante una juventud ávida de conectar con otras músicas. Ahora es el sello alemán Analog Africa quien se salta la línea africanista para encargarle a DJ Lengua que recopile algunas de las mejores cumbias rebajadas que sonaban en los sonideros entre 1962 y 1983, en un álbum que, casualidad o no, coincide en un momento en el que plataformas como TikTok están popularizando las “slowed versions” (es decir, versiones ralentizadas o… rebajadas) de conocidas canciones contemporáneas.

Canciones de proyectos muy conocidos por entonces como Junior y su Equipo, o hits que funcionan tanto en su versión acelerada como en la rebajada como “Paga la cuenta sinvergüenza”; piezas que imaginan una suerte de candombe-dub (“Infinito”); otras que se anticipan al sonido del 8bit (“La Borrachita”); otras que parecen un presagio de unos King Gizzard & the Lizard Wizard cumbieros (“Feito Parrandero”); otras que anticiparon el sonido de la cumbia villera, que guarda mucha conexión con la cumbia rebajada a nivel rítmico (“Bien bailadito”); u otras que resuenan casi como un western tropical (“El Chacarero”). La vida calmada es la vida mejor.

Alan Queipo.

Silvana Estrada - Abrazo (Glassnote Music, 2022)

Fri, 23 Sep 2022 14:13:24 +0200

Tiene apenas 25 años pero ya parece que Silvana Estrada estuvo siempre allí. Armada con muy poquito (su voz tan prodigiosa, un cuatro, la guitarra), reivindicando a lo bestia el menos es más, la mexicana se ha convertido en una de las voces más talentosas de una nueva generación de cantautoras (son las mujeres las que marcan el paso de la escena) en Latinoamérica.

Entre el intimismo y la canción protesta (‘Si me matan’ ya es himno feminista), ‘Abrazo’ es el reverso luminoso y vitalista de su álbum ‘Marchita’, donde reivindicaba el derecho a la tristeza como ya comentábamos a principios de año en este espacio. Curiosamente, ese trabajo más oscuro se grabó antes de la pandemia y fue en plena vorágine de muerte, aislamiento e incertidumbre cuando Silvana Estrada compuso estos temas que reivindican el lado bonito de la vida.

"Creo que anhelaba tanto abrazar a mis seres queridos que pensé en hacer un cariño de canciones, de melodías que llegaran adonde yo no podía llegar y tocaran a quienes no tenía cerca”, explica la propia autora. Ya consagrada en la primera línea de esta nueva canción de autora en español, su próximo paso será el que deba auparla a cimas tan grandes que aún no se vislumbran.

José Fajardo.

Natos y Waor – Luna Llena (Autoeditado, 2022)

Fri, 30 Sep 2022 07:50:12 +0200

Las garrapatas se encuentran a menudo en la hierba alta, donde esperan en el extremo de una hoja para intentar engancharse a cualquier animal (o humano, a veces) que pase. Pueden esperar semanas o meses antes de hallas un hospedador adecuado. Pero cuando lo encuentran… ¡ay, cuando lo encuentran! Trepan sobre ella, perforan la piel, empiezan a succionar sangre y dan su añorado SABLAZO, una de sus palabras favoritas.

Pero ni siquiera eso es lo peor: una vez agarradas, su cuerpo se hincha hasta tal punto que segrega un pegamento que se adhiere al hospedador para seguir alimentándose. Es prácticamente imposible que el hospedador pueda sacarse la garrapata de encima, a menos que ella quiere. Y spoiler alert: no suelen querer separarse la garrapata una vez que encuentran alguien a quien chupar la sangre.

¿A qué viene esta brasa sobre las garrapatas en una crítica sobre el nuevo disco de Natos y Waor? Bueno, primero, porque siempre viene bien prevenirse de las garrapatas: os aconsejo identificarlas con tiempo. Y segundo y más importante, porque el dúo madrileño es uno de los mejores ejemplos de cómo distanciarse de ellas y combatir el garrapatismo mal entendido (es decir, no el de la estela de Los Delinqüentes) a través de una lírica frontal y un modelo de conducta especialmente esquivo ante postureos y dinámicas relacionales de dudosa procedencia. No son omnipresentes en medios de comunicación, desde la opinión pública parece prácticamente que no existieran y, sin embargo, estamos ante uno de los proyectos más relevantes e influyentes de la música urbana española y un fenómeno que, más allá de una capacidad de convocatoria y de expansión iberoamericano evidente del proyecto, también han ido avanzando, disco a disco, musicalmente en tantas direcciones como las que proyectan en su álbum más poliédrico hasta la fecha.

En “Luna Llena” siguen sonando tan desconfiados como siempre (¡bien que hacen!) pero especialmente versátiles, que es algo en lo que el proyecto Hijos de la Ruina junto a Recycled J haya tenido mucho que ver, posiblemente. Más allá de momentos como “Hasta que salga el sol” o “Platos rotos” donde colabora el artista madrileño y suenan especialmente poperos y electrónicos (como en “Tomo demasiado”); lo nuevo de Natos y Waor hace ojos a una suerte de trip-hop reflexivo (“Septiembre” o “Rebeldes sin causa”), al reggaetón rumbero (“Rumba”, “Vale Tudo”), al rock-pop estilo Alizzz (“Noches sin dormir”), al rock urbano con guiño a Marea (“Quiero volar”, con colabo de Kutxi Romero), al hardcore-rap noventero (“Cura de humildad” o “Los 90”), al italo-disco (“Dame calor”) o bases con guitarras reverberantes que recuerdan a Héroes del Silencio (“Tenías razón”).

Nueva clase magistral de un proyecto que, sin multinacional ni el ojo público permanentemente en agitar el avispero, consigue esquivar garrapatas y hacer su propio camino sin dar sablazos para dar de comer a sus hijos. “La procesión se lleva dentro, al igual que el estilo: la mona siempre será mona, aunque vista de Moschino”, cantan en “Cura de humildad”. No tengo más preguntas, señoría.

Alan Queipo.

Ceferina Banquez - Que le baile yo (OM Producciones Music, 2022)

Mon, 03 Oct 2022 08:10:54 +0200

Hace unos días Totó la Momposina anunció su retirada de los escenarios tras una vida, a sus 82 años, consagrada a difundir la música afro del Caribe colombiano. “Yo no recuerdo cuándo canté por primera vez, siempre es algo que he hecho, desde chiquita”, me explicaba en una entrevista en 2017. Ella es, junto a otras como Petrona Martínez (83 años), una de las voces más reconocidas de un fascinante universo, el del bullerengue (y sus derivados: chalupa, son de negro, fandango…), que por desgracia está nutrido de voces de mujeres que han permanecido en el anonimato.

La figura de Ceferina Banquez simboliza, a través de su biografía, ese drama: el de artistas herederas de una riquísima tradición que se ha transmitido entre generaciones de forma oral, sin apenas grabaciones ni crédito para los músicos y cantantes. Nació en Guamanga (Bolívar), de donde durante una buena parte de su vida tuvo que desplazarse por la violencia (Colombia es uno de los países con más desplazados internos a la fuerza del mundo).

Igual que a otras figuras del Caribe colombiano, como Magín Díaz, el reconocimiento le ha llegado tardío: a sus 80 años se preparara para hacer la que quizá sea la gira más ambiciosa de su carrera, con paradas en Estados Unidos y Europa. Ella es la portadora de una cultura ancestral que pervive gracias a lanzamientos como éste y otros que ensalzan la música negra del Caribe durante los últimos años, y especialmente, gracias a los jóvenes en sus comunidades que prosiguen la tradición.

José Fajardo.

Rosario La Tremendita - Tremenda. Principio y Origen (Autoeditado, 2022)

Thu, 06 Oct 2022 15:02:19 +0200

“El flamenco es un arte vivo en constante transformación”, me decía Rosario La Tremendita en una conversación a principios de 2021, cuando aún no se había publicado ‘Tremenda’ y esta sevillana del 84 estaba inmersa en una gira en directo pese a las circunstancias adversas de la pandemia. Criada escuchando a Niña de los Peines, Mairena y Pepe Marchena en el barrio de Triana, la artista siempre se ha tomado el flamenco como algo muy serio, y es precisamente ese respeto el que la ha ido empujando a renovarse, porque el verdadero amor a la tradición es de quien la lleva hacia nuevos caminos.

Ya entonces, antes de que saliera ‘Tremenda’, uno de los discos más valientes del año pasado donde mezcla la tradición con la electrónica, el jazz moderno y algún chute de psicodelia, ella tenía claro que el proyecto no terminaba ahí y ahora publica este doble álbum donde desnuda de artificios electrónicos las canciones ya grabadas, despejando su voz junto a la guitarra flamenca y las palmas con invitados como Raúl Rodríguez, Niño Josele, Rycardo Moreno y Rafael Riqueni, entre otros. Vuelve a ser primordial la figura de su productor Pablo Martín Jones, colaborador habitual de La Shica, Fetén Fetén, Eliseo Parra y Martín Buscaglia.

Su biografía discurre paralela a la renovación del flamenco por una nueva generación (la que comparte con Rocío Márquez y Soleá Morente) que conoce en profundidad el arte y se atreve a experimentar y abrirse. En su caso, conectada con las artes plásticas y la danza, abierta a influencias inesperadas (de Patti Smith a Bowie, pero también el proyecto de Los Evangelistas vía el ‘Omega’ de Morente), la bisnieta de Enriqueta la Pescaera y sobrina nieta de Gandinga de Triana brilla cada vez más fuerte en una constelación que invita a soñar.

José Fajardo.

Divino Niño - Last Spa on Earth (Winspear, 2022)

Fri, 07 Oct 2022 08:25:16 +0200

Una banda con sede en Chicago y sangre colombiana que en su debut –el muy recomendable ‘Foam’, de 2019- recordaba a la escena del pop-rock garagero de principios de siglo y que, durante la pandemia, se encerró en un estudio a modo de ejercicio de sanación frente al aislamiento para grabar unas canciones mutantes que van del neo perreo al hyperpop o a la electrónica de baile. Dicho así, parece una historieta de cómic pero la historia de Divino Niño es tal cual.

El guitarrista Camilo Medina y el bajista Javier Forero, ambos bogotanos, conectaron al llegar a Chicago con la escena indie rockera local, pero ya desde sus inicios su mirada era distinta. Su gusto por la psicodelia y las melodías saltarinas y crepitantes se enriquece ahora con una mirada mucho más transversal, que conecta con su origen latinoamericano, en una decisión que va más allá del sonido, pues la mayoría de las canciones de su nuevo disco están cantadas en español.

‘Last Spa on Earth’ es una obra bizarra en el sentido de que no se parece a nada que estén haciendo los artistas de origen latino en Estados Unidos; nada tiene que ver con el pop lisérgico de electrónica acuosa y folk acústico de Helado Negro o con el dream core de Juan Wauters y Tall Juan, con los que quizá al principio sí tenía más similitudes. Ahora mismo Divino Niño camina solo por un camino tan fascinante como desconocido.

José Fajardo.

Lucrecia Dalt - ¡Ay! (RVNG Intl., 2022)

Thu, 20 Oct 2022 15:02:52 +0200

Donde el bolero incursiona en la ciencia ficción, una entidad alienígena incorpórea explora la isla de Mallorca, el tumbao suena con voces distorsionadas por máquinas intervenidas y la salsa dialoga con la filosofía, en ese universo que sólo se puede definir como único, es donde habita en 2022 Lucrecia Dalt, personaje clave durante la última década en los círculos del arte sonoro y la experimentación desde la electrónica y una suerte de spoken word.

A partir de esa visión periférica, la de una artista colombiana con formación de ingeniera civil y que vive desde hace tiempo en Berlín, ha construido su álbum ‘¡Ay!’, una obra en apariencia arisca que en realidad es una las más accesibles de una carrera siempre a la vanguardia, destrozando los clichés y los tópicos en torno a la música latinoamericana.

Esta obra conceptual (cuenta la historia de Preta, un alien que llega a la isla española de Mallorca y a partir de ahí reflexiona sobre conceptos como el amor, el paso del tiempo, las raíces y lo material) coincide con la de otros artistas de origen latinoamericano en la diáspora, desde el venezolano Venezonix hasta el puertorriqueño Gabriel Ríos o el chicano Cuco, que han publicado recientemente trabajos en los que recuperan, desde la distancia geográfica pero una cercanía emocional, los sonidos que escuchaban en su infancia en un diálogo con las tradiciones desde lo contemporáneo.

José Fajardo

The Mars Volta - The Mars Volta (Clouds Hill, 2022)

Mon, 24 Oct 2022 08:23:24 +0200

Icono del rock progresivo y la escena alternativa en Estados Unidos, el regreso de The Mars Volta tras una década en barbecho ha sorprendido tanto por lo inesperado de esta grabación (que se grabó bajo cierto secretismo) como por el radical giro de sonido, desde sus pasajes áridos y experimentales hasta un sonido que cabe en las letras del pop.

“Estamos ya en nuestros 40 y muchos y no podemos seguir haciendo la misma mierda de antes, no es posible vestir esa vieja camiseta que ya no te sienta bien”, explica con sarcasmo Omar Rodríguez-López en una entrevista reciente con The Quietus. El dúo completado por Cedric Bixler-Zavala se distanció por la entrada de este último en las fauces de la iglesia de la Cienciología, una experiencia traumática que aún le persigue (su pareja ha denunciado por violación a uno de sus miembros) y de la que habla con desgarro en este álbum, el más directo (y no solo en el sonido) de una carrera hasta ahora encriptada.

El título del álbum, reivindicando su nombre, es una forma de avisar de que éste es un nuevo comienzo para The Mars Volta, un diario confesional donde ajustan cuentas con sus fantasmas, afrontan el dolor y celebran haber llegado juntos a la madurez. Los fans acérrimos de su sonido más áspero y lisérgico saldrán despavoridos de esta obra que, sin embargo, tiene poder para seducir a una nueva hornada de fans. De paso, el dúo reivindica como nunca antes su origen latino (tienen sangre de México y Puerto Rico), a modo de bandera y compromiso con la comunidad migrante.

José Fajardo.

Uji - TIMEBEING (ZZK Records, 2022)

Thu, 27 Oct 2022 08:04:56 +0200

Aquella escena diversa y sin fronteras, que tuvo su origen en el cono sur de Latinoamérica, y que se agrupó en torno a etiquetas como la de la “folktrónica” o el “electro folklore” hoy sigue expandiéndose y reinventándose. Desde ZZK Records, referente absoluto de aquel circuito, regresa uno de los artistas más veteranos por su papel en el ya extinto proyecto de Lulacruza (2005-2016). Con su carrera en solitario como Uji, este productor argentino propone con su nuevo álbum un posible camino hacia el futuro.

Su apuesta es diversa en cuanto al formato, en consonancia con estos tiempos de multiplataforma. Uji ha construido un universo sonoro que se expande a través de una propuesta escénica y teatral (al parecer, tendrá una residencia en Buenos Aires), un cortometraje dirigido por Jazmín Calcarami (artista de maquillaje para Björk o el Circo del Sol) y hasta virtual a través del formato tan en boga del NFT.

Pero lo que nos importa aquí es la música, y en ese sentido, ‘TIMEBEING’ no defrauda: estas canciones viajan por montañas y cielos a través de capas de electrónica sutil y ambiental y percusiones contagiosas hasta trasladarnos a otros mundos que conectan con los universos interiores del primer Nicola Cruz o la obra seminal de Chancha Via Circuito. Una ventana por la que asomarse al futuro que ya viene.

José Fajardo.

A.N.I.M.A.L. - Íntimo Extremo – 30 Años (Sony Music, 2022)

Mon, 31 Oct 2022 08:55:10 +0100

En la historia del rock argentino, A.N.I.M.A.L. juega un papel destacado desde su faceta más extrema en lo sonoro (puro ruido metalizado cercano al trash) y reivindicativa en el mensaje. Creado en 1992, compartió escena con otras bandas de Latinoamérica como sus paisanos Todos Tus Muertos o los brasileños Sepultura pero también crearon conexiones con el circuito del nu metal en Estados Unidos (Slipknot y derivados) e incluso con bandas españolas como Narco, Söber y Ktulu.

Cuando se cumplen 30 años de la banda, este trabajo celebra una carrera que, desde lo alternativo, ha alcanzado cifras masivas: son 15 de sus mayores éxitos adaptados por otros tantos invitados. La diversidad de los mismos refleja el alcance transversal de A.N.I.M.A.L.: desde el rockero colombiano Juanes (que se inició en la música con la banda de metal Ekhymosis) hasta nuevos valores de la escena urbana argentina como Neo Pistea y Ca7riel, figuras internacionales del pop como Andrés Calamaro, Enrique Bunbury y Draco Rosa y otros proyectos afines, como el caso de Los Auténticos Decadentes.

Un festín tanto para iniciados como para quienes se quieran asomar por primera vez a una banda que es parte de la historia del rock de Argentina, uno de los países con más tradición guitarrera del mundo.

José Fajardo.

Ela Minus & DJ Python - ♡ (Smugglers Way, 2022)

Thu, 03 Nov 2022 15:05:45 +0100

13 minutos y 52 segundos es lo que necesitan Ela Minus y DJ Python para trasladarnos a un universo inexplorado, fruto del choque de diversas influencias que, como en el caso de esta alianza entre ambos artistas, podrían resultar contradictorias: la sutil belleza en la fragilidad de Beach House, el glamour nostálgico de la banda sonora de ‘Drive’, el poderío muscular del techno y la rotundidad ligera del pop.

Con su primera colaboración juntos, este EP de tres canciones que se pronuncia “corazón”, la cantante colombiana señalada como una de las grandes voces de la diáspora desde su residencia en Estados Unidos, y el productor de origen ecuatoriano asentado en la comunidad creativa de Queens, logran mezclar esos dos mundos interiores tan, en apariencia lejanos; ella, autora de una suerte de techno luminoso de mensaje revolucionario con el que logró la excelencia en su debut ‘Acts of Rebellion’ (2020), y él, agitador de la escena neoyorquina con su coctelera a base de deep reggaetón, house con dembow y otras lindezas de corte romántico y bailongo (a principios de este año sacó el maravilloso ‘Club Romántico Vol. 2’.

Sólo queda cerrar los ojos y dejarse llevar por la belleza de canciones como ‘Pájaros en Verano’, tonadas electrónicas que reflexionan sobre el amor en estos tiempos oscuros (en toda esta obra flota el trasfondo de la pandemia) y que ambos grabaron desde la distancia: DJ Python enviaba los instrumentales y ella grababa encima las voces y las melodías. Ojalá sea el comienzo de una gran amistad.

José Fajardo

Snow Tha Product - To Anywhere (Autoeditado, 2022)

Mon, 07 Nov 2022 11:35:07 +0100

Hay quien habrá descubierto a Snow Tha Product por su colaboración en 2021 junto a Bizarrap en el Vol. 39 de sus Sessions. Es lo que tiene el productor argentino de moda, que todo lo que toca lo convierte en masivo. Pero, en realidad, la carrera de esta artista de 35 años criada en California con sangre mexicana, ya era muy grande antes de eso. Qué se lo digan a Andy Grey, nuestra DJ en Gladys Palmera y agitadora de la noche tropical desde Madrid y al más allá, que lleva pinchando en sus sesiones a Snow Tha Product desde sus inicios.

Fue hacia 2013 cuando Claudia Alexandra Madriz Meza (su verdadero nombre) empezó a abrirse camino en la industria. Desde entonces ha ido sumando singles cada vez más potentes, gracias a un flow tremendo (buena muestra de ello es ‘Waves’, uno de los primeros pelotazos que suenan en este álbum), ese desparpajo inusual a la hora de rimar que mezcla agresividad con alcance pop, y su olfato para cerrar colaboraciones sonadas, desde Gera MX a Ludacris, Jon Z, Aleman y gran parte de las nuevas estrellas de la escena urbana.

‘To Anywhere’ funciona como la mejor carta de presentación de Snow Tha Product para quien quiera que todavía no la conociera y, desde luego, como una poderosísima confirmación de su lugar entre las estrellas más pujantes del circuito en América, desde Estados Unidos y hacia Latinoamérica bajando por México. Hay tantos temas redondos aquí que es difícil detenerse en unos pocos, pero su arranque dembow en ‘Bájala’ junto a Santa Fe Klan o el pop latino de ‘Piña’ con Lauren Jauregui son artefactos redondos de impacto global.

José Fajardo.

Cathy Claret - Así soy yo (Respect Record, 2022)

Thu, 10 Nov 2022 15:52:17 +0100

Donde el jaleo de las peñas se mezcla sin prejuicios con los sonidos de los barrios de las periferias es el lugar en el que siempre ha habitado una artista única, sensible y adelantada a su tiempo como Cathy Claret. Mucho antes de que estuviera de moda el flamenco-trap y derivados, ella ya estaba mirando hacia ese universo gracias a su visión periférica y desprejuiciada y a su forma de vida libre y festiva, asistiendo, como ella misma explicaba en Gladys Palmera en 2019, a “cuatro o cinco bodas al año”, muchas de ellas de gitanos, siendo la música omnipresente.

La artista de Nimes (Francia), pionera en la fusión del flamenco con sonidos de alcance masivo como el pop y la bossa (como decía Darío Manrique también en esta casa en una magnífica entrevista-sesión de acústico en 2015), logra en este álbum arrojar una panorámica de la amplitud, diversidad y fascinación en torno al arte gitano desde una mirada contemporánea. Un trabajo realizado “con músicos jóvenes gitanos al 100%”, como asegura la propia Cathy Claret en sus redes sociales.

Grabado entre los barrios de La Mina y San Roque en Barcelona y editado por su sello japonés Respect Record, ‘Así soy yo’ lleva hacia otras dimensiones el concepto de “flamenco fusión” o “nuevo flamenco” que tanto han ensanchado durante la última década otras mujeres poderosas de puro talento como Soleá Morente, Rocío Márquez (y, por qué no, la misma Rosalía); picoteando entre la electrónica, el cante jondo y ese espíritu pop que siempre ha acompañado a la obra de Cathy Claret, un relámpago inimitable que sigue sonando más moderna que muchxs que no cumplen los 20.

José Fajardo.

iLe - Nacarile (Sony Music, 2022)

Mon, 14 Nov 2022 09:40:40 +0100

“Nacarile del Oriente”, se dijo a sí misma Ileana Mercedes Cabra cuando se vio atrapada, como el resto del planeta, en un océano de incertidumbre arrastrada por la pandemia y las crisis que nos han golpeado desde entonces. Nacarile del Oriente (una expresión coloquial boricua que viene a decir algo así como “de ninguna de las maneras”) a quedarse parada, a resignarse o a perder la ilusión. Y así, este álbum retumba como el grito poderoso de una artista que jamás se ha dejado arrastrar por las mareas de las mayorías.

Desde su época seminal en Calle 13 junto a sus hermanos ‘Visitante’ (Eduardo Cabra) y ‘Residente’ (René Pérez) hasta su carrera en solitario a partir del prometedor debut ‘iLevitable’, la puertorriqueña de 33 años ha ido navegando guiada por la bandera libertaria de los piratas, sin atender las leyes escritas, conquistando islas como las del hip hop, el bolero, los ritmos afro del Caribe o la tradición de Puerto Rico, siempre con las raíces sonoras de América Latina como único faro.

En ‘Nacarile’ ese universo se expande a través de una muy selecta lista de invitados que la llevan a explorar otros universos sin perder el alma de su voz: del reggaetón de combate feminista con Ivy Queen (‘Algo bonito’) a la electrónica experimental de Rodrigo Cuevas (‘Cuando te miro’), el mariachi contemporáneo de Flor de Toloache (‘A la deriva’), el rap con Trueno (‘Ningún lugar’) o la canción de autora-folk con espíritu pop de Natalia Lafourcade y Mon Laferte. Las suyas son aguas que merece la pena probar.

José Fajardo

Che Sudaka - 20 Años (Cavernícola Records, 2022)

Wed, 16 Nov 2022 15:38:03 +0100

Parece que fue en otra era cuando surgió Che Sudaka en aquella Barcelona multicultural del cambio de siglo, donde la música que traía consigo la migración desde Latinoamérica (en su caso, Colombia y Argentina) se mezclaba sin prejuicios con otras influencias sonoras en los barrios de la ciudad todavía sin gentrificar. En aquel circuito que acabaría trascendiendo Barcelona, y por donde también pasaron Manu Chao, Amparanoia, La Troba Kung-Fú, La Kinky Beat, Ojos de Brujo o Sargento García, Che Sudaka se destacó con su propuesta de “punk reggae party”, una original mezcla donde, en realidad, cabía de todo.

Ese espíritu festivo y contestatario es el que reivindican en este álbum que sabe a celebración, no sólo por haber llegado a los 20 años como banda, sino porque su música, lejos de envejecer, sigue inspirando y marcando el paso de una nueva generación de artistas que van desde Tremenda Jauría a Maluks, La Fúmiga o Machete En Boca.

‘20 Años’ funciona como un escaparate de la increíble diversidad que suena desde el altavoz de Che Sudaka, tanto a nivel sonoro (cumbias aceleradas, ska moderno, punk bailongo, reggae de combate) como de alianzas, logrando un listado de colaboradores desde casi cualquier rincón de Latinoamérica y Europa: Dubioza Kolektiv (Bosnia), La Pegatina (España), Locomondo (Grecia), Mal Élevé (Alemania), Marta Gómez (Colombia), Los Rabanes (Panamá), Desorden Público (Venezuela), Barrio Calavera (Perú), Doctor Krápula (Colombia), Las Manos de Filippi (Argentina)…

José Fajardo

Chancha Via Circuito - La Estrella (Wonderwheel Recordings, 2022)

Mon, 21 Nov 2022 12:00:50 +0100

Cuando Chancha Via Circuito comenzó a mezclar ¡hace más de 15 años! ritmos electrónicos con los sonidos tradicionales que atraviesan Latinoamérica, este productor argentino debía sentirse como un cosmonauta explorando un universo desconocido. Aquel circuito en torno a la cumbia digital donde también destacan artistas como King Coya, El Búho o Mateo Kingman ya resuena por todo el planeta. Sin embargo, la figura de Pedro Canale (el hombre detrás de Chancha) sigue siendo hoy tan reverenciada como misteriosa.

A esa fama de figura impenetrable que habita sus propias coordenadas ha contribuido su obsesión por escapar de las tendencias comerciales e investigar desde una mirada antropológica los sonidos de las selvas y paisajes latinoamericanos y de la riquísima herencia de las tradiciones ancestrales en la región. Un trabajo de campo y de observación, casi de científico que mezcla sustancias en busca de un hallazgo inédito, o mejor, el de un chamán y su ritual mágico.

Así es como ha llegado a este álbum, una pieza más en una discografía fascinante que recorre, a través de una larga lista de invitados, los sonidos tan fascinantes que ahora mismo se están haciendo en Latinoamérica, con las mujeres marcando el paso: desde la deconstrucción del pop alternativo que practican Fémina o Las Áñez, hasta la electrónica experimental y reivindicativa de Lido Pimienta, el tropicalismo caníbal de Meridian Brothers o las percusiones y ritmos trance de sus colaboradores habituales Manu Ranks y Federico Estévez.

Run The Jewels - RTJ CU4TRO (Jewel Runners LLC, 2022)

Thu, 24 Nov 2022 11:09:51 +0100

Run The Jewels siempre ha gozado de una visionaria mirada, siendo capaz de anticiparse a las tendencias que surgen de los movimientos populares, a la vez que de un gusto exquisito a la hora de encontrar aliados. El súper grupo de hip hop formado hace una década por el productor de Brooklyn El-P y el MC de Atlanta Killer Mike ha colaborado con artistas de genio tan brillante y dispar como Kamashi Washington, Geoff Barrow, Danny Brown, Danger Mouse, DJ Shadow, Lorde… Dicho todo esto, ¿qué hay detrás de su repentino giro de perspectiva hacia Latinoamérica?

En efecto, este álbum funciona como el reverso latinoamericano y con acento español de su aclamado disco ‘RTJ4’, que se convirtió en 2020 en un símbolo de las luchas sociales en su país contra la violencia policial y el racismo. Con su habitual sentido del humor y desternillante chorreo de creatividad, el dúo refleja en estas canciones la exuberante diversidad de la música que se está haciendo ahora mismo en Latinoamérica, la región que goza desde hace una década de una explosión sonora sin precedentes, y lo hace además sin perder su propio sabor.

Desde el sonidero agita pistas de Mexican Institute of Sound a la cumbia digital de Bomba Estéreo, de la electrónica experimental cargada de rabia social de Lido Pimienta al desparpajo rítmico del productor hondureño con sede en Los Ángeles Trooko, las marimbas punk de Son Rompe Pera, la elegancia desde Brasil de Baco Exo do Blues, las rimas contundentes con sabor a México de Santa Fe Klan, la sazón venezolana de Akapellah o la escena cubana del hip hop alternativo vía El Individuo. Una invitación a la unión de diversas culturas gracias a la música y a la lucha social a través de la celebración de lo que nos hace diferentes y, sin embargo, nos une.

Víctor Morles - Mano en la cabeza (Autoeditado, 2022)

Tue, 29 Nov 2022 09:12:48 +0100

Detrás de la crisis social que se alarga ya por demasiado tiempo en Venezuela, hay otra tragedia que llevará décadas solucionar: apenas llegan noticias de su increíble escena musical, gran parte de sus artistas tuvieron que emigrar o bien sobreviven sin apenas capacidad de dar a conocer fuera de sus fronteras su trabajo. Por eso es tan valioso que existan obras como ‘Mano en la cabeza’, el tercer disco del inquieto músico y compositor Víctor Morles.

Quizá la mejor forma de describir su figura sea a través de su labor de investigador de los ritmos de raíz en su país, desde el joropo hasta las percusiones de origen afro. En una completísima entrevista de Mercedes Sanz en la Revista Ladosis, Víctor Morles cita formaciones y compositores como 1, 2, 3 y Fuera!, Un Solo Pueblo, Serenata Guayanesa, El Cuarteto, Ensamble Gurrufío, Pablo Camacaro y Luis Laguna entre las ventanas por las que se asoma a la música tradicional de Venezuela.

En este álbum se concentra en la exuberante riqueza de la música afrovenezolana desde su prisma personal, con el piano como eje central de la estructura de las canciones. A partir de ahí, y junto a su banda Venezolano Sound y colaboradores como Betsayda Machado, La Jefa, Corina Lawrence y Winston Farrel, se sumerge en el frenético ritmo de los tambores negros junto a su mirada periférica (de la salsa brava al reggae o el funk) para firmar temas redondos como el que pone título al disco.

Goyo - En Letra de Otro (Sony Music, 2022)

Thu, 01 Dec 2022 09:26:19 +0100

Una revolución sacude la música de Colombia desde hace al menos una década y en ese movimiento diverso, inspirador y de increíble riqueza marcan el paso las voces de las mujeres, desde Lido Pimienta hasta Li Saumet, Kali Uchis y Elsa y Elmar. Por eso no es extraño que Goyo, cantante de una de las formaciones más influyentes entre los nuevos sonidos colombianos, apueste por una carrera en solitario que se adivina fructífera.

‘En la letra de otro’, su debut, no significa el fin de ChocQuibTown, quienes recientemente han respondido a los rumores sobre su separación tras más de 15 años de carrera con temas nuevos como ‘Bitcoin’ y ‘Los del Vacile’, pero sí abre una nueva etapa en la que Goyo muestra otras facetas de su música. Su estilo es versátil y poderoso, se mueve con soltura entre la última Mala Rodríguez (rapeados duros que juegan con ritmos de baile) y la herencia de su tierra, el Pacífico colombiano.

A todo eso la artista suma una pegada pop que siempre destacó en ChocQuibTown: su capacidad para construir himnos masivos y coreables, gracias a los cuales saltaron desde su Chocó natal (uno de los departamentos más hermosos y, al mismo tiempo, olvidados y desiguales de Colombia) al éxito en el Petronio Álvarez (la gran fiesta de la música afro en el país, que se celebra cada año en Cali) y de ahí al impacto internacional. Está por ver si Goyo logrará por sí misma una progresión tan fulgurante, por el momento este disco es más que prometedor.

from - Insecto (El Volcán Música, 2022)

Mon, 05 Dec 2022 09:04:34 +0100

A la primera escucha la música de from podría ser comparada con un murmullo melódico que se evapora entre capas de melodías que recuerdan a The Horrors en modo lo-fi, unos Joy Division ralentizados o la Bauhaus en su negrura más profunda. Y, sin embargo, ese murmullo pronto será relámpago. Fernando Romero (el misterioso artista de esta propuesta que apenas tiene un par de años de vida) está llamado a ser uno de los grandes cronistas del pop para la Generación Z.

¿Cómo describir una propuesta tan personal? Post-punk de dormitorio con letras nihilistas y corta venas, por ejemplo. Su música entronca con dos tendencias sonoras que han regresado en los últimos años: los novísimos románticos (Depresión Sonora, El Último Vecino, Somos La Herencia, La Plata…) y el bedroom pop (rebe, Rusowsky, Mori…).

Entre la oscuridad (sonora y lírica) y los ritmos sutiles y plagados de detalles, con un pie en la psicodelia (incluso en el free-jazz) y otro en el pop redondo y atemporal (tremenda la habilidad de from para crear artefactos pegadizos como ‘Cada momento que te vi’), ‘Insecto’ crece con el paso del tiempo hasta convertirse en una obra inmensa y poderosa, que ya no te abandona.

Julieta Venegas - Tu historia (Lolein Music/Altafonte, 2022)

Mon, 12 Dec 2022 09:23:33 +0100

“No dejes que nunca se olvide el pasado, nunca lo ignores / Lleva contigo eso que fuiste y abrázalo bien / No dejes que nunca se olvide tu historia, vuelve a contarla / Desde el primer día hasta el final es parte de ti”, dice Julieta Venegas en la canción que da título a su nuevo disco ‘Tu historia’. Y ahí está la clave de este trabajo donde la artista mexicana, una de las grandes voces del pop en español de los últimos 25 años, mira hacia atrás con honestidad para seguir escribiendo una historia con mucho futuro por delante.

Entre el pop reposado e intimista y acertados arranques bailongos con electrónica se mueve en lo sonoro este álbum. La mexicana demuestra una gran versatilidad desde su sensibilidad hacia las nuevas tendencias como ya venía anunciando a través de colaboraciones recientes junto a Bad Bunny y Tainy, Sen Senra, Dom La Nena o Le Parody. Una apertura de oídos que confirmaba en una entrevista en Remezcla al reivindicar a artistas jóvenes del trap en Argentina como Ca7triel, Paco Amoroso y Lara91k.

La autora de clásicos inmortales como ‘Limón y Sal’ o ‘Me Voy’ explora aquí la complejidad de las relaciones, lanza reflexiones vitales y deja un poderoso alegato contra el horror que viven en su país (y por desgracia en tantos otros, casi a las puertas de 2023) las mujeres por el simple hecho de serlo: “Me quiero quedar aquí bailando / Pero no puedo no, no, no puedo / Porque tengo miedo de salir / A caminar sola por ahí”, canta con todo el desgarro en ‘Caminar sola’.

Con este disco Julieta Venegas suena tan contemporánea como artistas de generaciones posteriores como Ximena Sariñana o Zahara: su receta es el pop con letras directas y pulidas junto a melodías redondas. No hace falta nada más (ni nada menos).

Natalia Lafourcade - De todas las flores (Cultura y Entretenimientos/Sony Music, 2022)

Fri, 16 Dec 2022 08:42:24 +0100

“A este mundo vine solita / Solita me voy a morir / A este mundo vine solita / Me aferro a la vida antes de morir”, dice Natalia Lafourcade en ‘Vine solita’, una canción que captura bien el poso de este álbum fruto de algunas inclemencias personales (una ruptura amorosa) y globales (la pandemia). Refugiada en la música, su particular castillo de invierno desde el que preparar su regreso a la vida (es su primer disco con canciones propias en varios años), la artista mexicana alcanza una profundidad tan radical que casi da vértigo asomarse.

No es éste un trabajo que transmita tristeza, más bien al contrario: si acaso, cierta melancolía al son de boleros, rumba, son jarocho y bossa nova, a través de la cual construye otros futuros posibles. Su autora, gran conocedora del folclore latinoamericano y de su país, a los que ha dedicado algunos de sus anteriores trabajos, se desnuda aquí a nivel personal y sonoro para mostrar sin aditivos su particular diario íntimo y universo de referencias.

‘De todas las flores’ es un trabajo especial que abre un nuevo ciclo en una carrera de la que se cumplen 20 años (en 2002 salió su debut homónimo). Tras su presentación en el Carnegie Hall de Nueva York junto a David Byrne, Omara Portuondo y Jorge Drexler, la obra ha ido creciendo hasta convertirse en un podcast donde conversa sobre las canciones junto a invitados como Adán Jodorowsky, el coproductor del disco. En 2023 emprenderá una gira que se adivina emotiva e imperdible.

DannyLux - Perdido en ti (Warner Music Latina / VPS Music, 2022)

Mon, 19 Dec 2022 09:03:44 +0100

Fue hacia 2019 cuando empezó a hablarse de los “corridos tumbados” como un singular universo en la frontera entre México y Estados Unidos donde artistas de la Generación Z comenzaban a recuperar la tradición regional (y la estética de las rancherías) mezclándola con el universo del hip hop. Entre 2020 y 2021 el fenómeno se hizo global, con Natanael Cano, Junior H y Eslabón Armado, entre otros, ya convertidos en estrellas. En 2022 ya se puede hablar de un género consolidado en la industria, con varios referentes y una inagotable cantera. Con apenas 18 años, DannyLux aspira a colarse entre los primeros.

Nacido en Palm Springs (California, donde se celebra el festival Coachella) de padres mexicanos, se dio a conocer en TikTok pero han sido sus colaboraciones con Eslabón Armado (‘Jugaste y sufrí’ o ‘Si supieras’ suman varios cientos de millones de reproducciones en Spotify) las que le han permitido llamar la atención de los focos. Su capacidad para firmar temas redondos le ha llevado a firmar por Warner Latina, colaborar con Cuco y ser telonero de Coldplay.

Con su propuesta nostálgica cargada de emotividad y sus melodías acústicas pegadizas se ha convertido en uno de los principales nombres del ‘sad sierreño’, uno de los sonidos con más expansión entre la juventud. Tras su debut de 2021 ‘Las dos caras del amor’, con su nuevo álbum ‘Perdido en ti’ demuestra que su talento es especial, postulándose como uno de los elegidos que guiarán el camino dentro del circuito

Villano Antillano - La Sustancia X (La Buena Fortuna Music / Sony Music Latin, 2022)

Tue, 20 Dec 2022 15:06:56 +0100

“Yo no soy artista, yo soy un movimiento”, dice Villano Antillano en el tema con el que arranca el disco, ‘Precaución, esta canción es un hechizo’, toda una declaración de intenciones. Y es que la artista de Puerto Rico se ha convertido en bandera de un universo que trasciende la música, el de las minorías invisibilizadas desde el colectivo LGTBIQ+. Y lo ha logrado, además, destrozando estereotipos y arrancando a mordiscos los barrotes de esas jaulas invisibles que durante demasiado tiempo han impuesto los que aún se aferran a una realidad por suerte ya lejana donde no había espacio para la diversidad.

Lo que hace singular su proyecto no es sólo desde dónde viene -el circuito sobrado de testosterona del trap latino boricua- sino las herramientas que usa para alzar su voz. Su música no es tanto sobre celebración como de confrontación y disputa; su hedonismo es, si acaso, el de Arca siempre desde lo experimental y radical. A Villano Antillano le da grima lo convencional, pervierte las ideas preconcebidas que se esperan de ella, y es capaz de sorprender con un rap agresivo, ingenioso y despiadadamente provocador.

Más que al reggaetón le tira al drill, ese sonido de la juventud que se sabe sin futuro, cortante y violento como una ráfaga de ametralladora. Su envoltura es la oscuridad y la violencia, las atmósferas que ella ha habitado desde la marginalidad para irrumpir en la efervescente escena de la música urbana en español, que desde hace al menos cinco años es el sonido global de moda.

Llevando un paso de gigante más allá la demolición de las viejas ideas emprendidas desde el corazón mismo del sistema por iconos de este nuevo pop como Bad Bunny, con un instinto voraz para crear canciones memorables y pegadizas, Villano Antillano es la pesadilla de algunos retrógrados que aún pululan por la industria cultural y, al mismo tiempo, encarna la esperanza de muchos más.

José Fajardo

La Perla - Callejera (Mambo Negro Records, 2022)

Mon, 09 Jan 2023 08:55:24 +0100

Siempre voy a recordar la primera vez que vi a Diana Sanmiguel sobre un escenario. Actuaba junto a La BOA (Bogotá Orquesta Afrobeat, otro de sus proyectos) allá por 2016 o 2017, en una de esas salas tan maravillosas por el barrio de Chapinero en Bogotá donde todas las semanas hay algún concierto interesante. El impacto fue tremendo: esa voz tan poderosa y sus bailes como si dentro suyo ardiera el fuego de la cumbia. Un poco más tarde logré escuchar a La Perla en directo en Matik Matik y la forma en que interpretó ‘Bruja’ fue el chispazo que incendió algo dentro de mí que arde desde entonces.

Cuántas ganas tenía de escuchar su debut en largo junto a Karen Forero y Giovanna Mogollón, sus compañeras en La Perla, que al fin llegó en 2022 tras el EP ‘Paren la bulla’ de 2017. Esa espera valió la pena: en estas canciones está la respuesta a por qué Bogotá lleva unos años siendo la capital mundial de la música. Ritmos que no se escuchan en ningún otro lugar del mundo, mezclas fascinantes entre el hip hop y el bullerengue y otros muchos otros sonidos… todo ello resultado de una ciudad que acoge a artistas de todas las regiones del que es uno de los países más diversos del mundo y donde la música es quizá la única religión en la que todos creen.

‘Callejera’ es todo lo que representa La Perla: la revisión de la tradición musical del Caribe colombiano desde una óptica contemporánea que no tiene miedo a mezclar esos sonidos inmortales con ritmos modernos; la mirada abierta al talento que las rodea y el abrazo generoso siempre dispuesto a compartir (colaboran Delfina Dib, Briela Ojeda, La Dame Blanche y Frente Cumbiero, entre otros) y, al fin, una posición crítica con la realidad y reivindicativa con las causas en las que creen, desde el medio ambiente y la igualdad a los derechos de los indígenas y los campesinos, siempre desde una óptica alejada de clichés y poderosamente hedonista.

José Fajardo.

Yahritza y Su Esencia - Obsessed (Deluxe) (Lumbre Music / Columbia Records, 2022)

Fri, 13 Jan 2023 09:04:04 +0100

Como un goteo constante cuya acumulación será imposible de detener, cada vez hay más mujeres referentes en géneros musicales no hace tanto saturados de testosterona. Yahritza Martínez apenas tiene 15 años pero ya es bandera en un universo, el de los corridos tumbados y el sad sierreño, donde hasta el momento las grandes estrellas eran ellos.

Con su portentosa voz, su despampanante capacidad para escribir canciones profundas de amor y desamor y su olfato para las melodías, esta artista junto a sus dos hermanos Armando (24 años) y Jairo (17) se han convertido en uno de los proyectos más prometedores dentro del pujante mercado de la música regional mexicana, con un ojo puesto en propuestas contemporáneas como Ed Maverick mientras con el otro apuntan a iconos como ‘El Rey del Corrido’ Chalino Sánchez.

Yahritza y Su Esencia, con sede en el valle de Yakima del estado de Washington (EEUU) pero con sangre de Michoacán (México), habla con sus canciones sencillas y pegadizas a una generación joven que se ha enganchado a la tradición de los corridos desde una óptica contemporánea. Su alcance, tras lograr cifras bastante espectaculares en Billboard y ser entrevistados en medios como Los Angeles Times, es tan prometedor y dulce como el sabor que deja este trabajo.

José Fajardo.

Tomasito - Agustisimísimo (El Volcán Música, 2023)

Mon, 16 Jan 2023 08:50:25 +0100

Conocí a Tomasito por la época de ‘Azalvajao’ (2013), cuando descubrí en las oficinas de El Volcán Música (el hogar ideal para este genial anacoreta) a un artista al margen de cualquier convención que simboliza en pleno siglo XXI el arquetipo del buen salvaje. Así sigue una década después, ‘agustisimísimo’ con su modo de vida, celebrando ir con los amigos de ronda a las freidurías, dándole a la guitarra y echándose unos cantecitos como diría su amigo Kiko Veneno mientras ensalza la vida del barrio. De todo eso habla su nuevo disco, otra feliz locura de este loco tan cuerdo.
Apenas hay bailaores que canten bien, y viceversa. Pero él lo hace con desparpajo y genialidad, mezclando a Frank Zappa con Extremoduro, a Las Grecas con Albert Pla, a Peret con el ToteKing, en una suerte de arrabalera mezcla de pop ‘aflamencao’, rock ‘bluesero’ y rumba cuasi rapeada. Canciones como ‘De Jerez a Plutón’, ‘La Makinita’, ‘La Zalamera’, ‘Mentira es’ o ‘Los muertos vivientes’ son un oasis de sentido común, humor libérrimo y alegría de vivir para estos tiempos tan confusos.

“¿De qué viviré?”, se pregunta Tomasito con sorna en ‘Profesiones relevantes’. Y él mismo se contesta con alborozo y clarividencia: “Pastor de nubes, conductor de dragones, confidente de las flores, contador de las estrellas, observador de los vientos, cuidador de los buenos momentos…”. Un álbum para escuchar entre el jaleo de los bares, con los colegas en las plazas, pateando las calles al caer la noche y en cualquier lugar donde sea bienvenido un poco de buen rollo.

José Fajardo.

Batida - Neon Colonialismo (Crammed Discs, 2022)

Thu, 19 Jan 2023 15:31:35 +0100

Uno de mis propósitos para 2023 es huir de la dictadura de la inmediatez que nos obliga, a quienes trabajamos en torno a la cultura contemporánea, a consumir con voracidad los nuevos lanzamientos. Un mecanismo demencial sin freno enemigo de la pasión y el disfrute. 2022 fue un año de una cosecha tan generosa y de calidad entre los nuevos discos de Iberoamérica, que vale la pena recuperar algunas de las grabaciones que no pudimos comentar por aquí. ‘Neon Colonialismo’ de Batida es, sin duda, una de ellas.

En esa fascinante escena de Lisboa que conecta las nuevas tendencias de la música electrónica en las grandes ciudades de Europa con los ritmos de la diáspora africana (en el caso de la capital portuguesa, en especial desde Angola y Cabo Verde, además de la conexión con Brasil al otro lado del Atlántico), el nombre del productor y artista multidisciplinar (su propuesta engloba música, baile, radio y artes visuales) Pedro Coquenão aka Batida juega un papel esencial desde que publicó sus primeros trabajos hace más de una década.

Admirado por Gilles Peterson, su presencia en mercados y ferias como Womex y Eurosonic, junto al impacto de grabaciones como su colaboración con Konono Nº1 de 2016 o el proyecto IKOQWE de 2021 le han convertido en una figura de culto, un creador fascinante que dialoga con las heridas del colonialismo y teje puentes a través de la cultura, todo ello con un cóctel donde no faltan el sentido del humor y un ritmo despiadado y contagioso, imposible de no bailar.

José Fajardo.

Lennis Rodriguez - Metamorfa (Altafonte, 2022)

Fri, 20 Jan 2023 11:53:59 +0100

Cuantísimo tiempo perdido hablando de lo de Shakira. Si el interés iba por el tema del despecho, ya hay una canción nueva (y que además salió un poquito antes) que aborda el tema con más contundencia, ritmo y flow. “Que te vaya bien, que te vaya bonito, por mi parte yo sé que perdí mi tiempo”, dice Lennis Rodríguez con toda la chulería del mundo en ‘Infierno’, dupla estelar de este EP junto a ‘Infeliz’, donde va marcando distancias: “No te pido nada yo no quiero na' contigo / Pago lo que quieras solo déjame salir / Llevo tanto tiempo queriendo tener motivos”.

Pero no hace falta comparar a Lennis Rodríguez con Shakira para destacar el poderío de ‘Metamorfa’, apenas cinco temas donde muestra una versión ampliada de sí misma, como si hubiera ido acumulando los éxitos anteriores de su breve carrera (el punch pegadizo de ‘Te sale’, el ritmo bailongo de ‘Cucu’ o el alcance masivo del remix de ‘Diablita’) para pulir un artefacto infalible para las pistas de baile.

Un trabajo en el que esta artista dominicana-española del 94 que ha crecido en Segovia rinde homenaje a sus raíces: entre el dembow, la bachata, el moombathon, el reggaetón y otros ritmos tropicales cruzados con electrónica Lennis Rodríguez se postula como la representante de una nueva música de baile que arrasa entre la juventud española, orgullosa de su conexión con Latinoamérica.

José Fajardo.

ÀVUÀ - Percorrer em Nós (Dorsal Musik, 2022)

Fri, 27 Jan 2023 10:01:11 +0100

Seguimos recuperando joyas en las que no pudimos detenernos durante el vertiginoso 2022 que se nos fue como una exhalación. Tras nuestras paradas en el sad sierreño de Yahritza y Su Esencia, la fusión de electrónica y ritmos de la diáspora africana a cargo de Batida y el dembow rompe pistas de Lennis Rodríguez, ahora viajamos hasta Brasil, ese universo inabarcable que no deja de entregarnos propuestas que nos vuelan la cabeza.

ÀVUÀ es la demostración de que dos proyectos que, en principio, no tienen nada que ver, juntos pueden funcionar creando algo especial más poderoso que por sí mismos. Bruna Black conectó con la música desde muy joven, experimentando a través de la pedagogía con instrumentos reciclados de percusión, es una apasionada del góspel y conocedora de la obra de clásicos como Itamar Assumpção y Elis Regina; por su parte, Jota.pê llamó gratamente la atención en 2015 con su debut ‘Crônicas de Um Sonhador’ donde mostraba su conocimiento de la obra de Jorge Ben, Caetano Veloso y Chico Science.

Con su single ‘Conte Comigo’ de 2019 descubrieron que bajo el paraguas de ÀVUÀ podían alcanzar galaxias infinitas con su exquisita y elegante mezcla de r&b moderno, tropicalismo para las nuevas generaciones y un soul sofisticado a la brasileña. Para comprobar su tremenda conexión basta con escuchar su álbum de debut, publicado en septiembre de 2022, o dejarse atrapar por la grabación que hicieron para la serie ‘COLORS’.

Isabella Lovestory - Amor Hardcore (Autoeditado, 2022)

Mon, 30 Jan 2023 09:10:04 +0100

Más discos ocultos de 2022 que recuperamos ahora para nuestros Mor-discos. Nos vamos a Montreal vía Tegucigalpa con Isabella Lovestory, la voz que está ensanchando el reggaetón triturándolo sin piedad con pop hiperbólico y electrónica sucia. Cruce imposible entre Britney Spears y Arca, Isabella Rodríguez nació en Honduras, cuando era adolescente se mudó a Virginia (EEUU) y de ahí saltó a Canadá. Su música es el resultado de todos esos choques culturales.

‘Amor Hardcore’ es su esperadísimo debut tras un puñado de EP en los últimos tres años que ya anticipaban una obra que se mueve en ese mismo terreno acuoso y digital, tan experimental como hedonista, perturbador y contagioso que artistas contemporáneos de culto como Kamixlo o Shygirl. La lista de colaboraciones del álbum van del neo-perreo de Ms Nina al hip hop gansta de Chucky73 o al reggaetón arty y sexualizado de Meth Math, OH!DULCEARI y Six Sex.

Si hubiera grabado su música en los 90 Isabella Lovestory sería carne de cañón de MTV y las portadas del Súper Pop, pero en estos 2023 donde ya no existen los géneros y las etiquetas quedaron hechas añicos, esta artista hondureña simboliza como nadie el zeitgeist de la creación actual más excitante: diversa, desprejuiciada, profundamente disfrutona y desde los márgenes.

José Fajardo.

Daniela Lalita - Trececerotres (Young, 2022)

Fri, 03 Feb 2023 09:25:38 +0100

Hoy podemos asomarnos a los recovecos más íntimos de un artista con un solo clic. Plataformas como Spotify acogen listas interminables de las obras que les inspiran. En el caso de Daniela Lalita ofrecen puertas para adentrarse en un universo repleto de códigos e infinitas capas de significado. Nombres pop como Madonna y Rosalía conviven con iconos de la canción latinoamericana (Susana Baca, Mercedes Sosa, Willie Colón), compositores de clásica (Stravinski) o artistas experimentales (John Cage, Björk). Su música indescriptible es la colisión de todas esas influencias sin aparente sentido.

Para comprender de donde viene una música tan especial y arriesgada, cercana a propuestas desde el arte sonoro como las de Lucrecia Dalt, hay que escarbar en su biografía. ‘Trececerotres’ hace referencia al número del apartamento en Lima donde creció junto a su abuela y su madre, quienes a su vez crecieron en la exuberante vegetación de las selvas de Perú. Hay un sentido colectivo, casi de ceremonia mística, en estas canciones cargadas de aura espiritual y un latir de otro universo.

Estudiosa de la música desde la tecnología, inspirada por los cánticos de otras culturas y los ritos sagrados, Daniela Lalita se ha convertido con su primer EP en una de las artistas más originales del arte contemporáneo. Su propuesta conjuga lo visual y lo sonoro en un artefacto con alma pop como la de ‘Tenía razón’, que produce Sega Bodega. Música con alma y mucho talento.

José Fajardo.

La Dani - XIAOMI (Subterfuge Records, 2023)

Mon, 06 Feb 2023 10:29:30 +0100

Qué es lo que nos hace especiales. Tras la respuesta a esa pregunta discurre la historia del arte. Difícil predecir por qué unas pocas cosas suenan únicas. Es el caso de La Dani. Apenas un puñado de temas y ya se ha colado en el imaginario de quienes ha tenido la suerte de escuchar ‘Mi cama huele a ti’, ‘Chance’ o ‘Rockstar’. ¿A qué suena su música? Pop de ramalazo folclórico, bases de electrónica, poesía costumbrista… qué más dará cuando funciona tan bien.

“Es una artista no binaria malagueña que se mueve entre el reggaetón, el flamenco, la electrónica y el r’n’b”, dicen desde su sello Subterfuge donde citan referencias que van de Mónica Naranjo a Don Omar y de ahí a Lola Flores, Rihanna y Kali Uchis. A las que añadimos al C. Tangana más gamberro y chulo, la genialidad de Lapili, el talento callejero de Dellafuente o el olfato pop desde el barrio de Omar Montes y Bad Gyal.

El éxito de ‘XIAOMI’ (una reivindicación de quienes están al margen de las tendencias supuestamente guays, grito de autenticidad a flor de piel con un punto surrealista y provocador), más allá del sonido de esas producciones modernas, es el carisma inimitable de La Dani, aspirante desde ya a nueva estrella de un pop diferente que huye de los nocivos delirios competitivos de la rueda capitalista.

José Fajardo

Núria Graham - Cyclamen (Primavera Labels / Universal Music, 2023)

Fri, 10 Feb 2023 11:58:17 +0100

Es el signo de los tiempos grabar álbumes que funcionan como una panorámica de todo lo que un artista es capaz de albergar. En una época en la que las etiquetas al fin se han destrozado, algunos de los discos contemporáneos más excitantes saltan con soltura de lo que antes entendíamos como pop a la electrónica, del folk al garage y así hasta trazar una panorámica del arcoíris sonoro. Es lo que propone Núria Graham en su nueva obra, donde visita innumerables paisajes rítmicos logrando a la vez que todo mantenga el mismo discurso y clima.

La artista catalana-irlandesa propone una travesía que conecta ciertas sensaciones mediterráneas (el paisaje, la naturaleza, la calidez, un colorido particular) con el folk de influencia anglosajona y múltiples recovecos que van del indie-rock alternativo a la tradición de contadora de historias. Hay un poso de universos de fantasía y cuentos mágicos en estas canciones, casi de cuento infantil para adultos: pienso en la maravillosa serie de novelas gráficas ‘Fábulas’, de Bill Willingham y Marck Buckingham, y lo bien que le iría esta banda sonora.

Con su quinto álbum, este ‘Cyclamen’ de resonancias jazzeras, donde van sonando pianos, guitarras acústicas, contrabajo, fagot, arpa, flauta y saxofón, Núria Graham se reivindica como una autora con un talento especial, ajena a las modas, siempre habitando una música que suena atemporal pero que dialoga con el presente. Su futuro se vislumbra fascinante.

José Fajardo

Adriana Lizcano & Edson Velandia - Panfletos (Cinechicera, 2022)

Mon, 13 Feb 2023 08:40:18 +0100

‘Panfleto’ se refiere, de acuerdo a la RAE, a un “libelo difamatorio”. Al elegir ese título (en plural, pues aquí hay canciones que abordan diversas problemáticas de la política y la realidad social en Colombia), Adriana Lizcano y Edson Velandia quieren remarcar, ya de entrada, el compromiso de su arte con las alegrías y penurias del pueblo (en sentido abstracto) que habitan. Hay también, evidentemente, una ironía juguetona, o más bien todo lo contrario: ‘Panfletos’ desnuda a dos artistas que usan su música como una ventana por la que muestran el mundo tal y como ellxs lo ven.

Lo que hace a este álbum grande es que logra trascender más allá de Colombia temáticas que, en su origen, marcan la idiosincrasia del país: la lucha guerrillera como ¿respuesta? ante la eterna desigualdad y la impunidad de la minoría que observa y agravia desde arriba; la corrupción desvergonzada de unas élites que no sólo se acostumbraron a mandar sino a tomar con avaricia lo que su glotona ambición codicia; la defensa del medio ambiente frente a la sed insaciable de las grandes corporaciones y terratenientes… Y hasta la campaña electoral de 2022, con sus desternillantes juegos de palabras en torno al candidato uribista, el conservador Iván Duque, quien finalmente perdió la carrera presidencial en favor de Gustavo Petro, el primer presidente de izquierdas en la historia de Colombia.

Detrás están dos artistas que desde Piedecuesta, un municipio del departamento de Santander, al noreste de Colombia, agitan una nueva escena, la de la nueva canción de autor protesta, que recorre desde hace unos años América Latina impulsando con brío el torrente de sus venas abiertas. Adriana Lezcano ha dedicado su carrera a la lucha social a través de la música mientras Edson Velandia es uno de los iconos de esta escena subterránea que ha ido creciendo en torno a artistas desde todas las regiones de Colombia (destaca la presencia de mujeres como La Muchacha o Briela Ojeda, ambas del sello In-Correcto) y gracias al ecosistema libertario y de participación comunitaria en torno al Festival de La Tigra.

José Fajardo

Lucas Santtana - O Paraíso (No Format!, 2023)

Fri, 17 Feb 2023 08:39:20 +0100

La nueva música de Brasil ensancha un universo tan exuberante como inabarcable, una galaxia que siempre ha estado ahí pero que por desgracia nos llega a ráfagas dispersas. Si hace poco hablamos en los Mor-discos del dúo ÀVUÀ con su elegante mezcla de r&b moderno, neo tropicalismo y soul sofisticado, y recuperamos en Otras Voces la obra maestra ‘Mil Coisas Invisíveis’ de Tim Bernardes (entre lo mejor de la cosecha de 2022), ahora nos deleitamos con un álbum de un veterano con más de medio siglo de vida y una decena de trabajos en solitario quien, sin embargo, sigue marcando el paso de la música que está por venir.

Lucas Santtana, quien fuera colaborador de los gigantes Gilberto Gil y Caetano Veloso en sus 20, experimentador nato con un olfato especial por las músicas europeas y virtuoso contador de historias a través de sus canciones, nos habla en este nuevo álbum de su concepto de paraíso: una reivindicación del aquí y el ahora, de cuidar el mundo en el que vivimos porque no existe otro tan perfecto. ‘O Paraíso’ parece un libro de Roald Dahl donde te adentras en un universo onírico donde ya no quieres salir.

Con sutiles arreglos electrónicos y un clima de bossa, saltando del portugués al francés (Francia está muy presente en todo este álbum, donde incluye colaboradores como la brasileña afincada en París Flavia Coelho en el juguetón divertimento ‘Muita Pose, Pouca Yoga’, Flore Benguigui de la banda L'Impératrice o el saxofonista Laurent Bardainne) e incluso al español en el último corte ‘Sobre la memoria’, el artista de Salvador de Bahia demuestra que la herencia tropicalista sigue viva y que dialoga a la perfección con la chanson y hasta el folk indie anglosajón. Sin fronteras y eterno.

José Fajardo.

Shego - Suerte, chica (Ernie Records, 2023)

Mon, 20 Feb 2023 09:11:09 +0100

“Las guitarras se han pasado de moda”, dijeron. “El rock suena viejuno”, dijeron. “Los jóvenes sólo quieren escuchar música urbana”, dijeron. Dijeron tantas cosas hace no tanto tiempo los que siempre creen tener la razón, que hoy probablemente dirán otras majaderías. Sin darse cuenta de que hay una nueva generación que marca el paso del nuevo pop en español (pop en sentido de música popular con alcance masivo) y a la que ya no le importan las etiquetas. A la que le gusta Rosalía y Bad Bunny, pero también las Shego.

Y aquí están Maite, Raquel, Charlotte y Aroa revitalizando una vez más desde Madrid el pop guitarrero con su esperadísimo debut ‘Suerte, chica’, un álbum que conecta con la energía juvenil y las noches de desfase, con los dramas intensos de las relaciones cuando un día parece que la vida se acaba y al siguiente todo es jolgorio. Esa música que desde siempre ha capturado el ‘angst’ de la juventud pero también sus tremendas ganas de vivir, ideal para corear entre amigxs o solx en la habitación.

Apenas son ocho canciones pero parecen varios discos por su diversidad sonora: del pop con ramalazo de sol californiano al atardecer (Ty Segall desenchufado vía Vivian Girls) de ‘qué voy a hacer’ junto a Natalia Lacunza al rock distorsionado que arrasó en la primera década de este siglo con bandas (que siguen muy vivas) como Triángulo de Amor Bizarro en ‘LUCKY’ y hasta el rollo after en ‘steak tar tar’ que conecta a El Columpio Asesino con las producciones electrónicas más vanguardistas. ¡Shego manda!

Shego es una de las cinco bandas seleccionadas desde España para el Observatorio Transoceánico de 2023 con México, un proyecto impulsado por la Fundación Gladys Palmera con el apoyo del Ministerio de Cultura español y aliados como Indie Rocks! y Last Tour

Refree - el espacio entre (tak:til-Glitterbeat, 2023)

Thu, 23 Feb 2023 15:15:01 +0100

Es paradójico el caso de Raül Refree: hay pocos productores (más allá de El Guincho) que hayan sido tan determinantes en el devenir de la música en España durante la última década. Desde que salió ‘granada’ (2014) junto a Sílvia Pérez Cruz, el polifacético artista de Barcelona (es compositor, guitarrista, cantante y mucho más) ha ido anticipándose a lo que venía, dibujando esa colisión entre la tradición (desde el flamenco, pero también el fado junto a la portuguesa Lina, o el folclore asturiano con Rodrigo Cuevas) y la música contemporánea que hoy es tendencia.

Paradójico, decíamos, porque mientras iba acercando en sus colaboraciones a un público transversal cada vez más amplio lo que antes sólo degustaban las minorías, en su faceta en solitario ha ido enrocándose cada vez más, como si esa exposición tan bestia que obtuvo con obras como ‘Los Ángeles’ (2017), el seminal debut de Rosalía previo a su conversión en estrella del pop global, necesitara compensarla al grabar solo con su nombre explorando los recovecos más áridos del arte.

Eso es lo que nos encontramos en este trabajo, donde plasma su amor por las bandas sonoras (otra de sus facetas creativas), adaptando la música que hizo para ‘La aldea maldita’, un clásico de culto del cine español mudo de 1939, y ‘Un año, una noche’, un filme de 2022 del respetado cineasta Isaki Lacuesta, además de incluir interpretaciones propias de ‘Lamento della ninfa’, un madrigal del compositor italiano de los siglos XVI y XVII Claudio Monteverdi. Estas canciones son pura experimentación, entre el minimalismo y el arte sonoro; despojadas de imágenes dejan un sabor tan evocador como esquivo.

José Fajardo.

Karol G - Mañana será bonito (Universal Music Latino, 2023)

Fri, 24 Feb 2023 11:32:07 +0100

Las estrellas del nuevo pop global cantan en español, exhiben la bandera de Latinoamérica y encarnan valores para conectar e inspirar a sus fans. Karol G simboliza a la mujer poderosa que a través de su pasión por el reggaetón y su confianza en su arte ha logrado llegar a lo más alto de la industria y lo ha hecho, además, desde el epicentro de esta explosión de ritmos sudorosos: su casa, Medellín. ‘Mañana será bonito’ es su disco del día después: tras lograr llegar a lo más alto, ¿qué queda para ella?

Aquí encontramos a una Karol G que muestra su intimidad como nunca antes, sin problemas en mostrar sus debilidades y proyectar que no siempre hace falta ser una ‘bichota’, pues también hay días en los que apetece salir a la playa en soledad aprovechando que salió el sol mientras “el cora se cura” con la certeza de que “mañana será bonito”. Ésa es la reflexión que lanza en un mundo híper competitivo donde desde diversos planos – el de la realidad, pero también en las redes sociales- hay una exigencia continua de perfección.

La ‘Bichota’ sigue siendo una ‘bichota’, que no cunda el pánico: ahí está mostrándose fuerte y disfrutona junto a su compatriota Shakira, rodeándose de mujeres y apostándole a la rumba frente a las adversidades, con un mensaje de sororidad y hedonismo que la acompaña desde sus inicios. A nivel sonoro el álbum ofrece un picoteo contagioso de todos los ritmos que ahora mismo marcan el paso de la música moderna, del reggaetón al dembow y otros pasajes más reposados. Ya convertida en la-artista-latina con más tirón, ahora aspira a ser número uno, sin necesidad de esa distinción entre géneros.

José Fajardo.

Tito Ramírez - El Prince (El Volcán Música & Discos Antifaz, 2023)

Fri, 03 Mar 2023 08:49:15 +0100

Cuando Discos Antifaz publicó en 2016 el single ‘Be My Girl (Sé mi chica)’ y ‘Lonely Man (El solitario)’, el revuelo entre los coleccionistas apasionados por sonidos como bugaloop, mambo, soul, rhythm & blues y otros de inspiración latina y alma negra fue importante. Detrás se escondía una personalidad esquiva, escondida tras un antifaz y una biografía incierta. Entonces llegó su alianza con El Volcán y su debut ‘The Kink of Mambo’ (2019) junto a actuaciones en espacios de culto como el Purple Weekend de León, el Euroyeyé de Gijón y hasta Le Beat Bespoke en Londres.

Tito Ramírez regresa en 2023 con su esperada continuación en largo, un álbum donde vuelve a sumergirse en las sinuosas y agitadas aguas de los ritmos latinos más sudorosos pero también en la tradición afroamericana y la pasión anglosajona por la electricidad, saltando con soltura del cha cha chá al góspel y de ahí a la psicodelia, del latin soul al garaje y así hasta completar un arco tan amplio que a día de hoy es imposible describir a este artista tan original como (aún hoy) misterioso.

‘El Prince’ es un disco pensado para el disfrute en vivo, “caliente caliente” como diría la gran Raffaella Carrà. Tito Ramírez estará presentando estas canciones en directo durante los meses de marzo (sábado 25 en Madrid), abril (viernes 21 en Barcelona, domingo 23 en Gijón y sábado 29 en Guadalajara), junio (sábado 3 en Tarragona y sábado 24 en Almería) y julio (sábado 29 en Lugo), a falta de más fechas por confirmar. ¡El Prince ha vuelto!

José Fajardo.

Rebecca Black - Let Her Burn (Autoeditado, 2023)

Mon, 06 Mar 2023 09:21:55 +0100

Detrás de la explosión global de la música latina hay vidas que cambian. Es el caso de Rebecca Black, nacida en 1997 en Irvine (California) de madre mexicana, quien reconocía en una entrevista con Remezcla que en Estados Unidos “ser latina para los de su generación no era tan positivo como lo pueda ser ahora”. Son las canciones y los nuevos ídolos del pop los que han cambiado esa percepción en los últimos años. Y artistas como ella quienes empiezan a explorar esas raíces que permanecían ocultas de cara al exterior.

Pese a que éste es su debut en largo, el nombre de Rebecca Black lleva tiempo siendo popular en ciertos círculos de internet, en concreto desde que en 2011 publicó ‘Girlfriend’, un veloz hit de pop adolescente que se hizo viral en YouTube mientras la artista, entonces con sólo 13 años, sufría una campaña de cíber acoso brutal. Tras una década de terapia, su regreso (a este disco le preceden un par de EP) no podía ser más poderoso.

‘Let Her Burn’ es ya un título de culto en escenas hasta hace poco subterráneas y cada vez más masivas entre la Generación Z como el hyperpop, ese pop híper vitaminado y súper producido, metáfora de una sociedad guiada por la tecnología y donde todo sucede muy deprisa. Suena a Charli XCX, enarbola un orgulloso discurso queer y su estética, a medio camino entre Katy Perry y Harley Quinn (‘Escuadrón Suicida’), es la de esas ‘subculture parties’ que agitan las noches en medio planeta. Bravo por Rebecca Black.

José Fajardo.

Kali Uchis - Red Moon in Venus (Geffen Records, 2023)

Thu, 09 Mar 2023 14:39:03 +0100

Mientras Karol G sigue batiendo récords con ‘Mañana será bonito’, convirtiéndose hace unos días en la primera mujer en la historia en llegar al número 1 de Billboard con un álbum íntegro en español, y Shakira confirma semana tras semana su regreso a lo alto de la industria, Kali Uchis se suma a este asalto del nuevo pop global con su tercer disco. Las similitudes entre las tres son llamativas: todas ellas son mujeres que vienen de Colombia (aunque Kali Uchis se crió en Virginia y ha desarrollado su carrera en Los Ángeles) y en sus nuevos trabajos coinciden en hablar sobre el amor.

‘Red Moon in Venus’ es el reverso al hit anti-ex de Shakira junto a Bizarrap: Kali Uchis destierra el rencor y abraza la aceptación, se envuelve en un manto de flow y buen rollo, de actitud molona y un punto de carpe diem para explicar que no hace falta habitar en el pasado y que siempre será mejor apostar por lo que viene y disfrutar. Para ello elige un envoltorio sonoro suave y elegante, de r&b sofisticado y pop con sabor a clásico, repleto de producciones chill que arrullan como la brisa del mar.

2023 ya es el año en el que las mujeres de la música en Colombia han dado el gran salto adelante, una conquista del trono del pop que venía gestándose desde hace casi una década, con la paulatina explosión internacional de sonidos desde Latinoamérica; éste es sólo el primer asalto para Kali Uchis, que en realidad con este disco reafirma la influencia en su visión de la música estadounidense, pero que ya ha advertido que tiene preparado otro álbum más bailable y en español que saldrá este mismo año. Eso sí que puede ser muy bestia.

José Fajardo

Son Rompe Pera - Chimborazo (AYA Records, 2023)

Mon, 13 Mar 2023 09:17:15 +0100

Lucen tatuajes y camisetas negras de Misfits y Ramones. Sueñan pesadillas al ritmo de una cumbia frenética. Su grito de guerra: “¡Cumbia is The New Punk!”. Los hermanos Gama, desde Naucalpan en el Estado de México, son el grito de una nueva música que se abre camino en los últimos años a base de mordiscos rabiosos y ritmos endemoniados, que recupera la tradición para llevarla al futuro, portadores de un sonido maldito, contagioso e irresistible.

‘Chimborazo’ es la esperadísima continuación de su debut ‘Batuco’ (2020) y lanza a Son Rompe Pera a otra nueva dimensión. Donde antes había reinterpretaciones de clásicos del folclore ahora arrojan composiciones originales grabadas en Bogotá desde Mambo Negro Studio, supervisados por Mario Galeano. Para capturar la inmensa diversidad de la cumbia y zambullirse en su esencia, el grupo viajó hasta Colombia donde surgieron poderosas colaboraciones, como las del rapero N. Hardem, las neo cumbieras La Perla, el acordeonista Felipe Orjuela o los icónicos Frente Cumbiero con Galeano al frente.

Son Rompe Pera se suma además a su habitual colaborador, el virtuoso guitarrista Gil Gutiérrez desde Oaxaca, así como a Macha (Chico Trujillo) y Anarkía Tropikal desde Chile. Un singular y talentoso combo junto al que reinventan el punk más furioso y la psicodelia, llevando a la cumbia a terrenos proscritos. Suyo es el fuego con el que arderán las pistas de baile al ritmo del pogo en 2023, con gira incluida por España en verano.

José Fajardo.

Za! – Za! & La TransMegaCobla (Gandula-The Indian Runners, 2023)

Wed, 15 Mar 2023 15:06:57 +0100

Ya habían publicado su debut en 2006 pero fue con ‘Macumba o muerte’ (2009) cuando el rumor se propagó como una plaga bíblica: existía un dúo en Barcelona, aquellos a los que llaman Za!, que hacía una música irreal, fusión esquizofrénica de percusiones africanas, death metal y free jazz extremo, cuyas actuaciones ofrecían una ventana por la que asomarse a lo inaudito, ejercicios de improvisación conducida entre la performance absurda y el arte sonoro. Casi dos décadas después Za! sigue a la vanguardia de la experimentación, con la mirada tan abierta como en aquellos comienzos hoy de culto.

Para su nueva travesura/aventura/obra, tras colaborar en los últimos años con artistas tan dispares como el flamenco libre y genial Perrate, se ha unido a Tarta Relena, una de las propuestas más fascinantes de la nueva música que se hace en España, cuyo estilo ha sido bautizado como “canto gregoriano progresivo”, interesadas en investigar y visibilizar a través de la música la riqueza de las culturas mediterráneas. También se suman cuatro expertos en instrumentos de viento de la Cobla Sant Jordi, una agrupación musical de Barcelona especializada en tradiciones propias como la sardana.

¿El resultado? Un tratado de anarquía musical donde reflexionan sobre un Mediterráneo sin fronteras unido por la cultura. A nivel sonoro recuerda a los momentos más inspirados de Animal Collective, cuando alcanzaban un poder pop que emergía de toda esa marea de extraños sonidos, pero también al Frank Zappa que se desmelena entre rupturas abruptas del ritmo o a Battles en su faceta más vanguardista; en realidad, ésta es una experiencia que no se puede vivir en ningún otro lugar, lo que ofrecen en este álbum sus responsables, estudiando el pasado para proyectarse hacia el futuro, es algo tan novedoso como estimulante.

José Fajardo.

Pernett - Googoléame (Pernett Records, 2023)

Thu, 23 Mar 2023 10:11:08 +0100

Cyber chamán, ideólogo de geniales locuras como la cumbia galáctica o la space champeta, gurú de la psicodelia y el misticismo, Pernett es un visionario que se adelantó a la fusión entre las tradiciones de la música en Latinoamérica y la electrónica de vanguardia. Hace más de 20 años, allá por 2001, el colombiano ya se adelantaba al futuro con ‘Música para pick up’, una obra que hoy sigue sonando actual, pese a que algunos de los productores que en los últimos años se han apuntado a ese sonido para entonces ni siquiera habían nacido.

Desde entonces Humberto Pernett no ha parado de crear, ya sea desde su faceta de cantante y compositor, o como DJ WizKey o como productor, ya fuera en solitario o colaborando con referentes como Nickodemus, Calle 13, Phil Manzanera, Lido Pimienta, Quantic, Ácido Pantera, Dani Boom y Abelardo Carbonó, entre muchos otros. Su nuevo EP condensa todo lo que hace a Pernett tan especial: un sentido del humor único, cargado de vacile caribeño y sátira social, y esas sonoridades tan contagiosas que juegan con la lisergia de los ritos ancestrales mientras se dejan arrullar por el mar Caribe.

Por las cinco canciones de ‘Googoléame’ Pernett salta con soltura entre distintos ritmos, todos propicios para la pista de baile, conectándose con otros artistas con los que comparte complicidad artística y una mirada desprejuiciada e inclusiva, como el caso de Diana Sanmiguel de los grupos La Perla y La BOA. Es un festín breve pero sabroso, que deja con ganas de más. El propio artista nos informa que en mayo de 2023 emprenderá una gira por Europa con parada en España en junio, ¡estaremos atentos!

José Fajardo

Rosalía y Rauw Alejandro - RR (Columbia Records/Sony Music Latin, 2023)

Mon, 27 Mar 2023 08:00:48 +0200

Cuántas artistas quieren parecerse a Rosalía. Pero ella tiene algo que no se puede imitar, ese chorro de voz que se adapta a cualquier registro sin dejar de sonar a sí mismo. Eso, junto a una mirada desprejuiciada hacia la fusión sonora y un olfato innato de hacia dónde va la industria. Cuando el urban llegó al mainstream, y siguiendo la lógica del crecimiento constate del capitalismo, ¿hacia dónde puedes ir en tu siguiente paso? De regreso al pop. Ahí apunta este mini EP junto a Rauw Alejandro, con quien comparte -además de una relación- esa mirada privilegiada sobre la música y su futuro.

Juntos reconfiguran en estas tres canciones el concepto pop, entendido como música de alcance masivo, mezclando como llevan haciendo ambos en sus arrasadoras carreras en solitario producciones experimentales donde cabe desde electrónica de vanguardia a reggaetón arty, de música tradicional en Latinoamérica a hip hop y r&b contemporáneo. Y lo hacen con una jugada -otra más- magistral de marketing, aprovechando el single ‘Beso’ para anunciar ¡a toda la galaxia! que están comprometidos, que la Rosalía y Rauw se nos casan.

Para mantenerse en la cima de la trituradora de héroes en que se ha convertido la música contemporánea, ambos son conscientes de que necesitan seguir conectando con sus audiencias globales, y eso a 2023 no sólo se consigue con tus canciones sino conquistando los corazones y mentes de tus fans, apelando a sus emociones, mostrándoles en vídeos de apariencia fugaz y espontánea eso que todos queremos ver: que los que están ahí arriba no son tan distintos en el fondo a nosotros. ¿O sí?

José Fajardo.

La Vida Bohème - Caribe Caribe (Warner Chappell, 2023)

Thu, 30 Mar 2023 08:25:01 +0200

La Vida Bohème siguen sumando etapas, confirmándose como una de las bandas más influyentes del rock contemporáneo en América Latina. Si ‘La Lucha’ les convirtió en 2017 en la voz de la diáspora venezolana gracias a himnos como ‘Você’, este ‘Caribe Caribe’, donde se alejan de los álbumes conceptuales, más bien es un cofre donde han reunido sus singles de los dos últimos, les presenta como un cruce imposible entre unos The Clash millennials y una suerte de actualización de Coldplay y su música de estadios.

A eso aspira el grupo, al alcance masivo que desde sus inicios han logrado con varios de sus canciones, estirando el concepto de indie-rock hacia la psicodelia, el pop, los ritmos de la tradición latinoamericana o la electrónica. Pero persiste todavía en la formación esa mirada transgresora que hizo inmensos y únicos a The Clash, capaces de coquetear con la vanguardia sin dejar de sonar auténticos, de proponer algo más allá de lo meramente musical.

Alejados de estereotipos y prejuicios, es fácil de rastrear la influencia de su relación con México -ya va para una década que se mudaron allá-, en canciones que resuenan a clásicos de Zoé o, más atrás, de los míticos Caifanes. También hay ecos a Bunbury, ídolo confeso, y a tantos otros artistas que han transitado el camino menos complaciente del rock. Pese al título, una obra no tan caribeña pero sí disfrutable por las audiencias globales pop-rockeras, si es que esa etiqueta todavía hoy tiene sentido.

José Fajardo.

Verde Prato - Adoretua (Plan B – Sony Music, 2023)

Mon, 03 Apr 2023 08:13:21 +0200

Han llamado neo-folk a una escena que se abre paso a borbotones, cada vez más exuberante e irrefrenable, como las raíces de un árbol con la misión de cobijar en su sombra a una galaxia entera. En ese fascinante circuito que en realidad no tiene nombre, como todas las cosas que son genuinas y espontáneas, brilla como un cometa ardiente Verde Prato. Nacida en 1994 en Tolosa, ya impactó con su debut ‘Kondaira Eder Hura’ (2021), rompió esquemas reinterpretando himnos del rock radikal vasco -genial e inaudita su mirada al ‘Zu Atrapatu Arte’ de Kortatu- y ahora regresa con una obra tan hermosa que casi duele.

Resuenan en ‘Adoretua’ ecos a Mikel Laboa en canciones como ‘Ez Zinen’, a esa poesía del folcklore vasco de una belleza irreal impregnada en las raíces talladas en lo más profundo del alma, pero también con conexiones invisibles a esa escena del folk etéreo anglosajón comandada hace unos años por Joanna Newsom, aunque también podríamos decir que es una Maria Arnal en clave lo-fi o su reverso bedroom pop, y hasta compararla con el fuego inspirador que transmitió en sus momentos más inspiradores Reserva Espiritual de Occidente.

Podríamos citar muchas otras propuestas que se acercan en algún detalle a lo que está haciendo Verde Prato pero jamás lograríamos describir su música, un torrente con un sonido único que se desborda por los oídos hasta ir alterando todos los centros del organismo que estimulan los sueños y la creatividad. Con su voz como pilar para derribar fronteras mentales, recogiendo la herencia de los cantos populares de su tierra y con sutiles ingredientes de electrónica minimalista, Ana Arsuaga dibuja con sonidos parajes que todos deberíamos visitar más a menudo.

José Fajardo.

Noia – Gisela (Cascine, 2023)

Mon, 10 Apr 2023 08:02:15 +0200

En la revolución global sin precedentes de la música de Iberoamérica desde Cataluña están surgiendo algunas de las propuestas con más proyección internacional -de Rosalía a Bad Gyal- pero también algunas de las más arriesgadas y vanguardistas. La última es la de Noia, que significa ‘chica’ en catalán y alter ego de Gisela Fullà-Silvestre, barcelonesa afincada en Brooklyn que hasta ahora contaba con un par de prometedores EP y trabajos paralelos como productora y compositora en bandas sonoras.

‘Gisela’ es una carta de presentación fascinante y ambiciosa, con apenas media hora de música Noia advierte de que en los próximos años está llamada a protagonizar episodios muy importantes en la construcción de ese nuevo pop, con alcance comercial y mirada experimental, que su generación está ensanchando hasta límites jamás nunca antes soñados. Una escena que incluye nombres tan recomendables como Sen Senra, Verde Prato o Dora, y que mezcla con soltura r&b, electrónica, pop y todo lo que se pueda imaginar.

Basta su lista de colaboradores para comprobar su excelente buen gusto y por dónde van los tiros, de Ela Minus, colombiana también afincada en Estados Unidos, una de las grandes prodigios de la electrónica moderna; Buscabulla, el dúo de Puerto Rico que lidera la nueva escena alternativa de su país, y Maria Arnal, con quien comparte esa mirada apegada al folclore catalán junto a una visión privilegiada del futuro de la música, una “dualidad” que en Pitchfork presentan como opuesta cuando, en realidad, es la que marca el paso de la nueva música: reivindicar lo propio desde lo contemporáneo.

José Fajardo

Castora Herz - El Naán Remixes (Samain Music, 2023)

Fri, 14 Apr 2023 07:50:16 +0200

"No existen caminos nuevos que no hayan sido pisados. Toda lengua es una trenza de lenguas y de salivas. El color de nuestra piel se hizo al trenzar senderos. Trenzas son los verdaderos cánticos y melodías. Somos mezcla, somos mejunje y cada generación escupe a esa marmita eterna y añade trenza a la trenza, y trenzando se alimenta". Con estos inspirados versos del poeta castellano Héctor Castrillejo, letrista del grupo de folclore El Naán, arranca esta obra tan fascinante guiada por un torrente poético que se desborda.

Castora Herz, uno de los productores más interesantes de esa nueva escena global que mezcla ritmos sintéticos de baile con la tradición, entrega un tratado de "electrónica rural" inspirada en la música que ha descubierto al mudarse desde Berlín a la comarca palentina de Tierra de Campos. Desde allí reinterpreta las composiciones tradicionales de "la banda de raíz ibérica" El Naán que ha acompañado a Vetusta Morla durante su gira más reciente.

Estas seis canciones, media hora de música que vislumbra el futuro tras viajar al pasado, defienden una postura libérrima ante el arte, una apertura de miras bestial donde ritmos castellanos como las jotas, las panaderas o los charros dialogan estupendamente junto a bases de dubstep, uk garage, footwork, techno y house. Desde su sello Samain Music, Castora Herz nos muestra cómo vibran las discotecas del mañana.

José Fajardo.

Dano - El hombre hace planes, Dios se ríe (MÉCÈN Ent - Ziontifik Music, 2023)

Mon, 17 Apr 2023 08:26:29 +0200

En la evolución del hip hop contemporáneo en España durante el siglo XXI hasta convertirse en el género más popular entre la juventud, sustituyendo al indie en grandes recintos y festivales que han ido apareciendo para satisfacer la demanda de las nuevas generaciones y en muchos casos de la mano de su fusión con el reggaetón y otros sonidos latinos de baile, el nombre de Dano siempre ha estado ahí, inspirando ya a varias generaciones.

Junto al colectivo Ziontifik, este trotamundos que nació en Argentina pero ha vivido en Canarias, Londres y Nueva York, impulsó hace dos décadas desde Madrid una visión diferente del hip hop que se hacía aquí, que bebía de los clásicos estadounidenses, de las atmósferas con r&b y una manera muy cuidada de presentar sus obras, tanto a nivel narrativo como audiovisual y estético. Un rap de la calle realista y seco, sin poses, con cierto aire nostálgico e invenciblemente elegante.

Su regreso con ‘El hombre hace planes, Dios se ríe’ es un tratado se su afilada visión y buen gusto, rodeado de colegas y artistas con los que comparte sintonía, desde registros de lo más variados y conectando ambos lados del Atlántico, así como a su generación con las nuevas hornadas del rap en español: Juicy Bae, Dante Spinetta, Choclock, Elio Toffana, Duki, Il Pekeño, Ergo Pro, Gloosito, Cruz Cafuné, Bejo… Imprescindible para comprender por qué esta música llega a tanta gente.

José Fajardo.

Raúl Rodríguez - La razón eléctrica (Altafonte, 2023)

Fri, 21 Apr 2023 07:59:34 +0200

Sevillano del 74, músico y antropólogo, Raúl Rodríguez es uno de los grandes estudiosos ¡y virtuosos! en los ritmos de ida y vuelta, en el exuberante romance entre las canciones que suenan a ambos lados del Atlántico. Creador del tres flamenco, fusión de la guitarra flamenca y el tres cubano, con su nueva obra remata una trilogía monumental y documentadísima que arrancó con ‘Razón de son’ (2014) y tuvo su continuación en ‘La raíz eléctrica’ (2017).

Ya queda lejos el prometedor músico que se dio a conocer hace una década junto a su madre, la inimitable Martirio, con el homenaje a Chavela Vargas ‘De un mundo raro’. Hoy la figura de Raúl Rodríguez, artista total que produce, canta, escribe y toca casi cualquier instrumento imaginable, desde su pericia a la guitarra hasta su pasión por los sonidos de cuerda desde África, se eleva como un necesario referente desde la erudición de historiador y el talento artístico en el renovado diálogo entre España y Latinoamérica a través de la música.

Aunque poner fronteras a lo que hace Raúl Rodríguez es un error, pues estas canciones vuelan libremente a través de geografías, trazando conexiones invisibles entre Haití y Senegal, Sevilla y California, de La Habana a Mali. Vale la pena frenar el ritmo acelerado y sinsentido de la rueda en la que todos estamos metidos y saborear masticando con deleite durante 46 minutos y 26 segundos estas 12 canciones, una y otra vez, una y otra vez, una y otra vez…

José Fajardo.

Sílvia Pérez Cruz - Toda la vida, un día (El Pez Cruz / Sony Music, 2023)

Mon, 24 Apr 2023 08:16:18 +0200

Sílvia Pérez Cruz es quizá la más radical de las artistas contemporáneas. En la era del single y lo instantáneo, de lo efímero y el consumo fácil, donde si no tienes un estribillo pegadizo en los primeros 15 segundos la canción ya no sirve, ella entrega una obra de 69 minutos y 21 canciones donde hace un recorrido por, ni más ni menos, que toda una vida. El resultado es tan sobrecogedor como fascinante.

Una vez más, la catalana demuestra que no tiene que seguir el paso de las tendencias para marcar el rumbo de la nueva música que importa. Ajena desde que era una cría a las etiquetas, capaz de saltar del jazz a la tradición popular latinoamericana, las culturas mediterráneas e ibérica, la clásica o el flamenco, aquí recorre a través de cinco movimientos las distintas edades de la humanidad, del nacimiento a la muerte, impregnando cada una con su propia atmósfera.

Como suele suceder con la autora de títulos de culto como ‘Granada’ junto a Refree, ‘Toda la vida, un día’ propone conexiones invisibles con otras artes, de la poesía de William Carlos Williams hasta películas como ‘El árbol de la vida’ de Terrence Malick. Junto a colaboradores de lo más diverso, que aúnan diversas generaciones y tradiciones -de Carmen Linares a Natalia Lafourcade, pasando por Rita Payés, Salvador Sobral y Pepe Habichuela-, Sílvia Pérez Cruz logra hacer resonar su voz con toda la fuerza y el sabor que tienen las cosas sin caducidad.

José Fajardo.

Zuco 103 - Telenova (Zuco Sound, 2023)

Thu, 27 Apr 2023 08:36:55 +0200

En los últimos coletazos del siglo XX surgía Zuco 103, un proyecto que iba a reconfigurar la exuberante escena de la fusión en la música de Brasil. Con una visión que se adelantaba ya entonces a la colisión entre sonidos tradicionales y ritmos contemporáneos como la electrónica, con un pie en el jazz y otro en el tropicalismo, saltando con soltura del dub al funk y asimilando conceptos como el “etno chic” a lo largo de sus álbumes, durante casi 25 años Zuco 103 ha ido abriendo un camino que hoy les deja en una posición privilegiada, como referente de las nuevas generaciones.

El regreso con ‘Telenova’ del trío formado por la vocalista brasileña Lilian Vieira, el teclista alemán Stefan Schmid y el batería neerlandés Stefan Kruger supone un regreso al espíritu pionero de sus orígenes, cuando moldearon el concepto de “brazilectro” para describir un sonido que hasta entonces no existía, deudor de los contagiosos ritmos de su país y las nuevas tendencias de la música de baile sintética, siempre desde un punto de vista sugerente y chill.

Compuesto durante estos últimos años, impregnado por el espíritu de recogimiento de la pandemia pero también del estallido creativo que trajo consigo en todo el mundo, este nuevo disco de Zuco 103 reconfigura la escena global del neo funk y amplía el campo de batalla de una música que bebe del tropical bass y otros fascinantes sonidos de geografías que antes eran consideradas periferias, logrando trascender fronteras, llegar al alma y agitar las caderas.

José Fajardo.

Mitú - Astra (Autoeditado, 2023)

Fri, 05 May 2023 07:49:42 +0200

Quien haya caído fascinado por esa cualidad transgénero de la música contemporánea, que huye de las etiquetas y rompe los barrotes de las jaulas reduccionistas, que se mezcla con promiscuidad con diversos sonidos y visiones, es posible que tenga a Mitú como uno de sus profetas. El dúo colombiano lleva ya más de una década explorando un camino que ellos mismos trazan, que lleva hacia galaxias aun sin contactar.

‘Astra’ es ya quizá su obra más importante. Tras explorar las posibilidades de mezclar electrónica moderna con ritmos tradicionales y sonidos de ambiente -su propuesta llegó a bautizarse como “electrónica selvática”-, aquí han encontrado su lugar Julián Salazar, ex guitarrista en Bomba Estéreo y protagonista de la cumbia electrónica y la fusión tropical en Colombia, junto a Franklin Tejedor, oriundo de San Basilio de Palenque y heredero de la tradición de los tambores afro.

Junto a colaboradores como Loyal Lobos, alter ego de Andrea Silva, una de las últimas sensaciones de la música en Colombia desde su residencia en Los Ángeles, Mitú logra lo más difícil de una propuesta tan arriesgada, experimental, fascinante y única como la suya: tener alcance pop, llegar a audiencias transversales ajenas a priori a su universo. Recuerdan al primer El Guincho circa ‘Alegranza’ y a propuestas actuales de exquisito paladar como Buscabulla.

José Fajardo.

Las Áñez - Paralelas (Autoeditado, 2023)

Mon, 08 May 2023 07:59:10 +0200

En el cambio de paradigma que ha traído la explosión global de la nueva música en español, son las mujeres las que marcan el paso. De Karol G a Shakira, de Tokischa a Young Miko, de Rosalía a Ptazeta, pero también talentos que pronto resonarán en todo el planeta, como es el caso de Las Áñez. Desde Colombia, uno de los focos más excitantes a nivel sonoro, este dúo debería alcanzar con su nuevo trabajo un espacio destacado en la escena internacional de cancionistas en español.

Decíamos cancionistas, porque eso es lo que hacen Las Áñez: canciones únicas y fascinantes, cargadas de capas de profundidad y talento rítmico, de una sobrecogedora sensibilidad de quien mira a la realidad con ojo crítico y empático. ‘Paralelas’ incluye un puñado de canciones que ya son himnos en su país: ‘De curvo cuerpo’, con su poesía tan contagiosa, ‘Como si fuera yo’, junto a Lido Pimienta, y ‘Señal del viento’ con el Cholo Valderrama.

Todo está cambiando con fulgor en la música contemporánea desde un prisma global: lo que antes eran consideradas periferias ahora se han desplazado al centro, la nueva música en español protagoniza una revolución histórica y las voces de los colectivos que tradicionalmente fueron tratados como minorías son ahora protagonistas. Las mujeres marchan a la cabeza de esta revolución tan inédita como esperanzadora.

José Fajardo.

Queralt Lahoz - Alto Cielo (Say it Loud / Costa Futuro, 2023)

Thu, 11 May 2023 08:34:25 +0200

La historia del arte siempre regresa a los grandes relatos inmortales. No importa que atravesemos una drástica ruptura generacional que está cambiando ¿para siempre? nuestra visión de la realidad, por fortuna ampliando nuestra mirada y horizontes. Artistas a la vanguardia como Queralt Lahoz seguirán asomándose a las historias clásicas para inspirarse. ‘Alto Cielo’, como muchas otras obras que han salido publicadas en 2023 -de Shakira a Karol G o Nathy Peluso-, cuenta una historia de amor, con sus penas y sus glorias.

No es casualidad que sean las mujeres las que están apostando por estos relatos que desde hacía ya demasiado tiempo estaban escritos casi de forma exclusiva, a nivel de visibilidad masiva, desde la mirada del hombre. Ahora son ellas las que hablan de celos y pasión, de sexo y deseo, de venganza y amor libre. Y con sus palabras y sentimientos, llegan a millones como nunca antes, inspirando y mostrando un camino posible, representando a las voces que permanecían arrinconadas.

A través de este hilo argumental la artista de Santa Coloma de Gramanet muestra hasta dónde es capaz de estirar su propuesta sonora, que salta del house al rap old school y al r&b y de ahí a la exploración de una canción de raíz contemporánea, que bebe tanto de la intensidad profunda y vanguardista de Maria Arnal como de la elegancia con un punto macarra y modernísima de Kali Uchis. Con este EP concebido también como una obra audiovisual que se estrena hoy de forma paralela en Filmin, Queralt Lahoz apuntala el que será el gran año de su despegue definitivo, una repercusión más que merecida.

José Fajardo.

Dellafuente - Lágrimas pa otro día (MAAS, 2023)

Fri, 19 May 2023 08:56:44 +0200

Pocos pueden decir en esta industria voraz e instantánea, donde los éxitos de hoy serán cenizas mañana, que han sido libres a nivel creativo y su obra ha perdurado en el tiempo durante, digamos, al menos los últimos cinco años. Es el caso de Dellafuente, quien desde que se presentó allá por 2015 con un sonido que sea anticipaba a la gran tendencia de la música juvenil actual –el cruce de flamenco con sonidos urbanos-, ha hecho lo que le ha dado la gana, sin que ello significara perder la atención de sus fans, cada vez más y más diversos.

‘Lágrimas pa otro día’ apenas dura 20 minutos pero es un tratado de cómo con talento y una visión propia hoy día en la música no hace falta portar la bandera de ningún género. El granadino salta con soltura de su sello seminal, el flamenco ‘traperizado’, a un nuevo pop electrónico y elegante de la mano de las estrellas en ciernes Rusowsky y Ralphie Choo, y de ahí se lanza al nuevo género de moda global, los corridos tumbados, junto a un personaje del que pronto empezaremos a escuchar más, Vatocholo, con sangre mexicana y residente en España.

Ancho es el cielo al que mira Dellafuente, su futuro es tan prometedor como lo ha sido hasta ahora su carrera, y lo más importante es que él será quien decida hacia dónde va su camino. Decir eso hoy día es el privilegio de unos pocos elegidos, quienes marcan el paso de una revolución sonora sin precedentes.

José Fajardo

Coro Qom Chelaalapi & Lagartijeando - Campo del cielo (Shika Shika, 2023)

Mon, 22 May 2023 08:06:47 +0200

Desde el noroeste de Argentina el Coro Qom Chelaalapi lleva haciendo música 60 años, por lo que es considerado el grupo musical en activo más longevo de América Latina. Hace unos años que los artistas de la comunidad indígena Qom empezaron a colaborar con el productor argentino Matías Zundel aka Lagartijeando, quien ha trabajado junto a iconos de la nueva escena electrónica como Chancha Via Circuito o Nickodemus. La colisión entre ambos universos dibuja un paisaje fascinante, mezcla de ritmos y cánticos ancestrales con beats de vanguardia.

Escuchar su nueva grabación conjunta es también conocer una cosmovisión fascinante, que hunde sus raíces hace 4.000 años cuando un meteorito colisionó en la provincia argentina de Chaco, donde se asienta el pueblo Qom. Lo divino y lo terrenal, el sol y la tierra, y otros conceptos atraviesan la mitología en la que se inspira esta música grabada con voces e instrumentos como el nvique, las pezuñas y el bombo leguero que en vivo son acompañados de coreografías.

‘Campo del Cielo’ -grabado por el exquisito sello de electrónica orgánica con sede en Berlín Shika Shika, orgullosa casa por donde han pasado El Búho, DJ Raff, Federico Estévez, Biomigrant, Klik & Frik o Nicola Cruz- es un feliz hallazgo que se sumerge en esa colisión entre las tradiciones musicales y una mirada contemporánea que está transformando el sonido global. En septiembre de 2023 habrá una gira europea totalmente imperdible para llevar al directo este súper recomendable proyecto.

José Fajardo

Eslabón Armado - Desvelado (DEL Records Inc, 2023)

Fri, 26 May 2023 07:51:26 +0200

Un relámpago como el que ha sacudido la industria de la música durante los últimos cinco años con el reggaetón como epicentro, vuelve a irrumpir desde los cielos para cambiarlo irremediablemente todo. Como un murmullo que crece hasta resultar ensordecedor, la escena contemporánea de la música regional mexicana, donde caben desde los corridos tumbados hasta el sad sierreño, del norteño a las neo rancheras, es ya la nueva tendencia global.

Con sus más de 419 millones de reproducciones en Spotify en apenas unos meses, el single ‘Ella baila sola’ es la demostración de que este circuito situado geográficamente en la frontera entre México y Estados Unidos se ha desparramado por todo el universo. No es casualidad que el puertorriqueño Bad Bunny, el personaje más influyente de esta industria que cada vez canta -y escucha- más música en español junto a mujeres también latinoamericanas como las colombianas Karol G o Shakira, haya logrado su último gran éxito junto al Grupo Frontera en su incursión en el regional mexicano con ‘un x100to’.

Eslabón Armado lleva, en realidad, haciendo mucho ruido desde 2020, a partir de aquellos Grammy Latinos donde el sonido regional de México en sus distintas vertientes fue reivindicado como nunca antes por la generación de los últimos millennial y especialmente entre los Z, los nacidos en el nuevo siglo. Si el reggaetón contagió a la juventud con ritmos sudorosos y bailes calientes, este nuevo fenómeno desde México basa su poder de enganche en los ritmos acústicos y melódicos de los requintos, en las voces cuasi rapeadas a cámara lenta y el cruce con sonidos urbanos como el hip hop o el trap.

José Fajardo

Israel Fernández - Pura Sangre (Universal Music, 2023)

Mon, 29 May 2023 08:06:11 +0200

Hay tantos flamencos que se abren camino a borbotones, sin pedir permiso, abriendo surcos donde antes sólo hubo desierto. Israel Fernández proyecta su figura, monumental y camaleónica, imposible de enjaular, por muchos de esos surcos existentes y otros cuantos de los que aún no tenemos noticia. De las bases electrónicas siempre interesantes de El Guincho a sus colaboraciones con Juan Carmona o Árcangel, su arte resiste cualquier envite.

‘Pura sangre’ es un álbum que está llamado a marcar una época, la del esplendor de la música flamenca -con toda la amplitud que el término permite, es decir toda la de la galaxia y más allá- entre las generaciones jóvenes en España. Son canciones que ya nacen con un poso inmortal, que suenan de toda la vida, que parecieran clásicos si no fuera la primera vez que las escuchamos. Escritas por él mismo, con la producción del productor vanguardista Pional y su colaborador habitual, el guitarrista Diego del Morao, estos temas reflexionan sobre la identidad gitana, las injusticias y la creación artística.

Nos cuentan nuestros espías en la noche madrileña -lástima irreparable no haberlo podido presenciar en persona- que la presentación del álbum para unos selectos invitados el otro día en una galería de arte en el barrio de Carabanchel fue una fiesta flamenca de las que marcan época, que allí se respiraba el ambiente de las ocasiones memorables. Israel Fernández, a sus 34, ya está posicionado para no sólo ser ‘el mejor cantaor flamenco de su generación’, como ya se ha dicho, sino quien lleve este arte a cruzar fronteras geográficas y mentales.

José Fajardo

Guadalupe Plata - Guadalupe Plata 2023 (Everlasting Records, 2023)

Thu, 01 Jun 2023 15:24:26 +0200

"La primera vez que los vi en directo sentí como si el rock and roll lo hubieran inventado unos aceituneros de Jaén". La frase es de Mark Kitcatt, fundador de Everlasting Records, el hogar discográfico de Guadalupe Plata desde hace más de una década. Y resume bien la esencia de este proyecto cuyo viaje es hacia las entrañas del blues más salvaje, en busca del origen indómito y proscrito del rock and roll.

En todo este tiempo su receta, ajena a tendencias, no ha cambiado ni una línea. Su nuevo trabajo supura el olor de las viejas grabaciones de Screamin' Jay Hawkins y Little Richard. Tras varios años de espera, su esperado regreso es un álbum grabado en Úbeda con el que retoman su formato seminal de dúo con Perico de Dios -letrista, cantante y guitarra- junto al batería Carlos Jimena y regresan a la pura raíz. Con la ayuda del productor Raúl Pérez, según explican, fueron añadiendo detalles como “saxos oscuros y teclados de 8 bits”.

Igual que sucede con himnos ya clásicos de la banda como ‘Milana’, ‘Calle 24’, ‘Qué he sacado con quererte (aka Violeta Parra)’ o ‘Corralera del veneno’, aquí hay un buen puñado de singles entre los que destacan ‘La cigüeña’, ‘En mi tumba’ y ‘El cóndor pasa’ ideales para bailar a la luz de la luna en un cementerio del Delta norteamericano mientras buscas lápidas de héroes caídos del rock and roll.¡Cómo es posible mejorar esa sensación!

* Guadalupe Plata es uno de los proyectos musicales seleccionados desde España para el Observatorio Transoceánico 2023 impulsado por la Fundación Gladys Palmera con el apoyo del Ministerio de Cultura y Deporte y aliados como Indie Rocks! y Last Tour.

José Fajardo

Fito Páez - EADDA9223 (Sony Music, 2023)

Mon, 05 Jun 2023 08:22:19 +0200

En el panteón de los dioses del rock argentino, el Olimpo indiscutible del género entre la música en español, Fito Páez ocupa un lugar privilegiado. Cuando cumple 60 aprovecha la celebración del 30º aniversario el año pasado de su disco más icónico, ‘El amor después del amor’, para publicar una revisión de estos himnos junto a una nutrida lista de artistas contemporáneos. Coincide, además, con la salida en Netflix de una más que recomendable serie biográfica con el mismo título, impulsada por su ex mánager y amigo Juan Pablo Kolodziej, un proyecto donde el propio Fito Páez ha jugado un papel activo.

La sombra de Fito Páez es tan alargada que conecta desde el folk en la etapa eléctrica de Bob Dylan hasta el rock canalla de los 80, de Charly García al folclore latinoamericano, del tango al pop anglosajón, y de ahí al espíritu indie que transformó la escena guitarrera de los 90 y todo lo que ha sucedido con el nuevo siglo. Su influencia hoy en esa nueva generación que está cambiando para siempre las reglas de la industria, y en la que su país juega una posición de gran influencia, se refleja en el listado de colaboraciones de este álbum.

Canciones con tres décadas a la espalda como ‘Dos días en la vida’, ‘La Verónica’, ‘Sasha, Sissi y El Círculo de Baba’, ‘La balada de Donna Helena’ o ‘Brillante sobre el mic’ suenan creíbles y frescas con la incorporación de jóvenes estrellas de la nueva música en español como Nickie Nicole, Nathy Peluso, Mon Laferte, WOS, Ca7riel o Ángela Aguilar. Son estos propios artistas, que vienen de miradas nuevas desde lo urbano, el neo folk o incluso el regional mexicano, quienes se adaptan al pop atemporal de Fito Páez, fusionándose sin prejuicios y con soltura. Este verano estará de gira por España con varios conciertos en julio.

José Fajardo.

La Cebolla & Negro Jari - Flow de los Suburbios (Dagrama, 2023)

Fri, 09 Jun 2023 08:25:00 +0200

"Esto es un sonido barriobajero / que ahora suena fuerte más allá del gueto", cantan La Cebolla y Negro Jari en ‘Flow de los Suburbios’, el tema que da nombre a este disco llamado a lanzarles al estrellato masivo. En 2019, cuando apenas tenía 15 años, La Cebolla, una artista gitana del barrio de Las Tres Mil Viviendas en Sevilla, sorprendía junto a Negro Jari, sevillano de origen senegalés, que ejerce como su productor, además de letrista y compositor de las canciones, con ‘Habibi’, una especie de rumba flamenca con guiños árabes.

Hoy el dúo simboliza la expansión del flamenco urbano, un género que mezcla el jaleo de las peñas con los sonidos que se escuchan en los barrios periféricos de España en la segunda década del siglo XXI. Con figuras reconocibles como Dellafuente, Maka, Omar Montes o Moncho Chavea, que suman millones de seguidores en plataformas como Spotify y YouTube, este circuito se ha ido expandiendo de forma transversal hasta colarse en todos los teléfonos móviles de la juventud como un nuevo esperanto, igual que ha sucedido con el reggaetón pero con la idiosincrasia propia del flamenco, algo único que les diferencia.

La Cebolla y Negro Jari simbolizan también cómo la autenticidad de las calles está siendo engullida por la industria como tendencia de moda, pero han logrado darse a conocer sin renunciar a su espíritu, dirigiéndose a su público original, con talento y canciones pegadizas donde suman a artistas de su entorno como Maki, Manuel El Popeye, El Jhota o Lorena Santos, otra de las grandes voces femeninas que despuntan en el género. "Desde que era chiquita ya quería ser como Camarón", me decía en una entrevista para El Mundo en 2020. Entre La Tana y Karol G, reivindicada por Rosalía, La Cebolla ya es una estrella.

José Fajardo.

Humazapas - Sara Mama (AYA Records, 2023)

Mon, 12 Jun 2023 08:51:52 +0200

Es una suerte que existan catálogos como los de AYA Records, la división de ZZK Records especializada en las nuevas expresiones de la música latina contemporánea, con proyectos en su radar como Mateo Kingman o Son Rompe Pera. Es una suerte, decíamos, porque en estos tiempos en los que todo es tan fugaz, la que nos ocupa es una apuesta por un álbum que se ha demorado 10 años en su realización. Detrás está Humazapas, un grupo de artistas de la comunidad indígena Kichwa de los Andes ecuatorianos.

Una obra única, fascinante y de un valor incalculable no sólo para preservar una cultura riquísima sino para dar a conocer en toda la galaxia los sonidos, rituales, danzas y leyendas de esta comunidad. Humazapas se formó en 2010 gracias al interés de varios adolescentes de las comunidades Kichwa en dialogar desde una visión contemporánea con la herencia de sus ancestros. Formada por ocho músicos y cuatro bailarines, el grupo ha trabajado junto al productor Jesús Bonilla, fusionando sus cánticos y melodías con arreglos de electrónica.

Cantado en Kichwa y mezclando ritmos tradicionales como el churay, el bambuco, el danzante, el yumbo y la capishka, este álbum explora una cosmovisión que conecta la vida y la muerte desde la espiritualidad, se sumerge en el comportamiento de los volcanes y los ciclos de la siembra e invita a la celebración en comunidad a través de una propuesta que el reputado productor y DJ ecuatoriano Nicola Cruz, responsable de los másteres del álbum, describe como música andina contemporánea, con una fuerza pop en el mejor sentido de la palabra, el de alcance popular.

José Fajardo.

Ghouljaboy - OH NO SYZYGY! (BMG, 2023)

Fri, 16 Jun 2023 07:56:02 +0200

Imposible etiquetar a un camaleón, no se puede enjaular a un tigre que nació libre, es un desperdicio mutilar tras las rejas a un cóndor. Animal de olfato ultra potente para identificar las tendencias que se cuecen en los universos subterráneos, libérrimo y veloz en su manera de moverse entre la industria, Ghouljaboy es quizá el único artista contemporáneo al que le han encasillado en todos los géneros posibles.

Del trap al sad emo por trabajos como ‘El Rascal’ circa 2020 cuando habitaba en La Vendición Records y colaboraba con Rojuu, Yung Beef, Pedro Ladroga, Pochi, Clutchill o Ambeats, de la neo psicodelia al hyperpop, de Mac DeMarco al city pop japonés. Él mismo se reivindicó a la vanguardia desde España del dreamcore, hijo bastardo de una noche loca entre el indie psicodélico estadounidense y el movimiento del bedroom pop amplificado por las cuarentenas pandémicas, con su estética inspirada en los sueños y un espíritu nostálgico, que fue bautizado como la banda sonora de la Generación Z.

Su nuevo trabajo confirma al jerezano como uno de los creadores más genuinos y geniales de la novísima ola de artistas españoles. Es su trabajo más ambicioso, con colaboraciones que van del norteamericano Dent May al francés Myd hasta Pat Jones (Toro y Moi) Thorsheim (boy pablo) para las mezclas y masterización. Desde la humildad que tienen los poseedores de una mirada que apunta más alto que la de los demás, todavía sin hacer mucho ruido, Ghouljaboy llama con su nuevo álbum a las puertas de algo muy gordo que con toda seguridad pronto sucederá en su carrera.

* Ghouljaboy es uno de los proyectos musicales seleccionados desde España para el Observatorio Transoceánico 2023 impulsado por la Fundación Gladys Palmera con el apoyo del Ministerio de Cultura y Deporte y aliados como Indie Rocks! y Last Tour.

José Fajardo.

Kiko El Crazy - Pila’e Teteo (Rimas Entertainment, 2023)

Mon, 19 Jun 2023 08:35:56 +0200

Al contrario que las figuras del reggaetón, convertidas en iconos globales hasta ser reconocibles por públicos de lo más transversales desde cualquier punto de la galaxia, con la explosión internacional del dembow rara vez ha sucedido lo mismo. Es difícil encontrar a alguien en España menor de 40 que hoy no haya escuchado alguna vez nombres como Bad Bunny, J Balvin o Karol G y, sin embargo, no tantos conocerán a Kiko El Crazy. Pero el dembow es sin duda uno de los géneros que están contribuyendo a la gran ola de la cultura latina y el personaje que nos ocupa uno de los más interesantes del circuito.

Es cierto que las cifras de Kiko El Crazy no son comparables a las de los referentes contemporáneos del reggaetón. Supera el millón de oyentes mensuales en Spotify -el dato que arroja uno de los más certeros termómetros de los artistas que están funcionando en cada momento-, lejos aún de los más de 50 y hasta más 70 millones de los anteriormente citados. Lejos también de los 18 millones de El Alfa y los 7 de Tokischa, las dos mayores estrellas del dembow. Pero lo que hace interesante al autor de himnos como ‘La Popi’, ‘Chukiteo’ o ‘Se acabó la cuarentena’ junto a Ñengo Low o Jowell & Randy, entre otros, es su absoluta originalidad.

Entre un pop del futuro diseñado por productores de ritmos machacones y repetitivos a toda velocidad con destreza para las melodías pegadizas, un humor refrescante, provocador e inesperado en un género sobrado de testosterona y actitud gangsta y una estética que tritura referencias a la comunidad queer, el rollo urbano y una onda colorida y futurista, desde 2017 Kiko El Crazy ha ido elaborando un discurso y una imagen propia. Con este álbum deja claro que su propuesta, como sucede con el dembow, no es un fenómeno pasajero sino una de las claves para entender las transformaciones de la industria y hacia dónde nos dirigimos.

José Fajardo

Y La Bamba - Lucha (Tender Loving Empire Records, 2023)

Fri, 23 Jun 2023 08:34:07 +0200

Es la época de la exploración de la identidad a través de obras culturales que nos hacen comprender, a quienes las componen y a quienes las disfrutamos, esas preguntas que nunca pasan de moda: quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos. Luz Elena Mendoza, la artista total detrás de Y La Bamba, nacida en Estados Unidos de padres mexicanos, regresó a su país dejando la ciudad donde ha crecido como artista, la muy indie Portland, en una búsqueda identitaria que la enfrentó con sus traumas y el peso de la historia.

‘Lucha’ es un pasito más en una carrera visionaria, desde lo experimental y la independencia artística, que ya suma 15 años. Y La Bamba se adelantó a mezclar sonidos modernos -del weird folk al dream pop y hasta el post punk- con los ritmos tradicionales de México -corridos, rancheras, boleros- y otros populares latinoamericanos, como la samba o la cumbia. Todo eso queda reflejado en este álbum, que bien podría encajar en una de esas bandas sonoras elegantes, románticas, tristes y misteriosas de Wong Kar-wai.

La identidad chicanx – la comunidad nacida en Estados Unidos de origen mexicano-, el amor queer, la salud mental y la soledad que inunda el universo y que parece omnipresente tras la pandemia, son temas que van moldeando estas canciones en las que, sin embargo, atraviesan rayos de esperanza a partir de la autoaceptación y la comprensión de la realidad que nos ha tocado vivir. A partir de una versión del ‘I’m So Lonesome I Could Cry’ de Hank Williams, o junto al icono indie Devendra Banhart, siempre desde una mirada muy personal, Y La Bamba firma uno de los álbumes más importantes de 2023.

José Fajardo

Pahua – Habita (Nacional Records, 2023)

Mon, 26 Jun 2023 09:06:43 +0200

Pahua consigue con ‘Habita’ una quimera: reunir la inabarcable riqueza y diversidad de la música contemporánea en Latinoamérica. En un viaje desde su México natal hasta República Dominicana, Colombia, Chile, Venezuela y Costa Rica, esta polifacética artista -DJ, productora, cantante, letrista y compositora- salta de la folktrónica al dembow, del bolero al bullerengue y de ahí a la cumbia y otros tantos ritmos que han puesto al planeta a bailar durante la explosión global de sonidos latinos de los últimos años.

Pahua sorprendió en 2015 con el proyecto Sotomayor junto a su hermano Raúl, donde ya sonaba esa mezcla de electrónica contemporánea con ritmos de raíz y voces melódicas. Desde finales de 2020 su proyecto en solitario ha ido creciendo, a base de colaboraciones poderosas con artistas como la franco-cubana La Dame Blanche y éxitos como el contagioso ‘La Cura’. Con su debut en largo da un paso adelante, situándose como una de las artistas más excitante de esa nueva escena que mezcla electrónica moderna y ritmos tradicionales.

Su capacidad para asimilar referencias dispares y su exquisito olfato para elegir sus colaboraciones se han convertido en el sello de identidad de una artista capaz de sintetizar las tendencias globales del momento sin perder su espíritu y originalidad. Por ‘Habita’ desfilan y brillan proyectos como los de La Perla, Barzo, Nikola, Fernando Milagros, Paz Court, Ancestral Beats, Acid Coco, Eva de Marce, Karen y Los Remedios y Venezonix. Un sugerente menú degustación para saborear los ritmos que han situado a Latinoamérica como la gran potencia global sonora de la galaxia.

* Pahua es uno de los proyectos musicales seleccionados desde México para el Observatorio Transoceánico 2023 impulsado por la Fundación Gladys Palmera con el apoyo del Ministerio de Cultura y Deporte y aliados como Indie Rocks! y Last Tour.

José Fajardo.

Edith Salazar - Vive que la vida se va (Autoeditado, 2023)

Thu, 29 Jun 2023 08:39:18 +0200

“Andamos buscando la felicidad, no tener miedo y progresar. Amar sin barreras sentir libertad, guiados por la paz y la hermandad. Protegiendo nuestra esencia, caminando sin juzgar, cuidando a la madre tierra, disfrutando nuestro hogar. La verdad está en el presente, el pasado quedó atrás, el futuro es un misterio, vive que la vida se va”. Con este mensaje que invita a celebrar y respetar se presenta una de las canciones tapadas para ser el single de este verano 2023. Un nuevo paso para una artista capaz de hacer suyos géneros como el jazz, el blues, el bolero y la bossa-nova.

Detrás está Edith Salazar, cantante, compositora, pianista, productora musical y hasta profesora de diversas disciplinas, una artista total de origen venezolano y residente en Madrid que en 2005 participó como profesora de canto en el popular concurso de televisión Operación Triunfo. Su figura ha estado ligada además a diversos artistas de la escena pop en español, como teclista y vocalista de la banda de Miguel Bosé durante varios años o junto a otros como Fangoria, Rafael Amargo, José Luis Perales o Sergio Dalma.

En su última grabación, el single ‘Vive que la vida se va’, muestra su absoluta amplitud de miras y talento a la hora de abordar distintos géneros musicales, en este caso con un single pegadizo con notas de house tribal y poderío pop. Esa diversidad sonora ya estaba en su álbum ‘Ilesa’ de 2021, en virtuosos ejercicios al piano como su disco ‘Músicas para Danza’ de 2009 y hasta en ‘La Nana’, una versión muy personal del icono del rock urbano español Leño recogida en el recopilatorio ‘Bajo la Corteza’ de 2010.

José Fajardo

Peso Pluma - GÉNESIS (Double P Records, 2023)

Mon, 03 Jul 2023 08:16:16 +0200

Dicen que es el nuevo reggaetón y, sin embargo, los corridos tumbados -y, usando una definición más amplia, la música regional mexicana, o norteña, o como cada quien lo quiera llamar- tiene muchas diferencias respecto al que ha sido, hasta ahora, el género de moda en las tendencias globales: la más importante es que en lugar de un baile sudoroso y físico basado en los bajos gordos, propone las melodías acústicas y reposadas del requinto. Pero, es cierto, hay una similitud entre ambos fenómenos, muy importante: ambos están liderados por una nueva generación que está redescubriendo los ritmos populares de su tierra, desde y con el lenguaje y la estética de los barrios, y esto está sucediendo desde América Latina y en español.

Hace tiempo, en realidad, que se habla fuera de México, y no solo en Estados Unidos, de los corridos tumbados y su potencial internacional. En 2020, en plena pandemia, ya grabamos en Gladys Palmera esta panorámica para el podcast ¿Qué Onda? sobre una escena que entonces empezaba a despuntar desde el trabajo de sellos como Rancho Humilde y DEL Records y artistas como Natanael Cano, uno de los referentes, pese a su juventud, a quien se atribuye el término de los corridos tumbados para referirse a esa mezcla de la tradición musical de la frontera entre México y Estados Unidos y su fusión desprejuiciada con el hip hop, tanto a nivel sonoro como visual.

Hoy, es indudable, el género está en boca de media galaxia por el tremendo impacto de Peso Pluma, quien con este álbum sacado en el momento más caliente de su efervescente y breve carrera, está destinado a seguir los pasos de estrellas globales del nuevo pop en español como Bad Bunny, J Balvin o Karol G. Su universo particular ha sido tan criticado como aplaudido por radiografiar la realidad de su tierra. Nacido en Zapopan, Jalisco, en 1999, Hassan Emilio Kabande Laija, con familia de ascendencia libanesa, habla en sus letras del lujo y las fiestas con los ‘compas’, de las ‘morras’ que le gustan, y de fondo radiografía una realidad omnipresente en su entorno, la del narco. Su propuesta, honesta y real, logra conectar con los jóvenes. ¿Acaso él es culpable del lugar donde nació?

José Fajardo

Arcángel - Hereje (Universal Music Spain, 2023)

Fri, 07 Jul 2023 07:52:41 +0200

Transgredir con respeto, con un pie en la tradición y otro en el futuro. Con esa idea, Arcángel ha ido ampliando la visión del flamenco durante las últimas dos décadas, desde que despuntara en la Bienal de Sevilla a principios del nuevo siglo. Su propuesta, alejada de los renovadores más rupturistas del nuevo flamenco, no busca tanto provocar sino más bien ampliar el foco y acercar hacia lo contemporáneo un arte ancestral.

“Hereje es el que se olvida de que esto es arte”, dice el artista, nacido en el 77 en Alosno, Huelva. Toda una declaración de intenciones con un álbum donde acerca su voz a distintas sonoridades -del pop indie al más jazzero, incluso algo de electrónica y guitarras rock- con invitados como Juanes, Vanesa Martín, Andrés Calamaro, Vetusta Morla (Guille y ‘El Indio’), Rozalén, Leiva, Soleá Morente, Santiago Auserón y el poeta Benjamín Prado. “Para que viva la espina tiene que vivir la rosa. Una sola cosa, no”, sigue reflexionando el onubense en la canción que da título al álbum, en la que actúa junto a Calamaro.

Es un disco que hace apenas una década podría haber sido tachado, quizá, como una herejía por los aficionados más ortodoxos al flamenco. Sin embargo, con la brutal, necesaria e inspiradora transformación del género que ha traído una nueva generación, capaz de mezclar el cante jondo con reggaetón, trap, electrónica experimental o lo que se les ponga por delante, el ejercicio que propone este álbum ya no resulta tan llamativo, lo cual no quiere decir que no sea interesante.

José Fajardo

Ben Yart – Ceros (Oso Polita, 2023)

Mon, 10 Jul 2023 09:18:42 +0200

“Vais a ver cómo una persona salva un bolo”. Para cuando lo dice, Ben Yart lleva un buen rato autosaboteando su concierto este pasado fin de semana en el BBK Live de Bilbao. Interrumpiendo las canciones en directo, abroncando a su banda, desapareciendo del escenario, acusando a la organización de haberle “quitado el autotune”, exigiendo que bajen el precio de la cerveza para que, así, el público ebrio no sea capaz de juzgarle. Pero la realidad es que, lo que estaba sucediendo en el escenario, no era otra cosa que el nacimiento de una nueva estrella.

El Kurt Cobain de la nueva escena urbana en español, el hermano pequeño y navarro de Cecilio G, un personaje de David Lynch o un cometa que aterrizó desde la Luna en la rave más chunga del lugar. Difícil ubicar a un personaje tan excesivo, quien cuando logró en su concierto en Bilbao conectar, soltó auténticos chispazos de genialidad, con un carisma tremendo, puro magnetismo.

Ben Yart es parte del colectivo Chill Mafia, ha colaborado con el entorno de La Vendición Records y ‘Ceros’ es su álbum de debut, una carta de presentación ambiciosa, que brilla por una producción original que va del trap más cortante a la electrónica experimental y el hip hop, y por unas letras que radiografían el lado más hedonista y crudo de la juventud, que hablan de ‘mañaneos’, trapicheos, vicios y destellos de inspirada locura. Sólo él sabe por donde discurrirá a partir de ahora su camino, con estas canciones ya ha sembrado el campo para brillar con el fulgor deslumbrante de un volcán cuando estalla. José Fajardo

Un palenque keniano (Rocafort Records, 2023)

Wed, 12 Jul 2023 05:12:48 +0200

El viaje es al revés. Colombia busca a Africa. Bueno, la viene buscando desde siempre, pero especialmente desde que existen los picós, esos gigantescos andamios de sonido cuyo nombre deriva del inglés Pick-up y cuyo volumen de sonido puede llegar lejos, muy lejos. Existen desde los años 50 en Barranquilla y Cartagena de Indias, y aunque durante años estuvieron asociados solamente a la salsa, su relación con los sonidos anglo y franco antillanos y con los ritmos del África central, los hicieron únicos y especiales.

Los picós son una especie de biosistema en el que intervienen arte gráfico, tecnología y sobre todo cultura de DJ, entendida como el arte de poner a bailar con discos que nadie más tiene y que no se escuchan en ninguna otra parte.

DJ Golfo de Guinea (Joan Pujol) no es un picotero, pero si un especialista en música africana con una cualidad que lo hace único: es capaz de rastrear sonidos, no solamente discos imposibles de conseguir. Por eso en Rocafort Records le encargaron hacer una recopilación de música africana y él cuenta que "lo primero que pensé fue en seleccionar los temas desde un prisma picotero". ¡Vaya tarea! No toda la música centroafricana suena en los picós y desde luego, hay canciones de canciones, esas que tiene magia.

Por eso se apoyó en Don Alirio. No hay nadie que conozca mejor el mundo picotero por dentro y por fuera como este coleccionista, DJ y productor barranquillero. El le dio los Imputs necesarios para la búsqueda de santos griales. Y su partenaire en la búsqueda fue George Ouma, productor, DJ, coleccionista y un gran divulgador de la música benga.

Piconema, título que hace referencia al nombre con el que se conoce una canción africana en el mundo picotero, es una selección maravillosa, posiblemente la mejor hecha hasta ahora desde el punto de vista africano. Diez canciones, diez bandas, diez momentos mágicos, de los cuales tres te los presentamos aquí en Gladys Palmera:

Sophia, de The Maroon Commandos Band, "uno de esos éxitos que no tienen dueño, de los que ningún mortal picotero puede decir que es de su propiedad en tiempos de exclusividad". Ateka, de Issa Juma & Les Wanyika Stars, "una de las joyas promovidas e impulsadas por El Gran Freddy, la mina musical de Barranquilla de Álvaro El Caimán Rodríguez y El Parrandero de Cartagena, propiedad de Alberto El Manco Vega, del barrio Chino. Y Safari, de Viva Makale, "uno de los hits africanos más sonados en Barranquilla, tanto que ha sido considerado un himno".

Esto no es sólo para escuchar. Esto es para poner, bailar y volver a poner.

El álbum lo puedes adquirir AQUÍ.

Coco María - Club Coco ¡AHORA! The Latin Sound of Now’ (Bongo Joe, 2023)

Thu, 13 Jul 2023 10:29:32 +0200

¿A qué suena hoy Latinoamérica? Coco María hace una aproximación desprejuiciada, desbordante de buen gusto, que plasma la riqueza y diversidad de los ritmos de la región -y su eco en la diáspora- en este nuevo compilado con la marca ‘Club Coco’, continuación de su exitoso lanzamiento con el mismo nombre de 2021. La DJ y curadora mexicana, que ahora reside en Ámsterdam tras radiografiar el alcance de las escenas latinas en Londres y Berlín, reúne con su exquisita mirada a un buen puñado de propuestas de distintos países.

Brillan Los Pirañas, el combo formado en Bogotá hace un par de décadas por la santa trinidad de la escena tropical alternativa, o lo que es lo mismo Pedro Ojeda, Mario Galeano y Eblis Álvarez, con su psicodelia bailonga; también desde Colombia vienen Las Mijas, dúo formado por La Muchacha y Briela Ojeda, dos de las nuevas cantautoras más talentosas del país, que apenas tienen aún un par de temas grabados, o Acid Coco, que mezclan cumbias ácidas, champeta, bullerengue y electrónica desde su residencia en Ginebra (Suiza).

La selección se completa con nombres bien escogidos que aportan diversas sonoridades, desde las percusiones afrolatinas hasta las cumbias psicodélicas, del rock tropical a los ritmos de baile experimentales, en un panorama inabarcable como lo es el concepto de ‘música latina’, con artistas de aquí, de allá y de otras periferias, todos ellos con miradas libres, como Raz Olsher, Lola's Dice, Juan Hundred, Dip In the Dub, Chúpame El Dedo, Candeleros, Iko Chérie, Ronald Snijders y Guess What, un proyecto desde Francia hacia el que Coco María siente especial debilidad. La DJ, quien ha colaborado en la ‘Worlwide FM’ de Gilles Peterson, estará este verano de gira por países como Alemania, Francia, Italia y Noruega.

José Fajardo

Alex Anwandter - El diablo en el cuerpo (5 AM, 2023)

Mon, 17 Jul 2023 09:16:15 +0200

La pandemia fue la encrucijada donde muchos descubrieron cuán importante es el baile en sus vidas. Es el caso de Alex Anwandter, artista chileno que frisa los 40, a quien el cerrojo existencial agarró en Nueva York, donde reside actualmente. Esos meses de represión física y emocional desembocaron en el que quizá sea el álbum más hedonista de su carrera y en un poderoso homenaje a la cultura disco y el pop de los 80, con toda su brillantina, celebración del espíritu queer y reivindicación de la pista de baile.

Crecer gay en la sociedad conservadora del Chile de los 80 y 90, la identidad latina vista desde la migración hacia Estados Unidos, el espacio que ocupan los que aún son considerados ‘diferentes’ por una sociedad que se resiste a arrancarse el manto pegajoso y anacrónico de la homofobia y, especialmente, el tremendo poder liberador de la expresión corporal desprejuiciada cuando estás gozando con la música son algunos de los temas que resuenan entre estos ritmos perfectos y melodías pegadizas.

Alex Anwandter fue un niño adelantado que empezó a tocar el violín a los seis años y, desde entonces, no ha parado de crear, ya sea desde la música -en solitario y junto a artistas como Gepe, inspirado en leyendas pop como Michael Jackson o Robyn- o desde el arte visual. Con su nuevo álbum, donde colaboran talentos contemporáneos como Buscabulla, Javiera Mena, Julieta Venegas o Christina Rosenvinge, se reivindica como uno de los grandes autores de pop bailable en la actualidad.

José Fajardo

Rubén Blades con Roberto Delgado & Orquesta - Siembra 45 Aniversario (RB Productions)

Tue, 18 Jul 2023 09:42:59 +0200

"Vamos a cantarles Siembra de principio a fin, eso nunca se había hecho", advierte Rubén Blades al inicio de este álbum que celebra el 45 aniversario del álbum que cambió la historia de la salsa y hoy sigue siendo considerado como uno de los más influyentes de la música latinoamericana. Recordemos: el original Siembra se grabó en octubre de 1978 en Nueva York y salió publicado bajo el sello Fania con la producción de WAC, la firma del director de la orquesta, Willie Colón. En el año 2010 Código Music, que había comprado Fania, lanzó el disco Siembra Live, grabación inédita del concierto de marzo de 1980 en el Capitol Theater de Nueva Jersey.

Este nuevo disco también es en vivo. Es fruto del concierto de Rubén Blades acompañado por la Orquesta de Roberto Delgado en el Coliseo de Puerto Rico en mayo de 2022. Pero a pesar de los años hay un respeto profundo por la obra original, lo cual se entiende no sólo porque un cambio abrupto supondría un desconcierto entre las generaciones que han cantado sus letras por años, sino porque el Siembra original ya estaba lleno de variaciones y arreglos que el productor Colón, el ingeniero Jon Fausty y músicos como Luis Perico Ortiz hicieron de forma muy arriesgada hace 45 años.

Sin embargo, Sergio Santana, posiblemente el mayor conocedor de la obra de Blades junto a Alison Weinstock, advierte: "A pesar de que Rubén Blades aseguró en la presentación de su nuevo trabajo que los arreglos eran los mismos del disco de 1978, encontramos que estrictamente no es así: en Buscando Guayaba no aparece la parte de 'el guitarrista no vino...' y en su lugar hay un buen solo de piano. En Pedro Navaja, en la introducción, se escucha la trompeta de Perico Ortiz armonizando, que no figura en la original; esto da un sello particular a este nuevo arreglo. María Lionza comienza con una invitación a los venezolanos al regreso a su país con paz y libertad y en los soneos: 'saca a Maduro de Venezuela y dale a su pueblo la libertad'. En Siembra hay una breve invitación a enfrentar y derrotar la corrupción en nuestros países. Al igual que en Plástico se escuchan unos violines secuenciados, seguramente incorporados en el proceso de mezcla y overdubbing".

Las restantes canciones, Plástico, Ojos y Dime, mantienen el tono original, lo cual es muy de agradecer. Pero también se incluyen dos canciones que tienen una historia particular: la primera es Ligia Elena (del álbum de Colón y Blades de 1982, Canciones del Solar de los Aburridos), que hizo parte de los temas originales pensados para Siembra, pero como un merengue. Esta versión se conoció gracias a la reedición remasterizada de Siembra hecha por Emusica en 2008. Y la segunda es El Cazanguero (del álbum de 1974 El Bueno, El Malo y El Feo), que fue la primera canción que grabaron juntos Colón y Blades, cuando aún no sabían que la historia los encumbraría al pináculo de la fama.

Y vuelvo a citar a Santana: "En general es un buen trabajo, que raya la excelencia, ahí perdonan la exageración, con un buen sonido y que seguirá la senda de la grabación original e histórica. Merece comprarlo en CD o en vinilo y conservarlo como otra reliquia del inmenso Rubén Blades". Completamente de acuerdo.

José Arteaga

La Siembra - Selva Alternativa (Grabaciones Tierranegra, 2023)

Fri, 21 Jul 2023 08:13:22 +0200

Hay una conexión, invisible pero poderosa, entre el arte y el medio ambiente. Latinoamérica es una región donde, a través de la música, diversos artistas han expresado desde siempre su preocupación, amor y respeto por la naturaleza que nos rodea, cuidándonos e inspirando. Con ese objetivo el sello colombiano Grabaciones Tierranegra ha invitado a diferentes músicos del país a presentar una canción propia e inédita que hablara sobre todo esto. La convocatoria fue un éxito y de allí salieron 42 temas originales.

‘Selva Alternativa’ es la primera entrega de este proyecto que se convertirá en una trilogía, cada una dedicada a un sonido en particular, en este caso de músicas electrónicas colombianas, y les seguirá una segunda tanda de ‘Canción, Folclor y Paisaje Sonoro’ y otra consagrada a la electrónica en términos más amplios. Este menú degustación inicial sabe fresco e inspirador y demuestra que el proyecto no se queda solo en las buenas intenciones, proponiendo un viaje en torno a la inabarcable gama de colores de una escena en continua mutación como la folktrónica.

Hay chispazos de genialidad como el combo formado por el productor, cantante y compositor de Barranquilla Pernett, visionario que se adelantó al cruce de ritmos electrónicos con sonidos orgánicos inspirados en la naturaleza, junto a la orquesta con sede en Bogotá y ritmos afrobeat La BOA en el remix de Sereno de ‘La cumbia del cóndor’. También brillan con ‘Está serenando’ Julián Salazar, ex Bomba Estéreo y parte del dúo Mitú, una de las propuestas más excitantes de la música contemporánea colombiana, o con ‘Al Samaná’ el productor Dani Boom, pionero de la escena de clubes en Colombia como parte de Systema Solar y una carrera en solitario que le ha llevado a actuar en citas como el Sónar de Bogotá. ¡Lucha, conciencia y baile!

José Fajardo

Tromboranga - Salsa con Golpe

Fri, 21 Jul 2023 08:25:08 +0200

Ha pasado tiempos desde que en esta casa hablamos del primer trabajo de la banda barcelonesa de salsa Tromboranga, concretamente diez años. En aquel entonces decía el siempre recordado Enrique Romero que Tromboranga le recordaba a la famosa orquesta neoyorquina de los 70 La Conspiración, un buen ejemplo de la convivencia en un mismo espacio de dos estilos de ver y recorrer el son montuno y su apuesta decidida por el trombón, lo que nos lleva explicar su nombre, lo que nunca está de más. O mejor, a que su director Joaquín Arteaga lo explique:

"Yo tenía pensado un nombre antes de este grupo y era Tambor-anga, porque yo soy percusionista y obviamente lo que me mueve a mí es el cuero, ¿no?, y el tambor. Pero a su vez, siempre hablando con Freddy (Ramos), teníamos muchísimas ganas de tener una banda con trombones, recordando esa salsa que se hacía en los años 60, en los años 70. Y cuando llegó Vladimir (Peña) aquí a Barcelona dijimos “bueno, ya tenemos el tipo, el trombonista para la cuestión, pa’ que controle la sección de trombones”. Y me vino Trombo... Tambo-ranga… Tromboranga”.

Con nombre propio, con trombones y con salsa, Tromboranga se ha convertido en una banda referencia en el universo de la música del Caribe. La banda se formó en una ciudad mediterránea, pero está conformada en su mayoría por emigrantes y eso le da una visión global de la música, lo que se nota en todas sus producciones. Su décimo álbum, Salsa con Golpe, no es la excepción: nueve canciones que van desde la salsa dura hasta el boogaloo; esto es del montuno al funk con letras de contenido social. ¡Cómo no tenerlas en el mundo en que vivimos!

Llaman poderosamente la atención tres temas de estos nueve. El primero es No Llegues Tarde, un tema que desde los primeros acordes recuerda a Eddie Palmieri, al Conjunto Libre y a la orquesta Azabache de San Francisco. En otras palabras a la fuerza incontenible que tiene la salsa, compleja en su concepción, pero más efectiva que ninguna a la hora de poner a la gente a bailar. Joaquín explica su letra diciendo: "Dos hermanos enfrentados, un menor que busca cómo sobrevivir, mientras su hermano mayor, policía, intenta ayudarlo y llevarlo por el buen camino". El segundo es Despechada, en cuya letra suena la frase "Dicen que andas por ahí hablando de tu flow, no me gustan esas cosas". Su autor lo explica así: "Somos sinceros, no nos gusta el reaggetón, ni el mensaje que lleva". Y que mejor para anteponerle a lo "plástico" que una buena salsa.

Y el tercero es un clásico, Fanía Funché, un son de Reinaldo Bolaños, quien alguna vez contó en La Hora Faniática la historia de la canción: "Era una señora que se llamaba Epifania y le decían Fanía, y un día cocinando se molestó con alguien y le tiró harina, y a la harina en aquel tiempo le decían Funché... Al que se la tiró le ardieron los ojos y empezó a decir dicharajos. Yo no lo escuché, pero le puse algunos de mi cosecha como 'berequetesí mandiaco, Fanía, berequetesí mandiaco'". En 1964 la canción la haría famosa Johnny Pacheco en el primer disco que grabó el sello Fania.

Bienvenida tu salsa Tromboranga, diez años no son nada; muchos más y felices años están por venir.

José Arteaga

Fillas de Cassandra - ACRÓPOLE (Tremendo Audiovisual, 2023)

Mon, 24 Jul 2023 08:49:33 +0200

En la más importante renovación que ha experimentado la música en España en la historia moderna, la de la reinterpretación de las tradiciones y los sonidos de raíz desde una óptica contemporánea, Galicia juega desde al menos el último lustro un papel protagonista. Con este debut, Fillas de Cassandra se sitúan a la vanguardia de esta escena tan diversa como compacta, donde la solidaridad entre los artistas, en su mayoría de origen alternativo y con proyectos autofinanciados, prima sobre la competencia.

En las entrevistas Fillas de Cassandra se ofenden por la manía mediática de compararlas estrictamente con otros proyectos formados sólo por mujeres, como Tanxugueiras, y al mismo tiempo se reconocen en el camino que recorre esta banda que se dio a conocer fuera de Galicia gracias a Eurovisión, poniendo en el foco mainstream en esta nueva generación que canta en gallego, recupera instrumentos tradicionales y todo ello desde una visión actual, rabiosamente moderna. Pero su foco es más amplio, va de Baiuca a Berto, Xosé Lois Romero & Aliboria, Guadi Galego, A Banda da Loba, Sheila Patricia, FAIA o Neboa.

La singularidad del proyecto formado en Vigo por María Pérez y Sara Faro, ambas hijas del cambio de siglo, es su carga poética, histórica y social, al recuperar iconos femeninos de la mitología griega -Lisístrata, Antígona, Pandora, Eco o las ninfas Dafne y Syrinx- y vincular sus historias con la nueva lucha feminista. Entre el arte escénico, la performance política y un sonido moderno que mezcla panderetas y gaitas con techno, ‘ACRÓPOLE’ es uno de los discos que mejor capta el espíritu de 2023.

José Fajardo

Nickodemus - Soul & Science (Wonderwheel Recordings, 2023)

Fri, 28 Jul 2023 07:40:25 +0200

Cuando intenta definir quién es, Nickodemus suele decir que se trata de “un conector” de personas, sonidos, escenas y hasta de estímulos sensoriales. Es lo que lleva haciendo desde mediados de los 90 este DJ y productor nacido en 1980 en Nueva York, que pronto se convirtió en un referente de la entonces mal llamada escena de la world music -hoy al fin se está desterrando ese término con connotaciones imperialistas, que sitúa la otredad en la música que no es de Europa o Norteamérica.

El caso es que Nickodemus ha ido adaptándose a los cambios en el circuito de la electrónica global, de las fiestas en la Ibiza más salvaje a las grandes discotecas comerciales, de los clubes en Beirut a las rumbas callejeras en Latinoamérica. El rasgo que aún hoy le diferencia es esa idea de conexión, siempre abierto a trabajar con artistas de lo más diversos. Prueba de ello es este álbum que ha bautizado como “el más colaborativo de su carrera”, todo un crisol de los sonidos que hoy hacen bailar al planeta.

Del embriagador flamenco junto al cantaor y saxofonista español Antonio Lizana en ‘La Noche’ al funk sexy y contagioso con el vocalista camerunés Pat Kalla, el bajo de Jonathan Maron, Jungle Fire a los cuernos y Gitkin a la guitarra en ‘Mama Tchipp (Follow Me)’. A partir de ahí desfilan talentos de diversas latitudes, conectando Nueva York con América Latina, y de ahí a Europa y África, como The Illustrious Blacks, Haydee Soul, Candela All Stars, Indigo Prodigy, Barzo, Jungle Fire Horns… Una bendita locura.

José Fajardo

Junior Zamora - Drama Vol. 1 (Autoeditado, 2023)

Mon, 31 Jul 2023 11:07:13 +0200

Cali ha sido durante estos últimos años el volcán que ha agitado las esquirlas ardientes del descontento social por toda Colombia. Más allá de ser el laboratorio de las luchas populares, y de su histórica relación con la salsa, Cali es también hoy el epicentro del neo r&b en español, una escena prácticamente inédita en el país y que ha sido reivindicada por artistas de una nueva generación como Dawer X Damper, también caleños, o desde otras geografías como Lee Eye y Mabiland, e incluso la diáspora, como es el caso de Kali Uchis.

En este circuito tan novedoso como fascinante brilla la luz de un relámpago que apenas comienza a estallar, el de Junior Zamora. Artista total -canta, escribe, produce y toca su propia música-, ya deslumbró con su debut en largo ‘EGO’, de 2022. Ahora regresa con el primer episodio de la trilogía ‘Drama’, donde confirma un talento especial para contar historias con personalidad, melodías pegadizas y un envoltorio visual atractivo y diferente.

Su aparición recuerda a esa escena de hace una década en Madrid en torno a Agorazein -el colectivo de donde salió C. Tangana- por su gusto por un hip hop elegante y sensible, cargado de nostalgia y arreglos electrónicos, que mezcla íntimas historias personales con la crudeza de las calles, saliéndose de lo obvio, y su por exquisito cuidado hacia el envoltorio que rodea a la música, desde los vídeos a la estética. En el caso de Junior Zamora, además, está muy presente su identidad como un joven afro del Pacífico, una de las regiones más desiguales de Colombia, y su pasión por sonidos negros como el soul, el funk, el jazz y hasta el góspel.

José Fajardo.